Ансельм Рейле (родился в 1970 году) — немецкий художник, живущий в Берлине. Он известен своими часто крупномасштабными абстрактными картинами и скульптурами из найденных объектов. [1]
Ансельм Рейле родился в Тюбингене , Германия, в 1970 году. [2] [3] [4] Он учился в Государственной академии изящных искусств Штутгарта ; затем учился в Академии изящных искусств Карлсруэ у художника Хельмута Дорнера. [3] [4]
В 1997 году он переехал в Берлин, где основал студию совместно с Джоном Боком , Дитером Детцнером, Бертой Фишер и Мишелем Майерусом . [5]
С 1999 по 2001 год Рейл работал вместе с Клаусом Андерсеном и Дирком Беллом в совместной галерее художников «Andersen's Wohnung» и «Монпарнас» с Дирком Беллом и Тило Хайнцманном . [ нужна цитата ] После того, как он занял должность приглашенного профессора в Государственной академии дер Bildenden Künste, Карлсруэ, [ необходима цитата ] Universität der Künste , Берлин [ нужна цитата ] и Университете изящных искусств Гамбурга (HFBK Hamburg). [ нужна ссылка ] Рейл стал профессором рисунка и живописи в HFBK в Гамбурге в 2009 году. [6]
Ансельм Рейле рано заинтересовался ландшафтным дизайном и музыкой, прежде чем окончательно сосредоточиться на живописи и скульптуре. [7] Характерной чертой его работ являются различные найденные объекты, которые были оторваны от своей первоначальной функции, изменены визуально и реконтекстуализированы. Рейле работает в разных медиа, используя стратегии живописи, скульптуры и инсталляции и работая в серийных, структурированных рабочих группах. Художник использует обширную и разнообразную группу материалов, взятых как из традиционного искусства, так и из коммерческой среды, включая цветную фольгу с витрин магазинов, акриловую среду и пасты, автомобильный лак и бесполезный повседневный мусор, взятый из городских районов. [1] Удаляя эти материалы из их контекстов и маскируя их первоначальную функцию, Рейле варьирует степень, в которой каждый из них сохраняет свою соответствующую визуальную ссылку. Используя формулы присвоения, работа позволяет зрителю переключаться между моментами идентификации отдельных элементов в работе и периодами отчуждения из-за их нового контекста. Даже названия выставок и работ очень часто являются цитатами из разных областей, таких как тексты песен; они функционируют как предметы-труве репертуара художника.
«Изначально я начал заниматься жестовой живописью, но в то же время мне всегда было интересно экспериментировать с разными материалами. Для меня в обоих случаях важную роль играет совпадение, а также необходимость работать с неожиданным. После того, как мои работы стали все более концептуальными и технически совершенными в последние годы, я недавно начал снова открывать свою художественную практику для более свободного и жестового подхода. В конце концов, я думаю, что именно эти два полюса определяют мою работу». – Ансельм Рейле
Одной из самых известных серий работ Ансельма Рейле являются его «фольгированные картины» — высоко оцененные абстрактные работы, созданные с использованием фольги, размещенной и установленной в цветных плексигласовых коробках. Их мерцающая материальность соблазняет глаз получателя и стимулирует его чувство осязания, в то же время плексигласовая коробка отрицает любую возможность тактильного опыта. Динамичная поверхность этих работ подчеркивает их предметность и пространственное присутствие, хрупкие сложенные фольгой формы контрастируют с их жесткой геометрией. [1]
«Полосатые картины» — еще одна известная серия художника. Здесь Рейл систематически разрушает клише истории искусства с помощью однородных вертикальных полос краски. Он сознательно использует деструктивные элементы, такие как складки на фольге, пятно краски, служащее стандартизированной подписью, или последняя полоса, обрезанная по краю изобразительной плоскости. Его завораживает тот факт, что такая простая полосатая тема позволяет ему создавать так много и действительно впечатляющих вариаций цветовой композиции, как можно увидеть в более позднем примере с узкими полосками. С годами Рейл все чаще начал использовать фольгу, зеркала, пасты со спецэффектами и текстурированные пасты, а также включать стальные рамы в качестве стилистического элемента в свои изображения.
Несмотря на постоянную приверженность Рейла абстракции, он также экспериментирует с изобразительными мотивами. Действительно, в серии, созданной с 2010 по 2013 год, Рейл игриво исследует происхождение фигуры, явно ссылаясь на традицию «раскраски по номерам», тем самым раскрывая, как абстрактные формы могут объединяться и становиться узнаваемыми предметами из жизни. Используя стратегию, такую как в раскраске по номерам, предмет расчленяется на отдельные, серийно пронумерованные части, как головоломка, где каждому номеру назначается определенный цвет, который взаимодействует с другими полями. Затем они заполняются материалами или цветами, которые зритель может узнать из репертуара Рейла, как в его полосатых картинах или серии Отто-Фрейндлиха. Это сопоставление создает впечатление пластического рельефа с широким спектром поверхностных текстур, которое напрямую апеллирует к осязанию зрителя.
Известная серия скульптур Ансельма Рейле — так называемые «африканские скульптуры». Оригинальные формы и названия для этих групп работ заимствованы с туристических рынков и безвкусных поделок с блошиных рынков — часто из мыльного камня — которые продаются как клише африканской скульптуры. Расположенная на низком деревянном постаменте из макассара, его работа « Гармония» (2007) основана на небольшой скульптуре из мыльного камня, которую его мать купила во время визита в Африку. [7] Несмотря на дешевизну и производность, по своей формальной концепции эти формы напоминают выдающихся абстрактных скульпторов современного искусства, таких как Ганс Арп , Александр Архипенко и Генри Мур . Отчетливое влияние европейской скульптуры на эти африканские безделушки проявляется в этом предполагаемом прототипе современного пластического искусства. Рейле использует традиционные техники: увеличивает оригинальный найденный объект перед тем, как отлить его в бронзе, хромирует и лакирует его. Этот процесс создает работу с большим напряжением, поскольку традиционная техника ручной скульптуры контрастирует с высокоинженерной бронзовой работой. Предвидение зрителем техник, которые использовал Рейл для создания и преобразования объекта, имеет решающее значение для передачи этого преднамеренного парадокса.
Хотя он хорошо известен своим использованием необычных материалов и физических изменений, работа Рейла основана на исторических школах абстракции, датируемых началом 20-го века, включая Art Informel, кубизм, оп-арт, минимализм и поп-арт. И хотя Рейл часто работает в рамках традиции object trouvés, он не полагается на апроприацию, как в работах, например, Луизы Лоулер или Элейн Стертевант . Вместо этого Рейл использует свой весьма изысканный эстетический словарь, чтобы подвергнуть сомнению роль излишеств на постмодернистском рынке, разрушая и смешивая эти различные традиции неожиданными способами. Действительно, эксплуатируя оба исторических языка и одновременно разрабатывая развивающийся словарь новых промышленных практик и методов массового производства, он способен размышлять о различных «тупиках современности». [8]
Увлечение Рейла глянцевыми эффектами и декоративными материалами, взятыми из мира мерчандайзинга, обрамляет его критику китча и того, что художник описал как «хождение по канату, которое может быть болезненным на всем пути». [9] Эта критика откровенно рассматривает различие между нормативными категориями «высокого искусства» и «низкой культуры», а также вопросы, где эти крайности сливаются. Сопоставляя драгоценные материалы и мусор и передавая свое производство на аутсорсинг, Рейл способен создавать работу, которая служит свидетелем нашего времени и побуждает к размышлениям о преобладающих ценностях нашей потребительской культуры. Однако, несмотря на критику буржуазных идеалов, работа не представляет собой простую альтернативу с подлинной моральной привлекательностью и настаивает на том, чтобы иногда сохранять свой иронический тон. Создавая серийные работы, Рейл способен оспорить главенство однопанельной живописи.
Несоответствие в его работах между изначально возвышенным идеалом абстракции и, казалось бы, провокационной декоративной визуальной ориентацией порождает амбивалентное напряжение, и именно в этом пространстве форма и предмет расходятся. Спонтанность концепции и динамическая жизненность этой работы контрастируют со сложной технической трансформацией, которая сама по себе достижима только с помощью множества сложных технических процессов, используемых художником в сотрудничестве со специализированными компаниями. Аутсорсинг его художественного процесса также обнаруживается в структуре его студии, где художник нанимает команду с 2001 года. Помимо его студийной работы, интерес Рейле к экспериментам с необычными материалами также выражается в инсталляциях, ориентированных на определенные сайты, таких как его выставка «Храм кислотных матерей» в Кунстхалле Тюбингена (2009) или «Стихийный порог» (2010) в Музее Дондт Даненс, Бельгия. В 2017 году на своей персональной выставке «Высота в восемь миль» в галерее König в Берлине Рейле представил три подвесные скульптуры, вдохновленные геометрическими музыкальными колокольчиками из металла, которые можно встретить в качестве поделок на ярмарках.
В своих последних работах Рейл, кажется, еще больше склоняется к интуитивному и чувственному, развивая свой характерный формальный словарь и работая с найденными объектами. Здесь ключевую роль играет его керамика, которую он начал производить в 2016 году. Эти скульптуры с их яркими цветами и инкрустированными поверхностями вдохновлены яркими вазами Fat Lava, которые появились в 1970-х годах и вскоре оказались на блошиных рынках как китч. Рейл берет это стилистическое явление в качестве мотива, чтобы интенсивно экспериментировать с формами и глазурью и разрабатывать группу скульптур, похожих на вазы, большого формата. Для него было важно более тесно интегрировать случайность при работе с природным материалом глиной — в буквальном смысле, вы никогда точно не знаете, что выйдет из печи. Случайные дефекты часто эстетически интересны. Рейл намеренно жестикулирует; он спонтанно вмешивается в процесс, чтобы позволить некоторым дефектам произойти, он даже создает необходимые условия, которые могли бы вызвать такие дефекты: таким образом, можно открыть пространство для эстетического жеста и интерпретации. Для этого Рейле жестикуляционно истязает материал перед тем, как поместить его в печь, он добавляет царапины и трещины на поверхность, которые часто нарушают закрытую форму сосуда. Это завершается неформальным применением кипящей лавовой пасты и ярко-оранжевой или кадмиево-желтой глазури или металлических монохромных поверхностей. Так Рейле создает гибриды стилей, которые укоренены как в китче, так и в традиционных чертах современного искусства (вспомните Лучо Фонтану , например); он интуитивно раскрывает их в своей постановке, создавая при этом определенную амбивалентность.
В своей недавней серии картин художник стремится раскрыть сам процесс живописи, как он это делает в своей керамике. Многие из этих работ написаны на грубой мешковине, присутствие материальности и свободной формы снова играют важную роль. Эти картины представляют собой интенсивные концентрации противоречивой динамики; здесь Рейле разыгрывает диссонирующие цвета и материальный канон, который он разрабатывал на протяжении многих лет, в свободной абстрактной форме. Все части его ранее разработанного словаря - его фирменные жесты - можно найти в этих работах, и в то же время они сплетены в новую сложность, чтобы обрести новую интенсивность и новую визуальную эффективность.
Прошлые персональные выставки Рейле включают выставки в König Galerie, Берлин (2023 г.), Aranya Art Center Quinhuangdao (2020 г.), König Galerie (2017 г.), Galerie Almine Rech (2017 г.), Gary Tatintsian Gallery (2013 г.), Deichtorhallen Hamburg (2012 г.), Kunsthalle. Тюбинген (2009 г.); Современный институт в Глазго (2007 г.); одна из новых скульптур и картин в Кунстхаусе Цюриха (2006 г.); Галерея Гити Нурбахш, Берлин и Предприятие Гэвина Брауна , Нью-Йорк. Его первая персональная выставка в США была организована Центром искусств Де-Мойна . [10]
Работы художника в основном представлены в частных коллекциях, таких как Галерея Саатчи , Лондон, Коллекция Даймлера, Берлин, Фонд Пино, Венеция, и Коллекция семьи Рубелл, Майами.