Дрю Шифлетт (родился в 1951 году) — американский художник, живущий в Нью-Йорке. [1] Она известна своими многослойными, коллажированными конструкциями из бумаги и ткани, которые сочетают в себе рисунок, рельеф и скульптуру. [2] [3] Эти гибридные работы ручной работы, которые она называет «сконструированными рисунками», предлагают тонкие исследования поверхности, структуры и текстуры посредством внимания к материалам, интуитивным процессам и свободному узору. [4] [5] [6] Они состоят из монохромных, переплетенных секций бумаги и ткани ручной работы, на которых она рисует повторяющиеся и секционные линии и знаки, создавая медитативные, похожие на лоскутное одеяло «сетки сеток». [5] [7] [8] Критик Рафаэль Рубинштейн, описывая ее более поздние работы, заметил: «Одно из удовольствий в искусстве Шифлетт — это возможность шаг за шагом следить за ее процессом, наслаждаясь тщательностью, с которой был размещен каждый элемент, непредсказуемыми, но каким-то образом всегда уместными перерывами в узорах. Используя характерную эксцентричную модульность, [она] позволяет каждому из своих настенных произведений развиваться постепенно». [5]
Шифлетт получила стипендию Гуггенхайма в 1992 году и премию Anonymous Was A Woman Award в 2023 году. [9] [10] Ее работы выставлялись в таких местах, как Drawing Center , [11] [12] Baltimore Museum of Art , [13] SculptureCenter , [14] Weatherspoon Art Museum , [15] Kentucky Museum of Art and Craft [16] и Kunststiftung K52 (Берлин). [17]
Шифлетт родилась в Чикаго, штат Иллинойс, в 1951 году. [1] Она изучала искусство в Колумбийском колледже Чикаго (степень бакалавра, 1974) и получила степень магистра изящных искусств в Школе живописи Хоффбергера при Колледже искусств Мэрилендского института в 1978 году. [18] [7]
После окончания университета и обращения к скульптуре Шифлетт получила признание за персональные выставки на таких площадках Нью-Йорка, как Fashion Moda (1983), White Columns (1984) и The InterArt Center (1993), [19] [20] [21] и групповые выставки в Art in General , Artists Space , SculptureCenter и Snug Harbor Cultural Center , среди прочих. [22] [14] [23] [24] В 2000-х годах у нее были персональные выставки в Islip Art Museum (2004), [25] Lesley Heller Gallery в Нью-Йорке (2006–18), [3] [2] и Drawing Room (2010), Guild Hall Museum (2011) и Arts Center at Duck Creek в Ист-Хэмптоне, штат Нью-Йорк (2022). [18] [7] [26]
Она живет в Нью-Йорке и Ист-Хэмптоне. [1]
Искусство Шифлетт, включая ее скульптуру, уходит корнями в рисунок. [27] [5] В первой половине своей карьеры она создавала рельефы и скульптуры из дерева, переработанных бумажных изделий, ткани, пенополистирола , полиэстеровой набивки и папье-маше , среди прочих материалов. [28] [29] [27] Она начала изучать бумагу ручной работы в начале 2000-х годов и с тех пор сосредоточилась на своих сконструированных рисунках, сделанных из переплетенной или склеенной бумаги, марли и холста. [8] [7] Характерные черты обоих направлений работы включают: импровизационный подход к сырью; [29] наслоение элементов, которое предполагает ткачество; [3] навязчивые, повторяющиеся процессы как построения, так и создания отметок; [30] [2] и в целом беспредметный подход к изображениям, который, тем не менее, открыт для множественных ассоциаций и отсылок. [27] [5]
Критики связывают ее искусство с минималистскими работами Агнес Мартин , Роберта Раймана и Алана Шилдса , а также с пост-минималистскими и феминистскими художниками, которые используют самостоятельно изобретенные процессы, основанные на ремесле и домашней сфере, такими как Ева Гессе , Ли Бонтеку и Рут Асава . [7] [5]
В первые два десятилетия своей карьеры Шифлетт создала широкий спектр трехмерных работ, включая большие рельефы, конструкции, похожие на лодки или гробы, и сложные конструкции, сравниваемые с «мифическими мирами или внутренней архитектурой» [25] и «пейзажами в стиле бриколаж». [31] [22] [19] Эти скульптуры отличались слоистостью разнообразного сырья и низкотехнологичным подходом к строительству «сделай сам» . [29] [27] [28] В них она часто создавала контрасты между преднамеренной беспорядочностью своей сборки и «нетронутой» монохромностью своих материалов (например, пенопласта и тюля), а также между построением объема из в основном одномерных (плоских) материалов. [27]
Конструкции Шифлетта 1980-х годов варьировались от чисто абстрактных до фигуративных работ, таких как «Большая рыба» (1985), массивный, фактурный рельеф из акрила, дерева и бумаги, который включал похожий на камею, графический портрет большой рыбы и небольшой пары. [19] [22] В следующем десятилетии на первый план вышли смутные архитектурные и механистические аллюзии и материалы, такие как пенополистирол и полиэстеровая набивка. [27] [32] Эти работы чередовались между причудливыми, похожими на сборки работами, такими как « Волосатый розовый» (1990, описанный как демонстрирующий «дерзкую гастоновскую глупость») [3] [28] и сложными, пространственно сложными скульптурами, достаточно эластичными, чтобы вызывать как призрачные святые места, так и трехмерные абстрактные картины (например, «Замок/Вырез» , 1993). [33] [27] [29] Критик Нэнси Принсенталь подробно остановилась на этом качестве, написав: «Хотя аддитивный процесс Шифлетта медленный и трудоемкий, его целью являются не устоявшиеся контуры или стабильная масса, а скорее грубо высеченные формы, которые кажутся такими же структурно и психологически текучими, как современный город». [27]
Шифлетт клала свои более поздние скульптуры на пол или накидывала их на рамы, напоминающие ткацкие станки или мольберты. Несмотря на объем тяжелой драпировки, они описывались как воздушные и невесомые, с терминологией параллельной штриховки, которая стала центральной в ее сконструированных рисунках. [7] [34] «Языки » (2000) предлагали ряд намеков с придаточными формами, которые напоминали рычаги, педали или архитектурные детали; «Скульптура-мольберт № 2» (2000) была ироничной навигацией пространства между картиной и объектом, как по форме, так и по названию. [7] [34]
«Сконструированные рисунки» Шифлетт относятся к началу 2000-х годов. Они сочетают в себе рельеф, коллаж и рисунок. [35] [2] Она собирает их в разноцветные, многослойные сетки из бумаги ручной работы и марли, которые она переплетает и соединяет клеем и бумажной массой. [7] [8] [5] Затем она кропотливо рисует тонкие сетки дрожащих, повторяющихся знаков, линий и горизонтальных цветных полос на структурах (используя графит, чернила, мелки Конте или акварель), которые объединяются в полупрозрачные, ритмичные холсты мягкой органической геометрии. [25] [36] [7] [2] Узоры варьируются, переходя от сплошных эффектов к плотным и рассеянным проходам или секциям, собранным вместе в стиле пэчворк. [5] [7]
Критики характеризуют подход Шифлетт как интуитивный и преднамеренный, с чувством строгости и точности в создании отметок и принятием «беспорядочной, неловкой импровизации» [2] и счастливой случайности (например, Untitled #53 , 2008). [7] [4] Питер Франк отметил: «Несмотря на явно трудоемкие методы сборки художника, физический результат этих методов легкий, изящный и, по-видимому, не требующий усилий». [35] Шифлетт разрабатывает каждую часть органично, оставляя видимые свидетельства своих добавлений, вычитаний и особенностей конструкции, таких как коробление и расслоение. [7] [16] [5] [2] Ее приглушенный хроматический и тональный диапазон подчеркивает живые, сморщенные поверхности, ритмы, текстуры и тонкую атмосферу работы. [12] [7] Рафаэль Рубинштейн заметил: «Ее симфонии белого цвета, подчеркнутые сепиями, серыми тонами и, что особенно важно, тенями, отбрасываемыми перекрестно наложенными полосками бумаги или холста, не вставляют никаких мешающих веществ, никаких отвлекающих цветов между нашими глазами и исходными материалами». [5]
Хотя рисунки абстрактны, их аллюзии сильно различаются (например, Untitled #98 , 2023); среди обсуждаемых — архитектурные картины (например, колоннады, дверные проемы или арки), пейзажи, тканые материалы и слоистые пласты геологического времени. [2] [4] [7] [37] [36] Критики сравнивали волнистые, надписанные работы, такие как Untitled #62 (2011) или Untitled #66 (2012) , например, с клетчатыми тканями или жатой тканью и отмечали сходство между их тонкими, слегка волнистыми линиями и нитями; [38] [7] [16] [12] Newsday назвал другие работы «псевдотекстилем» или «замороженными гобеленами». [36] На более аналитическом уровне авторы выявляют сложное взаимодействие между внутренней структурой и тактильной поверхностью (изображением) — различие, которое иногда затмевается — которое ее работа разделяет с ткаными материалами. [5] В 2009 году dArt International сравнил навязчиво растянутые разграничения — свободно разделенные базовыми геометрическими фигурами — на выставке Шифлетт в Lesley Heller с фрагментами древнего гобелена или греко-римскими руинами (например, Колизеем, мостом или водопроводом), иссушенными солнцем и временем. В обзоре отмечалось: «Они содержат медитативную торжественность; в повторяющемся акте их импровизационного творения есть сдержанное красноречие, которое заставляющее размышлять, как визуальная мантра». [4]
Обзоры последующих выставок в Guild Hall Museum (2011) и Lesley Heller (2012, 2017) расширили эти темы, отметив, что работа отмечает время способами, которые предполагают вневременность и язык. [30] [7] [2] [5] Элиза Декер из Art in America прокомментировала: «Рисунки Шифлетт представляют собой метафору человеческого состояния; они сдержанны, но в то же время обладают экспансивным качеством, которое предполагает, что они могут продолжаться и продолжаться». [2] Куратор Джанет Голеас предположила, что поля горизонтальности Шифлетт отражают влияние письменного слова на ее восприятие структуры. [25] Неудивительно, что несколько авторов сравнивают ее создание отметок с частным формальным лексиконом — рунами , топографическими символами, метками — или вычислительным языком, кажущимся читаемым, но устойчивым к расшифровке. [35] [2] [5] Детали, похожие на заплатки и повязки, в некоторых более поздних работах описываются как вызывающие ассоциации с ценными артефактами (например, информационными тканями инков или африканской тканью кенте ), которые передавались из поколения в поколение и постоянно ремонтировались. [5]
Шифлетт получила премию Мемориального фонда Джона Саймона Гуггенхайма (1992), премию Anonymous Was A Woman Award (2023) и гранты от Нью-Йоркского фонда искусств (1990, 2009, за скульптуру и рисунок соответственно) и Фонда искусств Средней Атлантики / Национального фонда искусств (1993, за скульптуру). [9] [1] [8] [39] Ее работы находятся в частных и государственных коллекциях, включая Балтиморский музей искусств , коллекцию Фрэнсиса Дж. Гринбергера , музей Гилд-Холла и художественный музей Айслипа. [40] [1]