История театра отображает развитие театра за последние 2500 лет. Хотя элементы перформанса присутствуют в каждом обществе, принято признавать различие между театром как формой искусства и развлечения, и театральными или перформансными элементами в других видах деятельности. История театра в первую очередь связана с происхождением и последующим развитием театра как автономной деятельности. Начиная с классических Афин в V веке до нашей эры, яркие традиции театра процветали в культурах по всему миру. [1]
Нет никаких убедительных доказательств того, что театр произошел от ритуала, несмотря на сходство между исполнением ритуальных действий и театром и значимость этой связи. [2] Это сходство раннего театра с ритуалом отрицательно засвидетельствовано Аристотелем , который в своей «Поэтике» определил театр в отличие от представлений священных мистерий : театр не требовал от зрителя поститься, пить кикеон или маршировать в процессии; однако театр напоминал священные мистерии в том смысле, что он приносил очищение и исцеление зрителю посредством видения, theama . Физическое место таких представлений соответственно называлось theatron . [3]
По мнению историков Оскара Брокетта и Франклина Хильди, ритуалы обычно включают элементы, которые развлекают или доставляют удовольствие, такие как костюмы и маски , а также искусные исполнители. По мере того, как общества становились все более сложными, эти зрелищные элементы начали разыгрываться в неритуальных условиях. Когда это произошло, были сделаны первые шаги к театру как автономной деятельности. [4]
Греческий театр, наиболее развитый в Афинах, является корнем западной традиции; театр — слово греческого происхождения. [2] Он был частью более широкой культуры театральности и представления в классической Греции , которая включала фестивали , религиозные ритуалы , политику , право , атлетику и гимнастику, музыку , поэзию , свадьбы, похороны и симпозиумы . [6] [a] Участие во многих фестивалях города-государства — и посещение Городских Дионисий в качестве зрителя (или даже участника театральных постановок) в частности — было важной частью гражданства . [7] Гражданское участие также включало оценку риторики ораторов , свидетельствуемой в выступлениях в суде или политическом собрании , оба из которых понимались как аналоги театра и все больше впитывали его драматический словарь. [8] Театр Древней Греции состоял из трех типов драмы : трагедии , комедии и сатировской пьесы . [9]
Афинская трагедия — древнейшая сохранившаяся форма трагедии — это тип танцевальной драмы, которая составляла важную часть театральной культуры города-государства. [10] [b] Возникнув где-то в VI веке до н. э., она расцвела в V веке до н. э. (с конца которого она начала распространяться по всему греческому миру) и продолжала быть популярной до начала эллинистического периода . [11] [c] Ни одна трагедия VI века и только 32 из более чем тысячи, которые были исполнены в V веке, не сохранились. [12] [d] У нас есть полные тексты, дошедшие до нас от Эсхила , Софокла и Еврипида . [13] [e] Истоки трагедии остаются неясными, хотя к V веку она была институционализирована в соревнованиях ( агонах ), проводимых как часть празднеств в честь Диониса ( бога вина и плодородия ). [14] В качестве участников конкурса Городских Дионисий (самого престижного из фестивалей для постановки драмы) драматурги должны были представить тетралогию пьес (хотя отдельные произведения не обязательно были связаны сюжетом или темой), которая обычно состояла из трех трагедий и одной сатировской пьесы. [15] [f] Представление трагедий на Городских Дионисиях, возможно, началось еще в 534 г. до н. э.; официальные записи ( didaskaliai ) начинаются с 501 г. до н. э., когда была введена сатировская пьеса. [16] [g] Большинство афинских трагедий драматизируют события из греческой мифологии , хотя «Персы », в которых инсценируется персидский ответ на известие об их военном поражении в битве при Саламине в 480 г. до н. э., являются заметным исключением в сохранившейся драме. [17] [h] Когда Эсхил получил за нее первую премию на Городских Дионисиях в 472 г. до н. э., он писал трагедии уже более 25 лет, однако его трагическое изложение недавней истории является самым ранним сохранившимся примером драмы. [18] Более 130 лет спустя философ Аристотель проанализировал афинскую трагедию V века в старейшем сохранившемся труде по теории драмы — своей «Поэтике» (ок. 335 г. до н. э.). Афинская комедия условно делится на три периода: «Старая комедия», «Средняя комедия» и «Новая комедия». Древняя комедия сохранилась сегодня в основном в виде одиннадцати сохранившихся пьес Аристофана , в то время как Средняя комедия в значительной степени утрачена (сохранилась только в относительно коротких фрагментах у таких авторов, как Афиней из Навкратиса ). Новая комедия известна в основном по существенным фрагментам папирусов пьес Менандра . Аристотель определил комедию как изображение смешных людей, которое включает в себя какую-то ошибку или уродство, которые не вызывают боли или разрушения. [19]
_-_Napoli_MAN_9019.jpg/1280px-Wall_painting_-_actor_and_two_muses_-_Herculaneum_(insula_orientalis_II_-_palaestra_-_room_III)_-_Napoli_MAN_9019.jpg)
Западный театр значительно развился и расширился при римлянах . Римский историк Ливий писал, что римляне впервые познакомились с театром в 4 веке до н. э., с представлением этрусских актеров. [20] Бичем утверждает, что римляне были знакомы с «дотеатральными практиками» за некоторое время до этого зафиксированного контакта. [21] Театр Древнего Рима был процветающей и разнообразной формой искусства, начиная от праздничных представлений уличного театра , обнаженных танцев и акробатики, до постановки широко привлекательных комедий положений Плавта и высококлассных , словесно сложных трагедий Сенеки . Хотя в Риме была исконная традиция представления, эллинизация римской культуры в 3 веке до н. э. оказала глубокое и энергичное воздействие на римский театр и способствовала развитию латинской литературы высочайшего качества для сцены.
После расширения Римской республики (509–27 гг. до н. э.) на несколько греческих территорий между 270 и 240 гг. до н. э., Рим столкнулся с греческой драмой . [22] С более поздних лет республики и посредством Римской империи (27 г. до н. э. - 476 г. н. э.) театр распространился на запад по всей Европе, вокруг Средиземноморья и достиг Англии; римский театр был более разнообразным, обширным и сложным, чем театр любой другой культуры до него. [23] Хотя греческая драма продолжала исполняться на протяжении всего римского периода, 240 г. до н. э. знаменует начало регулярной римской драмы. [22] [i] Однако с началом империи интерес к полноформатной драме пошел на убыль в пользу более широкого спектра театральных развлечений. [24]
Первыми важными произведениями римской литературы были трагедии и комедии, которые Ливий Андроник писал с 240 г. до н. э. [25] Пять лет спустя Гней Невий также начал писать драму. [25] Ни одна пьеса ни одного из этих писателей не сохранилась. Хотя оба драматурга сочиняли в обоих жанрах , Андроник был наиболее ценим за свои трагедии, а Невий за свои комедии; их преемники, как правило, специализировались на одном или другом, что привело к разделению последующего развития каждого типа драмы. [25] К началу II в. до н. э. драма прочно обосновалась в Риме, и была сформирована гильдия писателей ( collegium poetarum ). [26]
Римские комедии, которые сохранились, все являются fabula palliata (комедиями, основанными на греческих сюжетах) и принадлежат двум драматургам: Тит Макций Плавт (Плавт) и Публий Теренций Афер (Теренций). [27] Перерабатывая греческие оригиналы, римские комические драматурги упразднили роль хора в разделении драмы на эпизоды и ввели музыкальное сопровождение к ее диалогу (от одной трети диалога в комедиях Плавта и двух третей в комедиях Теренция). [28] Действие всех сцен происходит на улице, и его осложнения часто следуют из подслушивания . [28] Плавт, более популярный из них, писал между 205 и 184 годами до нашей эры, и сохранилось двадцать его комедий, из которых наиболее известны его фарсы ; им восхищались за остроумие его диалогов и использование им различных поэтических размеров . [29] Все шесть комедий, написанных Теренцием между 166 и 160 годами до н. э., сохранились; сложность его сюжетов, в которых он часто объединял несколько греческих оригиналов, иногда осуждалась, но его двойные сюжеты позволяли утонченно представлять контрастное человеческое поведение. [29]
Ни одна ранняя римская трагедия не сохранилась, хотя в свое время она пользовалась большим уважением; историки знают трех ранних трагиков — Квинта Энния , Марка Пакувия и Луция Ацция . [28] Со времен империи сохранились работы двух трагиков — один из них является неизвестным автором, а другой — философом-стоиком Сенекой . [30] Сохранилось девять трагедий Сенеки, все из которых являются fabula crepidata (трагедии, адаптированные с греческих оригиналов); его «Федра» , например, была основана на «Ипполите » Еврипида . [31] Историки не знают, кто написал единственный сохранившийся пример fabula praetexta (трагедии, основанной на римских сюжетах), «Октавию» , но в прежние времена ее ошибочно приписывали Сенеке из-за его появления в качестве персонажа в трагедии. [30]
В отличие от древнегреческого театра, театр в Древнем Риме допускал женщин-актрис. В то время как большинство из них были заняты танцами и пением, известно, что меньшинство актрис исполняло роли говорящих, и были актрисы, которые добились богатства, славы и признания за свое искусство, такие как Эухарис , Дионисия , Галерия Копиола и Фабия Арета : они также создали свою собственную актерскую гильдию, Sociae Mimae , которая, очевидно, была довольно богатой. [32]
По мере того как Западная Римская империя приходила в упадок в IV и V веках, резиденция Римской власти переместилась в Константинополь и Восточную Римскую империю , сегодня называемую Византийской империей . Хотя сохранившихся свидетельств о византийском театре немного, существующие записи показывают, что пантомима , сцены или декламации из трагедий и комедий , танцы и другие развлечения были очень популярны. В Константинополе было два театра, которые использовались вплоть до V века. [33] Однако истинное значение византийцев в театральной истории заключается в сохранении ими многих классических греческих текстов и составлении массивной энциклопедии под названием Суда , из которой получен большой объем современной информации о греческом театре.
С V века Западная Европа погрузилась в период всеобщего беспорядка, который продолжался (с кратким периодом стабильности в империи Каролингов в IX веке) до X века. Таким образом, большинство организованных театральных представлений исчезло в Западной Европе . [ требуется ссылка ] Хотя кажется, что небольшие кочевые группы путешествовали по Европе в течение всего периода, выступая везде, где могли найти публику, нет никаких доказательств того, что они создавали что-либо, кроме грубых сцен. [34] Эти исполнители были осуждены Церковью в Темные века , поскольку они считались опасными и языческими.
К раннему Средневековью церкви в Европе начали ставить драматические версии определенных библейских событий в определенные дни года. Эти драматизации были включены для того, чтобы оживить ежегодные празднования. [35] Символические объекты и действия — облачения , алтари , кадильницы и пантомима , исполняемая священниками — напоминали о событиях, которые празднует христианский ритуал. Это были обширные наборы визуальных знаков, которые можно было использовать для общения с в основном неграмотной аудиторией. Эти представления превратились в литургические драмы , самой ранней из которых является пасхальный троп «Кого ты ищешь» (Quem-Quaeritis) , датируемый примерно 925 годом. [35] Литургическая драма исполнялась в ответ двумя группами и не включала актеров, изображающих персонажей. Однако где-то между 965 и 975 годами Этельвольд Винчестерский составил Regularis Concordia (Монастырское соглашение) , которое содержит пьесу с инструкциями по исполнению. [36]
Хросвита (ок. 935 – 973), канонисса из северной Германии , написала шесть пьес, смоделированных по комедиям Теренция, но с использованием религиозных сюжетов. Эти шесть пьес – Авраам , Каллимах, Дульцитий, Галликан, Пафнутий и Сапиенция – являются первыми известными пьесами, написанными женщиной-драматургом, и первыми идентифицируемыми западными драматическими произведениями постклассической эпохи. [36] Они были впервые опубликованы в 1501 году и оказали значительное влияние на религиозные и дидактические пьесы шестнадцатого века. За Хросвитой последовала Хильдегарда Бингенская (ум. 1179), бенедиктинская аббатиса, которая написала латинскую музыкальную драму под названием Ordo Virtutum в 1155 году.
С прекращением вторжений викингов в середине XI века литургическая драма распространилась от России до Скандинавии и Италии . Только на оккупированном мусульманами Пиренейском полуострове литургические драмы вообще не ставились. Несмотря на большое количество литургических драм, сохранившихся с того периода, во многих церквях ставилась только одна или две в год, а в большем количестве церквей их вообще не ставилось. [37]
Праздник дураков был особенно важен в развитии комедии. Праздник перевернул статус низшего духовенства и позволил им высмеивать своих начальников и рутину церковной жизни. Иногда пьесы ставились как часть события, и определенная доля бурлеска и комедии проникала в эти представления. Хотя комические эпизоды должны были действительно ждать отделения драмы от литургии, Праздник дураков, несомненно, оказал глубокое влияние на развитие комедии как в религиозных, так и в светских пьесах. [38]
Исполнение религиозных пьес вне церкви началось где-то в XII веке посредством традиционно принятого процесса слияния коротких литургических драм в более длинные пьесы, которые затем переводились на народный язык и исполнялись мирянами. «Мистерия Адама» (1150) подтверждает эту теорию, поскольку ее подробная сценическая постановка предполагает, что она была поставлена на открытом воздухе. Сохранился ряд других пьес того периода, включая «La Seinte Resurrection» ( нормандскую ), «The Play of the Magi Kings» ( испанскую ) и «Sponsus» ( французскую ).
Значение Высокого Средневековья в развитии театра заключалось в экономических и политических изменениях, которые привели к образованию гильдий и росту городов. Это привело к значительным изменениям в Позднем Средневековье . На Британских островах пьесы ставились примерно в 127 различных городах в Средние века. Эти народные мистерии были написаны циклами из большого количества пьес: Йорк (48 пьес), Честер (24), Уэйкфилд (32) и Неизвестный (42). Большее количество пьес сохранилось во Франции и Германии в этот период, и некоторые типы религиозных драм ставились почти в каждой европейской стране в Позднем Средневековье . Многие из этих пьес содержали комедию, дьяволов , злодеев и клоунов . [39]
Большинство актеров в этих пьесах были набраны из местного населения. Например, в Валансьене в 1547 году более 100 ролей были назначены 72 актерам. [40] Пьесы ставились на сценах- фургонах , которые представляли собой платформы, установленные на колесах, используемые для перемещения декораций. Часто предоставляя свои собственные костюмы, любители-исполнители в Англии были исключительно мужчинами, но в других странах были исполнительницы женского пола. Сцена-платформа, которая была неопределенным пространством, а не определенным местом действия, позволяла резко менять местоположение.
Моральные пьесы появились как отдельная драматическая форма около 1400 года и процветали до 1550 года. Самая интересная моральная пьеса [ по мнению кого? ] - это Замок Настойчивости , которая изображает прогресс человечества от рождения до смерти. Однако самая известная моральная пьеса и, возможно, самая известная средневековая драма - это Каждый человек . Каждый человек получает вызов Смерти , изо всех сил пытается спастись и, наконец, смиряется с необходимостью. По пути его покидают Родня , Добро и Братство - только Добрые Дела идут с ним в могилу.
В Средние века также ставилось множество светских представлений, самым ранним из которых является «Пьеса Гринвуда» Адама де ла Галля 1276 года. Она содержит сатирические сцены и фольклорный материал, такой как феи и другие сверхъестественные явления. Фарсы также резко возросли в популярности после 13-го века. Большинство этих пьес происходят из Франции и Германии и похожи по тону и форме, подчеркивая секс и телесные выделения. [41] Самым известным драматургом фарсов является Ганс Сакс (1494–1576), написавший 198 драматических произведений. В Англии «Вторая пьеса пастухов» цикла «Уэйкфилд» является самым известным ранним фарсом. Однако фарс не появлялся независимо в Англии до 16-го века с работой Джона Хейвуда (1497–1580).
Значимым предшественником развития елизаветинской драмы были Палаты риторики в Нидерландах . [42] Эти общества занимались поэзией , музыкой и драмой и проводили конкурсы, чтобы определить, какое общество сможет составить лучшую драму по заданному вопросу.
В конце позднего Средневековья в Англии и Европе начали появляться профессиональные актеры . Ричард III и Генрих VII оба содержали небольшие труппы профессиональных актеров. Их пьесы ставились в Большом зале резиденции дворянина, часто с возвышенной платформой на одном конце для зрителей и «экраном» на другом для актеров. Также важными были пьесы ряженых , исполнявшиеся во время рождественского сезона, и придворные маски . Эти маски были особенно популярны во время правления Генриха VIII , который построил Дом пиров и основал Управление пиров в 1545 году. [43]
Конец средневековой драмы наступил из-за ряда факторов, включая ослабление власти католической церкви , протестантскую Реформацию и запрет религиозных пьес во многих странах. Елизавета I запретила все религиозные пьесы в 1558 году, а пьесы большого цикла были замолчаны к 1580-м годам. Аналогичным образом религиозные пьесы были запрещены в Нидерландах в 1539 году, в Папской области в 1547 году и в Париже в 1548 году. Отказ от этих пьес разрушил международный театр, который существовал до этого, и заставил каждую страну развивать свою собственную форму драмы. Это также позволило драматургам обратиться к светским темам, а возрождающийся интерес к греческому и римскому театру предоставил им прекрасную возможность. [43]
Commedia dell'arte ( букв. « комедия профессии » ) [44] была ранней формой профессионального театра, происходящей из итальянского театра , который был популярен по всей Европе между 16 и 18 веками. [45] [46] Раньше он назывался «итальянской комедией» на английском языке и также известен как commedia alla maschera , commedia improvviso и commedia dell'arte all'improvviso . [47] Характеризуемая замаскированными «типами», комедия была ответственна за рост актрис, таких как Изабелла Андреини [48] и импровизированных представлений, основанных на зарисовках или сценариях. [49] [50] Комедия, такая как «Зубочист» , является как сценарием, так и импровизацией. [49] [51] Появление и уход персонажей сценарию. Особая характеристика комедии — lazzo , шутка или «что-то глупое или остроумное», обычно хорошо известная исполнителям и в некоторой степени являющаяся заранее прописанной рутиной. [51] [52] Другая характеристика комедии — пантомима , которую в основном использует персонаж Арлекино, теперь более известный как Арлекин . [53]
Персонажи комедии обычно представляют собой фиксированные социальные типы и шаблонные характеры , такие как глупые старики, коварные слуги или военные офицеры, полные фальшивой бравады . [49] [54] Персонажи - это преувеличенные "реальные персонажи", такие как всезнающий доктор по имени Il Dottore , жадный старик по имени Pantalone или идеальные отношения, такие как Innamorati . [48] Было создано много трупп для представления комедии , включая I Gelosi (в которой были такие актеры, как Андреини и ее муж Франческо Андреини ), [55] Труппа Confidenti, Труппа Desioi и Труппа Fedeli. [48] [49] Комедия часто исполнялась на открытом воздухе на платформах или в популярных местах, таких как пьяцца ( городская площадь ). [47] [49] Форма театра возникла в Италии, но путешествовала по всей Европе - иногда даже до Москвы. [56]
Генезис комедии может быть связан с карнавалом в Венеции , где автор и актер Андреа Кальмо создал персонажа Il Magnifico, предшественника vecchio (старик) Панталоне, к 1570 году. В сценарии Фламинио Скала , например, Il Magnifico сохраняется и взаимозаменяем с Панталоне в XVII веке. Хотя персонажи Кальмо (включая испанского Капитано и тип dottore ) не носили масок, неясно, в какой момент персонажи надевали маски. Однако связь с карнавалом (период между Богоявлением и Пепельной средой ) предполагает, что ношение масок было условностью карнавала и применялось в какой-то момент. Традиция в Северной Италии сосредоточена во Флоренции , Мантуе и Венеции, где основные компании находились под защитой различных герцогов . Одновременно на юге появилась неаполитанская традиция, в которой фигурировала выдающаяся сценическая фигура Пульчинелла , которая долгое время ассоциировалась с Неаполем и получила различные типы в других местах — наиболее известная как кукольный персонаж Панч (из одноименного шоу «Панч и Джуди ») в Англии.
Комедия дель арте позволила профессиональным женщинам выступать на ранних этапах: Лукреция Ди Сиена , чье имя указано в контракте актеров от 1564 года, упоминается как первая итальянская актриса, известная по имени, наряду с Винченцой Армани и Барбарой Фламиния, которые были первыми примадонной и хорошо известными актрисами в Европе. [57]
Английский театр эпохи Возрождения произошел от нескольких средневековых театральных традиций, таких как мистерии, которые были частью религиозных праздников в Англии и других частях Европы в Средние века. Другие источники включают « моральные пьесы » и «университетскую драму», которая пыталась воссоздать афинскую трагедию. Итальянская традиция комедии дель арте , а также сложные маски, часто демонстрируемые при дворе, также внесли свой вклад в формирование публичного театра.
Еще до правления Елизаветы I труппы игроков были прикреплены к домам ведущих аристократов и исполняли светские пьесы сезонно в разных местах. [58] Они стали основой для профессиональных игроков, выступавших на елизаветинской сцене. Гастроли этих игроков постепенно заменили выступления мистерий и моралите местными актерами. [58] Закон 1572 года устранил любые нелицензированные компании, не имевшие формального покровительства, назвав их бродягами . [58]
Власти лондонского Сити в целом были враждебны к публичным выступлениям, но их враждебность перевешивалась любовью королевы к пьесам и поддержкой Тайного совета. [59] Театры возникали в пригородах, особенно в районе Саутуарк, доступном через Темзу для городских жителей, но вне контроля властей. Компании продолжали делать вид, что их публичные выступления были всего лишь репетициями для частых представлений перед королевой, но в то время как последнее действительно придавало престиж, первое было реальным источником дохода для профессиональных актеров.
Наряду с экономикой профессии характер драмы изменился к концу периода. При Елизавете драма была единым выражением того, что касалось социального класса: двор смотрел те же пьесы, которые простолюдины видели в общественных театрах. С развитием частных театров драма стала больше ориентироваться на вкусы и ценности аудитории высшего класса. К концу правления Карла I для общественных театров писалось мало новых пьес, которые поддерживались накопленными произведениями предыдущих десятилетий. [60]
Пуританская оппозиция сцене (подкрепленная аргументами ранних отцов церкви, которые писали тирады против декадентских и жестоких развлечений римлян) утверждала не только, что сцена в целом была языческой , но и что любая пьеса, представляющая религиозную фигуру, была по своей сути идолопоклоннической . В 1642 году, в начале Английской гражданской войны , пуританские власти запретили постановку всех пьес в пределах города Лондона. Масштабное наступление на предполагаемую безнравственность театра сокрушило все, что оставалось в Англии от драматической традиции.
Если протестантизм характеризовался амбивалентным отношением к театральности, то контрреформационный католицизм должен был использовать его для явно аффективных и евангельских целей. [61] Декоративные новшества барочных католических церквей развивались симбиотически со все более изощренным искусством сценографии . Средневековые театральные традиции могли сохраняться и развиваться в католических странах, где бы они ни считались назидательными. Sacre rappresentazioni в Италии и празднования Тела Христова по всей Европе являются примерами этого. Autos sacramentales , одноактные пьесы в центре празднований Тела Христова в Испании, дали конкретную и триумфальную реализацию абстракций католического евхаристического богословия , наиболее известное в руках Педро Кальдерона де ла Барки . Хотя акцент на предопределении в протестантском богословии привел к новому пониманию фатализма в классической драме , этому можно было противодействовать. Сама идея трагикомедии была спорной, поскольку жанр был постклассическим развитием, но трагикомедии стали популярной формой Контрреформации, поскольку они подходили для демонстрации благотворных действий божественного провидения и одобрения концепции свободной воли . «Il pastor fido » Джованни Баттиста Гварини (Верный пастырь, написанный в 1580-х годах, опубликованный в 1602 году) был самой влиятельной трагикомедией того периода, в то время как Тирсо де Молина особенно примечателен тем, что изобретательно подрывал смысл своих трагических сюжетов с помощью комических концовок. Подобное теологически мотивированное опровержение общих ожиданий лежит в основе tragœdiæ sacræ , таких как «Ermenegildo » Франческо Сфорца Паллавичино . [61] Этот тип священной трагедии развился из средневековых драматизаций жизни святых; в них главные герои-мученики умирают одновременно трагически и триумфально. Усиливая поощрение культов мученичества со стороны контрреформационного католицизма, такие пьесы могли бы прославлять современных деятелей, таких как сэр Томас Мор — герой нескольких драм по всей Европе — или использоваться для разжигания националистических настроений. [61]
.jpg/1280px-Las_Glorias_Nacionales,_1852_%22D._Pedro_Calder%C3%B3n_de_la_Barca%22_(4013195639).jpg)
В течение своего Золотого века , примерно с 1590 по 1681 год, [62] Испания увидела монументальный рост производства живого театра, а также значимости театра в испанском обществе. Это была доступная форма искусства для всех участников Ренессанса в Испании, будучи как активно спонсируемой аристократическим классом, так и широко посещаемой низшими классами. [63] Объем и разнообразие испанских пьес во время Золотого века были беспрецедентными в истории мирового театра, превосходя, например, драматическую постановку английского Ренессанса по крайней мере в четыре раза. [62] [63] [64] Хотя этот объем был как источником критики, так и похвалы испанскому театру Золотого века за то, что он подчеркивал количество перед качеством, [65] большое количество из 10 000 [63] - 30 000 [65] пьес этого периода по-прежнему считаются шедеврами. [66] [67]
Среди крупных художников того периода были Лопе де Вега , современник Шекспира, часто и одновременно с ним считавшийся его параллелью для испанской сцены, [68] и Кальдерон де ла Барка , изобретатель сарсуэлы [69] и преемник Лопе как выдающийся испанский драматург. [70] Жиль Висенте , Лопе де Руэда и Хуан дель Энсина помогли заложить основы испанского театра в середине шестнадцатого века, [71] [72] [73] в то время как Франсиско де Рохас Соррилья и Тирсо де Молина внесли значительный вклад во второй половине Золотого века. [74] [75] Среди важных исполнителей были Лопе де Руэда (ранее упомянутый среди драматургов), а позднее Хуан Рана. [76] [77]
Источники влияния на формирующийся национальный театр Испании были столь же разнообразны, как и театр, который в конечном итоге создала эта страна. Традиции повествования, берущие начало в итальянской комедии дель арте [78] и уникальное испанское выражение развлечений странствующих менестрелей Западной Европы [79] [80] внесли популистское влияние на повествования и музыку, соответственно, раннего испанского театра. Нео-аристотелевская критика и литургические драмы, с другой стороны, внесли литературные и моралистические перспективы. [81] [82] В свою очередь, испанский театр Золотого века оказал значительное влияние на театр последующих поколений в Европе и во всем мире. Испанская драма оказала немедленное и значительное влияние на современное развитие английского театра эпохи Возрождения . [66] Она также оказала длительное влияние на театр во всем испаноязычном мире. [83] Кроме того, все большее число произведений переводится, увеличивая охват испанского театра Золотого века и укрепляя его репутацию среди критиков и покровителей театра. [84]
Известные драматурги:
Греческий театр был жив и процветал на острове Крит. В эпоху критского Возрождения два известных греческих драматурга Георгиос Хортацис и Вицентзос Корнарос присутствовали во второй половине 16-го века. [85] [86]
После того, как публичные сценические выступления были запрещены пуританским режимом в течение 18 лет, повторное открытие театров в 1660 году ознаменовало возрождение английской драмы. С восстановлением монархии в 1660 году произошло восстановление и повторное открытие театра. Английские комедии, написанные и поставленные в период Реставрации с 1660 по 1710 год, в совокупности называются «Комедии Реставрации». Комедия Реставрации печально известна своей сексуальной откровенностью, качеством, поощряемым лично Карлом II (1660–1685) и распутным аристократическим этосом его двора . Впервые женщинам разрешили играть, что положило конец практике, когда мальчики-актеры брали на себя роли женщин. Социально разнообразная аудитория включала как аристократов, их слуг и прихлебателей, так и значительную часть среднего класса. Зрители Реставрации любили видеть доброе торжество в своих трагедиях и восстановление законного правительства. В комедиях им нравилось видеть любовные истории молодых и модных людей, в центре которых была пара, успешно завершающая свои ухаживания (часто преодолевая сопротивление старших). Героини должны были быть целомудренными, но независимыми и откровенными; теперь, когда их играли женщины, у драматурга было больше возможностей переодеть их в мужскую одежду или дать им возможность едва не стать жертвой изнасилования. Этих зрителей комедии привлекали актуальные сюжеты, насыщенные и оживленные сюжеты , появление первых профессиональных актрис и появление первых знаменитых актеров. Для тех, кто не ходил в театр, эти комедии были широко расценены как распущенные и морально подозрительные, выставляющие напоказ выходки небольшого, привилегированного и декадентского класса. Этот же класс доминировал среди зрителей театра Реставрации. В этот период появилась первая профессиональная женщина-драматург Афра Бен .
В ответ на упадок постановок эпохи Карла II возросла популярность сентиментальной комедии . Этот жанр был сосредоточен на поощрении добродетельного поведения, показывая персонажей среднего класса, преодолевающих ряд моральных испытаний. Такие драматурги, как Колли Сиббер и Ричард Стил, считали, что люди изначально добры, но их можно сбить с пути. С помощью таких пьес, как «Сознательные любовники» и «Последняя смена любви», они стремились апеллировать к благородным чувствам аудитории, чтобы зрители могли измениться. [87] [88]
Спектакль Реставрации , или тщательно поставленная «машинная пьеса», появилась на лондонской публичной сцене в конце XVII века , в период Реставрации , увлекая публику действием, музыкой, танцами, подвижными декорациями , барочной иллюзионной живописью , великолепными костюмами и спецэффектами, такими как трюки с люками , «летающими» актерами и фейерверками . Эти шоу всегда имели плохую репутацию вульгарной и коммерческой угрозы остроумной, «законной» драме Реставрации ; однако они привлекали лондонцев в беспрецедентном количестве и оставляли их ослепленными и восхищенными.
В основном доморощенные и имеющие корни в придворной маске начала XVII века , хотя никогда не стыдящиеся заимствовать идеи и сценические технологии из французской оперы , зрелища иногда называют «английской оперой». Однако их разнообразие настолько неопрятно, что большинство историков театра отчаиваются вообще определить их как жанр . [89] Только горстка произведений этого периода обычно получает термин «опера», поскольку музыкальное измерение большинства из них подчинено визуальному. Именно зрелище и декорации привлекали толпы, как показывают многочисленные комментарии в дневнике любителя театра Сэмюэля Пипса . [90] Расходы на постановку все более сложных сценических постановок загнали две конкурирующие театральные компании в опасную спираль огромных расходов и соответственно огромных убытков или прибылей. Такие провалы, как «Альбион» и «Албаний» Джона Драйдена , оставили бы компанию в серьезных долгах, в то время как такие блокбастеры, как «Психея » Томаса Шедвелла или «Король Артур » Драйдена, обеспечили бы ей комфортную прибыль на долгое время. [91]
Неоклассицизм был доминирующей формой театра в 18 веке. Он требовал приличия и строгого соблюдения классических единств . Неоклассический театр, как и период времени, характеризуется своей грандиозностью. Костюмы и декорации были замысловатыми и сложными. Игра актеров характеризуется широкими жестами и мелодрамой. Неоклассический театр охватывает Реставрацию, Августинскую и Иоанновскую эпохи. В каком-то смысле неоклассическая эпоха непосредственно следует за эпохой Возрождения.
Театры начала XVIII века — сексуальные фарсы эпохи Реставрации были заменены политическими сатирическими комедиями. В 1737 году парламент принял Закон о лицензировании театральной деятельности , который ввел государственную цензуру публичных представлений и ограничил количество театров в Лондоне до двух.
Театр в 19 веке делится на две части: раннюю и поздную. В раннем периоде преобладали мелодрама и романтизм .
Начиная с Франции, мелодрама стала самой популярной театральной формой. «Мизантропия и раскаяние» Августа фон Коцебу ( 1789) часто считается первой мелодраматической пьесой. Пьесы Коцебу и Рене Шарля Гильбера де Пиксерекура утвердили мелодраму как доминирующую драматическую форму начала 19 века. [92]
В Германии наблюдалась тенденция к исторической точности в костюмах и декорациях , революция в театральной архитектуре и введение театральной формы немецкого романтизма . Под влиянием тенденций в философии и изобразительном искусстве XIX века немецкие писатели все больше увлекались своим тевтонским прошлым и имели растущее чувство национализма . Пьесы Готхольда Эфраима Лессинга , Иоганна Вольфганга фон Гете , Фридриха Шиллера и других драматургов «Бури и натиска» внушали растущую веру в чувство и инстинкт как руководства к нравственному поведению.
В Британии Перси Биши Шелли и лорд Байрон были самыми важными драматургами своего времени, хотя пьесы Шелли не ставились до конца века. В небольших театрах бурлетта и мелодрама были наиболее популярны. Пьесы Коцебу были переведены на английский язык, а «Тале Тайны» Томаса Холкрофта стала первой из многих английских мелодрам. Пирс Эган , Дуглас Уильям Джерролд , Эдвард Фицболл и Джон Болдуин Бакстоун инициировали тенденцию к более современным и сельским историям в пользу обычных исторических или фантастических мелодрам. Джеймс Шеридан Ноулз и Эдвард Бульвер-Литтон создали «джентльменскую» драму, которая начала восстанавливать прежний престиж театра среди аристократии . [93]
В конце XIX века возникли два конфликтующих типа драмы: реализм и нон-реализм, такие как символизм и предшественники экспрессионизма .
Реализм зародился в России в XIX веке раньше, чем где-либо в Европе, и принял более бескомпромиссную форму. [94] Начиная с пьес Ивана Тургенева (который использовал «бытовые детали для раскрытия внутренних потрясений»), Александра Островского (который был первым профессиональным драматургом в России), Алексея Писемского (чья «Горькая судьба» (1859) предвосхитила натурализм ) и Льва Толстого (чья «Власть тьмы» (1886) является «одной из самых эффективных натуралистических пьес»), традиция психологического реализма в России достигла кульминации с созданием Московского Художественного театра Константином Станиславским и Владимиром Немировичем-Данченко . [95]
Самой важной театральной силой в Германии конца XIX века был Георг II, герцог Саксен-Майнингенский и его Meiningen Ensemble под руководством Людвига Хронегка . Постановки ансамбля часто считаются наиболее исторически точными в XIX веке, хотя его главной целью было служить интересам драматурга. Meiningen Ensemble стоит у истоков нового движения к единому производству (или тому, что Рихард Вагнер назвал бы Gesamtkunstwerk ) и возвышению режиссера ( за счет актера) как доминирующего художника в театральном деле. [96]
.png/1280px-Zuschauerraum_des_Bayreuther_Festspielhauses_(1870s_engraving).png)
Натурализм , театральное движение, рожденное из «Происхождения видов » Чарльза Дарвина (1859) и современных политических и экономических условий, нашел своего главного сторонника в лице Эмиля Золя . Реализации идей Золя препятствовала нехватка способных драматургов, писавших натуралистическую драму. Андре Антуан появился в 1880-х годах со своим Театром Свободы , который был открыт только для членов и, следовательно, был освобожден от цензуры. Он быстро завоевал одобрение Золя и начал ставить натуралистические произведения и другие зарубежные реалистические пьесы. [97]
В Британии мелодрамы, легкие комедии, оперы, Шекспир и классическая английская драма, викторианский бурлеск , пантомимы , переводы французских фарсов и, с 1860-х годов, французские оперетты продолжали быть популярными. Комические оперы Гилберта и Салливана , такие как HMS Pinafore (1878) и The Mikado (1885), были настолько успешными, что они значительно расширили аудиторию музыкального театра. [98] Это, вместе с значительно улучшенным уличным освещением и транспортом в Лондоне и Нью-Йорке, привело к позднему викторианскому и эдвардианскому театральному буму в Вест-Энде и на Бродвее. Позже работа Генри Артура Джонса и Артура Уинга Пинеро инициировала новое направление на английской сцене.
Хотя их работа проложила путь, развитие более значимой драмы больше всего обязано собой драматургу Генрику Ибсену . Ибсен родился в Норвегии в 1828 году. Он написал двадцать пять пьес, самые известные из которых — «Кукольный дом» (1879), «Привидения» (1881), «Дикая утка» (1884) и «Гедда Габлер» (1890). Кроме того, его произведения «Росмерсхольм» (1886) и «Когда мы, мертвые, пробуждаемся » (1899) вызывают ощущение таинственных сил, действующих в человеческой судьбе, что должно было стать главной темой символизма и так называемого « театра абсурда ». [ необходима цитата ]
После Ибсена британский театр пережил возрождение с работами Джорджа Бернарда Шоу , Оскара Уайльда , Джона Голсуорси , Уильяма Батлера Йейтса и Харли Грэнвилла Баркера . В отличие от большинства мрачных и чрезвычайно серьезных работ своих современников, Шоу и Уайльд писали в основном в комической форме. Эдвардианские музыкальные комедии были чрезвычайно популярны, апеллируя к вкусам среднего класса в веселые девяностые [99] и удовлетворяя предпочтения публики к развлечениям-эскапистам во время Первой мировой войны.
Хотя большая часть театра 20-го века продолжала и расширяла проекты реализма и натурализма, также было много экспериментального театра , который отвергал эти условности. Эти эксперименты являются частью модернистских и постмодернистских движений и включают формы политического театра, а также более эстетически ориентированные работы. Примерами являются: эпический театр , театр жестокости и так называемый « театр абсурда ».
Термин «театральный деятель» стал использоваться для описания человека, который и создает театральные представления , и производит теоретический дискурс , который информирует его практическую работу. [100] Театральный деятель может быть режиссером , драматургом , актером или — что характерно — часто комбинацией этих традиционно отдельных ролей. «Театральная практика» описывает коллективную работу, которую выполняют различные театральные практики. [101] Он используется для описания театральной практики от развития Константином Станиславским его « системы », через биомеханику Всеволода Мейерхольда , эпос Бертольта Брехта и бедный театр Ежи Гротовского , вплоть до наших дней, с современными театральными практиками, включая Аугусто Боаля с его Театром угнетенных , народный театр Дарио Фо , театральную антропологию Эудженио Барбы и точки зрения Энн Богарт . [ 102]
Среди других ключевых фигур театра 20-го века: Антонен Арто , Август Стриндберг , Антон Чехов , Макс Рейнхардт , Франк Ведекинд , Морис Метерлинк , Федерико Гарсиа Лорка , Юджин О'Нил , Луиджи Пиранделло , Джордж Бернард Шоу , Гертруда Стайн , Эрнст Толлер , Владимир Маяковский , Артур Миллер , Теннесси Уильямс , Жан Жене , Эжен Ионеско , Сэмюэл Беккет , Гарольд Пинтер , Фридрих Дюрренматт , Хайнер Мюллер и Кэрил Черчилль .
В 20 веке продолжилось или возникло множество эстетических движений, в том числе:
После огромной популярности британских эдвардианских музыкальных комедий на музыкальной сцене стал доминировать американский музыкальный театр , начавшийся с мюзиклов Princess Theatre , за которыми последовали работы братьев Гершвин, Коула Портера , Джерома Керна , Роджерса и Харта , а позднее Роджерса и Хаммерстайна .
На протяжении большей части истории английская изящная словесность и театр были разделены, но эти две формы искусства взаимосвязаны. [103] Однако, если они не научатся работать рука об руку, это может нанести ущерб форме искусства. [104] Проза английской литературы и истории, которые она рассказывает, должны быть представлены, и театр обладает такой способностью. [105] С самого начала американский театр был уникальным и разнообразным, отражая общество, поскольку Америка преследовала свою национальную идентичность. [106] Самой первой поставленной пьесой в 1752 году в Уильямсбурге, Вирджиния, была «Венецианский купец» Шекспира. [ 107] Из-за временного пуританского общества театр был запрещен с 1774 по 1789 год. [108] Этот общественный стандарт был обусловлен тем, что пуританская мораль была разрешена, а любые другие развлечения считались неуместными, легкомысленными (бесцельными) и чувственными (приятными). [109] Во время запрета театр часто скрывался, называя себя нравоучениями. [110] Театр взял короткую паузу из-за войны за независимость , но быстро возобновил свою деятельность после окончания войны в 1781 году. [108] Театр начал распространяться на запад , и часто в городах театры появлялись до того, как у них появлялись тротуары или канализация. [111] Вначале существовало несколько ведущих профессиональных театральных компаний, но одна из самых влиятельных находилась в Филадельфии (1794–1815); однако компания имела шаткие корни из-за запрета на театр. [108]
По мере расширения страны рос и театр; после войны 1812 года театр направился на запад. [108] Многие из новых театров были общественными , но в Новом Орлеане профессиональный театр был основан французами в 1791 году. [108] Несколько трупп отделились и основали театр в Цинциннати, штат Огайо . [108] Первый официальный западный театр появился в 1815 году, когда Сэмюэл Дрейк (1769–1854) привез свою профессиональную театральную компанию из Олбани в Питтсбург , на реку Огайо и в Кентукки . [108] Наряду с этим он иногда возил труппу в Лексингтон , Луисвилл и Франкфорт . [108] Иногда он руководил труппой в Огайо , Индиане , Теннесси и Миссури . [108] В то время как существовали выездные труппы, более постоянные театральные сообщества на западе часто располагались на реках, чтобы иметь легкий доступ к лодкам. [108] В этот период времени очень мало театров располагалось выше реки Огайо, и фактически в Чикаго не было постоянного театра до 1833 года. [108] Из-за неспокойных времен в Америке и экономического кризиса , вызванного войнами, театр в период своего наибольшего расцвета пережил банкротство и смену руководства. [108] Также большинство ранних американских театров имели большое европейское влияние, потому что многие из актеров родились и получили образование в Англии . [108] Между 1800 и 1850 годами неоклассическая философия почти полностью ушла под влияние романтизма , который оказал большое влияние на американский театр 19 века, боготворивший « благородного дикаря ». [108] Благодаря новым психологическим открытиям и методам актерского мастерства, в конечном итоге романтизм породил реализм . [108] Эта тенденция к реализму наблюдалась между 1870 и 1895 годами. [108]
В эту эпоху театра моральный герой смещается к современному человеку, который является продуктом своей среды. [112] Этот важный сдвиг отчасти обусловлен гражданской войной , поскольку Америка теперь была запятнана своей собственной кровью, потеряв свою невинность . [113]
В этот период театра появился Голливуд , который стал угрозой американскому театру. [114] Однако театр в это время не пришел в упадок, а, напротив, стал известен и замечен во всем мире. [114] Теннесси Уильямс и Артур Миллер добились всемирной известности в этот период.
Самое раннее зафиксированное квазитеатральное событие датируется 2000 г. до н. э. и относится к «страстным пьесам» Древнего Египта . История бога Осириса ежегодно исполнялась на фестивалях по всей цивилизации. [115]
В современную эпоху театральное искусство развивалось во второй половине девятнадцатого века посредством взаимодействия с Европой. А также развития популярных театральных форм, которые Египет знал за тысячи лет до этой даты. [116] [117] [118]
Начало было положено Якубом Сану и Абу Халилом Каббани , затем ситуация была разделена на свободные театральные группы, включая труппу Юсефа Вахби , такую как Фатима Рушди , которая представляет трагедию или трагедию, и Або Эль Сеуд Эль Эбиари , Исмаил Ясин , Бади Хайри. , Али Эль Кассар и Нагиб Эль-Рихани в другом представлении комедии. [119] [120] [121]
Более 350 пьес были представлены в так называемом театре залов в 1930-х и 1940-х годах, совместно представленные Байрамом Эль-Туниси , Амином Седки, Бади Хайри и Або Эль Сеуд Эль Эбиари и режиссерами которых были Азиз Эйд, Бишара Ваким и Абдель Азиз Халиль. В дополнение к важным статистическим данным, включая то, что самой долгоживущей группой частного сектора является группа Рихани . Ее деятельность длилась 67 лет, с 1916 по 1983 год, почти семьдесят лет. Самой плодовитой группой частного сектора является труппа Рамзеса, которая поставила более 240 пьес с 1923 по 1960 год. Самой долгоживущей государственной театральной труппой является Национальная театральная труппа, которая просуществовала более 80 лет, с 1935 года по настоящее время. [122] [123]
После революции 1952 года появилась группа драматургов, таких как Альфред Фараг , Али Салем , Ноаман Ашур, Саад Эддин Вахба и другие. Заки, что касается страновых команд, то наиболее плодовитыми режиссерами в производстве являются художники Фаттух Нашати и Заки Тулаймат. [124]
Среди египетских драматургов, чьи произведения были представлены на сцене, были Амин Седки, Бади Хайри, Абу Аль-Сауд Аль-Эбиари и Тауфик Аль-Хаким. Большинство мировых драматургов, чьи произведения были представлены на сцене, были Мольер , Пьер Корнель и Уильям Шекспир . [125] [126]
Женский след был очевиден в истории египетского театра, который Мунира Эль Махдея начала как первая египетская певица и актриса, и основательница театральной группы своего имени в начале двадцатого века вместо левантийцев и евреев. До этого времени женщинам было запрещено играть, что вызвало шум, который способствовал росту ее славы. И Мунира Эль Махдея была также той, кто открыл музыканта поколений, Мохаммеда Абделя Вахаба , и дала ему возможность завершить мелодии пьесы Клеопатры и Марка Антония после внезапной смерти Саида Дарвиша . Она призвала его встать перед ней, воплотив роль Марка Антонио в том же шоу. Начиная с начала 1960-х годов, кинозвезды начали вторгаться в театры, такие как Салах Зульфикар в «Пуле в сердце» 1964 года, основанной на романе Тауфика Аль-Хакима 1933 года, и многие другие. В 1970-х годах доминировала комедия, например, « Аль Аяль Кибрит» 1979 года.
В 2020 году министр культуры Египта , доктор Инес Абдель-Дайем, посвящает следующую сессию Национального фестиваля египетского театра празднованию 150-летия начала современного египетского театра. На нем будут рассмотрены выводы исследовательской группы, состоящей из Амра Давары, хранителя театральной памяти, который с 1993 года начал подготовку крупнейшей египетской театральной энциклопедии, включающей все детали профессиональных театральных постановок за пятнадцать десятилетий, начиная с 1870 года Якуба Сану до 2019 года, в течение которого количество постановок достигло 6300 профессиональных работ, которые были представлены публике за плату в кассе. И обратилась к корпусу книги с просьбой напечатать энциклопедию. И эта энциклопедия поможет читателю и исследователю узнать шедевры и творения египетского театра на протяжении всей его истории. [127] [128] [122]
Современный театр в Гане появился в начале 20 века. [129] Сначала он появился как литературный комментарий к колонизации Африки Европой. [129] Среди самых ранних работ, в которых это можно увидеть, — «Моргалки», написанные Кобиной Секи в 1915 году. «Моргалки» — это откровенная сатира об африканцах, которые приняли принесенную им европейскую культуру. В ней Секи унижает три группы людей: любого европейца, любого, кто подражает европейцам, и богатого африканского фермера-какао. Однако этот внезапный бунт был лишь начальной искрой ганского литературного театра. [129]
Пьеса, которая имеет сходство в своем сатирическом взгляде, - Anowa . Написанная ганским автором Амой Ата Айду , она начинается с того, что ее одноименная героиня Anowa отвергает предложения о браке своих многочисленных женихов. Она настаивает на том, чтобы принимать собственные решения о том, за кого она собирается выйти замуж. Пьеса подчеркивает необходимость гендерного равенства и уважения к женщинам. [129] Этот идеал независимости, а также равенства ведет Anowa по извилистому пути как счастья, так и несчастья. Anowa выбирает себе мужчину, чтобы выйти замуж. Anowa поддерживает своего мужа Kofi как физически, так и эмоционально. Благодаря ее поддержке Kofi действительно преуспевает в богатстве, но становится бедным как духовное существо. Благодаря своему накоплению богатства Kofi теряет себя в нем. Его некогда счастливый брак с Anowa меняется, когда он начинает нанимать рабов вместо того, чтобы выполнять какую-либо работу самостоятельно. Для Ановы это не имеет смысла, потому что это делает Кофи ничем не лучше европейских колонистов, которых она ненавидит за то, как, по ее мнению, они использовали народ Африки. Их брак бездетен, что, как предполагается, было вызвано ритуалом, который Кофи провел, обменяв свою мужественность на богатство. Наблюдение Ановы за богатством Кофи, полученным рабским путем, и его неспособностью иметь ребенка приводит к тому, что она совершает самоубийство. [129] Имя Анова означает «Высшая моральная сила», в то время как имя Кофи означает всего лишь «Рожденный в пятницу». Эта разница даже в основе их имен, по-видимому, подразумевает моральное превосходство женщин в обществе, управляемом мужчинами. [129]
Другая значимая пьеса — «Женитьба Анансевы» , написанная в 1975 году Эфуа Сазерлендом . Вся пьеса основана на устной традиции аканов под названием «Анансесем» (народные сказки). Главный герой пьесы — Анансе (паук). Качества Анансе — одна из самых распространенных частей пьесы. Анансе хитрый, эгоистичный, прекрасно разбирается в природе людей и животных, амбициозен, красноречив и находчив. Вкладывая слишком много себя во все, что он делает, Анансе рушит каждую из своих схем и в итоге оказывается бедным. [129] Анансе используется в пьесе как своего рода обывателя. Он написан в преувеличенном смысле, чтобы форсировать процесс самоанализа. Анансе используется как способ зажечь разговор об изменении в обществе любого читателя. В пьесе рассказывается о том, как Анансе пытается выдать свою дочь Анансеву замуж за любого из богатых вождей или другого богатого жениха одновременно, чтобы собрать денег. В конце концов, все женихи приходят к нему домой одновременно, и ему приходится использовать всю свою хитрость, чтобы разрядить ситуацию. [129] Рассказчик не только рассказывает, но и разыгрывает, реагирует и комментирует действие рассказа. Наряду с этим используется Mbuguous, Mbuguous — это название, данное очень специализированной секте ганской театральной техники, которая допускает участие зрителей. Mbuguous этой истории — это песни, которые украшают историю или комментируют ее. Спонтанность посредством этой техники, а также импровизация используются в достаточной степени, чтобы соответствовать любому стандарту современного театра. [129]
В своем новаторском исследовании театра йоруба Джоэл Адедеджи проследил его происхождение от маскарада Эгунгун («культ предка»). [130] Традиционная церемония достигает кульминации в сути маскарада, где считается, что предки возвращаются в мир живых, чтобы навестить своих потомков. [ 131] В дополнение к своему происхождению в ритуале, театр йоруба можно «проследить до «театрогенной» природы ряда божеств в пантеоне йоруба , таких как Обатала, высшее божество, Огун, божество творчества, а также Железо и технологии, [132] и Санго, божество бури», чье почитание проникнуто «драмой и театром, а также символической общей значимостью с точки зрения его относительной интерпретации». [133]
Театральная традиция Алааринджо возникла из маскарада Эгунгун в XVI веке. Алааринджо была труппой странствующих артистов, чьи маски несли в себе атмосферу таинственности. Они создавали короткие сатирические сценки, которые опирались на ряд устоявшихся стереотипных персонажей. В их выступлениях использовались пантомима , музыка и акробатика . Традиция Алааринджо повлияла на популярный странствующий театр, который был самой распространенной и высокоразвитой формой театра в Нигерии с 1950-х по 1980-е годы. В 1990-х годах популярный странствующий театр перешел на телевидение и в кино и теперь дает живые выступления лишь изредка. [134] [135]
«Тотальный театр» также развивался в Нигерии в 1950-х годах. Он использовал ненатуралистические приемы, сюрреалистические физические образы и практиковал гибкое использование языка. Драматурги, писавшие в середине 1970-х годов, использовали некоторые из этих приемов, но артикулировали их с «радикальным пониманием проблем общества». [136]
Традиционные способы исполнения оказали сильное влияние на основных деятелей современного нигерийского театра. Работа Хьюберта Огунде (иногда называемого «отцом современного театра йоруба») была вдохновлена традицией Алааринджо и маскарадами Эгунгун. [137] Воле Шойинка , который «общепризнан как величайший из ныне живущих драматургов Африки», придает божеству Огуну сложное метафизическое значение в своей работе. [ 138] В своем эссе «Четвертая стадия» (1973) [139] Шойинка противопоставляет драму йоруба классической афинской драме , связывая обе с анализом последней, проведенным немецким философом 19-го века Фридрихом Ницше в «Рождении трагедии » (1872). Огун, утверждает он, является «совокупностью дионисийских , аполлонических и прометеевских добродетелей». [140]
Сторонниками бродячего театра в Нигерии являются Дуро Ладипо и Мозес Олайя (популярный комический акт). Эти практикующие внесли большой вклад в область африканского театра в период смешения и экспериментирования местного и западного театра.
История афроамериканского театра имеет двойное происхождение. Первое уходит корнями в местный театр, где афроамериканцы выступали в хижинах и парках. Их выступления (народные сказки, песни, музыка и танцы) были укоренены в африканской культуре, прежде чем подверглись влиянию американской среды. Театр African Grove был первым афроамериканским театром, основанным в 1821 году Уильямом Генри Брауном. [141]
Самой ранней формой индийского театра был санскритский театр . [142] Он возник где-то между 15-м веком до н. э. и 1-м веком и процветал между 1-м веком и 10-м веком, что было периодом относительного мира в истории Индии, в течение которого были написаны сотни пьес. [143] Ведические тексты, такие как Ригведа, содержат свидетельства того, что драматические пьесы разыгрывались во время церемоний Яджны . Диалоги, упомянутые в текстах, варьируются от монолога одного человека до диалога из трех человек, например, диалог между Индрой, Индрани и Вришакапи. Диалоги не только религиозны по своему контексту, но и светские, например, один ригведический монолог повествует об игроке, чья жизнь разрушена из-за этого, и он отдалился от своей жены, и его родители также ненавидят его. Панини в 5-м веке до н. э. упоминает драматический текст Натасутра, написанный двумя индийскими драматургами Шилалином и Кришашвой. Патанджали также упоминает названия пьес, которые были утеряны, такие как «Кемсавадха» и «Балибандха». Пещеры Ситабенга, датируемые 3-м веком до н. э., и пещеры Кхандагири со 2-го века до н. э. являются самыми ранними примерами театральной архитектуры в Индии. [144] С исламскими завоеваниями , которые начались в 10-м и 11-м веках, театр был обескуражен или полностью запрещен. [145] Позже, в попытке заново утвердить коренные ценности и идеи, деревенский театр поощрялся по всему субконтиненту, развиваясь на большом количестве региональных языков с 15-го по 19-й века. [146] Современный индийский театр развивался в период колониального правления Британской империи , с середины 19-го века до середины 20-го века. [147]
Самые ранние сохранившиеся фрагменты санскритской драмы датируются I веком. [148] Богатство археологических свидетельств более ранних периодов не дает никаких указаний на существование традиции театра. [149] Веды (самая ранняя индийская литература, между 1500 и 600 годами до н . э.) не содержат никаких намеков на нее; хотя небольшое количество гимнов составлено в форме диалога, ритуалы ведического периода , по - видимому, не развились в театр. [149] Махабхашья Патанджали содержит самое раннее упоминание о том, что могло быть семенами санскритской драмы. [150] Этот трактат по грамматике от 140 года до н. э. дает достоверную дату начала театра в Индии . [150]
Однако, хотя не сохранилось ни одного фрагмента драмы до этой даты, возможно, что ранняя буддийская литература предоставляет самые ранние свидетельства существования индийского театра. Палийские сутты (датируемые с V по III вв. до н. э.) упоминают о существовании трупп актеров (во главе с главным актером), которые исполняли драмы на сцене. Указывается, что эти драмы включали танец, но были указаны как отдельная форма представления, наряду с танцами, пением и декламацией историй. [151] (Согласно более поздним буддийским текстам, царь Бимбисара , современник Гаутамы Будды , поставил драму для другого царя. Это было еще в V в. до н. э., но событие описано только в гораздо более поздних текстах, с III по IV вв. н. э.) [152]
Основным источником доказательств для санскритского театра является «Трактат о театре» ( Nātyaśāstra ), сборник, дата составления которого неизвестна (оценки варьируются от 200 г. до н. э. до 200 г. н. э.) и авторство которого приписывается Бхарате Муни . Трактат является наиболее полным произведением драматургии в древнем мире. Он рассматривает актерское мастерство , танец , музыку , драматическое построение , архитектуру , костюмы , грим , реквизит , организацию трупп, зрителей, соревнования и предлагает мифологический рассказ о происхождении театра. [150] При этом он дает указания о природе реальных театральных практик. Санскритский театр исполнялся на священной земле жрецами, которые были обучены необходимым навыкам (танец, музыка и декламация) в [наследственном процессе]. Его целью было как обучение, так и развлечение.
Под покровительством королевских дворов исполнители принадлежали к профессиональным труппам, которыми руководил управляющий сценой ( сутрадхара ), который также мог играть. [153] Эта задача считалась аналогичной работе кукловода — буквальное значение слова « сутрадхара » означает «держатель нитей или шнуров». [150] Исполнители проходили строгую подготовку в области вокальной и физической техники. [154] Не было никаких запретов против женщин-исполнителей; труппы были полностью мужскими, полностью женскими и смешанными по полу. Однако некоторые чувства считались неподходящими для исполнения мужчинами и считались более подходящими для женщин. Некоторые исполнители играли персонажей своего возраста, в то время как другие играли персонажей, отличных от их собственного (будь то моложе или старше). Из всех элементов театра «Трактат» уделяет наибольшее внимание актерской игре ( абхинайя ), которая состоит из двух стилей: реалистичного ( локадхарми ) и традиционного ( натйадхарми ), хотя основное внимание уделяется последнему. [155]
Его драма считается высшим достижением санскритской литературы . [156] В ней использовались стандартные персонажи , такие как герой ( nayaka ), героиня ( nayika ) или клоун ( vidusaka ). Актеры могли специализироваться на определенном типе. Калидаса в I веке до н. э., возможно, считается величайшим санскритским драматургом Древней Индии . Три известные романтические пьесы, написанные Калидасой, — это Mālavikāgnimitram ( Mālavikā и Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( Относящийся к Викраме и Урваши ) и Abhijñānaśākuntala ( Признание Шакунталы ). Последняя была вдохновлена историей из Махабхараты и является самой известной. Она была первой, переведенной на английский и немецкий языки . Шакунтала (в английском переводе) оказала влияние на «Фауста» Гёте (1808–1832). [156]
Следующим великим индийским драматургом был Бхавабхути (ок. 7 в.). Говорят, что он написал следующие три пьесы: Малати-Мадхава , Махавирачарита и Уттар Рамачарита . Из этих трех последние две охватывают весь эпос Рамаяна . Могущественному индийскому императору Харше (606–648) приписывают написание трех пьес: комедии Ратнавали , Приядаршика и буддийской драмы Нагананда .
Кутияттам — единственный сохранившийся образец древнего санскритского театра, который, как полагают, возник в начале нашей эры , и официально признан ЮНЕСКО шедевром устного и нематериального наследия человечества . Кроме того, существует множество форм индийского народного театра. Бхавай (бродячие актеры) — популярная форма народного театра Гуджарата , которая, как говорят, возникла в 14 веке нашей эры. Бхаона и анкия наты практикуются в Ассаме с начала 16 века, они были созданы и инициированы Махапурушей Шриманта Санкардевой . Джатра была популярна в Бенгалии , и ее происхождение прослеживается в движении Бхакти в 16 веке. Другая форма народного театра, популярная в Харьяне , Уттар-Прадеше и регионе Малва в Мадхья-Прадеше, — это Сванг , который ориентирован на диалог, а не на движение, и, как считается, возник в своей нынешней форме в конце 18 — начале 19 веков. Якшагана — очень популярное театральное искусство в Карнатаке, существующее под разными названиями по крайней мере с 16 века. Оно полуклассическое по своей природе и включает в себя музыку и песни, основанные на карнатической музыке , богатые костюмы, сюжетные линии, основанные на Махабхарате и Рамаяне . В нем также используется разговорный диалог между песнями, что придает ему оттенок народного искусства . Катхакали — это форма танцевальной драмы, характерная для Кералы , которая возникла в 17 веке, развившись из пьес храмового искусства Кришнанаттам и Раманаттам .
Катхакали — это высокостилизованный классический индийский танец-драма, известный привлекательным макияжем персонажей, сложными костюмами, подробными жестами и четко определенными движениями тела, представленными в унисон с основной музыкой и дополнительной перкуссией. Он возник в современном штате Керала в 17 веке [157] и развивался с годами, улучшая внешний вид, утончая жесты и добавляя темы, помимо более витиеватого пения и точной игры на барабанах.
Рабиндранат Тагор был пионером современной драматургии, который писал пьесы, известные своим исследованием и критикой национализма, идентичности, спиритуализма и материальной жадности. [158] Его пьесы написаны на бенгали и включают «Читра» ( Читрангада , 1892), «Король темной комнаты» ( Раджа , 1910), «Почта» ( Дакгар , 1913) и «Красный олеандр» ( Рактакараби , 1924). [158]
Другим пионером драматургии в бенгальском театре , который заслуженно стал преемником Рабиндраната Тагора , был Натьягуру Нурул Момен . В то время как его предшественник Тагор ввел модернизм в бенгальскую литературу в 19 веке, Нурул Момен сохранил эстафету модернизма, переданную им, и поднял ее на вершину мирового театра в 20 веке благодаря своим дебютным пьесам «Рупантар» и «Немезида» (пьеса Момена) .
Упоминания о театральных представлениях в Китае встречаются еще в 1500 году до нашей эры во времена династии Шан ; они часто включали музыку, клоунаду и акробатические номера.
Во времена династии Хань теневой театр впервые появился как признанная форма театра в Китае. Существовало две различные формы теневого театра: южный кантонский и северный пекинесский. Два стиля различались по способу изготовления кукол и расположению стержней на куклах, в отличие от типа игры, которую исполняли марионетки. Оба стиля обычно представляли пьесы, изображающие большие приключения и фантазию, редко эта очень стилизованная форма театра использовалась для политической пропаганды. Кантонские теневые куклы были более крупными из двух. Они были сделаны из толстой кожи, которая создавала более существенные тени. Символический цвет также был очень распространен; черное лицо представляло честность, красное - храбрость. Стержни, используемые для управления кантонскими куклами, были прикреплены перпендикулярно головам кукол. Таким образом, они не были видны зрителям, когда создавалась тень. Пекинские куклы были более изящными и маленькими. Они были сделаны из тонкой полупрозрачной кожи, обычно взятой с живота осла. Они были окрашены яркими красками, поэтому они отбрасывали очень красочную тень. Тонкие стержни, которые управляли их движениями, были прикреплены к кожаному ошейнику на шее куклы. Стержни шли параллельно телу куклы, а затем поворачивались под углом девяносто градусов, чтобы соединиться с шеей. Хотя эти стержни были видны, когда отбрасывалась тень, они лежали вне тени куклы; таким образом, они не мешали внешнему виду фигуры. Стержни крепились на шеях, чтобы облегчить использование нескольких голов с одним телом. Когда головы не использовались, их хранили в муслиновой книге или коробке, выстланной тканью. Головы всегда снимали на ночь. Это соответствовало старому суеверию, что если оставить их нетронутыми, то ночью куклы оживут. Некоторые кукловоды заходили так далеко, что хранили головы в одной книге, а тела в другой, чтобы еще больше уменьшить возможность оживления кукол. Говорят, что театр теней достиг наивысшей точки художественного развития в XI веке, прежде чем стать инструментом правительства.
Династию Тан иногда называют «Эпохой 1000 развлечений». В эту эпоху император Сюаньцзун основал актерскую школу, известную как «Дети грушевого сада» , чтобы создать форму драмы, которая была в первую очередь музыкальной.
В династии Сун было много популярных пьес, включающих акробатику и музыку. Они развились в династии Юань в более сложную форму с четырех- или пятиактной структурой.
Юаньская драма распространилась по всему Китаю и разделилась на многочисленные региональные формы, самой известной из которых является Пекинская опера, которая популярна и сегодня.
Индонезийский театр стал важной частью местной культуры, театральные представления в Индонезии развивались на протяжении сотен лет. Большинство старых театральных форм Индонезии напрямую связаны с местными литературными традициями (устными и письменными). Известные кукольные театры — wayang golek (игра деревянных кукол-марионеток) сунданцев и wayang kulit (игра кожаных теневых кукол) яванцев и балийцев — черпают большую часть своего репертуара из местных версий Рамаяны и Махабхараты . Эти сказки также служат исходным материалом для wayang wong (человеческого театра) Явы и Бали , в котором используются актеры. Wayang wong — это тип классического яванского танцевального театрального представления с темами, взятыми из эпизодов Рамаяны или Махабхараты. Барельефные панели на храме Прамбанан 9-го века показывают эпизоды эпоса Рамаяна. Адаптация эпизодов Махабхараты была включена в яванскую литературную традицию со времен Кахурипана и Кедири, с такими примечательными примерами, как Арджунавиваха , составленная Мпу Канвой в XI веке. Храм Пенатаран в Восточной Яве изображает темы из Рамаяны и Махабхараты в своих барельефах. Ваянг вонг был представлением в стиле ваянг кулит (театр теней Центральной Явы), в котором актеры и актрисы исполняли роли марионеток. Первое письменное упоминание об этой форме находится на каменной надписи Вималарама из Восточной Явы, датированной 930 годом н. э. В настоящее время жанр представлен в вариациях с масками и без масок в Центральной Яве , Бали и Чиребоне , а также в сунданском ( Западная Ява ). [159] [160] [161]
В Камбодже , в древней столице Ангкор-Ват , на стенах храмов и дворцов высечены сюжеты из индийских эпосов «Рамаяна» и «Махабхарата» .
В Таиланде со времен Средневековья существовала традиция ставить пьесы, основанные на сюжетах из индийских эпосов. В частности, театральная версия национального эпоса Таиланда Рамакиен , версия индийской Рамаяны , остается популярной в Таиланде и сегодня.
В течение 333-летнего правления испанского правительства они привнесли на острова католическую религию и испанский образ жизни, которые постепенно слились с коренной культурой, образовав «низменную народную культуру», которую теперь разделяют основные этнолингвистические группы. Сегодня драматические формы, привнесенные или на которые повлияла Испания, продолжают жить в сельских районах по всему архипелагу. К этим формам относятся комедия, плейлеты, синакуло, сарсвела и драма. В последние годы некоторые из этих форм были возрождены, чтобы сделать их более чуткими к условиям и потребностям развивающейся страны.
В XIV веке в Японии существовали небольшие труппы актеров, которые исполняли короткие, иногда вульгарные комедии. У директора одной из таких трупп, Канами (1333–1384), был сын, Дзэами Мотокиё (1363–1443), который считался одним из лучших детей-актеров в Японии. Когда труппа Канами выступала для Асикаги Ёсимицу (1358–1408), сёгуна Японии, он умолял Дзэами получить придворное образование для своего искусства. После того, как Дзэами стал преемником своего отца, он продолжал выступать и адаптировать свой стиль к тому, что сегодня называется Но . Этот стиль, представляющий собой смесь пантомимы и вокальной акробатики, очаровывал японцев на протяжении сотен лет.
Япония, после длительного периода гражданских войн и политических беспорядков, была объединена и находилась в мире, в первую очередь благодаря сёгуну Токугава Иэясу (1543–1616). Однако, встревоженный ростом христианства, он прервал контакты Японии с Европой и Китаем и объявил христианство вне закона. Когда наступил мир, расцвет культурного влияния и растущий торговый класс потребовали собственных развлечений. Первой расцвеченной формой театра был Нингё дзёрури (обычно называемый Бунраку ). Основатель и главный участник Нингё дзёрури, Тикамацу Мондзаэмон (1653–1725), превратил свою форму театра в настоящую форму искусства. Нингё дзёрури — это сильно стилизованная форма театра с использованием кукол, сегодня размером около 1/3 человека. Мужчины, управляющие куклами, тренируются всю свою жизнь, чтобы стать мастерами-кукловодами, когда они могут управлять головой и правой рукой куклы и выбирать, показывать ли им свои лица во время представления. Другие кукловоды, управляющие менее важными конечностями куклы, закрывают себя и свои лица черным костюмом, чтобы подчеркнуть свою невидимость. Диалог ведет один человек, который использует различные тона голоса и манеры речи для имитации разных персонажей. Тикамацу написал тысячи пьес за свою карьеру, большинство из которых используются и сегодня. Они носили маски вместо сложного грима. Маски определяют пол, личность и настроение, в котором находится актер.
Кабуки зародился вскоре после Бунраку, легенда гласит, что его создала актриса по имени Окуни, которая жила примерно в конце XVI века. Большая часть материала Кабуки пришла из Нõ и Бунраку, и его нерегулярные танцевальные движения также являются следствием Бунраку. Однако Кабуки менее формален и более далек, чем Нõ, но очень популярен среди японской публики. Актеры обучаются многим различным вещам, включая танцы, пение, пантомиму и даже акробатику. Кабуки сначала исполняли молодые девушки, затем молодые парни, и к концу XVI века труппы Кабуки состояли только из мужчин. Мужчины, которые изображали женщин на сцене, были специально обучены выявлять сущность женщины в своих тонких движениях и жестах.
Буто — это собирательное название для разнообразных видов деятельности, техник и мотивов для танца, выступления или движения, вдохновленных движением Анкоку-Буто (暗黒舞踏, ankoku butō ) . Обычно оно включает в себя игривые и гротескные образы, табуированные темы, экстремальные или абсурдные среды и традиционно исполняется в белом гриме с медленными гиперконтролируемыми движениями, со зрителями или без них. Не существует установленного стиля, и оно может быть чисто концептуальным, без движения вообще. Его происхождение приписывают японским легендам танца Тацуми Хидзикате и Кадзуо Оно . Буто впервые появилось в Японии после Второй мировой войны и особенно после студенческих беспорядков . Роли власти теперь подвергались сомнению и подрыву. Оно также появилось как реакция на современную танцевальную сцену в Японии, которая, по мнению Хидзикаты, была основана, с одной стороны, на подражании Западу, а с другой — на подражании Но . Он критиковал нынешнее состояние танца как чрезмерно поверхностное.
Первое упоминание о театральных постановках в Османской империи связано с появлением там испанских евреев в конце пятнадцатого - шестнадцатом веках. Позже в эту сферу включились и другие меньшинства, такие как цыгане, греки и армяне. Впоследствии турецкий эквивалент комедии дель арте - Орта оюну стал очень популярен по всей империи. [162]
Самыми популярными формами театра в средневековом исламском мире были кукольный театр (который включал кукол-марионеток , теневые пьесы и постановки марионеток ) и живые страстные пьесы, известные как тазийя , в которых актеры воспроизводят эпизоды из мусульманской истории . В частности, шиитские исламские пьесы вращались вокруг шахида (мученичества) сыновей Али Хасана ибн Али и Хусейна ибн Али . Светские пьесы, известные как ахраджа, были записаны в средневековой литературе адаба , хотя они были менее распространены, чем кукольный театр и театр тазийя . [163]
