Марк Баум (1903–1997) был американским художником польского происхождения, изначально известным своими пейзажами и городскими видами, написанными им самостоятельно , который позже разработал уникальный стиль беспредметной живописи, сосредоточенный на единственном, уникальном глифе, который он называл «элементом». Ранние работы Баума имели значительный успех в Нью-Йорке в конце 1920-х — начале 1940-х годов, с рядом персональных выставок и музейных размещений в Музее Уитни и Фрике, но после Второй мировой войны Баум ушел с нью-йоркской художественной сцены в Кейп-Неддик, штат Мэн , где он жил и писал картины в относительной безвестности с середины 1950-х годов до своей смерти. [1]
Марк Баум (по-польски Марек, дома Муньок) родился 2 января 1903 года в Саноке, городе, который сейчас является частью Польши, но в то время был частью Австро-Венгерской империи, недалеко от современной Украины. Его родители развелись, когда он был маленьким ребенком, что было весьма необычным событием в его консервативной еврейской общине. Его мать, не имея особых возможностей на родине, эмигрировала в Соединенные Штаты со старшей сестрой Марка. Марк остался со своими бабушкой и дедушкой по материнской линии, которые жили во Фрыштаке в Карпатах. [2] С этого момента Марк очень мало общался со своей матерью и отцом. [3]
В конце концов Марк переехал со своей семьей в более крупный город Жешув, и когда Марк достиг школьного возраста, он бросил вызов своему деду и сдал экзамен, чтобы поступить в немецкую гимназию. Экзамен проводился по субботам, чтобы отвадить евреев от подачи заявлений. Он поступил и посещал гимназию, а также еврейскую школу, и был многоязычным с юных лет, говоря на идише дома, на иврите в храме, на польском на улицах и на немецком в школе. [3]
Во время Первой мировой войны Марк работал летом на ферме своего деда за городом. Марк вспоминал, что летом 1917 года на ферму были направлены несколько русских военнопленных. Они были большевиками, и через них Марк получил полное политическое образование. Они сбежали одним октябрьским утром, услышав о грядущей революции в России, но не раньше, чем попрощались с Марком, которому тогда было 14 лет.
В конце войны Марк решил покинуть дом и эмигрировать в США. Он сел на поезд до конца немецкой территории, прибыв на датскую границу. В этот момент, не имея паспорта, он смог буквально пробежать через контрольно-пропускной пункт и был приютен семьей, которая смогла доставить его в Копенгаген. Там, благодаря семейным связям, он смог получить проезд в Нью-Йорк, куда прибыл в конце 1919 года. [3]
В Нью-Йорке он устроился на работу в швейный цех в меховой мастерской. Он воссоединился со своей матерью, которую он обнаружил очень материалистичной, и после этого они не особо общались. В начале 1920-х годов Марк однажды ехал в метро домой с работы, только что получив недельную зарплату наличными, и посмотрел на деньги в своей руке и спросил себя: «Неужели я действительно проделал весь этот путь только ради этого?» Он искал живопись как более отражающую его человечность и дух. [4]
Баум недолгое время посещал занятия в Академии дизайна в 1924 или 1925 году, затем летом 1926 года он учился в Школе искусств Кейп-Код в Провинстауне, штат Массачусетс, у Чарльза Хоторна. С тех пор он рисовал самостоятельно. Он вошел в ритм, работая полгода скорняком и рисуя вторую половину, в межсезонье. [5]
С самого начала художественный стиль Баума был отличительным. Он часто работал со штриховкой, с уплощенной перспективой, подчеркивая рушащиеся углы зданий и ландшафтов вместо того, чтобы пытаться обеспечить реалистичную пространственную структуру или перспективу. Изначально он работал с акварелью, и его первая персональная выставка включала подборку акварельных пейзажей и состоялась в Whitney Galleries в 1929 году, несколько работ были куплены известным коллекционером Джулианной Форс, которая в конечном итоге передала их в дар Музею американского искусства Уитни. В следующем году Баум обратился к известному фотографу и галеристу Альфреду Стиглицу, который купил одну из его акварелей. В начале 1930-х годов Баум переключился на работу с масляной краской, а Мари и Аверил Харриман стали ярыми сторонниками его творчества, и в 1931 году состоялась его еще одна персональная выставка в галерее Мари Харриман. [6] Он также принимал участие в групповой выставке в Бруклинском музее в 1932 году. [7] Благодаря этим связям и выставкам Марк нашел в начале 1930-х годов прочную базу коллекционеров.
В этот период, и к большому огорчению Баума, его работы были классифицированы как «примитивные», что в то время было условным способом отнести их к ностальгической американе (по иронии судьбы, учитывая, что он был поляком по происхождению), которая противостояла европейскому модернизму. [8] Марк полностью отверг слово «примитивный», но также и его последствия, написав в личном заявлении: «В рецензиях снова появились термины «наивный» и «примитивный». Наивным я никогда не был. Но хотя я и не был примитивным художником, я действительно находился в определенном отношении к живописи. Действительно, каждый рецензент, описывая мои работы, был вынужден вносить определенные изменения в термин «примитивный». И когда Харриет и Сидни Дженис, зная мои работы, тогда работавшие над книгой примитивных художников, пришли ко мне, они тоже это поняли и позже заявили в своей книге, что я слишком продвинут для примитивного художника». [9] Он чувствовал сильное влияние модернистских художников, среди которых были Кандинский, Клее, Пикассо, Сезанн и Мондриан, последние два из которых были ему особенно близки. У Марка почти не было художественного образования до приезда в Соединенные Штаты, и именно в музеях и галереях современного искусства Нью-Йорка он получил образование. [10]
В 1935 году Марк женился на Селии Фрэнк, женщине из Скенектади, штат Нью-Йорк. Их сын Пол родился в следующем году, а еще один сын, Уильям, родился в 1939 году. Сначала Баумы жили в Саннисайде, Квинс, а затем в Верхнем Вест-Сайде Манхэттена. Марк стал художником WPA, что вместе с его работой у скорняка, которую он сохранял с начала 1920-х годов, поддерживало семью.
Марк и Селия оба были активными членами Коммунистической партии Нью-Йорка, и в 1936 году Марк баллотировался в Сенат штата Нью-Йорк от Коммунистической партии. У пары была активная общественная жизнь, которая была наполнена богемой из их политических кругов, а также художниками, актерами и свободомыслящими людьми. [11]
Во время Второй мировой войны Баум провел двухперсональную выставку в Perls Galleries, а затем персональные выставки в 1947 году в St. Etienne Gallery и в 1948 году в Laurel Gallery. Он также был частью Международной выставки, организованной Государственным департаментом. Однако после войны наступил кризис веры. Он писал: «Началась мировая война, WPA подошла к концу. Годы неопределенности. Мировая война закончилась. Затем новости о Холокосте. Все члены моей семьи были убиты нацистами, все товарищи по играм моего детства, все мои друзья детства и одноклассники убиты нацистами. Все это и ряд других факторов способствовали осознанию: эпоха закончилась, мы жили в новом, ином мире. Я больше не мог рисовать, как раньше, и погрузился в депрессию». [12]
Длительный кризис Баума в живописи был вызван новостями с войны, но одновременно на нью-йоркской художественной сцене он испытал коллективный рывок к абстрактному экспрессионизму и отверг его. «Живопись казалась бесполезной. Многие факторы вызвали этот кризис, среди них был абстрактный экспрессионизм, который был на переднем крае американской живописи; и к которому я был озлоблен и враждебен, не к его создателям, а к самозванцам, которые практиковали это исключительно ради собственной выгоды. Я видел, как они цеплялись за это». [13]
В конце 1940-х — начале 1950-х годов Баум провел около трех лет, время от времени, живя в Пенсильвании, рисуя в городах-компаниях огромного угольного предприятия по добыче антрацита. В 1953 году у Баума была персональная выставка в галерее Гарри Солпитера, где он в основном работал над серией работ о Пенсильвании. [14] Год спустя Баум появится в журнале Life Magazine в статье о художниках, которые находят баланс между жизнью и работой в Нью-Йорке. [15]
Примерно три или четыре года спустя Баум оглядывался на работу 1948 года, которая была включена в выставку Солпитера под названием «Вдохновляющая лестница», и к нему пришло откровение: «Какая замечательная диагональ эта лестница. Она переносит взгляд вверх от низа холста к верху, а ступени лестницы являются единицами диагоналя и функционируют как устойчивый ритм в музыке. Лестница, физический объект, становится в живописи элементом и — теряя свою физичность — становится диагональным восходящим движением; а далее становится обобщенным направленным движением и в конечном итоге становится формообразующим элементом в стиле живописи». [16]
Одновременно с этим откровением, в середине 1950-х годов Баум начал уделять больше внимания своей духовной жизни. Он нашел в этом поиске противоядие от формалистического акцента абстрактного экспрессионизма, а также причину для себя продолжать заниматься художественной практикой вообще. Для этого он вернулся к понятию веры, опираясь на свое еврейское происхождение, хотя и абстрактным образом и через светские предметы. Как заметил один автор: «Баум, кажется, становится ближе к духовности через изучение светских вещей, таких как лестницы, светофоры, растения и светоносная архитектура... Триады предметов начинают появляться в работах Баума». Это исследование троицы ссылается не только на трех патриархов иудаизма, но и на три столпа каббалистического Древа Жизни, христианскую Святую Троицу, три практики Трикайя буддизма. [17]
То, что Баум предлагал этим поворотом к духовности в живописи, он видел как неразрывную связь с прошлым человечества, позже он писал:
На протяжении столетий существовала симбиотическая связь между религией и живописью. Эта связь прекратилась с наступлением века разума. Хотя религия резко пришла в упадок, наши духовные потребности сохранились. И теперь с помощью высоких технологий мы исследуем космическое пространство и всю вселенную. Мы все больше осознаем ее необъятность, ее бесконечность и ее величие. Наше чувство благоговения пробуждается, и наша духовная жизнь возрождается. Эта форма духовности достойна того, чтобы стать предметом живописи.
[18]
В этот момент Баум сделал радикальный шаг в своей живописи: в 1958 году он полностью обратился к беспредметному и начал создавать одиночный глиф, который он назвал «элементом», который был основан на его откровении о лестнице. Он разрабатывал этот глиф в течение десяти лет, с 1958 по 1968 год, после чего он пришел к его окончательной форме. Лутц описывает этот переход: «длинная 5-зубчатая форма, похожая на пучок сосновых иголок... широкий изогнутый элемент кажется похожим на силуэт птицы в полете... последний элемент, который почти имеет вид головы в профиль, появляется в 1967 году». [19] С этого времени он будет использовать элемент в различных сочетаниях и цветах как эксклюзивный знак в композициях своих картин. Лутц описывает, что «когда Баум начинает использовать элемент, микро и макро сходятся в том, что можно описать только как тип космического порядка». [19]
Это изменение ориентации его живописи также соответствовало переезду в Кейп-Неддик, штат Мэн, где он рисовал в переоборудованном амбаре и жил в соседнем фермерском доме. Он писал, что «Там... я могу жить с большей интенсивностью, впитывая зелень весны и белизну зимы, полноту лета и все цвета осени. Впитывая в себя это богатство жизни вокруг меня, я могу отдать лучшее из себя моей живописи». [5]
Работа в этот беспредметный период делится на три отдельных периода: раннее развитие «элемента» или ранний беспредметный (1959–1967); средний беспредметный (примерно с 1968–1978), где композиции элемента часто находятся в группах, похожих на драгоценности, на фоне множества различных цветных фонов, охватывающих спектр от ярко-бирюзовых и бледно-лавандовых до более темных лиловых и глубоких лесных зеленых. Последняя часть работ с конца 1970-х годов до его смерти около 1995 года, когда он был вынужден прекратить рисовать из-за своего здоровья, считается «поздним беспредметным». Эти работы выполнены на сплошных, в основном черных фонах (некоторые ранние работы этого периода выполнены на темно-зеленом или коричневом), без группировок элементов, за исключением линий и волн. Баум использовал трафареты для своих элементов, обводя композиции элементов карандашом, а затем раскрашивая каждую из них вручную. [20]
Все его беспредметные работы отражают очень утонченные цветовые отношения, при этом темные цвета «тяжелее» и часто в нижней части холстов поднимаются к более светлым, ярким цветам и указывают на приход к вере или чувство плодотворности. В этом отношении он находился под большим влиянием Мане, ссылаясь на конкретную картину Христа и ангелов в Музее Метрополитен, которую он внимательно изучал и черпал вдохновение в «акценте Мане на цветовых отношениях». [21]
За более чем 30 лет, что Баум жил постоянно в Мэне, у него было очень мало публичных выставок. У него была персональная выставка в галерее Bleecker в Ист-Хэмптоне, штат Нью-Йорк, в июне 1962 года; персональная выставка в галерее Rose Fried, Нью-Йорк, в 1963 году; и большая выставка его беспредметных работ в галерее Ogunquit в Оганквите, штат Мэн, в 1969 году, которая не нашла особенно восприимчивой аудитории. Но его постоянная вера в свои картины и вера, которую они ему вернули, давали постоянный стимул продолжать работать. У Баума также был обширный сад и к тому времени много внуков, которые жили поблизости. Он также поддерживал постоянный интерес к науке и технике, подписываясь на многочисленные научные журналы. У Баума также была коллекция ранних печатных плат, которые были визуально и философски важны для его работы.
В 1983 году Музей Метрополитен приобрел две ранние работы, которые, по их мнению, не хватало части их коллекции. Этот факт был очень приятен Бауму и дал ему надежду, что его работы в конечном итоге снова будут признаны более широкой аудиторией. [22]
Баум активно занимался живописью до осени 1996 года и умер 8 февраля 1997 года в своем доме в Кейп-Неддик, штат Мэн.
После его смерти работы Баума были собраны в ряде музеев, включая Музей Фогга в Гарварде; Галерею Мида в Амхерсте, Музей Оганквита, Университет Новой Англии (где они были частью выставки «Selections» в 2009 году); Художественный музей Беркли; и Художественный музей колледжа Боудойн. Одна из его работ в Метрополитен-музее была воспроизведена в детской книге, изданной музеем, под названием « Go In and Out the Window». [23]
В 2016 году персональная выставка прошла в галерее Krowswork в Окленде, Калифорния, для которой также был выпущен каталог. [24]