Том Голденберг (родился в 1948 году) — американский художник, наиболее известный пейзажами и абстрактными картинами. [1] [2] Он выставлялся по всей территории Соединенных Штатов и за рубежом, а его работы освещались в The New York Times , [3] The New Criterion , [4] Art in America , [5] Arts Magazine , [6] Art & Antiques , [7] и The New York Observer , [8] среди других изданий. [9] [10] Критики часто отмечают его пейзажные работы за их современное взаимодействие стилизации и наблюдения, а также заботу о форме вместо правдоподобия, указывая на его начало в абстракции как на основу, лежащую в основе его упорядоченных живописных структур. [8] [11] [12] [1] В конце 2010-х годов Голденберг вернулся к абстракции, которая иногда предполагает внутренние или «фиктивные» пейзажи. [13] [14] Редактор и писатель New Criterion Роджер Кимбалл описал его картины как ведущие «двойную жизнь, как памятные образы сельских пейзажей и плотно организованные композиции абстрактных цветовых плоскостей». [1] Хилтон Крамер охарактеризовал его работы как «глубоко опосредованные эстетическим размышлением» и скорее классические, чем романтические по ощущениям. [8] Голденберг и его жена Мишель Альфандари живут в Шароне, штат Коннектикут , с 2016 года, после того как с 1970-х годов обосновались в Нью-Йорке. [15]
Голденберг родился в 1948 году в Эвергрин-Парке, штат Иллинойс, пригороде к югу от Чикаго. [16] Он учился в Университете Иллинойса в Урбане-Шампейне (бакалавр изящных искусств, 1970) и переехал в Нью-Йорк в 1973 году, поселившись в Сохо. [17] Его первая персональная выставка прошла в галерее Сары И. Рентшлер в 1978 году; с тех пор он выставлялся по всем Соединенным Штатам, в галерее Джорджа Биллиса, [18] Danese, галереях Salander-O'Reilly (1983–2004) и Городском университете (CUNY) в Нью-Йорке, галерее Hokin (Чикаго), Watson de Nagy & Co. (Хьюстон) и галерее Swope (Венеция, Калифорния) и других. [17] [19] [20] Он также был представлен на групповых выставках в Музее современного искусства Олдрича и Художественном музее Краннерта . [21] Его работы находятся в многочисленных корпоративных коллекциях, а также в коллекциях CUNY, Университета Бакнелла и Музея Ринглинга . [17] В дополнение к выставленным работам он создал обложку сборника поэта Тони Тоула 2018 года «Noir » и рисунки к стихотворениям Дэвида Йецци для выставки искусства и поэзии в 2012 году. [22]
Гольденберг является профессиональным научным сотрудником библиотеки Моргана и преподавал в Лиге студентов-художников , Новой школе и Нью-Йоркской школе-студии . [17] В 2001 году он разработал курс о том, как видеть и ценить рисунки мастеров Новой школы, под названием «Рисование коллекций», который он преподавал самостоятельно и в различных учреждениях до 2014 года (см. ниже). [23] [13] [17] В 2019 и 2020 годах он был отмечен Программой приглашенных художников и ученых в Американской академии в Риме .
Критики характеризуют владение Гольденбергом цветом, светом и структурой, а также его экономию выражения как ключи к его искусству; некоторые предполагают, что они частично происходят из своеобразного процесса, который сочетает в себе старинные техники живописи с современными технологиями. [7] [3] [1] Гольденберг рисует исключительно вручную, натуральными пигментами, которые он сам измельчает на шероховатом стекле, чтобы обеспечить желаемый уровень вязкости и высокую насыщенность цвета. [24] [11] [16] Он начал использовать цифровую фотографию в качестве стимула для своего воображения и подготовительных исследований в 1998 году, [2] разделяя фотографии на сетки, с которых он делал наброски отдельных участков картин, позже обработанных как слои абстрактных форм и тонов, и, наконец, как более узнаваемые элементы пейзажа. [12] [25] Критик Роберт Мессенджер отмечает, что в результате « местами проступает кубистская чувствительность» [11] , а редактор New Criterion Джеймс Панеро описал сочетание наблюдения и стилизации как «абстракцию и эмпатию в действии, пейзаж как фейерверк» [12] .
Гольденберг начал свою карьеру в 1970-х годах как фигуративный скульптор, создававший детализированные работы из эпоксидной смолы. [1] Он обратился к абстрактной живописи — примерно между 1974 и 1983 годами [26] — под влиянием таких художников, как Клиффорд Стилл и Ричард Дибенкорн , которая в основном состояла из живописных полей и архитектурно упорядоченных прямоугольных областей цвета. [8] [27] [28] [1] В 1980 году журнал Art in America отметил эту работу за ее пышные поверхности, нежную окраску и эмоции, сдерживаемые «холодным интеллектом», напоминающим Джаспера Джонса . [5] После непосредственных встреч в Европе в начале 1980-х годов с такими мастерами, как Тициан и Брейгель , Гольденберг посчитал абстракцию ограничением. [1] Он ответил экспрессивной серией «Виноградные лозы» (1983–1986), за которой последовало несколько серий натюрмортов, изображающих стаканы, миски и столешницы (1986–1987; 1997–1988) [26] и серия «Сетки» (1990–1996), в которой сочетались преимущественно квадратные сетчатые узоры с плавающими, стилизованными репрезентативными образами (листва, бутылки, стаканы) и абстрактными цветовыми переходами (например, Yellow Racer , 1990). [29]
В конце 1990-х годов Гольденберг обратился к пейзажам, созданным на основе лесов, холмов и ферм округа Датчесс, штат Нью-Йорк , что достигло кульминации в выставке 1999 года, которая, по словам критика Хилтона Крамера, поставила его на карту как «одного из ведущих пейзажистов своего поколения». [8] [30] [31] Крамер особенно восхищался «виртуозным» живописным диалогом между изображенной, богато разнообразной местностью и ее искаженным отражением в водных пейзажах, таких как «Пруд» и «Ручей » (обе 2000). [7] [8] Другие отмечали в таких работах, как крупномасштабная «Грандвью» (2004), лоскутную композиционную игру, вызывающие многоцветные палитры, драматическую манеру письма и чувство света. [32] [11] [3] Марио Навес описал эту картину как «обманчиво прямолинейное изображение сельскохозяйственных угодий [как] в реальности, довольно сложную, если не сказать абстрактную оркестровку пространства, ритма и инцидента». [33] В 2002 году Гольденберг отправился в Порто Санто Стефано на Тирренском море , чтобы нарисовать новую среду. [12] Критики посчитали темные ноктюрны, плотно обрезанную, спутанную листву и дико бегущие сады этих работ (которые некоторые сравнивали с Руссо и Боннаром ) отклонением, но тем не менее выделили такие работы, как «Кактус» (2004) за их неожиданные перспективы и разнообразные фактурные изображения. [11] [33] [34]
В 2010 году Голденберг создал серию «Central Park Cherry», состоящую из прессованного угля, ореховых чернил и пастельных рисунков. [26] [24] [35] Это также был отход от его более рефлексивных пейзажей с его ограниченной палитрой, экспрессивными линиями , похожими на японскую кисть , и образами, извлеченными из естественного контекста и помещенными на абсолютно белый фон бумаги. [2] [25] Марио Навес писал, что царапанные поверхности рисунков и картин, таких как «Галлатин» (2010), достигают синтеза искусства и природы, «который одновременно с трудом завоеван и непринужден, долго искался и совершенно органичен»; он сравнил то, что он назвал их сложным, неуправляемым миром, «плотным с костями, пеной и мускулами», с миром художников Нью-Йоркской школы, таких как Джексон Поллок . [24]
Поздние рисунки и картины Голденберга демонстрируют все более высокий уровень абстракции, с созданием отметок, которые часто распадаются в точке узнавания, создавая то, что некоторые писатели назвали «фиктивными пейзажами». [13] [14] Критик Джеймс Панеро описал его пейзажи 2014 года как «нарисованные холсты с наложенными слоями набросков на мясистой окрашенной земле», которые граничат с незавершенностью, но в таких работах, как Sandro's Hill (2014), создает наслоение впечатлений, которое передает «и изображение, и ощущение изображения». [13] [15] В 2017 году Голденберг работал на месте в Институте Re в течение нескольких месяцев, а его объектом был соседний ландшафт хребта Таконик . [36] Последние выставленные рисунки и тональные картины отражали масштаб пейзажа и резкое ракурсное сокращение с его контрастными отметками переднего плана и линейными линиями борозд, уходящими к горизонту. [20]
Впоследствии Гольденберг вернулся к полной абстракции в поздних работах, основанных на ландшафтном и архитектурном пространстве, которые формально ссылаются на серию Йозефа Альберса « Посвящение площади » и исследуют течение времени, организацию повседневной жизни и преходящую природу существования. [37] [14] Писатели заметили в этих новых картинах, таких как «Дневник» (2019), намеки на «внутренние пейзажи», напоминающие древние ритуальные места (влияние, которое Гольденберг признал, основываясь на поездках в Израиль, Грецию и Македонию) или архитектурные схемы. [14]
В 2001 году Гольденберг разработал курс о том, как видеть и ценить рисунки мастеров через The New School , под названием «Рисование в коллекциях», который он преподавал самостоятельно и в Центрах изучения рисунков библиотеки Моргана , Музея современного искусства , Музея Метрополитен , Испанского общества Америки , Бруклинского музея и частных коллекций в Нью-Йорке. [17] Курс включал тщательное изучение — иногда под увеличительным стеклом — и обсуждение отобранных вручную рисунков, извлеченных из-за стекла из разных музейных или частных коллекций. [23] [13]