Duecento ( англ . Duecento , [1] итал . [ ˌdu.eˈtʃɛnto ] буквально «двести») или Dugento [ 2 ] — итальянское слово, обозначающее итальянскую культуру XIII века , то есть с 1200 по 1299 год. В этот период в литературе и искусстве появились первые ростки итальянского Возрождения , получившие развитие в последующем периоде треченто .
Период, основанный на так называемом Ренессансе XII века и движениях, возникших в других местах, таких как готическая архитектура Франции. Большая часть инноваций как в изобразительном искусстве, так и в литературе была сосредоточена во второй половине века, примерно после 1250 года, когда открылись новые основные направления в живописи и скульптуре, в основном в Северной Италии, а в поэзии появился Dolce Stil Novo ( сладкий новый стиль ).
В XIII веке большая часть Европы переживала сильный экономический рост. Торговые пути итальянских государств соединились с торговыми путями устоявшихся средиземноморских портов и, в конечном итоге, Ганзейского союза Балтийского моря и северных регионов Европы, создав сетевую экономику в Европе впервые с IV века. Города-государства Италии значительно расширились в этот период и усилились.
В этот период развивалась современная коммерческая инфраструктура с созданием в Италии двойной бухгалтерии , акционерных обществ , международной банковской системы, систематизированного валютного рынка , страхования и государственного долга . [3] Флоренция стала центром этой финансовой индустрии, а золотой флорин стал основной валютой международной торговли. Венецианская республика и Генуэзская республика доминировали в торговле на Средиземном море.
Многие утверждают, что идеи, характерные для эпохи Возрождения, зародились во Флоренции конца XIII века, в частности, в трудах Данте Алигьери (1265–1321) [4] , а также в живописи Джотто (1267–1337).
За Дученто последовало начало итальянского Возрождения в Треченто .
Итальянская литературная революция тринадцатого века помогла подготовить почву для эпохи Возрождения. В течение этого столетия начал фиксироваться стандартный современный итальянский язык , в основном как литературный язык . Ранее каждый регион использовал свой собственный язык, как многие продолжают делать, по крайней мере, в общем разговорном языке. Стандартный современный итальянский язык начался в поэтических и литературных произведениях тосканских и сицилийских писателей XII века, а грамматика и основная лексика в основном не изменились по сравнению с теми, которые использовались во Флоренции в XIII веке. [5]
Только в XIII веке итальянские авторы начали писать на родном языке, а не на латыни , французском или провансальском . В 1250-х годах в итальянской поэзии произошли серьезные изменения, когда Dolce Stil Novo ( сладкий новый стиль , который подчеркивал платоническую, а не куртуазную любовь ) вошел в свои права, пионерами которого были такие поэты, как Гиттоне д'Ареццо и Гвидо Гвиницелли . Особенно в поэзии , серьезные изменения в итальянской литературе происходили за десятилетия до того, как по-настоящему началось Возрождение. Все большее количество произведений стало писать на итальянском языке в дополнение к потоку латинских и греческих текстов, которые составляли основное течение итальянского Возрождения.
Письменные работы вышли за рамки работ по теологии и распространились на дохристианские эпохи Римской империи и Древней Греции . Это не означает, что в этот период не было написано никаких религиозных работ. В первые годы следующего столетия « Божественная комедия » Данте Алигьери отражает отчетливо средневековое мировоззрение и во многом способствовала утверждению тосканского языка , на котором она написана (также в большинстве современных изданий на итальянском рынке), в качестве стандартизированного итальянского языка . [6]
Христианство по-прежнему оказывало большое влияние на художников и писателей, а классика стала вторым по значимости источником влияния.
Продолжалось создание литературы на латыни, в том числе «Сумма теологии » святого Фомы Аквинского, представляющая собой обширное и незаконченное обобщение и исследование теологии средневековой церкви, которая продолжает оказывать влияние.
Итало-византийская (или maniera greca ) живопись — термин для обозначения картин на панелях , созданных в Италии и Западной Европе в целом под сильным влиянием икон византийского искусства , чьи многочисленные вариации сюжета Мадонны с младенцем были скопированы, хотя полная византийская техника и стиль не были скопированы. Этот стиль оставался преобладающим в Италии до тех пор, пока новые разработки не пришли в Тоскану и Рим в конце века, и оставался распространенным во многих областях вплоть до следующего столетия и позже.
Искусство региона Тоскана (и северной Италии) во второй половине XIII века доминировали два мастера: Чимабуэ из Флоренции и Дуччо из Сиены . Их заказы в основном представляли собой религиозные картины, некоторые из них были очень большими алтарными образами, изображающими Мадонну с младенцем. Эти два художника, а также их современники Гвидо из Сиены , Коппо ди Марковальдо и таинственный художник, на чьем стиле, возможно, и возникла школа, так называемый Мастер Святого Бернардино, работали в манере, которая была крайне формализована и зависела от древней традиции иконописи. [7] Чимабуэ и Дуччо оба предприняли шаги в направлении большего натурализма, как и их современник Пьетро Каваллини из Рима.
Джотто (родился в 1266 году) по традиции пастушок с холмов к северу от Флоренции, стал учеником Чимабуэ и стал самым выдающимся художником своего времени, [8] хотя его самые известные работы появились в начале следующего столетия. Джотто, возможно, находясь под влиянием Пьетро Каваллини и других римских художников, основывал фигуры, которые он писал, не на какой-либо живописной традиции, а на наблюдении за жизнью. В отличие от фигур его современников, связанных с Византией, фигуры Джотто прочно трехмерны; они стоят прямо на земле, имеют различимую анатомию и одеты в одежды с весом и структурой. Но больше всего то, что отличает фигуры Джотто от фигур его современников, — это их эмоции. На лицах фигур Джотто — радость, ярость, отчаяние, стыд, злоба и любовь. Цикл фресок « Жизнь Христа» и «Жизнь Девы Марии» , написанный им в капелле Скровеньи в Падуе , установил новый стандарт для повествовательных картин. Его «Мадонна Оньиссанти» висит в галерее Уффици во Флоренции, в том же зале, что и «Мадонна Санта Тринита» Чимабуэ и «Мадонна Ручеллаи» Дуччо , где можно легко провести стилистические сравнения между тремя работами. [9] Одной из очевидных черт творчества Джотто является его наблюдение за натуралистической перспективой. Его считают глашатаем Возрождения. [10]
Рельефы , в отличие от круглой скульптуры , составляли гораздо большую долю изящной скульптуры, чем это было впоследствии. Современные зрители, таким образом, относительно непривычны к форме и склонны игнорировать их. До того, как в центре Рима в 1506 году была раскопана группа Лаокоона , наиболее драматичные и атлетические позы в известных римских скульптурах были переполненными рельефами на позднеримских саркофагах , в то время как известные статуи были почти все достойными, но довольно статичными стоящими портретами. [11]
Никола Пизано (работал около 1240-х — 1278) был ведущим скульптором того, что Эрвин Панофски называл «классическим проторенессансом». Его основными работами были наборы рельефов, особенно те, что на больших приподнятых кафедрах кафедры в Пизанском баптистерии (датируются 1260 годом) и кафедре Сиенского собора . У него была большая мастерская, включая его сына Джованни Пизано , и многие скульптуры на Большом фонтане в Перудже (1277–1278), вероятно, были спроектированы Николой, но в основном вырезаны им. Его более крупные панели показывают переполненные сцены, иногда объединяя сцены в одну композицию, например, Благовещение и Рождество Христово в Пизанском баптистерии; большинство изображений в этот период показывали бы две сцены в разных отсеках. Юность Пизано в его родной Апулии на самом юге Италии прошла во времена правления Фридриха II, императора Священной Римской империи , и большую часть времени он жил там, способствуя римскому возрождению в искусстве. Пизано явно находится под влиянием изучения древнеримских саркофагов . [12]
Кафедра в Пизе, вероятно, изначально была полихромной, что было обычным для итальянской романской скульптуры. Она также, по-видимому, была в значительной степени вырезана самим Николой. [13] Арка Сан Доменико , большой отдельно стоящий надгробный памятник для Святого Доминика в Болонье , был начат в 1264 году, хотя работа многих других рук продолжалась в течение столетий. Никола и его команда завершили рельефы вокруг саркофага .
Сын Николы Джованни Пизано взял на себя управление мастерской отца в 1280-х годах и был гораздо более восприимчив к готическому стилю, чем его отец. Его кафедра Сант-Андреа в Пистойе похожа по форме на кафедры его отца в Пизе и Сиене, но демонстрирует другой стиль. [14] В течение следующего столетия готические и классические влияния были обнаружены вместе во многих крупных работах, иногда в противоречии. [15]
Другим ведущим скульптором того периода был Арнольфо ди Камбио (ок. 1240 – 1300/1310), который также был архитектором. Родившись в Тоскане , он также обучался у Николы Пизано и был его главным помощником на кафедре Сиенского собора . После того, как он начал работать как независимый мастер, он провел два периода в Риме, принеся туда новый тосканский стиль. Он работал над рядом папских гробниц.
Итальянская готическая архитектура начала появляться в раннем дученто на севере Италии под влиянием Франции. Первыми итальянскими готическими сооружениями были цистерцианские аббатства, за которыми вскоре последовали францисканские и доминиканские церкви. Они распространились по всей территории Италии, часто адаптируя методы строительства к местным традициям. Кирпичная кладка была наиболее распространена в долине реки По , в то время как камень преобладал в центральной Италии и Тоскане , где полихромная отделка стен иногда продолжала местную романскую традицию.
Доминиканский и францисканский ордены монахов , основанные святым Домиником и святым Франциском Ассизским соответственно, стали популярными и хорошо финансируемыми в этот период и приступили к масштабным строительным программам, в основном используя более дешевую и менее богато украшенную версию готики. Большие схемы фресковых росписей были дешевы и могли использоваться для обучения прихожан. Базилика Святого Франциска Ассизского , по сути, две большие церкви, одна над другой на холмистом участке, является одним из лучших примеров, начатых в 1228 году и расписанных фресками Чимабуэ , Джотто и другими в следующем столетии.
Наиболее важными зданиями являются аббатство Кьяравалле в северной Италии и аббатство Казамари в центральной Италии. Среди нецистерцианских зданий этого века, которые находились под влиянием готического стиля, хотя все еще представляют важные романские черты, - баптистерий Пармы Бенедетто Антелами и церковь Сант-Андреа в Верчелли , также несущая влияние Антелами.
В этом столетии было построено множество готических зданий для нищенствующих орденов. Наиболее важными из них являются:
Также примечательна программа гражданского и военного строительства, продвигаемая императором и королем Сицилии Фридрихом II Гогенштауфеном в южной Италии в начале века. Наиболее важные работы, продвигаемые им, включают:
В этот период были также построены или достроены некоторые соборы, например, Сиенский собор .
Итальяно ди огги ха анкора в большой части ла стесса грамматика и США анкора ло стессо лессико дель флорентино букварио дель Треченто.
