История танца труднодоступна, потому что танец не часто оставляет после себя четко идентифицируемые физические артефакты, которые сохраняются на протяжении тысячелетий, такие как каменные орудия , охотничьи орудия или наскальные рисунки . Невозможно точно определить, когда танец становится частью человеческой культуры . Танец наполнен эстетическими ценностями, что делает его отличным от одного общества к другому, и окутан символикой, которая излагает культурное наследие сообщества, соответственно, являясь уникальным от одного общества к другому. Танец может помочь рассказать историю, передать чувства и эмоции и установить связь с другими и с самим собой.
Естественный импульс к танцу мог существовать у ранних приматов до того, как они эволюционировали в людей. [1] Танец был важной частью церемонии , ритуалов , праздников и развлечений еще до зарождения самых ранних человеческих цивилизаций . Археология доставляет следы танца с доисторических времен, такие как 10 000-летние рисунки в скальных убежищах Бхимбетка в Индии и египетская гробница, изображающая танцующие фигуры, датируемая примерно 3300 годом до нашей эры. Многие современные танцевальные формы можно проследить до исторических , традиционных , церемониальных и этнических танцев древнего периода.
Танец мог использоваться как инструмент социального взаимодействия, который способствовал сотрудничеству, необходимому для выживания среди древних людей . Исследования показали, что лучшие танцоры сегодня имеют два специфических гена, связанных с предрасположенностью к хорошим социальным коммуникаторам. [2]
Кроме того, термин «кинестетический» является правильным термином, помогающим понять, как танец создает коммуникацию, и он означает распознавание движения собственного тела, это слово является комбинацией двух слов (kinein = двигаться, aesthesis = восприятие). И танец в коммуникации подобен языку, вы можете понимать, чувствовать, видеть и слышать. Когда кто-то использует все мышцы тела и чувства в танце, вы посылаете как бы сообщение зрителям или тем, кто наблюдал. Поэтому танцевальные движения и фоновые звуки также играют большую роль. Когда есть групповое выступление, держась за руки или плечи или даже танцуя друг напротив друга, они чувствуют себя общающимися и связанными. [3]
Многие танцы ранних периодов исполнялись как ритуал для богов, которых предки считали необходимым развлекать ради мира во всем мире. [4] Танец используется во многих празднествах и до сих пор. На протяжении всей истории мы можем заметить, что танец имел множество применений, таких как общественный танец, сбор урожая и поклонение. Эволюция танца началась как народное начало, затем придворные представления, а теперь театр или даже кинофильмы. [5]
Танец может исполняться в религиозных или шаманских ритуалах, например, в танце дождя, исполняемом во время засухи. Танцы шаманов для дождя упоминаются в древних китайских текстах. Танец является важным аспектом некоторых религиозных обрядов в Древнем Египте, [6] аналогично танец также является неотъемлемой частью многих церемоний и обрядов среди африканских народов. [7] Ритуальные танцы также могут исполняться в храмах и во время религиозных праздников, например, ритуальные танцы Раса в Индии (ряд индийских классических танцев могут иметь свое происхождение от ритуальных танцев) и танцы Чам в Тибете. [8]
Другое раннее использование танца, возможно, было в качестве предшественника экстатических трансовых состояний в ритуалах исцеления. Танец используется для этой цели во многих культурах от бразильских тропических лесов до пустыни Калахари . [9] Считалось, что средневековые европейские danses macabres защищали участников от болезней; однако истерия и продолжительность этих танцев иногда приводили к смерти из-за истощения. [10]
Согласно сингальской легенде, танцы Канди возникли 2500 лет назад как магический танцевальный ритуал, который развеял чары заколдованного короля и излечил его от загадочной болезни.
Одно из самых ранних структурированных применений танцев, возможно, было в представлении и в рассказе мифов. Иногда его также использовали, чтобы показать чувства к человеку противоположного пола. Он также связан с происхождением «занятий любовью». До создания письменных языков танец был одним из методов передачи этих историй из поколения в поколение. [11]
В европейской культуре одно из самых ранних упоминаний о танцах принадлежит Гомеру , чья «Илиада» описывает хорею (χορεία khoreia ). Древние греки превратили искусство танца в систему, выражающую все различные страсти. Например, танец фурий , представленный таким образом, вызывал полный ужас у тех, кто их видел. Греческий философ Аристотель приравнивал танец к поэзии и говорил, что некоторые танцоры, применяя ритм к жесту, могли выражать манеры, страсти и действия. [12] Самые выдающиеся греческие скульпторы изучали позу танцоров для своего искусства имитации страсти.
Ранней рукописью, описывающей танец, является « Натья Шастра» , на которой основана современная интерпретация классического индийского танца (например, Бхаратнатьям ).
Во времена правления последних Моголов и навабов Ауда танец опустился до статуса « наутча », неэтичного чувственного занятия куртизанок.
Позже, связав танец с безнравственной торговлей и проституцией, британское правление запретило публичное исполнение танца. Многие не одобряли его. В 1947 году Индия обрела свободу и создала для танца атмосферу, в которой он мог вернуть себе былую славу. Классические формы и региональные различия были заново открыты, этнические особенности были почитаемы, и, синтезируя их с индивидуальными талантами мастеров в линии и свежими инновациями, появился танец с новым лицом, но с классицизмом прошлого.
В Шри-Ланке древняя сингальская хроника Махавамса утверждает, что когда король Виджая высадился на Шри-Ланке в 543 г. до н. э., он услышал звуки музыки и танцев на свадебной церемонии. Истоки танцев Шри-Ланки восходят к аборигенным племенам и мифологическим временам аборигенных близнецов инь-ян и « яккас » (дьяволов). Классические танцы Шри-Ланки (танцы Канди) характеризуются высокоразвитой системой тала (ритма) и исполняются с помощью цимбал, называемых талампатаа.
Существует долгая записанная история китайских танцев. Некоторые из танцев, упомянутых в древних текстах, такие как танцы с движениями рукавов, все еще исполняются сегодня. Некоторые из ранних танцев были связаны с шаманскими ритуалами. Народные танцы раннего периода также были преобразованы в придворные танцы. Важными танцами древнего периода были церемониальные яюэ, датируемые династией Чжоу первого тысячелетия до нашей эры. Искусство танца в Китае достигло своего пика во время династии Тан , периода, когда танцоры из многих частей света также выступали при императорском дворе. Однако китайская опера стала популярной во время династий Сун и Юань, и многие танцы были объединены в китайскую оперу. [13] Искусство танца у женщин также пришло в упадок со времен династии Сун в результате растущей популярности бинтования ног [ 14] практики, которая по иронии судьбы могла возникнуть из танцев, когда танцовщица обматывала свои ноги, чтобы она могла танцевать в балетной манере. [15] [16] Самые известные из китайских традиционных танцев — танец дракона и танец льва . Танец льва был описан во времена династии Тан в форме, которая напоминает современный танец. [13]
Народ Иранского нагорья знал танец в форме музыки, игры, драмы или религиозных ритуалов и использовал инструменты, такие как маска, костюмы животных или растений, и музыкальные инструменты для ритма, по крайней мере с 6-го тысячелетия до н. э. Культурные смешанные формы танца, игры и драмы служили ритуалам, таким как празднование, траур и поклонение. И актеры были мастерами музыки, танца, физических действий и манер выражения. Артефакты с изображениями танцоров, игроков или актеров были найдены во многих археологических доисторических местах в Иране, таких как Тепе Сабз, Джафар Абад, Чогха Миш, Тал-е Джари, Чешмех Али, Исмаил Абад, Тал-е Бакун, Тепе Сиалк, Тепе Мусиан, Тепе Яхья, Шахдад, Тепе Джан, Кул Фарах, Сузы, Кок Тепе, кладбища Луристана и т. д. [17]
Самый ранний исследованный танец из исторического Ирана - это танец поклонения Митре (как в культе Митры), в котором приносился в жертву бык. [18] Этот культ позже стал очень популярным в Римской империи . Этот танец должен был способствовать бодрости в жизни. [19] Древний персидский танец был значительно исследован греческим историком Геродотом из Галикарнаса в его труде Книга IX (Каллиопа) , в которой он описывает историю азиатских империй и персидских войн до 478 г. до н. э. [19] Древняя Персия была оккупирована иностранными державами, сначала греками , затем арабами , а затем монголами , и в свою очередь произошла политическая нестабильность и гражданские войны. На протяжении этих изменений происходило медленное исчезновение традиций традиционных танцев. [19]
Религиозный запрет на танцы в Иране пришел с распространением ислама, но был вызван историческими событиями. [19] Религиозный запрет на танцы то усиливался, то ослабевал с годами, но после Иранской революции 1979 года танцы больше не были разрешены из-за частого смешения полов. [19] [20] Исламская революция 1979 года стала концом успешной эпохи танцев и искусства балета в Иране. [18] Иранская национальная балетная компания была распущена, а ее члены эмигрировали в разные страны. [18] Согласно принципам «культурной революции» в Иране, танцы считались извращением, большим грехом, безнравственными и развращающими. [18] В результате многие талантливые персидские танцоры переехали на Запад и расселились в основном в Европе и Соединенных Штатах, а новое поколение иранских танцоров и артистов балета выросло в диаспоре. [18]
Истоки балетного танца можно проследить до итальянских дворов эпохи Возрождения XV века. Мастера танцев обучали знати шагам, а двор участвовал в представлениях как в форме общественного развлечения. Эта практика продолжалась несколько столетий. В XVII веке придворный балет достиг своего пика при правлении короля Людовика XIV . [21]
К XVIII веку балет перекочевал из французских и итальянских королевских дворов в Парижскую оперу под чутким руководством композитора/танцора Жана-Батиста Люлли . Люлли стремился превратить балет в более серьезное искусство. Под его влиянием балет превратился в признанное искусство, которое исполнялось профессиональными танцорами, а не придворными.
В течение XVIII века балет перешел от придворного танца движущихся изображений как зрелища к исполнительскому искусству как таковому. Балетные постановки развивались вокруг центрального повествования и содержали выразительное движение, которое раскрывало отношения между персонажами. Этот драматический стиль балета стал известен как балет д'экшн . Балет д'экшн стремился впервые выразить человеческие эмоции, взятые непосредственно из самих танцоров. Маски, которые ранее носили исполнители, были сняты, чтобы эмоциональное содержание можно было извлечь из выражений лиц. [21]
Костюмы в это время были очень ограничивающими для танцоров. Хотя поощрялось более выразительное использование тела, движения танцоров все еще были ограничены из-за тяжелых материалов и корсетных платьев. Костюмы часто закрывали телосложение танцора и мешали увидеть сложную или замысловатую хореографию. Только когда хореограф Жан Жорж Новерр призвал к реформам танца в 1760 году в своих «Письмах о танцах и балетах» , костюмы стали более благоприятными. Новерр призывал, чтобы костюмы были сделаны из легких тканей, которые двигались плавно вместе с телом, дополняя фигуру танцора. Кроме того, танцоры носили мягкие тапочки, которые плотно прилегали к ноге. Такой дизайн обуви вселял уверенность в балерину , заставляя ее танцевать на цыпочках. Натуралистичные костюмы позволяли танцорам раздвигать границы движений, в конечном итоге вставая на пуанты .
Эпоха романтизма породила балеты, вдохновленные фантазией, мистикой и незнакомыми культурами экзотических мест. Балеты, которые больше фокусировались на эмоциях, фантазии и духовных мирах и возвещали о начале настоящей работы на пуантах. Теперь, на цыпочках, обожествленная балерина (воплощенная в этот период легендарной балериной Марией Тальони ), казалось, волшебным образом скользила по поверхности сцены, бесплотное существо, никогда не касавшееся земли. Именно в этот период восходящая звезда балерины совершенно затмила присутствие бедного танцора-мужчины, который во многих случаях был низведен до статуса движущейся статуи, присутствующей только для того, чтобы поднять балерину. Это печальное состояние было действительно исправлено только с появлением звезды мужского балета Вацлава Нижинского с Русскими балетами в начале 20-го века. Балет, каким мы его знаем, к этому времени уже хорошо и по-настоящему развился, со всеми привычными условностями костюма, хореографической формы, сюжета, пышности и обстоятельств, прочно закрепившимися на месте. Нижинский привнес в балет атлетизм. Хотя в то время его хореография считалась спорной, сейчас они считаются одними из первых современных балетов.[1]
С тех пор как в начале 20 века Ballets Russes начали революционизировать балет, предпринимались постоянные попытки сломать шаблон классического балета. В настоящее время художественный охват балетной техники (и сопровождающей ее музыки, джамперов и мультимедиа ) более всеобъемлющ, чем когда-либо. Границы, которые классифицируют произведение классического балета, постоянно растягиваются, запутываются и размываются, пока, возможно, все, что осталось сегодня, — это следы технических идиом, таких как turnout .
20-й век был действительно периодом разрыва со всем, что олицетворял балет. Это было время беспрецедентного творческого роста для танцоров и хореографов. Это было также время расширения определения танца. Ballets Russes стал поворотным моментом для будущего балета на Западе и в мире. Сотрудничая с гениями той эпохи, такими как Коко Шанель, Пабло Пикассо и другими.[2] Ballets Russes объединили великолепную музыку, дизайн и танец в одном цельном представлении.[3]
Африканский танец относится в основном к танцевальным стилям Африки к югу от Сахары , многие из которых основаны на традиционных ритмах и музыкальных традициях региона. Современные африканские танцевальные стили глубоко укоренены в культуре и традициях. Многие племена играют роль исключительно в целях передачи танцевальных традиций племени; танцы, которые передавались на протяжении веков, часто неизменными, с небольшим или полным отсутствием возможности импровизации. [22] [23] Каждое племя разработало свой собственный уникальный стиль танца, который делится на три категории в зависимости от цели. Первая - это религиозные танцы, которые, как утверждают многие племена, способствуют укреплению мира, здоровья и процветания. [20] Религиозные танцы часто включали маскарады, выступавшие как в роли духов, так и тех, кто их умиротворял. [22] Религия и духовность пронизывали каждую часть традиционной африканской жизни и продолжают влиять на африканские танцы сегодня. Второй - гриотический, и был типом танца, рассказывающего историю. Он назван в честь гриота , что является термином для традиционного рассказчика в Западной Африке. Некоторые гриотические танцы танцевали только гриоты племени; сегодня труппы исполняют те же танцы, которые когда-то были эксклюзивными для гриотов . Третий тип — церемониальные. Эти танцы исполняются на таких церемониях, как свадьбы, годовщины и обряды перехода. [20] Однако многие танцы не имели единственной цели. Скорее, часто была одна главная цель, которая смешивалась со многими второстепенными целями. Танец часто был очень важен для поддержания статуса правителя в племенном обществе. Колониализм и глобализация привели к искоренению определенных стилей африканского танца. Другие стили были смешаны вместе или смешаны с танцевальными стилями за пределами Африки. [22]
Когда людей вывозили из Африки для продажи в рабство, особенно начиная с 1500-х годов, они привозили с собой свои танцевальные стили. Целые культуры были импортированы в Новый Свет, особенно в те регионы, где рабам было предоставлено больше гибкости для продолжения своей культуры и где было больше африканских рабов, чем европейцев или коренных американцев, например, в Бразилию . Африканские танцевальные стили были объединены с новым культурным опытом, чтобы сформировать новые стили танца. Например, рабы ответили на страхи своих хозяев по поводу энергичных стилей танца, изменив шаги на шарканье. [20] Однако в Северной Америке у рабов не было такой свободы для продолжения своей культуры и танцев. [23] [20] Во многих случаях эти танцы превратились в современные танцевальные стили, такие как афроамериканские танцы и бразильские танцы . Например, календа развилась в Бразилии из племенного танца. Затем календа превратилась в кейкуок, который изначально танцевали, чтобы высмеять владельцев плантаций; затем он превратился в чарльстон . [20] Капоэйра была боевым искусством, изначально практиковавшимся в Африке, которое порабощенные африканцы маскировали под форму танца, чтобы не вызывать подозрений у владельцев плантаций. [24]
После взрыва современного танца в начале 20 века, в 1960-х годах начался рост постмодернизма . Постмодернизм склонился к простоте, красоте мелочей, красоте нетренированного тела и несложных движений. Знаменитый манифест «Нет» Ивонны Райнер , отвергающий все костюмы, истории и внешние атрибуты в пользу сырого и неотшлифованного движения, был, возможно, крайностью этой волны мышления. Однако вскоре декорации, декорации и шокирующая ценность снова вошли в словарь современных хореографов.
В то же время массовая культура испытала экспансию уличного танца . В 1973 году известная группа Jackson 5 исполнила по телевидению танец под названием Robot (хореографию поставил постмодернистский [25] художник Майкл Джексон ), танцевальную форму, культивируемую в Ричмонде, Калифорния. Это событие и более поздние выступления Soul Train чернокожих танцоров (таких как Дон Кэмбелл) в некотором смысле зажгли революцию уличной культуры. B-boying в Нью-Йорке, Locking в Лос-Анджелесе, Popping во Фресно, Калифорния, Boogaloo в Окленде, Калифорния, Robot в Ричмонде, Калифорния, все имели свои собственные творческие взрывы, произошедшие примерно в конце 60-х - 70-х годах. Каждый со своей собственной историей, практикой, новаторами и основами.
О появлении современного танца в XX веке см. также: Мэри Вигман , Грет Палукка , Харальд Крейцберг , Ивонн Джорджи и Айседора Дункан .
Хип-хоп танец начался, когда Клайв Кэмпбелл, он же Kool DJ Herc и отец хип-хопа, приехал в Нью-Йорк из Ямайки в 1967 году. Привезя семена регги со своей родины, он считается первым диджеем, который использовал два проигрывателя и идентичные копии одной и той же пластинки для создания своих джемов. Но именно его расширение брейков в этих песнях — музыкальная часть, где ударные биты были наиболее агрессивными — позволило ему создать и назвать культуру брейк-боев и брейк-герлз, которые закладывали его, когда появлялись брейки. Кратко называемые би-боями и би-герлз, эти танцоры основали брейк-данс , который теперь является краеугольным камнем хип-хоп танца.