Ограниченная анимация — это процесс в общей технике традиционной анимации , который повторно использует кадры анимации персонажей.
Использование мер по сокращению бюджета и экономии времени в анимации восходит к самой ранней коммерческой анимации, включая циклическую анимацию, зеркальные и симметричные рисунки, неподвижных персонажей и другие методы экономии труда. В целом, прогресс был от ранних постановок, в которых каждый кадр рисовался вручную, независимо от других рисунков, к более ограниченной анимации, которая использовала одни и те же рисунки по-разному.
Уинзор Маккей , человек, который вложил беспрецедентное количество деталей в свои анимации, хвастался, что в его фильме 1914 года «Герти-динозавр» все двигалось, включая камни и травинки на заднем плане. Напротив, его фильм 1918 года «Затопление Лузитании» перешел к использованию целл-пленки на неподвижных фонах, сохраняя при этом уровень детализации, сопоставимый с уровнем «Герти» . [1]
Мультфильм Merrie Melodies 1942 года The Dover Boys , снятый Чаком Джонсом , является одним из самых ранних мультфильмов Warner Bros., в котором широко использовались некоторые из процессов, которые впоследствии стали известны как «ограниченная анимация», в частности, использование персонажей, которые либо стоят на месте, либо двигаются так быстро, что само движение кажется размытым. Этот метод анимации стал известен как размытый кадр. [2]
Hanna-Barbera Productions использовала ограниченную анимацию на протяжении всего своего существования. Когда тезки компании, Уильям Ханна и Джозеф Барбера , отделились от студии MGM в 1957 году, они решили использовать радикально иной подход к анимации, чем для своих полностью анимированных короткометражных фильмов; поскольку телевизионные экраны в то время были намного меньше, чем театральные экраны, ограниченная анимация с ее акцентом на крупных планах персонажей и юморе, основанном на диалогах, лучше подходила для более интимного опыта домашнего зрителя. [3] В то время большинство художественных фильмов (вместе с анимационными короткометражками, включая собственную работу Ханны и Барберы над «Томом и Джерри» ) переходили на широкоэкранный процесс CinemaScope , что затрудняло воспроизведение интимности; The Walt Disney Company , хотя и продолжала использовать полную анимацию, также использовала крупные планы персонажей и юмор, основанный на личностях, в своих ранних фильмах. Когда Дисней снимал «Леди и Бродягу» в формате CinemaScope, процесс создания фильма затруднил воспроизведение этого стиля [4] , с чем у Hanna-Barbera не возникло проблем, поскольку использовались более квадратные телевизионные экраны меньшего размера.
Финансовые преимущества ограниченной анимации привели к тому, что телевизионные анимационные компании широко полагались на этот процесс в эпоху телевидения. Jay Ward Productions полагались на ограниченную анимацию по этим причинам, [5] компенсируя это своей тяжелой сатирой времен Холодной войны и стилем невозмутимой комедии, который стал торговой маркой стиля студии. [6] Одним из частых пользователей ограниченной анимации был субботний утренний конкурент HB Filmation (создатели He-Man and the Masters of the Universe и BraveStarr ), который придал своим работам особый вид. [7] Билл Мелендес использовал форму ограниченной анимации, чтобы адаптировать франшизу Peanuts для телевидения и более позднего фильма; в дополнение к проблемам со стоимостью и временем (особенно для его первого специального выпуска A Charlie Brown Christmas , на который был выделен всего 76 000 долларов и четыре месяца на создание 30 минут анимации), Мелендес также отметил, что создатель Peanuts Чарльз М. Шульц разработал персонажей в плоском стиле, хорошо подходящем для ограниченной анимации. [8] Недолго просуществовавшая Cambria Studios выпустила три сериала (включая Clutch Cargo ), используя один из самых недорогих подходов к анимации: известный как Syncro-Vox , он включал наложение фильма с движущимися губами актера озвучивания на неподвижный кадр персонажа. [9] [10] Сами Disney прибегли к некоторым ограниченным анимационным трюкам, пытаясь сократить свой бюджет в 1960-х годах, в частности, с использованием ксерографии в «Сто одном далматинце» , что привело к созданию художественных работ с более тяжелыми, грубыми контурами, чем те, что были видны в фильмах Disney до этого момента. [11]
К 1970-м годам использование ограниченной анимации в утренних мультфильмах в субботу стало обычным явлением. Уолтер Уильямс, создатель «Шоу мистера Билла» , заметил, что мультфильмы 1970-х годов были настолько статичными, что он ожидал, что руки художника в любой момент войдут на экран и физически начнут перемещать рисунки. Это вдохновило его на создание персонажа «Мистера Хэндса» в «Шоу мистера Билла» , который буквально делал именно это. [12]
Ограниченная анимация оказалась особенно популярной в Японии , так что японское слово для анимации, anime , вошло в английский лексикон как заимствованное слово для отличительного стиля японской анимации, который укоренился там. [13] Аниме включает в себя сцены с движением рта и редкими морганиями глаз, отрисованные длинные планы детализированных фонов, низкую частоту кадров (особенно в ранних постановках) и редкое использование 2D-текучести в действии, заполненном размытием движения, наряду с повторно используемыми рисунками, с использованием стилевых условностей из японских комиксов ( манга ). Оно также имеет преимущество в виде более низкой стоимости производства и стилизованного контента в отличие от реалистичной анимации. [14] [15] Как и в случае с Соединенными Штатами, телевидение было основным стимулом для роста аниме в Японии; восстановление страны после Второй мировой войны привело к экономическому процветанию и буму японского телевизионного владения, а развитие аниме позволило Японии конкурировать в области анимации, где они ранее сильно отставали от Запада. [13]
