В искусстве западного мира примитивизм — это способ эстетической идеализации , который подразумевает воссоздание опыта примитивного времени, места и человека либо путем подражания, либо путем воссоздания. В западной философии примитивизм предполагает, что люди примитивного общества обладают моралью и этикой , которые превосходят городскую систему ценностей цивилизованных людей. [1]
В европейском искусстве эстетика примитивизма включала в себя приемы, мотивы и стили, скопированные из искусств азиатских, африканских и австралазийских народов, которые воспринимались как примитивные по отношению к городской цивилизации Западной Европы. В этом свете включение художником Полем Гогеном таитянских образов в его масляные картины было характерным заимствованием приемов, мотивов и стиля, что было важно для развития современного искусства (1860-е–1970-е годы) в конце 19 века. [2] Как жанр западного искусства , примитивизм воспроизводил и увековечивал расистские стереотипы , такие как « благородный дикарь », с помощью которого колонизаторы оправдывали белое колониальное господство над небелыми в Азии, Африке и Австралазии. [3]
Более того, термин примитивизм также определяет приемы, мотивы и стили живописи, которые преобладали в репрезентативной живописи до появления авангарда ; а также определяет стили наивного искусства и народного искусства, созданные художниками-любителями, такими как Анри Руссо , которые рисовали для личного удовольствия. [4]
Примитивизм — утопический стиль искусства, который подразумевает представление физического мира Природы и изначального естественного состояния человечества с помощью двух стилей: (i) хронологического примитивизма и (ii) культурного примитивизма . [5] В Европе хронологический примитивизм предполагает моральное превосходство примитивного образа жизни, представленного мифом о золотом веке дообщественной гармонии с Природой, как это изображено в пасторальных жанрах европейского изобразительного искусства и поэзии. [6]
Известными примерами европейского культурного примитивизма являются музыка Игоря Стравинского , таитянские картины Поля Гогена и африканские работы Пабло Пикассо . «Весна священная» Стравинского (1913) — это примитивистская программная музыка на тему язычества , в частности, обряда человеческого жертвоприношения в дохристианской России. Отказавшись от эстетических и технических ограничений западной музыкальной композиции, в «Весне священной» композитор использует резкий консонанс и диссонанс , а также громкие повторяющиеся ритмы как способ дионисийской спонтанности в музыкальном модернизме . Критик Малкольм Кук сказал, что «с ее мотивами народной музыки и печально известным парижским бунтом 1913 года, подтверждающим ее авангардные полномочия, «Весна священная » Стравинского занималась примитивизмом как по форме, так и по практике», оставаясь при этом в рамках технических практик западной классической музыки . [7]
В эпоху Просвещения интеллектуалы риторически использовали идеализацию коренных народов в качестве политической критики европейской культуры ; [8] однако, в рамках Ссоры Древних и Современных , итальянский интеллектуал Джамбаттиста Вико сказал, что жизнь примитивных неевропейцев была более созвучна эстетическому вдохновению Природы для поэзии, чем искусству цивилизованного, современного человека. С этой точки зрения Вико сравнивал художественные достоинства эпической поэзии Гомера и Библии с современной литературой, написанной на родном языке. [9]
В « Пролегоменах к Гомеру» (1795) ученый Фридрих Август Вольф определил язык поэзии Гомера и язык Библии как примеры народного искусства, передаваемого устной традицией . [10] Позднее идеи Вико и Вольфа были развиты в начале XIX века Иоганном Готфридом Гердером ; [11] тем не менее, хотя идеи Вико и Вольфа оказали влияние на литературу, они оказали небольшое влияние на изобразительное искусство . [12]
Появление историзма — суждения и оценки различных эпох в соответствии с их историческим контекстом и критериями — привело к появлению новых школ изобразительного искусства, посвященных исторической верности обстановки и костюма, таких как искусство неоклассицизма и романтическое искусство движения назареев в Германии, которые вдохновлялись примитивной школой итальянской религиозной живописи, то есть до Рафаэля и открытия масляной живописи .
В то время как академическая живопись (после Рафаэля) использовала темные глазури, идеализированные формы и подавление деталей, художники движения назареев использовали четкие контуры, яркие цвета и много деталей. Художественные стили движения назареев были похожи на художественные стили прерафаэлитов , которые вдохновлялись критическими трудами Джона Рескина , который восхищался художниками до Рафаэля (например, Сандро Боттичелли ) и рекомендовал художникам рисовать на открытом воздухе.
В середине 19 века фотокамера и неевклидова геометрия изменили изобразительное искусство; фотография подтолкнула развитие художественного реализма , а неевклидова геометрия аннулировала математические абсолюты евклидовой геометрии и таким образом бросила вызов традиционной перспективе искусства эпохи Возрождения , предположив существование множественных миров, в которых вещи отличаются от человеческого мира. [13]
Трехсотлетняя эпоха Великих географических открытий (15–17 вв.) познакомила западноевропейских исследователей с народами и культурами Азии и Америки, Африки и Австралазии, но точка зрения исследователей на культурные различия привела к колониализму . [14] В эпоху Просвещения встречи исследователей с неевропейским Другим побудили философов подвергнуть сомнению средневековые предположения о неизменной природе Человека, общества и Природы , усомниться в социально-классовой организации общества и в умственных, моральных и интеллектуальных ограничениях христианства, сравнивая цивилизацию Европы с образом жизни нецивилизованного естественного человека, живущего в гармонии с Природой. [15]
В XVIII веке западные художники и интеллектуалы участвовали в «сознательном поиске в истории более глубоко выразительной, постоянной человеческой природы и культурной структуры в отличие от зарождающихся современных реалий», изучая культуры примитивных народов, с которыми сталкивались исследователи. [16] Трофеи европейского колониализма включали произведения искусства колонизированных туземцев, которые характеризовались примитивными стилями выражения и исполнения, особенно отсутствием линейной перспективы, простым контуром, наличием иероглифов , искажениями фигур и смыслом, передаваемым повторяющимися узорами орнамента. [17] Африканская и австралазийская культуры дали художникам ответ на их «белый, западный и преимущественно мужской поиск» идеала примитива, «чье само условие желательности заключается в некоторой форме дистанции и различия». [18]
Художник Поль Гоген покинул городскую Европу, чтобы поселиться во французской колонии Таити , где он принял примитивный образ жизни, сильно отличающийся от образа жизни в городской Франции. Поиски примитива Гогеном были поисками сексуальной свободы от христианских ограничений частной жизни, что очевидно в картинах « Дух мертвых, наблюдающий» (1892), «Парау на те Варуа ино» (1892) и «Анна Яванеринка» (1893), «Те Тамари но Атуа» (1896) и «Жестокие сказки» (1902).
.JPG/1280px-Paul_Gauguin-_Manao_tupapau_(The_Spirit_of_the_Dead_Keep_Watch).JPG)
Европейская перспектива Гогена Таити как сексуальной утопии, свободной от религиозных сексуальных запретов, соответствует перспективе пасторального искусства, которое идеализирует сельскую жизнь как лучшую, чем городская. Сходство между пасторализмом и примитивизмом очевидно в картинах «Таитянская пастораль» (1892) и «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?» (1897–1898). [19]
Художник Гоген говорил, что его картины прославляют таитянское общество и что он защищает Таити от французского колониализма; тем не менее, с постколониальной точки зрения 20-го века феминистские художественные критики заявили, что то, что Гоген заводил любовниц-подростков, лишает его права называться антиколониалистом. [20] Как европейский мужчина, его сексуальная свобода проистекала из мужского взгляда колониста, потому что художественный примитивизм Гогена является частью «плотного переплетения расовых и сексуальных фантазий и власти , как колониальной, так и патриархальной », которые французские колонизаторы придумали о Таити и таитянах; [21] Европейские фантазии были придуманы в «попытке эссенциализировать понятия примитивности», превращая неевропейские народы в колониальных подчиненных .
В период 1905–1906 годов группа художников изучала искусство стран Африки к югу от Сахары и Океании из-за популярности картин Гогена, изображающих Таити и таитян. Две посмертные ретроспективные выставки произведений искусства Гогена в Париже, одна в Осеннем салоне в 1903 году, а другая в 1906 году, оказали влияние на художников фовизма, таких как Морис де Вламинк , Андре Дерен и Анри Матисс , а также на Пабло Пикассо . В частности, Пикассо изучал иберийскую скульптуру , африканскую скульптуру и африканские традиционные маски , а также исторические работы, такие как картины маньеристов Эль Греко , эстетическое исследование которых Пикассо написал «Авиньонских девиц» (1907) и изобрел кубизм . [22]
Примитивизм в искусстве обычно рассматривается как культурный феномен западного искусства, однако структура примитивистского идеализма присутствует в произведениях искусства не-западных и антиколониальных художников. Ностальгия по идеализированному прошлому, когда люди жили в гармонии с природой, связана с критикой негативного культурного воздействия западной современности на колонизированные народы. Примитивистские работы антиколониальных художников являются критикой западных стереотипов о колонизированных народах, а также тоской по доколониальному образу жизни. Процессы деколонизации сливаются с обратной телеологией примитивизма, чтобы производить местные произведения искусства, отличные от примитивистских произведений западных художников, которые усиливают колониальные стереотипы как истинные. [23]
Как тип художественного примитивизма, произведения искусства движения негритюд имеют тенденцию к ностальгии по утраченному золотому веку . Начатое в 1930-х годах франкоязычными художниками и интеллектуалами по обе стороны Атлантического океана, движение негритюд было легко принято по всей континентальной Африке и африканской диаспорой . Отвергая западный рационализм и европейский колониализм, художники негритюд идеализировали доколониальную Африку с помощью произведений искусства, которые представляют доколониальную Африку как состоящую из обществ, которые были более культурно объединены до прибытия европейцев в Африку.
Среди художников движения негритюд выделяется кубинский художник Вифредо Лам , который был связан с Пикассо и сюрреалистами в Париже в 1930-х годах. [24] Вернувшись на Кубу в 1941 году, Лам был воодушевлен созданием динамичных картин, объединяющих людей, животных и природу. В «Джунглях» (1943) полиморфизм Лама создает фантастическую сцену джунглей с африканскими мотивами среди стеблей сахарного тростника, чтобы представить связь между неоафриканским идеализмом негритюда и историей плантационного рабства для производства столового сахара .
Неопримитивизм был русским художественным движением , которое получило свое название от 31-страничной брошюры Неопримитивизм Александра Шевченко (1913). Он считается типом авангардного движения и предлагается как новый стиль современной живописи, который смешивает элементы Сезанна , кубизма и футуризма с традиционными русскими « народными» художественными условностями и мотивами, в частности, русской иконой и лубком .
Неопримитивизм заменил символистское искусство движения « Голубая роза» . Зарождающееся движение было принято из-за тенденции его предшественника оглядываться назад, чтобы оно прошло свой творческий зенит. [25] Концептуализация неопримитивизма описывает его как антипримитивистский примитивизм, поскольку он ставит под сомнение европоцентристский универсализм примитивиста . [26] Эта точка зрения представляет неопримитивизм как современную версию, которая отвергает предыдущие примитивистские дискурсы. [26] Некоторые характеристики неопримитивистского искусства включают использование смелых цветов, оригинальный дизайн и экспрессивность. [27] Они продемонстрированы в работах Поля Гогена , которые отличаются яркими оттенками и плоскими формами вместо трехмерной перспективы. [28] Игорь Стравинский был еще одним неопримитивистом, известным своими детскими произведениями, которые были основаны на русском фольклоре. [29] Несколько художников-неопримитивистов также были бывшими членами группы «Голубая роза» . [30]
Среди русских художников, связанных с неопримитивизмом:
В ноябре 1910 года Роджер Фрай организовал выставку под названием «Мане и постимпрессионисты», которая прошла в галереях Графтон в Лондоне. На этой выставке были представлены работы Поля Сезанна , Поля Гогена , Анри Матисса , Эдуарда Мане , Пабло Пикассо и Винсента Ван Гога , среди прочих. Эта выставка должна была продемонстрировать, как развивалось французское искусство за последние три десятилетия; однако художественные критики в Лондоне были шокированы увиденным. Некоторые называли Фрая «сумасшедшим» и «сумасшедшим» за то, что он публично выставил такие произведения искусства на выставке. [31] Выставка Фрая привлекла внимание к примитивизму в современном искусстве, даже если он не намеревался этого делать; американский исследователь Марианна Торговник назвала выставку «дебютом» примитивизма на лондонской художественной сцене. [32]
В 1984 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке прошла новая выставка, посвященная примитивизму в современном искусстве. Вместо того чтобы указывать на очевидные проблемы, выставка восхваляла использование не-западных объектов в качестве вдохновения для современных художников. Директор выставки Уильям Рубин продвинул выставку Роджера Фрая на шаг дальше, показав современные произведения искусства, сопоставленные с не-западными объектами. Рубин заявил: «Что его не столько интересовали сами по себе произведения «племенного» искусства, сколько он хотел сосредоточиться на способах, которыми современные художники «открывали» это искусство». [33] Он пытался показать, что между двумя типами искусства существует «сродство». Ученый Жан-Юбер Мартин утверждал, что такое отношение фактически означало, что «племенным» объектам искусства «придавался статус не более чем сносок или дополнений к модернистскому авангарду». [34] Выставка Рубина была разделена на четыре различные части: Концепции, История, Сродство и Современные Исследования. Каждый раздел призван служить определенной цели, показывая связи между современным искусством и не-западным «искусством».
В 2017 году Музей на набережной Бранли — Жак Ширак в сотрудничестве с Национальным музеем Пикассо — Париж организовал выставку Picasso Primitif . Директор Ив Ле Фур заявил, что хотел, чтобы эта выставка стала поводом для диалога между «работами Пикассо — не только крупными работами, но и экспериментами с эстетическими концепциями — и не менее богатыми работами не-западных художников». [35] Picasso Primitif намеревался предложить сравнительный взгляд на работы художника с работами не-западных художников. Полученное в результате противостояние должно было выявить схожие проблемы, которые этим художникам приходилось решать, такие как нагота, сексуальность, импульсы и утрата посредством параллельных пластических решений.
В 2018 году в Монреальском музее изящных искусств прошла выставка под названием « Из Африки в Америку: лицом к лицу с Пикассо, прошлое и настоящее» . MMFA адаптировал и расширил Picasso Primitif , привезя 300 работ и документов из Музея на набережной Бранли — Жак Ширак и Национального музея Пикассо — Париж. Натали Бондил увидела проблемы с тем, как Ив Ле Фур представлял работы Пикассо в сопоставлении с не-западным искусством и объектами, и нашла способ ответить на них. Заголовок этой выставки был: «Крупная выставка, предлагающая новую перспективу и вдохновляющая на переосмысление истории искусств». [36] Выставка рассматривала трансформацию нашего взгляда на искусство Африки, Океании и Америки с конца XIX века до наших дней. Бондил хотела изучить вопрос о том, как этнографические объекты начинают рассматриваться как искусство. Она также задавалась вопросом: «Как Пикассо и анонимная маска могут быть выставлены в одной плоскости?» [37]