Ксилография в Японии (木版画, мокуханга ) — техника, наиболее известная по использованию в художественном жанре укиё-э [1] на отдельных листах, но в тот же период она также использовалась для печати книг. Изобретенная в Китае во времена династии Тан , ксилография была широко распространена в Японии в период Эдо (1603–1868). Она похожа на гравюру на дереве в западной гравюре в некоторых отношениях, но широко использовалась как для текста, так и для изображений. Японская техника мокуханга отличается тем, что в ней используются чернила на водной основе — в отличие от западной гравюры на дереве, в которой обычно используются чернила на масляной основе. Японские чернила на водной основе обеспечивают широкий спектр ярких цветов, глазурей и прозрачности.
Ксилография была изобретена в Китае во времена династии Тан и в конце 700-х годов перекочевала в Японию, где впервые была использована для воспроизведения иностранной литературы. [2] В 764 году императрица Кокен заказала миллион небольших деревянных пагод, каждая из которых содержала небольшой свиток с ксилографией, напечатанный с буддийским текстом ( Хякуманто Дарани ). Они были распространены в храмах по всей стране в знак благодарности за подавление восстания Эми в 764 году. Это самые ранние известные или задокументированные примеры ксилографии из Японии . [3]
К одиннадцатому веку буддийские храмы в Японии выпускали печатные книги сутр , мандал и других буддийских текстов и изображений. На протяжении столетий печать была в основном ограничена буддийской сферой, поскольку она была слишком дорогой для массового производства и не имела восприимчивой, грамотной публики в качестве рынка. Однако важный набор вееров позднего периода Хэйан (XII век), содержащий нарисованные изображения и буддийские сутры, показывает по утрате краски, что подрисуночный рисунок для картин был напечатан с блоков. [4] В период Камакура с XII по XIII век многие книги были напечатаны и опубликованы методом ксилографии в буддийских храмах в Киото и Камакуре . [3]
Западный типографский станок с подвижными литерами был привезен в Японию посольством Тэнсё в 1590 году и впервые был использован для печати в Казуса, Нагасаки в 1591 году. Однако использование западного типографского станка было прекращено после запрета христианства в 1614 году. [3] [5] Печатный станок, захваченный в Корее войсками Тоётоми Хидэёси в 1593 году, также использовался в то же время, что и печатный станок из Европы. Издание «Конфуцианских суждений » было напечатано в 1598 году с использованием корейского типографского станка с подвижными литерами по приказу императора Го-Ёдзэя . [3] [6]
Токугава Иэясу основал школу печати в Энко-дзи в Киото и начал печатать книги, используя отечественный деревянный печатный станок вместо металлического с 1599 года. Иэясу руководил производством 100 000 шрифтов, которые использовались для печати многих политических и исторических книг. В 1605 году начали публиковаться книги, использующие отечественный медный печатный станок, но медный шрифт не стал общепринятым после смерти Иэясу в 1616 году. [3]
Великими пионерами в применении печатного станка с подвижным шрифтом для создания художественных книг и в предшествовавшем массовому производству для общего потребления были Хонами Коэцу и Суминокура Соан. В своей студии в Саге, Киото, пара создала ряд версий японской классики на дереве, как текстовых, так и иллюстрированных, по сути, преобразуя эмаки (свитки) в печатные книги и воспроизводя их для более широкого потребления. Эти книги, теперь известные как Книги Коэцу, Книги Суминокура или Книги Саги (嵯峨本, Saga-bon ) , считаются первыми и лучшими печатными репродукциями многих из этих классических сказок; особенно известна Книга Саги Сказаний Исэ ( Ise monogatari ), напечатанная в 1608 году. [7] По эстетическим причинам шрифт Сага -бон , как и шрифт традиционных рукописных книг, принял ренмэн-тай (ja), в котором несколько символов пишутся последовательно плавными мазками кисти. В результате, один шрифт иногда создавался путем объединения двух-четырех полукурсивных и курсивных символов кандзи или хираганы . В одной книге было создано 2100 символов, но 16% из них использовались только один раз. [8] [9] [10]
Однако, несмотря на привлекательность подвижного шрифта, мастера вскоре решили, что полукурсивный и курсивный стиль японских текстов лучше воспроизводится с помощью деревянных дощечек. К 1640 году деревянные дощечки снова стали использоваться практически для всех целей. [11] После 1640-х годов печать подвижным шрифтом пришла в упадок, и книги массово производились с помощью обычной деревянной печати в течение большей части периода Эдо . [3] [12]
Массовое производство ксилографий в период Эдо было обусловлено высоким уровнем грамотности японцев в те дни. Уровень грамотности японцев в период Эдо был почти 100% для класса самураев и 50%-60% для классов тёнин и номин (фермеров) из-за распространения частных школ теракоя . В Эдо было более 600 прокатных книжных магазинов , и люди одалживали иллюстрированные ксилографией книги разных жанров. В то время как книги Сага печатались на дорогой бумаге и использовали различные украшения, печатаясь специально для узкого круга литературных ценителей, другие печатники в Эдо быстро адаптировали традиционную ксилографию для производства более дешевых книг большими тиражами, для более широкого потребления. Содержание этих книг широко варьировалось, включая путеводители, книги по садоводству, кулинарные книги, кибёси ( сатирические романы), сэрэбон (книги о городской культуре), коккейбон (комиксы), ниндзёбон (любовный роман), ёмихон , кусадзоси , художественные книги, сценарии пьес для театров кабуки и дзёрури (кукольный) и т. д. Самые продаваемые книги этого периода В этот период были «Косёку Итидай Отоко» («Жизнь влюблённого мужчины») Ихара Сайкаку , « Нансо Сатоми Хаккенден» Такидзавы Бакина и « Токайдочу Хизакуригэ» Джиппенса Икку , и эти книги переиздавались много раз. [3] [13] [14] [15] [16]
С 17 по 19 век укиё-э, изображающие светские сюжеты, стали очень популярны среди простых людей и производились массово. Укиё-э основано на актерах кабуки , борцах сумо , красивых женщинах, пейзажах достопримечательностей, исторических рассказах и т. д., а Хокусай и Хиросигэ являются самыми известными художниками. В 18 веке Судзуки Харунобу создал технику многоцветной ксилографии, называемую нисики-э, и значительно развил японскую культуру ксилографии, такую как укиё-э . Укиё-э оказало влияние на европейский японизм и импрессионизм . [3] [13] Ёситоси называли последним великим мастером укиё-э , и его жестокие изображения и фантастические выражения повлияли на более позднюю японскую литературу и аниме . [17] [18] Цена одного укиё-э в то время составляла около 20 мон , а цена миски лапши соба — 16 мон, таким образом, цена одного укиё-э составляла от нескольких сотен иен до 1000 иен в сегодняшней валюте. [19]
Возникло и разрослось множество издательств, которые публиковали как книги, так и отдельные листы. Одним из самых известных и успешных было Tsuta-ya . Право собственности издателя на физические деревянные блоки, используемые для печати определенного текста или изображения, представляло собой наиболее близкий эквивалент концепции « авторского права », существовавшей в то время. Издатели или отдельные лица могли покупать деревянные блоки друг у друга и, таким образом, брать на себя производство определенных текстов, но за пределами права собственности на определенный набор блоков (и, таким образом, на очень конкретное представление определенного предмета) не существовало никакой юридической концепции права собственности на идеи. Пьесы принимались конкурирующими театрами и либо воспроизводились оптом, либо могли адаптироваться отдельные элементы сюжета или персонажи; эта деятельность считалась законной и обычной в то время. [20]
После упадка укиё-э и внедрения современных технологий печати, ксилография продолжила использоваться как метод печати текстов, а также как метод создания произведений искусства, как в традиционных режимах, таких как укиё-э , так и в различных более радикальных или западных формах, которые можно было бы истолковать как современное искусство . В начале 20-го века, син-ханга , которая соединила традицию укиё-э с техникой западной живописи, стала популярной, и работы Хасуи Кавасэ и Хироси Ёсиды приобрели международную популярность. [21] [22] Такие институты, как «Институт ксилографии Адачи» и «Такэдзасадо», продолжают производить укиё-э гравюры с использованием тех же материалов и методов, которые использовались в прошлом. [23] [24]
С приходом современности в Японии возродилась гравюра на дереве, ханга . После смерти Хиросигэ в 1858 году укиё-э практически исчезла. Последние ее проявления соответствуют Гойо Хасигути , который уже демонстрирует явное западное влияние в реализме и пластической обработке своих изображений. С приходом 20-го века художники, занимавшиеся гравюрой, перешли к стилю, более соответствующему современному японскому вкусу. Одним из первых ее представителей был Хироси Ёсида , автор пейзажей, на которые оказала влияние английская акварель девятнадцатого века. В 1918 году была основана Nippon Sōsaku Hanga Kyōkai (Японская ассоциация художников-граверов), группа художников, которые синтезировали традиционную японскую живопись с новой западной эстетикой. Среди ее членов выделялись Косиро Онти , Унити Хирацука и Сико Мунаката . Первый, на которого повлиял Василий Кандинский , был первым, кто создал абстрактные гравюры, однако, в стиле, который был отчетливо восточным из-за его хроматизма мягких тонов и его лиризма и воображения. Хирацука был более традиционным в технике и выборе сюжетов, отдавая предпочтение черно-белой монохромности, в темах от буддизма до пейзажей и популярных сцен, в которых он сочетал традиционные методы с современными эффектами. Мунаката был известен своими оригинальными, личными и экспрессивными работами с безошибочным отпечатком. Он также сосредоточился на буддийских темах, в целом также монохромных, но со свободным, беззаботным стилем, с небрежным внешним видом, но большой жизненной силой. [25]
_Imay%C5%8D_mitate_shin%C5%8D_k%C5%8Dsh%C5%8D_yori_shokunin.jpg/1280px-Utagawa_Kunisada_(1857)_Imay%C5%8D_mitate_shin%C5%8D_k%C5%8Dsh%C5%8D_yori_shokunin.jpg)
Техника печати текстов и изображений была в целом схожей. Очевидными различиями были объем, создаваемый при работе с текстами (много страниц для одной работы), и сложность многоцветности в некоторых изображениях. Изображения в книгах были почти всегда монохромными (только черные чернила), и некоторое время художественные отпечатки также были монохромными или выполнены только в два-три цвета.
Текст или изображение сначала рисуется на тонкой васи (японской бумаге), называемой гампи , затем наклеивается лицевой стороной вниз на доску из мелкозернистого дерева, обычно на брусок гладкой вишни. Масло можно использовать, чтобы сделать линии изображения более заметными. Надрез делается по обеим сторонам каждой линии или области. Затем дерево высекается, основываясь на контурах рисунка. Блок покрывается чернилами с помощью кисти, а затем плоский ручной инструмент, называемый барен, используется для прижатия бумаги к деревянному блоку, чтобы нанести чернила на бумагу. Традиционный барен состоит из трех частей: он состоит из внутреннего сердечника, сделанного из бамбуковых листьев, скрученных в веревку различной толщины, причем созданные таким образом узелки в конечном итоге оказывают давление на отпечаток. Эта катушка содержится в диске, называемом «атэгава», сделанном из слоев очень тонкой бумаги, которая склеивается и обертывается смоченным бамбуковым листом, концы которого затем связываются, чтобы создать ручку. Современные печатники адаптировали этот инструмент, и сегодня используются алюминиевые валики с шарикоподшипниками для передачи давления, а также менее дорогие пластиковые версии.
Первые отпечатки были просто одноцветными ( sumizuri-e ), с дополнительными цветами, нанесенными вручную ( kappazuri-e ). Разработка двух регистрационных знаков, вырезанных на блоках, называемых «kento», была особенно полезна с введением нескольких цветов, которые должны были наноситься с точностью поверх предыдущих слоев чернил. Лист бумаги для печати помещается в kento, затем опускается на деревянный блок.
Хотя, опять же, текст был почти всегда монохромным, как и изображения в книгах, рост популярности укиё-э повлек за собой спрос на все большее количество цветов и сложность техник. Этапы этого развития следующие:
Японская гравюра, как и многие другие черты японского искусства, имела тенденцию организовываться в школы и течения. Наиболее заметными школами (см. также школы художников укиё-э ) и, позднее, течениями моку-ханга были:
Другие художники, такие как Шараку , Кабукидо Энкё , Сугакудо и Сибата Зессин, считаются независимыми художниками, свободными от школьных ассоциаций, и, предположительно, без сопутствующих выгод от издателей, которые могут быть менее склонны производить гравюры неаффилированного художника. Однако многие из сохранившихся примеров говорят об обратном. Самые ранние образцы этих художников являются одними из самых желанных, ценных и редких из всех укиё-э. Кроме того, многие образцы демонстрируют очень тонкую печать с использованием дорогой слюды ( кирадзури ), чернил премиум-класса и бумаги высочайшего качества. [27]
Ниже приведены общие размеры печати периода Токугава. Размеры варьировались в зависимости от периода, и приведенные здесь являются приблизительными; они основаны на размерах бумаги до печати, и бумага часто обрезалась после печати. [29]
Японские термины для обозначения вертикального (портретного) и горизонтального (пейзажного) форматов изображений — татэ-э (立て絵) и ёко-э (横絵) соответственно.
{{cite web}}: CS1 maint: архивная копия как заголовок ( ссылка )