Providence — франко-швейцарский фильм 1977 года, снятый Аленом Рене по сценарию Дэвида Мерсера . Он исследует процессы творчества через изображение стареющего романиста, которого играет Джон Гилгуд , который представляет сцены для своего последнего романа, которые опираются на его прошлое и его отношения с членами его семьи. Фильм получил премию «Сезар» за лучший фильм 1978 года .
Накануне своего 78-го дня рождения больной писатель-алкоголик Клайв Лэнгхэм проводит мучительную и бессонную ночь, мысленно сочиняя и пересочиняя сцены для романа, в котором персонажи, основанные на его собственной семье, сформированы его фантазиями и воспоминаниями, наряду с его едкими комментариями об их поведении. Его сын Клод предстает в роли холодного и беспощадного обвинителя, который наслаждается злобными репликами. Его второй (внебрачный) сын Кевин представлен в роли идеалистичного солдата, обвиняемого в милосердном убийстве старика, за которым охотились. Жена Клода Соня проявляет симпатию к Кевину и, кажется, стремится соблазнить его в знак протеста против бессердечия своего мужа. Клайв также придумывает характер Хелен, как любовницы Клода, но она носит черты покойной жены Клайва Молли, которая покончила с собой. Воображение Клайва также преследуют сцены вскрытия трупа старика, военная облава на пожилых людей, задержанных на спортивном стадионе, и темный запутанный лес, в котором преследуемый человек превращается в оборотня. Перед тем, как Клайв теряет сознание, именно Кевина он видит в качестве оборотня в лесу; Клод стреляет в Кевина, но, похоже, отождествляет его с отцом.
На следующий день Клайв приглашает Клода, Соню и Кевина (на самом деле астрофизика) на идиллический обед в честь дня рождения в залитом солнцем саду своего загородного особняка, и их отношения характеризуются взаимной привязанностью и хорошим юмором, хотя и с признаками сдержанности в знак уважения к случаю. После обеда, как он, по-видимому, предполагает окончательное прощание, Клайв неожиданно просит их всех уйти, не сказав ни слова.
Продюсер Клаус Хеллвиг предложил Рене снять фильм с британским драматургом Дэвидом Мерсером . Они встретились в Лондоне и, преодолев препятствие, заключавшееся в том, что ни один из них не говорил на языке другого свободно, начали серию обсуждений черновиков и переработок, которые продолжались более года. Первоначальная идея Мерсера касалась положения политических заключенных, содержащихся на спортивном стадионе, что символизировало крах мира. Постепенно план сместился к воображению стареющего писателя, ищущего материал для романа. Рене предложил превратить весь фильм в метафору создания и распада; он также внес значительные изменения в хронологию сцен, написанную Мерсером. [2]
Название фильма также было предоставлено продюсером, обозначая как название поместья, где живет стареющий романист, так и контролирующую руку, с которой он организует судьбу своих персонажей. Название вызвало дальнейшие ассоциации с американским городом Провиденс , родиной писателя-фантаста Г. Ф. Лавкрафта, чьи готические истории вдохновили некоторые образы в фильме. [3]
Первоначально планировалось снимать фильм в Новой Англии, в Соединенных Штатах, но по соображениям стоимости это оказалось невозможным. Некоторые внешние сцены снимались в Провиденсе и Олбани в США, в то время как другие — в Брюсселе, Антверпене и Лувене; они использовались в сочетании друг с другом для формирования составного городского пейзажа на заднем плане определенных сцен. Студийные сцены снимались в Париже. Финальная сцена дня рождения снималась на натуре в замке Монмери в Амбазаке недалеко от Лиможа. Съемки проходили с апреля по июнь 1976 года. [4] [5]
Декорации были созданы Жаком Солнье, постоянным соавтором Рене, и он получил премию «Сезар» за свою работу. Чтобы создать траурную атмосферу, в дизайне преобладали серые и темные оттенки, а яркие цвета были исключены. Солнье вспоминал, что Рене заставил его прочитать Лавкрафта, чтобы наполнить дом Лэнгхэма присутствием смерти: «Я представлял его себе как семейную гробницу». В некоторых сценах (созданных в воображении Клайва Лэнгхэма) планировка декораций меняется от одного кадра к другому (например, дверь в углу комнаты в одном кадре появляется у подножия лестничного пролета в другом; разговор между четырьмя персонажами наедине в одной сцене продолжается посреди вечеринки в следующей). В некоторых декорациях используется нарисованный фон, который имеет намеренно театральный вид; в одной из них изображен морской пейзаж, на котором искусственные волны вздымаются среди нарисованных скал (достигается путем выдувания взрывов кусков пенополистирола из-под декораций). [6] [7] [8] [9]
Providence был первым фильмом Рене на английском языке, и, несмотря на ограничения бюджета, в фильме был задействован престижный состав британских и американских актеров. Рене имел давние амбиции заполучить Джона Гилгуда на значительную роль в фильме, увидев его игру на сцене, и был вдохновлен Дирком Богардом обратиться к нему. [10] [11] Гилгуд позже описал проект как «несомненно самый захватывающий фильм, который я когда-либо делал», и отметил впечатляющее спокойствие Рене на протяжении съемок, которое сделало его «замечательным для работы». Он также вспомнил вклад, внесенный Флоранс Мальро, женой Рене, которая свободно говорила по-английски и помогла преодолеть ограничения режиссера в этом отношении. [1] Рене придавал большое значение взаимодействию вокальных тембров своих главных актеров и описывал их как шубертовский квинтет: Эллен Берстин — скрипка, Дирк Богард — фортепиано, Дэвид Уорнер — альт, Джон Гилгуд — виолончель и Элейн Стритч — контрабас. [12]
Первоначально планировалось снять фильм на французском языке, переведя его с английского. Однако Рене вскоре почувствовал, что на французском языке фильм не получится: «Я так ясно слышал его на английском, и, в любом случае, текст Мерсера зависел от английской интонации». Продюсеры согласились, но настояли на том, чтобы была также французская версия». [13] Процесс дубляжа завершенной работы на французский язык был выполнен с особой тщательностью: в озвучивании приняли участие Клод Дофен в роли Клайва, Франсуа Перье в роли Клода, Жерар Депардье в роли Кевина, Нелли Боржо в роли Сони и Сюзанна Флон в роли Элен.
Для музыки Рене обратился к голливудскому композитору венгерского происхождения Миклошу Роже , которым он восхищался особенно за его работу над версией «Мадам Бовари» 1949 года . Позже Рожа называл Рене одним из немногих режиссеров в своем опыте, кто действительно понимал функцию музыки в кино. Альбомы саундтреков в конечном итоге были выпущены на LP и CD.
Рене описал фильм как « жуткое развлечение », настаивая на том, что он хотел, чтобы фильм был смешным, несмотря на мрачность его тем. [14] Он также сказал, что один из вопросов, который ставит фильм, заключается в том, являемся ли мы теми людьми, которыми мы себя считаем, или становимся тем, кем нас считают другие в своих суждениях. [15]
Центральная тема — процесс художественного творчества: «[ Провидение ] — это метафильм, фильм о создании фильмов, произведение искусства о создании произведений искусства». [16] Расширяя эту идею: «Фильм предполагает некоторую симбиотическую связь между создателем и созданным сценарием... Персонажи — творения [Клайва], однако он говорит с ними так, как будто они — своенравные дети. Их статус неоднозначен, поскольку они являются составными: они — персонажи снов, созданные персонажи, а также личности, которые являются частью ближайшей реальности Клайва». [17]
В противовес творчеству тема смерти постоянно повторяется, не столько как тема сама по себе, сколько в борьбе Клайва за то, чтобы избежать ее: Рене описал фильм как рассказ о решимости старого писателя не умирать, и его постоянное пьянство и воображение являются свидетельством его отказа отпустить. [18] Наряду с траурными аспектами декора и сценами вскрытия, повторяющиеся случаи превращения персонажа в оборотня связаны с приходом смерти, подразумевая, что процесс умирания низводит человека до животного. [19] Клайв также одержим тем, что молодые пытаются оттолкнуть его, убить его, что он визуализирует в сценах стадиона/концентрационного лагеря, где стариков окружают солдаты, которые все молодые. [18]
Другими мотивами, способствующими созданию настроения болезненной тревоги, являются военные поисковые отряды и образы депортации, наблюдение с вертолетов, звуки бомб и сирены скорой помощи, а также разрушение зданий. [20] [21]
Как отметили несколько авторов, писавших о фильме, вступительная сцена отражает начало «Гражданина Кейна» : мемориальная доска снаружи дома, камера приближается к освещенному дверному проему, разбивается стеклянный предмет, крупный план губ Клайва, когда он ругается. [22] [23] [24] В то время как личность Кейна исследуется через отдельные «версии» людей, которые его знали, в «Провиденсе» именно центральная фигура Клайва рисует характеры членов своей семьи и дает отражение себя через них.
Одна из мыслей о его собственном стиле выражения, написанная для персонажа Клайва Дэвидом Мерсером, была отмечена многими критиками как особенно применимая к самому Рене. Ссылаясь на критику его собственного творчества, что погоня за стилем часто приводила к отсутствию чувства, Клайв затем утверждает, что «Стиль — это чувство — в его наиболее элегантном и экономичном выражении». [25]
Во Франции реакция прессы на Providence во время его выпуска (и снова при его повторном выпуске в 1983 году) была чрезвычайно восторженной. Многие утверждали, что это был фильм большой культурной важности и кульминация карьеры Рене. [26] Фильм выиграл семь призов на премии «Сезар» , включая «Лучший фильм» и «Лучший режиссер». [27]
Напротив, рецензенты в Соединенных Штатах были преимущественно враждебны к фильму. [28] Винсент Кэнби в The New York Times назвал его «катастрофически неудачно подобранной комедией» и «много суеты и фальшивых перьев из ничего»; он нашел сценарий претенциозным, а структуру сложной, не будучи сложной. [29] Для Джона Саймона в Нью-Йорке это была «полная катастрофа», в которой он критиковал почти каждый аспект, за исключением игры Джона Гилгуда. [30] Полин Кейл написала рецензию в 2000 слов в The New Yorker , в которой нашла недостатки в противоречивой структуре, высокопарном языке, искусственности актерской игры и ледяном стиле режиссера фильма, прежде чем пришла к выводу, что все, что он свело к «боли „умной“ английской пьесы». [31] Короткая заметка в Variety высказала другую точку зрения, сославшись на «необычный визуальный тур-де-форс... предлагающий плотное проникновение в полеты воображения предположительно умирающего писателя». [32]
В Великобритании фильм получил более разнообразный прием, и он имел успешный кассовый прокат в Лондоне. [33] Дэвид Робинсон, писавший в The Times, был обеспокоен качеством сценария: «Визуальные творения Рене... кажутся очень хлипкими, опирающимися на рамку сценария Дэвида Мерсера... сценарий, опять же, застенчивый, жестко литературный. Диалоги формальны и искусственны... А претензии текста только усиливают подозрение, что он вообще не о чем». [23] Непредвзятый обзор в Monthly Film Bulletin подчеркнул множество слоев тематических перекрестных ссылок как внутри фильма, так и за его пределами, с отголосками других работ, написанных Дэвидом Мерсером, и элементами из других фильмов, а также случайным чередованием европейских и американских пейзажей. [24] Гилберт Адэр в книге «Видение и звук» противопоставил чрезмерно буквальный сценарий Дэвида Мерсера, в котором «ничего не осталось невысказанным», масштабу личной мифологии и фантазии, которые Рене смог ввести в фильм; он нашел работу обогащенной ее антинатуралистическими приемами, такими как оплошности в непрерывности, которые возникают в сюжете Клайва его романа и обмен голосами персонажей, а также дизъюнктивные появления клоунского футболиста в неподходящих сценах; и, несмотря на определенные оговорки, он пришел к выводу, что «актерский состав мечты играет вместе великолепно». [21] Конкретная критика одного аспекта фильма появилась в колонке комментариев British Medical Journal , где утверждалось, что включение сцен вскрытия трупа (точных, но беспощадных) было «недостойным и нецивилизованным и должно быть осуждено», потому что аудитория не была к ним готова, и они были ненужными для сюжета. [34]
Ретроспективные оценки Providence в целом были более позитивными, чем современные. [35] В Oxford History of World Cinema фильм описывается как «величественное и глубоко трогательное вторжение в фантазии умирающего человека». [36] По мнению критика Джонатана Розенбаума , «превосходная игра актеров и роскошная музыка в голливудском стиле Миклоша Рожи придают замыслу фильма трогательную монументальность и глубину, а понимание Рене процесса создания художественного произведения завораживает и прекрасно». [37] Художница Тасита Дин назвала Providence своим любимым фильмом, сказав, что «он без усилий решает проблемы воплощения фантазий воображения писателя. Он смешивает места и время в отдельных эпизодах, чтобы создать сверхъестественное чувство дислокации, но его гениальность заключается в его скудности — ни единого момента излишества». [38]
Одним из аспектов фильма, который вызвал больше всего комментариев и разногласий, является интерпретация двухчастной структуры и то, в какой степени одна из них представляет «обман», а другая — «правду». Для Полин Кейл «воображаемая» часть и «реальная» часть противоречат друг другу, потому что либо они не могут быть обе правдой, либо они обе не являются релевантными. [31] Другие нашли другие основания для критики, утверждая, что заключительная «реальная» часть представляет собой компромисс и уступку традиционному кинематографу, отрицание всех смелых экспериментов предыдущих четырех пятых фильма. [39] Ален Роб-Грийе, автор сценария для более раннего исследования Рене воображения и воспоминаний, L'Année dernière à Marienbad , был одним из тех, кто не одобрил заключительную часть. [40] Альтернативная точка зрения заключается в том, что заключительная лирическая часть вечеринки по случаю дня рождения не представляет окончательной картины семьи, какой она является на самом деле, а скорее другую точку зрения на них в головоломке, которую Клайв — и как писатель, и как отец — пытается решить. [24] Как выразился один критик:
Вторая часть фильма дополняет первую, изменяя ее эффект, отрицая ее иногда враждебные параноидальные доказательства, но не искореняя их полностью. Части фильма открывают Providence как ряд отражающих реальностей, которые, сплетенные вместе, могут предложить что-то вроде колебаний и сомнений ментального процесса. В этом смысле Providence можно рассматривать как предшественника работ Дэвида Линча в таких фильмах, как Lost Highway (1997) и Mulholland Drive (2001). [41]
«Провиденс» получил пять голосов в десятке лучших (три от критиков и два от режиссеров) в опросах журнала Sight & Sound 2012 года , посвященных величайшим фильмам, когда-либо созданным. [42]