A Question of Balance — шестой альбом группы Moody Blues , выпущенный в 1970 году. Альбом достиг первого места в Великобритании и третьего места в США.
Альбом был попыткой группы избавиться от своего ранее пышного, психоделического звучания, чтобы лучше исполнять песни на концертах. [3] Гитарист Джастин Хейворд вспоминает: «С самого начала наших сессий записи мы все были убеждены, что нам нужно записать альбом песен, которые можно было бы легко перевести в эффективные живые выступления. В каком-то смысле мы почти вернулись к живым выступлениям в студии, не слишком углубляясь в мир наложений». [4] Он продолжает: «На самом деле, было довольно освежающе работать над альбомом A Question of Balance ... вернуться к тому моменту, когда мы могли просто собрать кучу песен вместе с немного меньшим количеством инструментов, когда мы могли просто сидеть в комнате и играть». [5]
Тем не менее, альбом передает тему задавания вопросов и поиска смысла в мире. Хейворд объясняет: «С одной стороны, мы задавали себе вопрос, а с другой стороны, мы начинаем отвечать на него. Поиск ответов будет поддерживать нас в течение долгого времени». [6] Название альбома взято из первого и последнего треков на альбоме, «Question» и «Balance». По словам барабанщика Грэма Эджа, «Мы очень хотели отразить то, о чем говорится в названии: что поддержание себя — это вопрос баланса. Это было начало того, что к нам относились почти как к полубожествам. Очень трудно сохранять равновесие под таким давлением». [7] Майк Пиндер добавляет: «В целом, это был один из моих самых ярких альбомов. Я слушаю его сейчас и понимаю, почему люди все еще открывают его для себя. Мы никогда не хотели быть группой, которая «всегда на мне». Мы все хотели просто выразить себя. Вся идея индивидуального роста и возможности перенести это в нашу музыку. Большая часть A Question of Balance сделала именно это». [8]
Помимо желания записать песни с более простыми аранжировками, Майк Пиндер вспоминает, что альбом был больше вдохновлен домашней жизнью, а также глобальными проблемами: «Мы все женились и заводили детей. В этом и заключалась разница. Мы остепенились. Это не те песни, которые мы придумали из воздуха. Это все песни, которыми мы жили. Все они были песнями о том, как мы можем стать лучше, о том, что мы можем оставить позади и двигаться вперед. У планеты Земля есть свои проблемы, и люди живут в левом полушарии своего мозга. А правое полушарие мозга — это то, где происходит творчество. Изобретательность, идеи, концепции — все это приходит через правое полушарие мозга. Я всегда смотрел на это таким образом, с духовной точки зрения, в отличие от религиозной. Существует огромная, огромная разница. И поэтому эмоции были на самом деле о любви, мире и всем остальном, но также об интеллекте и сознании. Попытка пробудить людей от плохих привычек. Плохие привычки в моем понимании — это то, что причиняет боль другим людям, невинным людям». [9]
Хейворд размышляет об этом процессе написания песен в то время: «Песня есть песня. Есть определенные песни Moody Blues, которые начинаются таким тихим образом. У меня было так много маленьких частей песен, которые мне просто нравилось играть, и мне потребовалось некоторое время, чтобы понять: «Это песня. Если я просто поработаю над этим немного больше, у меня получится целая песня». Вдохновение должно найти вас в процессе работы, а не просто в игре. Так что это вопрос побуждения себя к тому, чтобы на самом деле использовать некоторые части, которые мне нравились на гитаре, и сделать из них песню». [10]
" Question ", заглавный трек на альбоме, был написан Хейвордом как песня протеста о войне. Группа находилась под влиянием своего опыта взаимодействия с американцами во время концертных туров, а также страха и гнева по поводу призыва во время войны во Вьетнаме. Он объясняет: "Я написал "Question" утром в день записи. Она была записана всего за несколько дублей. Я был очень хорошо осведомлен об антивоенном движении в Америке, которое выросло благодаря войне во Вьетнаме. Это была песня протеста о состоянии мира, которая, как я чувствую, все еще очень актуальна сегодня". [11] Он продолжает: "Я очень разозлился однажды ночью, слушая новости о войне во Вьетнаме. Единственная причина для войны для меня - это голод... люди, борющиеся за свои жизни. Но просто за кусочек территории, за кусочек земли где-то, было глупо. По-своему наивно, я вложил много этих чувств в Question". [12] Он развивает настроение песни:
«Это было связано с тем фактом, что мы достигли большого успеха в Соединенных Штатах, и мы играли во многих студенческих клубах и колледжах, и студенческая аудитория была нашей аудиторией. Мы общались с этими людьми и видели, насколько разными были их проблемы и вопросы принадлежности к величайшей нации на земле: Соединенным Штатам. Насколько они отличались от британцев. Я просто выражал свое разочарование по этому поводу, по поводу проблем антивоенного движения и вещей, которые действительно их волновали, и по поводу их собственного будущего, что они могут быть призваны, призваны. Как это было бы морально дилеммой для них и тому подобное. Так что это действительно вышло из этого. И мой собственный особый гнев на то, что происходило. После десятилетия мира и любви, все еще казалось, что мы ничего не изменили в 1970 году. Я полагаю, что это было темой песни. И затем медленная часть песни на самом деле отражает это, и не чувство поражения, а почти тихое отражение этого, и смешивается с небольшой частью песни о любви». [13]
«Question» был аранжирован незадолго до сессии звукозаписи. Хейворд с трудом дорабатывал две разные песни, которые оказались в одной тональности, и решил представить две песни как единое произведение. Он вспоминает: «Это была песня, написанная под давлением. В субботу в студии Decca проходила сессия Moody. В полночь той пятницы у меня все еще не было ничего для сессии на следующий день. У меня были части двух песен, которые были в одной тональности, но сильно отличались. Около четырех часов утра я подумал: «О, черт, все, что я могу сделать, это попытаться соединить их и заставить работать, как-то». Я принес ее в студию на следующее утро, сыграл ее ребятам, и они сказали: «Это здорово!» Они даже не думали, что это будут две песни. В этой песне много социальных комментариев. Я размышлял о том, что происходило в студенческой среде, где мы играли в то время». [14]
Текст песни Майка Пиндера «How Is It (We Are Here)» высмеивает концепцию Форт-Нокса . Пиндер указывает на иронию причинения вреда окружающей среде с целью добычи драгоценных металлов и их очистки только для того, чтобы снова поместить их в землю в хранилищах. [15]
"And the Tide Rushes In" Рэя Томаса - это размышление о непостоянстве материальных вещей. Она была вдохновлена конфликтом с его бывшей женой. Он объясняет: "And the Tide Rushes In" была записана после большой ссоры с моей бывшей женой. И я говорю... "Ты все время ищешь кого-то, кому можно рассказать о своих проблемах, я сяду и выслушаю, но ничего нового не услышу". Просто жалуюсь, а потом прилив накатывает и смывает мой замок". [16] Он вспоминает, как продюсер Тони Кларк пренебрежительно отнесся к тому факту, что ситуация была продуктивной в творческом плане: "Я помню, как Тони Кларк сказал ей, что ей следует больше ссориться со мной, потому что он считал эту песню такой замечательной". [17]
Барабанщик Эдж вносит свой вклад в «Don't You Feel Small»: «В основном это началось как небольшая попытка навредить экологии, а затем я увидел в этом много такого, как то, как люди, похоже, позволяют чувствовать себя очень незначительными из-за истеблишмента». [18] Песню исполняют четыре вокалиста группы, хотя Эдж пытался спеть ее во время сессий.
«The Tortoise and the Hare», написанная басистом Джоном Лоджем , напрямую вдохновлена басней Эзопа . Он видит в песне метафору для группы: «Это была своего рода аналогия, действительно, Moody Blues. Знаете, все остальные мчались прочь. Мы просто пытались сказать: «Если мы просто продолжим идти [с] тем, во что мы действительно верим, мы выдержим и [превзойдем] всех». [19]
Песня Хейворда «It's Up to You» была вдохновлена одним из его отношений; он написал эту песню на своем недавно приобретенном вишнево-красном Gibson. [20] Майк Пиндер интерпретирует более широкий смысл песни, как принятие ответственности на индивидуальном уровне за глобальные проблемы. Он объясняет: «'It's Up to You' — это гораздо более суровая реальность, которую людям все еще нужно осознать, что от человека зависит, сделает ли он что-то лучше, будь то политическое голосование, сохранение воды или предотвращение загрязнения планеты». [21]
«Melancholy Man» Пиндера принимает глобальную перспективу и сетует на способность общества решать свои самые широкие проблемы: «Меланхолическая часть этого — это меланхолия по человеческой расе и по планете, вот о чем она. Что это была за строчка? «Я могу не сделать это там с тобой» — знаменитая строчка Мартина Лютера Кинга . Мартин Лютер был очень занят мной». [22] Он продолжает: «Единственное самое неправильное толкование «Melancholy Man» было в том, что, возможно, это была песня о том, что я меланхоличен. Я использовал это как способ сказать, что есть разные уровни меланхолии, и что это была меланхолия для всего мира из-за надвигающегося распада структуры во всех вещах, которые мы видели, происходящих с тех пор, как вышла песня. То, что мы видим сейчас, — это просто еще больше результатов того, что делалось тогда и что продолжают делать промышленные гиганты и правительства мира, и жадные маленькие курящие сигары парни, как на обложке альбома». [23]
Финальный трек, «The Balance», сосредоточен вокруг устного повествования. Сопровождающая музыка была изначально аранжирована для песни Лоджа «The Tortoise and the Hare», которая позже была переработана. [24]
Альбом был записан в период с января по июнь 1970 года в студиях Wessex Sound Studios и в знакомой группе Studio One в студии Decca в Уэст-Хемпстеде . [25] Тони Кларк снова выступил в качестве продюсера вместе с инженером Дереком Варналсом. Сессии с 17 по 31 января дали фоновые треки для «It's Up to You», «Tortoise and the Hare», «And the Tide Rushes In», «Don't You Feel Small» и «Question». «Minstrel's Song» был записан 10 марта. Сессии с 1 по 6 июня выпустили «Dawning is the Day», «Melancholy Man», «How Is It We Are Here» и «The Balance». [26]
Сессии были отходом от их студийной практики на предыдущем альбоме To Our Children's Children's Children , с минимальным количеством наложений и более простым, более естественным звучанием, которое группа могла бы с большей легкостью воспроизвести на сцене. Хейворд вспоминает: «В песне «Question», записанной до альбома, нет дабл-трекинга, только эхо и большая старая 12-струнная гитара. Мы научились играть так старомодным способом и просто записали это в одну субботу. Это была преднамеренная попытка попытаться вернуться к чему-то более реальному». [27]
Несмотря на более простое производство в целом, альбом действительно содержит некоторые уникальные студийные приемы. Часть гитарной работы Хейворда на "Dawning is the Day" была записана на половинной скорости, чтобы создать эффект, похожий на мандолину. [28] Хейворд отдает должное мастерству Варналса и Кларка в передаче его желаемого гитарного звука на протяжении всего альбома: "О, они были действительно великолепны. Дерек Варналс — я должен отдать ему должное за мой гитарный звук в ранние дни. На тех ранних записях я играл на акустической и электрической гитаре. Он передал все это просто великолепно. Сначала я записывал акустические партии, а затем мы делали электрические вещи, возможно, с другими ребятами, играющими в то же время. Есть песня под названием "It's Up to You", где он внезапно пригвоздил ее к месту". [29]
Гитарная работа Хейворда и Пиндера в "Melancholy Man" напомнила продюсеру Кларку о типе музыки, которая могла бы появиться в саундтреке к французскому фильму, и он опирался на это чувство во время создания песни, ограничив использование эха в треке. Соответственно, песня впоследствии стала хитом номер один во Франции и получила большую ротацию в эпоху, окружающую смерть Шарля ДеГолля . [30]
Обложка альбома представляет собой вертикальный разворот, созданный Филом Трэверсом. [31] В нижней части изображения изображена пляжная сцена с отдыхающими, наслаждающимися солнцем, пока приближается грозовая туча. Трэверс объясняет значение изображения: «Люди на обложке на самом деле просто сидят там, на отдыхе, греясь на солнце, предположительно, ни о чем не беспокоясь. Они просто не замечают того, что надвигается на них, и, вероятно, не заметят, пока не станет слишком поздно. Это просто символический способ выразить то, что делает большинство из нас — мы прячем головы, пока не станет слишком поздно». [32]
Первоначально Трэверс включил в коллаж на обложке небольшую картину Джона Блэшфорда-Снелла . На ней был изображен Снелл в пробковом шлеме, держащий пистолет и направляющий его на слона. После выхода альбома Снелл подал в суд на Decca Records и группу из-за изображения, заявив, что оно было «источником постоянного смущения из-за того, что было на обложке». Трэверс, по указанию Decca, изменил изображение Снелла на изображение человека без пробкового шлема, держащего пистолет. [33]
Коллаж из фотографий группы в центре разворота альбома был создан путем проецирования нескольких изображений на один экран. По словам Кларка, этот метод был креативным решением, когда было обнаружено, что предпочтительный метод печати коллажа из нескольких отдельных фотографий добавил бы несколько недель производственного времени. [34]
В марте 2006 года альбом был ремастирован в формате SACD и переупакован с шестью дополнительными треками. В 2008 году был выпущен ремастер для стандартного аудио CD с теми же бонус-треками.
Группа продвигала альбом в турах по Соединенным Штатам и Соединенному Королевству. Группа появилась на Bath Festival of Blues and Progressive Music и Isle of Wight Festival 1970. Isle of Wight set был выпущен в 2008 году под названием Live at the Isle of Wight Festival 1970 .
Источник: [35]
{{cite magazine}}: CS1 maint: бот: исходный статус URL неизвестен ( ссылка )