Джим Дайн (родился 16 июня 1935 г.) - американский художник. Работы Дайна включают живопись, рисунок, гравюру (во многих формах, включая литографии, гравюры, гравюру, глубокую печать, гравюру на дереве, высокую печать и линогравюру), [1] скульптуру и фотографию; его ранние работы охватывали ассамбляжи и хеппенинги, а в последние годы его поэтическая продукция, как в публикациях, так и в чтениях, увеличилась. [2]
Дайн был связан со многими художественными движениями, включая нео-дада (использование коллажей и найденных предметов), абстрактный экспрессионизм (жестовая природа его картин) и поп-арт (прикрепление предметов повседневного обихода, включая инструменты, веревки, предметы одежды и даже раковина в ванной) к своим полотнам [3] , однако он избегал подобных классификаций. В основе его искусства, независимо от жанра конкретной работы, лежат интенсивные автобиографические размышления, неустанное исследование и критика себя через ряд личных мотивов, включая: сердце, халат, инструменты, античную скульптуру и персонаж Буратино (среди флоры, черепов, птиц и фигуративных автопортретов). Подход Дайна всеобъемлющий: «Искусство Дайна имеет качество потока сознания в своей эволюции и основано на всех аспектах его жизни — на том, что он читает, на предметах, которые он встречает в сувенирных магазинах по всему миру, на серьезном исследовании искусство любого времени и места, которое он считает полезным для своей практики». [4]
У Дайн было более 300 персональных выставок, [5] включая ретроспективы в Музее американского искусства Уитни , Нью-Йорк (1970), Музее современного искусства , Нью-Йорк (1978), Центре искусств Уокера , Миннеаполис (1984–85). , Сады и парк скульптур Фредерика Мейера , Гранд-Рапидс, Мичиган (2011 г.) и Музей Фолькванг , Эссен (2015–2016 гг.). Его работы находятся в постоянных коллекциях, в том числе в Чикагском институте искусств ; Метрополитен -музей , Нью-Йорк; Национальный музей современного искусства , Центр Помпиду , Париж; Национальная галерея искусств , Вашингтон, округ Колумбия; Музей Соломона Р. Гуггенхайма , Нью-Йорк; Галерея Тейт , Лондон; Токийский Метрополитен-Художественный музей , Токио; и Художественная галерея Йельского университета , Нью-Хейвен, Коннектикут. [6]
Награды Дайна включают номинацию на Академию искусств и литературы в Нью-Йорке (1980 г.), Командор Ордена искусств и литературы (2003 г.), медаль Британского музея (2015 г.) после того, как он пожертвовал музею 234 гравюры в 2014 г. членство Академии Сан-Лука в Риме (2017 г.) и кавалер Ордена Почетного легиона (2018 г.). [7]
Первое формальное обучение Дайна проходило в форме вечерних курсов в Академии искусств Цинциннати , куда он поступил в 1952 году в возрасте 16 лет [8] во время учебы в средней школе Уолнат-Хиллз. [9] Это решение было мотивировано как его творческим призванием, так и отсутствием соответствующей подготовки в средней школе: «Я всегда знал, что всегда был художником, и хотя в те годы я пытался соответствовать школьной жизни, я нашел это. сложно, потому что я хотел выразить себя творчески, а в школе, в которой я учился, не было для этого возможностей». [10] В 1954 году, еще посещая вечерние курсы, Дайн был вдохновлен копией книги Пола Дж. Сакса « Современные гравюры и рисунки» (1954), особенно воспроизведенными ею немецкими экспрессионистскими гравюрами на дереве, включая работы Эрнста Людвига Кирхнера (1880–1880). 1938), Эмиль Нольде (1867–1956) и Макс Бекманн (1884–1950) — «Я был шокирован ими» — и начал создавать гравюры на дереве в подвале своих бабушки и дедушки по материнской линии, с которыми он тогда жил. [11]
После школы Дайн поступил в Университет Цинциннати, но остался недоволен: «У них не было художественной школы, у них была школа дизайна. Я пробовал это в течение полугода. Это было смешно […] Все, что я хотел сделать, это краска." [12] По рекомендации друга, специализирующегося на театре в Университете Огайо в Афинах, Дайн поступил туда в 1955 году, где, как он вспоминает, был «поражен» не возможностями, а потому, что: «Я почувствовал деревенскую свободу в предгорьях Аппалачи, где я мог бы развиваться и стать художником». [12] Под руководством учителя гравюры Дональда Робертса (1923–2015) Дайн экспериментировал с литографией, офортом, глубокой печатью, сухой краской и гравюрой на дереве. По предложению Робертса Дайн впоследствии учился в течение шести месяцев у Туре Бенгца (1907–73) в Школе изящных искусств при Музее изящных искусств в Бостоне, а затем вернулся в Университет Огайо, который окончил со степенью бакалавра изящных искусств в 1957 году. (остался еще на год для изготовления картин и гравюр, с разрешения факультета). [8]
В 1958 году Дайн переехал в Нью-Йорк, где преподавал в школе Родса. [13] В том же году он основал галерею Джадсона в церкви Джадсон в Гринвич-Виллидж вместе с Клаасом Ольденбургом и Маркусом Рэтлиффом, в конечном итоге встретив Аллана Капроу и Боба Уитмена: вместе они стали пионерами хеппенингов и перформансов, в том числе « Улыбающегося рабочего» Дайна 1959 года. [14] Первая выставка Дайна прошла в галерее Рубена, где он также поставил тщательно продуманный спектакль « Автокатастрофа» (1960), [14] который он описывает как «какофонию звуков и слов, произносимых большой белой Венерой с животным мычанием и воет у меня." [15] Еще одной важной ранней работой был «Дом» (1960), среда, включающая найденные предметы и уличный мусор, установленная в галерее Джадсона. [16]
Дайн продолжал включать в свои работы предметы повседневного обихода (включая личные вещи), [3] что связывало его с поп-артом - близость, усиленная его включением во влиятельную выставку 1962 года «Новая живопись обычных предметов» в Художественном музее Пасадены, курируемую Уолтером Хоппсом и позже названным первым институциональным обзором американского поп-арта, включая работы Роберта Дауда , Джо Гуда , Филиппа Хеффертона , Роя Лихтенштейна , Эдварда Руши , Уэйна Тибо и Энди Уорхола . [17] [18] Дайн, однако, последовательно дистанцировался от поп-арта: «Я не поп-художник. Я не являюсь частью движения, потому что я слишком субъективен. Поп-музыка озабочена экстерьером. Меня интересуют интерьеры. Когда я использую предметы, я рассматриваю их как словарь чувств. […] В своей работе я пытаюсь исследовать себя в физических терминах — объяснять что-то с точки зрения моих собственных чувств». [19]
С начала 1960-х годов Дайн усовершенствовал набор мотивов, с помощью которых он исследовал себя в бесчисленных формах и средствах массовой информации, а также в различных местах и студиях, в которых он работал, включая: Лондон (1968–71); Патнэм, Вермонт (1971–85); Уолла Уолла, Вашингтон (с 1983 г.); Париж (с 2001 г.); и Геттинген (с 2007 г.) в студии, примыкающей к помещениям Штайдла, типографа и издателя большинства его книг. [20]
Дайн впервые изобразил халаты в 1964 году, когда искал новую форму автопортрета, в то время, когда «просто делать автопортрет было не круто»; [21] Таким образом, он задумал подход, не изображая своего лица. [22] Дайн впоследствии увидел изображение халата в рекламе в журнале New York Times Magazine , [21] и принял его как суррогатный автопортрет, который он с тех пор изображал в различной степени реализма и экспрессионизма.
Первоначально Дайн выразил этот мотив в форме большого сердца из красного атласа, подвешенного над персонажем Пака в постановке 1965–66 годов « Сон в летнюю ночь» Уильяма Шекспира в Актерской мастерской в Сан-Франциско, для которой он разработал дизайн. наборы (его первоначальным знакомством с этим мотивом была серия красных сердечек на белом фоне, которые он видел, будучи студентом). [23] Со временем сердце стало для Дайна «универсальным символом, на который я мог нанести краску» и «наиболее хорошей географической структурой, какую я мог найти в природе. Это своего рода ландшафт, и внутри этого ландшафта я мог расти». что угодно, и я думаю, что я это сделал». [24] Формальная простота сердца сделала его предметом, который он мог полностью считать своим, пустым сосудом для продолжающихся экспериментов, в который можно проецировать свое меняющееся «я». Статус сердца как универсального символа любви еще раз отражает приверженность Дайна творческому акту: «… то, во что я был влюблен, так это тот факт, что меня поместили сюда, чтобы создавать эти сердца — это искусство. Подобное чувство любви присутствует и в этот метод, этот акт создания искусства…» [25]
«Попытка воплотить в жизнь эту куклу — это замечательная история. Это история о том, как вы создаете искусство», — Джим Дайн. [26] Увлечение Дайна персонажем Пиноккио, мальчика-героя в « Приключениях Пиноккио » Карло Коллоди (1883), восходит к его детству, когда в возрасте шести лет он вместе со своей матерью посмотрел анимационный фильм Уолта Диснея . Пиноккио (1940): «Это навсегда преследовало мое сердце!» [27] Этот формирующий опыт углубился в 1964 году, когда Дайн обнаружил детальную фигурку Пиноккио, покупая инструменты: «Он был раскрашен вручную, имел голову из папье-маше, красивую маленькую одежду и подвижные конечности. Я взял его домой и держал на своем полке в течение 25 лет. Я ничего с ней не делал. Я не знал, что с ней делать, но она всегда была со мной. Когда я переезжала, я брала ее и ставила на книжную полку или складывала в ящик и вытащите его, по сути, чтобы поиграть с ним». [28] Однако только в 1990-е годы Дайн изобразил Пиноккио в своем искусстве, сначала в диптихе; Следующие Пиноккио были показаны на Венецианской биеннале 1997 года и на выставке в галерее Ричарда Грея в Чикаго. [26] Известные изображения с тех пор включают 41 цветную литографию, напечатанную в Ателье Майкла Вулворта, Париж, в 2006 году; [29] книга «Пиноккио» (Steidl, 2006), сочетающая текст Коллоди и иллюстрации Дайна; две монументальные бронзовые скульптуры высотой 9 метров: «Прогулка к Боросу» (2008 г.) в Буросе, Швеция, и «Пусанский Пиноккио» (2013 г.) в Пусане, Южная Корея; и Пиноккио (Эмоциональный) (2012), двенадцатифутовая бронза в Художественном музее Цинциннати. [30] В последние годы самоидентификация Дайна с персонажем Пиноккио сместилась к Джепетто, одаренному резчику по дереву, который изготавливает куклу-мальчика. [31]
«Я испытываю почтение к древнему миру. Я имею в виду греко-римское общество. Это всегда меня интересовало, и мне интересны его продукты, и интересна литература — историческая литература. У меня есть эта потребность в связи с прошлым в мой путь…» — Джим Дайн. [32] Как и в случае с Пиноккио, увлечение Дайна античной скульптурой относится к раннему периоду его жизни: «В детстве я всегда интересовался «антиквариатом», потому что моя мать водила меня в художественный музей в Цинциннати, и у них была несколько красивых вещей». [33] Таким образом, антиквариат присутствовал со времен его ранних работ, например, в скульптуре «Без названия (После крылатой победы)» (1959), которая сейчас хранится в коллекции Чикагского института искусств, скульптуре, вдохновленной «Крылатой победой Самофракии» (ок. 200 г. до н. э.) и состоит из расписного одеяния, подвешенного на найденном каркасе лампы и скрепленного проволокой, которое Дайн описывает как «почти как искусство аутсайдеров» и которое он впервые показал в галерее Рубена. [34] Чаще всего он выражает антиквариат через фигуру Венеры Милосской (ок. 100 г. до н. э.), небольшую гипсовую слепку, которую он купил в Париже; Первоначально он включил актерский состав в натюрморты 1970-х годов: «Но потом я снес ему голову и сделал ее своей». [35] Дайн также вдохновлен конкретными коллекциями скульптур, например, коллекцией Глиптотеки в Мюнхене , которую он посетил в 1984 году, в результате чего были созданы 40 «Рисунки Глиптотек» [так в оригинале] 1987–88 годов, сделанные в рамках подготовки к серии литографии. [36] О своем опыте Дайн вспоминает: «Директор музея позволил мне прийти ночью, и, следовательно, это была медитация над произведениями, которые я рисовал, потому что я был один. Я чувствовал связь между эпохами истории и мной и общение между этими анонимными ребятами, которые вырезали эти вещи за столетия до меня. Это был способ объединить усилия поколений, и для меня почувствовать, что я не просто вырос, как перекати-поле, но что я откуда-то пришел. Я принадлежал к традиция, и она дала мне ту историю, которая мне была нужна». [35] Важной недавней работой, включающей в себя антиквариат, является «Пение поэта» Дайна («Цветущие листы») , инсталляция, состоящая из 8-футовых деревянных скульптур, вдохновленных древнегреческими статуями танцующих женщин, расположенных вокруг 7-футовой автопортретной головы художника, все это установлено в комнате, на стенах которой он изобразил обширное стихотворение «с его орфическими темами путешествий, потерь и возможностей искусства». [37] Первоначально показано в 2008–2009 годах на вилле Гетти, в музее Дж. Пола Гетти, Лос-Анджелес, и повторяет скульптурную группу «Сидящий поэт и сирены» 350–300 гг. До н.э. (2) с несвязанными фрагментарными завитками (304).хранится в коллекции Гетти, [38] Дайн с тех пор обновил «Пение поэта» («Цветущие листы») как постоянную инсталляцию, ориентированную на конкретное место, размещенную в специально построенном павильоне Джима Дайна, примыкающем к Кунстхаусу Геттингена.
«Я никогда не переставал восхищаться этими предметами». — Джим Дайн. [32] Как и в случае с Пиноккио и античной скульптурой, инструменты — это мотив, неразрывно связанный с детством Дайна. Его познакомил с ними его дед по материнской линии, Моррис Коэн, который управлял хозяйственным магазином The Save Supply Company в Цинциннати; В детстве Дайн прожил с Коэном три года и ежедневно общался с ним до 19 лет. [39] Дайн вспоминает молотки, пилы, дрели, отвертки среди различных аппаратных принадлежностей; позже Дайн работал в магазине Коэна по субботам. [40]
Таким образом, Дайн познакомился как с практическими функциями инструментов, так и с их эстетическими возможностями: «Я восхищался красивой эмалью на керамических унитазах и раковинах. он был заплетен. В отделе покраски таблицы цветов казались мне идеальными, идеальными шкатулками для драгоценностей». [41] Он вспоминает чувственное воздействие «очень, очень красивой» нетронутой белой краски: «Я играл с ней, втыкая одну из его отверток, разрывая кожу и перемещая ее. Это было похоже на белую ириску. сказочный запах льняного масла и скипидара». [12] Соответственно, он находит их «таким же загадочным и интересным объектом, как и любой другой объект. Здесь нет аристократии». [42]
В качестве мотива, символизирующего превращение сырья в искусство, инструменты имеют уникальный статус в практике Дайна как «искусственные продолжения его рук, эффективно позволяющие ему формировать и формировать определенные данные условия и объекты более систематически» [ 43] и как «» первичные объекты», которые создают связь с нашим человеческим прошлым и рукой». [44] По словам самого Дайна, этот инструмент по своей сути является «метафорой слова «работа». [32]
Дайн интегрировал настоящие инструменты в свое искусство из своих самых ранних работ — например, « Большая черная рабочая стена » (1961), картина с прикрепленными инструментами, и « Ветер и инструменты (Словарь терминов)» (2009), три деревянные статуи Венеры, одетые в подпоясывает пояса с инструментами, а также изображает их в средствах массовой информации, включая картины, рисунки, фотографии и гравюры. [45] Выдающаяся серия печатных работ с использованием инструментов — это «История коммунизма» (2014), в которой Дайн напечатал мотивы инструментов поверх литографий, сделанных из камней, найденных в художественной академии в Берлине, и демонстрирующих работы студентов Немецкой демократической партии за четыре десятилетия. Республика. [46] Накладывая свой собственный словарь инструментов, Дайн обращается к символическим инструментам коммунизма — серпу и молоту Советского Союза и молоту и компасу, окруженным рожью, Германской Демократической Республики — и ставит под сомнение утверждение какой-либо определенной «истины», показывая, что «история никогда не является связным повествованием - хотя она может быть представлена как таковая со скрытым мотивом - а, скорее, фрагментированным, многоуровневым и многосторонним процессом». [47]