Карл Спринчорн (1887–1971) был американским художником шведского происхождения, который учился у Роберта Генри и который принял стиль реалистического модернизма, который восхищенные критики считали одновременно абстрактным и революционным. Его картины маслом и работы на бумаге представляли широкий спектр тем. Он создавал городские пейзажи и уличные сцены, морские пейзажи и пляжные сцены, буколические пейзажи и фермерские сцены. Он рисовал известных танцоров, светских деятелей, а также городских и сельских мужчин за работой. Как выразился один критик, «у него есть редкое качество делать любую тему, которую он эссе, интересной и необычной, будь то букеты цветов, гонщики в шестидневных велогонках, испанские танцоры или чисто американский пейзаж». [1] Он добился признания за картины, которые он делал, живя в Нью-Йорке и во время длительных путешествий. В 1918 году критик сказал, что его рисунки демонстрируют своего рода «смелый контур пера» и дар «резкого заявления», которые можно было увидеть в работах британского карикатуриста Томаса Роулендсона . [2] Другой критик отметил «чувственную, аристократическую ностальгию» в городских сценах Спринчорна, описав их как «деликатные, наводящие на размышления впечатления». [3] : 7 На протяжении большей части своей карьеры цветочные картины Спринчорна маслом, пастелью и акварелью также привлекали внимание критиков. Рецензируя акварели, выставленные в 1928 году, критик похвалил «тонкое соотношение цветов» в цветочной работе и сказал, что «если бы цвета могли петь», эти бы «пели мелодично». [4] Спринчорн много посещал лагеря и деревни в лесах Северного Мэна , и картины и рисунки, которые он там делал, стали его самыми знаменитыми работами. Относительно серии посмертных выставок, состоявшихся в 2002 году, один критик написал: «В руках Спринчорна леса Мэна оживают благодаря действиям людей, которые чувствуют себя наиболее комфортно среди деревьев: охотников, трапперов, лесорубов и речных погонщиков, в основном. Эти большие, грубые изображения полны землистых цветов, которые напоминают о сине-холодной зиме, ярко-оранжевом сиянии осени и теневых сценах, которые сопровождают ночные костры...» [5]
В 2002 году биограф писала о контрасте между утонченным городским фокусом многих работ Спринчорна и неискушенным сельским фокусом его продукции из лесов Мэна. Называя его «композитом противоположностей», она сказала, что он чувствовал себя как дома в нью-йоркском мире искусства с его утонченными художниками и богатыми покровителями, как и в сельских пансионатах и лесозаготовительных лагерях. [6] : 122
В письме другу от 1974 года Спринчорн сказал, что решил эмигрировать из Швеции после того, как прочитал о вдохновляющем учителе по имени Роберт Анри. [6] : 123 [примечание 1] Хотя ему было всего пятнадцать лет, когда он отправился в Нью-Йорк, и хотя он говорил только по-шведски, он знал, что одна из его старших сестер, тогда работавшая горничной в семье на Манхэттене, поможет ему совершить трудный переход после его прибытия. [6] : 123 Он прибыл в Нью-Йорк 30 октября 1903 года и через восемь дней поступил в Нью-Йоркскую школу искусств . [7] [8] Позже Спринчорн сказал, что его обучение у Роберта Анри было самым важным фактором в развитии его карьеры. [6] : 122 Хотя Анри не знал шведского языка, Спринчорн быстро продвигался в своих исследованиях с помощью жестов и зрительного контакта, чтобы понять критику Анри его работы. [6] : 123 Со своей стороны, Анри считал Спринчорна одним из своих лучших учеников. В 1909 году он сказал, что Спринчорн практически ничего не знал об искусстве, когда начинал, но он быстро научился рисовать с «мужественностью и характером». [9]
Карьера Спринчорна началась, когда он был еще студентом. После чуть более двух лет обучения он был награжден двумя почетными премиями за рисунок и картины, которые были показаны на выставке школьных работ в Нью-Йоркской школе искусств. [10] В начале 1907 года его картина под названием «Зимняя сцена на Ист-Сайде, Нью-Йорк» была принята членами жюри для ежегодной выставки Национальной академии дизайна, но после протеста Анри относительно других картин, которые были отклонены, академия решила не вывешивать картину Спринчорна, сославшись на нехватку места в качестве причины. [9] Разгневанный решением Анри сказал, что академия не должна отвергать таких молодых художников-новаторов, как Спринчорн. Он похвалил Спринчорна за то, что он уловил «большую новую ноту» и поместил ее на холст «с завораживающим эффектом», и добавил, что знает «немногих более многообещающих художников». [11] Несколько месяцев спустя критик New York Sun обсуждал картины Спринчорна, которые были выставлены на другой студенческой выставке Нью-Йоркской школы. Он похвалил картину Спринчорна под названием «Паром в снежную бурю», заявив, что она нарушает «все каноны академического искусства», показывая «вещи такими, какие они есть». [12] Другой критик сказал, что Спринчорн был многообещающим художником, чьи работы были «написаны с чувством масштабности». [13] В начале 1908 года он предоставил картины для выставки работ Анри и его учеников в Национальном художественном клубе . О картине Спринчорна под названием «Зимний день» критик написал: «Это реализм, доведенный до одиннадцатой степени. Никакой пощады оптическим сентименталистам не будет». [14]
Спринчорн последовал за Анри, когда в январе 1909 года он основал свою собственную школу, а затем ушел в следующем году, чтобы продолжить карьеру профессионального художника. [15] [16] Между 1907 и 1909 годами Спринчорн занимал должность менеджера Нью-Йоркской школы искусств и продолжал выполнять эту функцию во время своего пребывания в новой школе Анри. [17] [18]
В это время критик видел в Спринчорне «одного из молодых членов новой «революционной» школы художников, которые, как организация, встретили так мало поддержки со стороны жюри Национальной академии дизайна». [19] В начале 1910 года картина Спринчорна была принята на 105-ю ежегодную выставку в Пенсильванской академии изящных искусств , а немного позже он выставлялся в Школе Рэнда в Нью-Йорке вместе с Анри и людьми, которые учились у Анри. В список участников вошли Джордж Беллоуз, Джордж Лакс и Джон Слоан . [20] [21]
Хотя он обычно жил в Нью-Йорке, Спринчорн много путешествовал на протяжении всей своей карьеры. В конце 1912 и начале 1913 года он жил в Лос-Анджелесе, Калифорния. В 1914 и 1915 годах он жил в Париже, где посещал уроки эскизов в Академии Коларосси . [18] Он часто проводил летние месяцы в колониях художников у воды: в Провинстауне, Массачусетс, в Оганквите, Мэн, и на острове Монхеган, Мэн. [16] [22] Время от времени он возвращался в Скандинавию, чтобы рисовать и навещать свою семью. [18]
В 1910 году он совершил свой первый визит в место в северо-центральном Мэне, которое вскоре стало его любимым. Друг семьи пригласил его посетить Монсон , город, где была небольшая община шведских иммигрантов. [23] В зимние месяцы Монсон был домом для лагерей лесорубов, которые использовали разлившиеся ручьи и реки для перевозки древесины на лесопилки дальше на юг и восток. [24] Ранее прославившись сценами метелей и сильных снегопадов в трущобах Манхэттена, Спринчорн, похоже, чувствовал себя комфортно, изображая работу этих лесорубов и среду, в которой они проводили холодные месяцы года. [13] [25] [примечание 2] По мере развития своей карьеры Спринчорн в течение следующих трех десятилетий вновь посещал Монсон и другие места в лесах Северного Мэна и проводил там большую часть своего времени в период с 1942 по 1952 год. [25] К моменту его смерти картины, рисунки и акварели Спринчорна из лесов Мэна стали его доминирующими темами и самыми популярными работами. [26]
Находясь в Южной Калифорнии с 1912 по 1914 год, Спринчорн преподавал в Лиге студентов-художников и некоторое время был ее директором. [18] [7]
В 1915 году он был одним из одиннадцати «представительных американских художников», отобранных для выставки в главной галерее здания изящных искусств на выставке Панама-Калифорния в Сан-Диего, Калифорния. [27] [примечание 3] Позже в том же году он принял участие в групповой выставке в нью-йоркском клубе MacDowell , а в следующем году показал рисунки на персональной выставке, спонсируемой Джорджем С. Хеллманом . [28] [29] [примечание 4] В обзоре последней критик из New York Sun сказал, что он рисовал с воодушевлением и изяществом, с юношеским качеством, которое критик нашел освежающим. [29] В 1918 году он снова показал рисунки на выставке в Scandinavian Art Shop. На этот раз критик признал близость к английскому художнику Томасу Роулендсону , но отметил, что Спринчорн видел вещи более фрагментарно, в углах, а не в кривых, и с более язвительным юмором. В заключение критик сказал, что Спринчорн «удивительно искусен в достижении самых богатых и великолепных результатов, сдерживая всю силу своего пигмента и предлагая резервы цвета за поверхностной живописью» [2] .
Спринчорн выставлялся трижды в 1920 году, один раз с другими шведско-американскими художниками в Американско-скандинавском фонде , один раз с группой, в которую входила Энн Ректор в Национальном художественном клубе , и один раз на выставке Общества независимых художников . [32] [33] [34] В обзоре первой из трех критик Times сказал, что Спринчорн внес «две большие картины большого отличия» и рисунки, которые были еще сильнее. [34] 1922 год был плодотворным для Спринчорна. В январе журнал Hamilton Easter Field , The Arts , напечатал статью литературного теоретика Кеннета Берка под названием «Искусство Карла Спринчорна». Берк подробно проанализировал технику Спринчорна. Обращая внимание на его использование визуальной метафоры, Берк сказал, что он использовал абстракцию, чтобы заставить своих персонажей служить нескольким целям в своих картинах. В качестве примера он сказал: «Карл Спринчорн начинает со снега и добавляет что-то еще, в то время как снег остается. Ему удается поместить на свой холст как объект, так и его интерпретацию». [35] В том же месяце и в следующем Спринчорн показал акварели и рисунки в галерее Junior Art Painters [примечание 5] , а также картины и работы на бумаге в галерее миссис Стернер. [35] : 192, 230 [примечание 6] В последующие месяцы Художественный музей Вустера провел персональную выставку его последних работ. [38] В конце года он принял участие в групповой выставке в Новой галерее, которую он сам собрал. [39] Выставка в галерее Стернера привлекла обширное критическое рассмотрение со стороны журнала The Arts , газет Brooklyn Daily Eagle и New York Herald . В The Arts теоретик литературы Кеннет Берк сказал, что, устраняя детали, Спринчорн достиг «более верной интерпретации» своих предметов. [35] В Brooklyn Daily Eagle Гамильтон Истер Филд написал, что он разделяет энтузиазм «самых ярых поклонников» Спринчорна. [40] Критик из New York Herald сказал о работе Спринчорна: «Она абстрактна, но она здорова и прекрасна». [41] В своем введении к каталогу выставки художественный критик, куратор и коллекционер Кристиан Бринтон описал то, что он видел, как «жадную, непрерывную одиссею» Спринчорна в поисках свежей пластики и хроматических стимулов. [3] : 7 [примечание 7]
В период с 1922 по 1925 год Спринчорн был арт-директором Новой галереи, где выставлялись и продавались работы малоизвестных американских художников и европейских авангардистов. [39] [43] [примечание 8] Его работы часто демонстрировались на групповых выставках в 1920-х и начале 1930-х годов: в Новой галерее в 1923 и 1924 годах; в Whitney Studio Club в 1924 году; в Бруклинском музее в 1925, 1926, 1928 и 1929 годах; в галерее Марии Стернер в 1928, 1930 и 1933 годах; в Музее Рериха в 1929 году; и в галереях Fifty-Sixth Street в 1930 году. [1] [45] [46] [47] [48] [49] В эти годы он проводил персональные выставки в своей собственной студии (1924 и 1933), галереях Rhen (1927), галерее Ainslie в 1928 году, галерее Penthouse (1930) и галерее Sullivan (1936). [50] [46] [48] [51] [52] Американо -шведский исторический музей устроил ему персональную выставку в 1942 году. В 1930 году владелец галереи Sullivan, миссис Корнелиус Салливан, организовала экспозицию его работ в трех музеях. [6] В десятилетие после 1920 года журнал The Dial опубликовал многие из его рисунков, и он также получал доход от иллюстраций, которые он делал для Ford Motor Company.
Спринчорн использовал свои доходы от работы в Новой галерее и другие источники, чтобы профинансировать полуторагодовое путешествие в Пуэрто-Рико и Санто-Доминго в 1926 и 1927 годах. После этого он вернулся в Швецию в конце 1930 и начале 1931 года. Он оставался в Нью-Йорке большую часть времени между 1931 и 1937 годами. Его работа была частью мероприятия по живописи на художественном конкурсе на летних Олимпийских играх 1932 года . [53] Его работы также появлялись в Музее Уитни на второй биеннале в 1936 году и на ежегодной выставке современного искусства в 1938 году. [54] [55] Используя деньги, которые он получал от продажи своих произведений искусства, он проводил часть или весь год в Мэне между 1937 и 1943 годами, в основном живя либо в Паттене , либо в Шин-Понде . [18] [25] В январе 1943 года Спринчорн написал коллекционеру и директору музея Дункану Филлипсу , прося его посмотреть выставку его работ в галерее Макбет. Впоследствии Филлипс купил одну из картин, «Снежные крылатые лошади» (1920), таким образом помогая финансировать последующие зимы в лесах Мэна. [18] В эти годы он выставлялся нечасто, в частности, на персональных выставках в галерее Макбет (1943, 1947 и 1950), галерее Берты Шеффер (1944). [56] [57] [58] [59] Поскольку его здоровье ухудшилось после 1950 года, он продолжал выставлять работы более ранних десятилетий, но писал картины реже. [60] Он жил на Манхэттене с 1950 по 1956 год, а затем переехал на ферму в Селкирке, штат Нью-Йорк . Галереи, в которых он выставлялся в этот период, включают галереи Берты Шефер, Пасседуа, Забриске и Кнодлера в Нью-Йорке. [6] Он прекратил выставляться в 1963 году и умер восемь лет спустя. [17]
В 1984 году художественный музей в Ратгерсе, Государственный университет Нью-Джерси, организовал ретроспективу под названием «Карл Спринчорн: Реалистический импульс и романтическое видение». [17] В 1994 году галерея Veilleux в Фармингтоне, штат Мэн, показала 60 картин и работ на бумаге из лесов Мэна. В новостном сообщении говорилось, что 44 из 60 нашли покупателей, что сделало эту выставку самой успешной из когда-либо полученных его работами. [25] Галерея, которая представляла поместье Спринчорна, провела вторую ретроспективу в 1996 году. [60] Выставка под названием «Искусство Карла Спринчорна: Коллекция Катадина» появилась в Музее американского искусства Оганквита в 1998 году. [61] Три выставки прошли в Мэне летом 2002 года: «Карл Спринчорн: Король лесов» в Музее искусств колледжа Бейтса в Льюистоне, «Карл Спринчорн: Леса Мэна и за их пределами» в галерее Вейльё в Фармингтоне и «Времена года: Карл Спринчорн в Мэне» в Новой галерее О'Фаррелла в Брансуике. [5]
Несмотря на свою любовь к снежным пейзажам и фотографиям зимних занятий, Спринчорн никогда не чувствовал себя полностью дома в сельском Мэне. Один местный житель, Калеб Скрибнер, стал его другом, но Скрибнер был исключением. Они познакомились в 1937 году, когда Спринчорн остановился в качестве пансионера в доме семьи Скрибнера в Паттене, недалеко от Шин-Понд. Художник-любитель, Скрибнер мог общаться со Спринчорном на темы, которые не представляли интереса для других местных жителей. [62] В письме 1946 года другу Спринчорн признался, что у него мало общего «с этими людьми, которые, в конце концов, не важны в моей жизни, кроме случайности делить крышу и доску с ними; ни в каком смысле или манере неспособными разделить мои интересы, проблемы или что-либо еще». [23] В 1988 году биограф Спринчорна Мэри Тоули Свенсон назвала его «композитом противоположностей». [6] : 122 Он наслаждался городской жизнью и установил прочные дружеские отношения с художниками и покровителями в мире искусства Нью-Йорка. На протяжении большей части его карьеры критики уделяли основное внимание его натюрмортам и другим предметам, созданным в помещении, и немногие существующие записи о его продажах произведений искусства показывают наибольший интерес к этой работе. Тем не менее, на протяжении всей своей карьеры он проводил долгие периоды в сельской местности, и после его смерти критики и кураторы отдавали сильное предпочтение его сельским картинам. [18] К концу своей карьеры Спринчорн обратился к этому двойственному аспекту своего творчества. В письме своему другу Ричарду Спрагу он написал: «Ну, я городской парень. Я имею в виду, что я родился в деревне, но у меня городское мышление». [6] : 122 В 1953 году он написал другу: «Меня называли мистиком. Я думаю, что у меня пантеистический дух по отношению к природе, который препятствует простому копированию природы. Мне никогда не удавалось копировать природу, как бы искренне я ни старался, я вскоре уставал. Мне нравится выбирать и интерпретировать природу после того, как я пожил рядом с ее источниками, — но, наоборот, я интересовался жизнью критиков, сложными аспектами жизни в целом — одним словом, я пытался охватить многое». [6] : 135
Приняв Роберта Анри в качестве учителя и наставника, Спринчорн принял реалистический стиль , который тогда считался революционным. [63] Вопреки благопристойному академическому искусству и эскапистскому импрессионистскому искусству , художники, которые учились у Анри, выбирали сюжеты из окружающего их сурового городского мира, писали с смелой свободой и быстрой манерой письма и стремились к непосредственности эмоционального выражения. [64] [примечание 9] Рецензируя выставку, на которой были показаны его первые картины, критик сказал, что «Паром в метель» Спринчорна оскорбил художественные власти, нарушив «все каноны академического искусства». [12] Другой сказал, что картина, изображающая его оскорбленных «сентименталистов», довела реализм «до одиннадцатой степени». [14] [примечание 10] Картина 1906 года «После шторма», также называемая «После снежной бури» (справа), демонстрирует стиль Спринчорна в то время. [примечание 11] В начале своей карьеры работы Спринчорна на бумаге привлекали по меньшей мере столько же внимания, сколько и его картины маслом. [29] Как уже упоминалось, он получил почетное упоминание за рисунок в 1906 году, показал рисунки на групповой выставке 1908 года, а в 1916 году провел свою первую персональную выставку, посвященную рисункам. Несколько лет спустя он вспоминал, как благосклонно нью-йоркская пресса отреагировала на эту работу, и сказал, что персональная выставка принесла большое количество покупок. [18] Спринчорн следовал Анри в своем стиле рисунка так же, как и в своих картинах маслом. Анри говорил своим ученикам делать рисунки не как бесстрастные чертежники, а выразительно и с глубоким осознанием всего предмета. [64] : 110 В 1916 году критик New York Sun обратил внимание на сокращенные линии Спринчорна и использование упрощения и отметил «дух и изящество» его рисунков. [29] Отметив в рисунках Спринчорна «острое видение и остроумный анализ», критик The New York Times в 1918 году сказал, что художник был «удивительно искусен в получении самых богатых и великолепных результатов, сдерживая полную силу своего пигмента и предполагая резервы цвета за поверхностной живописью». [2] В начале 1920-х годов критики продолжали подчеркивать его простоту, прямоту и интенсивность чувств. [3] [67] Они признавали отказ от строго репрезентативного представления в пользу композиционных элементов его работы. [35] Один видел в его технике «подлинную эстетическую чувствительность», а другой ссылался на его способность превращать предметы в значимые символы.[3] : 7
В 1920 году критик из Times написал, что Спринчорн наиболее отчетливо проявил свой талант в своих рисунках. Критик назвал их «яркими, синкопированными набросками», которые «в своих узких границах говорили больше правды о цвете и форме, чем большинство художников считают возможным сказать на своих самых больших холстах». [34] В 1922 году критик сказал, что рисунки были «выражены в одухотворенных линиях и тонко модулированных пассажах синего, фиолетового, бледно-желтого и зеленого. Полны подлинной эстетической чувствительности, а также определенной чувственной, аристократической ностальгии». [3] : 7 В том же году в журнале The Arts один критик написал, что он ценит «композицию ради нее самой» и испытывает «почти презрение к предмету». В качестве примера он привел отношение Спринчорна к человеческим фигурам как к «едва ли более чем тезисам, людям без судьбы или предназначения». [35] «Дама с веером» Спринчорна (показана слева) демонстрирует его технику линейного рисунка с использованием акварельной размывки.
Стиль Спринчорна мало изменился в течение всей его карьеры, настолько мало, что критики, писавшие в 2002 году, могли повторить то, что писали критики в начале 1920-х годов. Обе группы критиков видели свободу и смелость в его художественной чувствительности и подход, который был скорее экспрессивным и абстрактным, чем объективным и репрезентативным. Они использовали такие термины, как «свободный и смелый» или «свободный и отзывчивый», чтобы описать его стиль. [3] [5] Как в начале, так и в конце своей карьеры он считался привносящим то, что один критик назвал «символическим акцентом» в его работу. [17] В ранние и поздние годы его считали тонким колористом, и его часто цитировали за силу, которую один критик назвал «энергией и драйвом». [2] [59] Во все периоды критики видели эмоциональное содержание в его работе, которое один назвал «экспрессионизмом с абстрактными элементами». [59] Подводя итоги своей работы после окончания карьеры, один критик сказал, что отличительной чертой стиля Спринчорна была его «способность запечатлеть образ с жестокой личной честностью, как будто он не мог делать ничего другого». [60] Другой писал, что, хотя он «был привержен подлинности своего предмета, он использовал средства, схожие с теми, которые использует художник-абстракционист, включая отношения фигуры и фона, которые расходятся с обычной перспективой; экспрессивное использование цвета; и живописное нанесение краски, которое демонстрирует наслаждение от акта живописи». [7] Картины Спринчорна «Удача охотника II» (показана справа) и «Глория Октябрь» (показана слева) иллюстрируют эти аспекты его стиля.
На протяжении всей своей карьеры Спринчорн писал картины маслом на холсте, а также работал на бумаге акварелью, карандашом, ручкой, акварелью, мелком и углем. [68]
Его сюжеты были разнообразны: городские пейзажи Нью-Йорка и пейзажи лесов Мэна и тропических пейзажей; человеческие фигуры, включая городских рабочих и сельских лесорубов, а также городских утонченных людей; скандинавские фермерские сцены; цветочные натюрморты. [1] [59] [69] Хотя его картины лесов Мэна привлекли наибольшее внимание после его смерти, он был более известен своими натюрмортами и рисунками на протяжении большей части своей карьеры. [6] «Подсолнухи и тритома» Спринчорна (показано справа) иллюстрирует его трактовку цветочного натюрморта. В 1936 году критик сказал, что эта картина была самой живой из «живых цветочных картин», которые он выставлял в галерее Салливана. [52]
Спринхорн родился в деревне Броби , недалеко от Кристианстада , Швеция, 13 мая 1887 года. [3] : 7 Его отцом был Клас Спринхорн (1845–1907), краснодеревщик, который занимался плотницкими работами и реставрацией мебели. [6] : 122 Его матерью была Йоханна Рудольфссон (Андреасдоттер) Спринхорн (1844–1932). [70] Он был младшим из семи детей. [6] : 122 В детстве он любил рисовать и, как уже отмечалось, решил эмигрировать в Нью-Йорк, чтобы учиться у Роберта Анри.
В 1956 году, когда плохое здоровье ограничило его способность рисовать и рисовать, он переехал в дом своей сестры, миссис Анны Джонсон, в Селкирке, штат Нью-Йорк. После его смерти в 1971 году единственными известными выжившими были миссис Джонсон и племянница, миссис Рут Олсон, также из Селкирка. [26]
Он обладает редким качеством делать любой предмет, который он эссе, интересным и необычным, будь то букеты цветов, гонщики в шестидневных велогонках, испанские танцоры или обычный американский пейзаж. Более того, он делает это, не принимая ни одного из модных манер, которые сегодня считаются почти необходимыми для узнаваемости. Особенно отмечены были впечатления от личностей, некоторые из них портретные зарисовки известных людей, другие портреты обобщенных типов. Во всех них он привнес некоторую существенную характеристику позы или жеста и изложил ее со свежей точностью наброска.
Он удивительно искусен в получении самых богатых и великолепных результатов, сдерживая полную силу своего пигмента и предлагая резервы цвета за поверхностной живописью.
Карл Спринчорн редко появляется в местных галереях в наши дни, поэтому приятно удивиться, наткнувшись на группу акварелей, которые не только богаты цветом, но и демонстрируют более плотную сеть узоров, чем более ранние работы. Индивидуальная палитра г-на Спринчорна и его тонкие отношения цветов придают пикантный привкус неожиданности этим цветочным работам, которые, если цвета могут петь, кажутся мелодичными.
Вот работа мальчика по имени Спринчорн... Правда, не правда ли? Ну, пару лет назад этот мальчик пришел ко мне с этюдом натюрморта, чтобы показать как образец своей работы — фрукты, я думаю, это были или перчатка и кувшин с водой — вы знаете, что это было. Это было одно из худших, что я когда-либо видел, и я сказал ему об этом. Он перестал изучать бананы и кувшины с водой и пошел смотреть на жизнь — простую нью-йоркскую жизнь, которую он мог найти где угодно. Теперь он пишет именно такие картины, и в его работах больше мужественности и характера, чем могли бы дать годы академического возни с кашей.
Карл Спринчорн — еще более молодой человек [чем Рокуэлл Кент], швед по рождению. Он тоже был центром бури в недавней Академии. Теперь вы можете понять, почему властям не понравился его "Паром в метель". Потому что это паром в метель, а не венецианский закат; уродливый, пронизывающий холод, унылый, волны мутные, палуба затоплена, старая лодка перевернута. В этом полотне все каноны академического искусства нарушены молодым человеком, который случайно увидел вещи такими, какие они есть; неудивительно, что картина действовала людям на нервы.
Карл Спринчорн, чей паром на Ист-Ривер мы никогда не забудем — самый унылый, самый мокрый холст, который мы когда-либо видели, и в этом его сила, — повесил свой "Зимний день". Это реализм, доведенный до одиннадцатой степени. Никакой пощады оптическим сентименталистам.
Карл Спринчорн очень многообещающий; если бы только качество его живописи было более пронзительным.
Он очень сильно сокращает свои строки, но его упрощения основаны, как можно легко заметить, на большом количестве знаний. Его работы имеют юношеское, раннее греческое качество, что делает их освежающими. Он участвовал в ряде групповых выставок в Macdowell Club, всегда с успехом. Он выставлялся в Пенсильванской академии и на обеих недавних выставках в Калифорнии, но пока не был принят нашей Национальной академией. Однако в его возрасте (ему всего 29) ему гораздо лучше без этого.
Забавно умный человек. Слишком умный, конечно. Но мне больше нравится его картина с цветами, чем «Ныряльщик».
Карл Спринчорн представлен двумя большими картинами, отличающимися большим разнообразием, одна из которых изображает группу мужчин, рубящих дрова, достигающих редкого классического союза между энергией и стилем. Однако в небольших, ярких, синкопированных набросках он наиболее силен, рассказывая в своих узких границах больше истин о цвете и форме, чем большинство художников считают возможным сказать на своих самых больших холстах. В одной маленькой голове, которую он называет "Natt Ansikte", его резка кистью, чистая, как лезвие ножа, умудряется окутать формы нежнейшей атмосферой и создать пластическое качество, которое мог бы похвалить Каррьер.
Карл Спринчорн — художник-абстракционист, однако с одним важным отличием... Ему удается поместить на свой холст как объект, так и свою интерпретацию его. Основательный абстракционист дал бы нам только интерпретацию... [С одного взгляда на полотна Карла Спринчорна становится очевидным, что он почти презирает предмет... Если он начинает с композиции ради картины, то заканчивает композицией ради нее самой... [И]менно этот выход за рамки требований своего предмета является характерным качеством искусства Спринчорна.
Я разделяю энтузиазм его самых ярых поклонников и вполне согласен с тем, что Кристиан Бринтон сказал о нем в своем предисловии к каталогу, а также с недавно опубликованной статьей Кеннета Берка.
Мистер Спринчорн пластичен и абстрактен; не настолько абстрактен, но чтобы вы понимали, что происходит... У него любопытная броская манера рисовать, избегая большинства краев, но помещая некоторые из них с поразительной отчетливостью.
Эта книга, содержащая репродукции пятидесяти восьми из ста двадцати двух картин, проданных с ноября 1922 по май 1923 года в The New Gallery, издается частично для членов The New Gallery Art Club, частично для обозначения целей и характеристик искусства настоящего времени. The New Gallery была откровенным экспериментом, чтобы выяснить, есть ли публика, готовая проявлять интерес к современным картинам, которые представляют собой нечто большее, чем гладкие и подобострастные образцы прошлого... The New Gallery открыла свои двери по адресу 600 Madison Avenue, New York City, 14 ноября 1922 года.
Карл Спринчорн работает в поэзии чувственных ценностей, переходя от высокого к низкому тону к натюрморту в зеленом и красном.
[П]оследующие пейзажи Мэна и пастели Калифорнии, которые являются его последним словом в упрощении, являются наиболее личным выражением всех его работ. Дар организации подчеркивается их голой простотой, и в пастелях есть чувствительность, которая дает им власть над воображением.
Цветочные работы Карла Спринчорна раскрывают неизменно живую атаку этого художника. "red, White and Blue" - это радикальное отклонение от традиционного характера большинства цветочных работ в его полной поглощенности динамическими цветовыми отношениями, которые никоим образом не ограничены предметом. "Spotted Lilies" написаны очень энергично и свободно, без жертвования формальной целостностью.
В контурах некоторых из самых спелых фруктов г-на Спринчорна есть некая сжатая резкость, напряженная твердость, но законченная картина никогда не бывает натянутой или прекрасно бессмысленной.
Около 25 лет назад в ныне несуществующих Галереях современного искусства Джеймса Н. Розенберга руководил молодой арт-директор Карл Спринчорн. Он сам был художником, вышедшим тогда из-под влияния Чейза и Анри и добившимся больших успехов в создании декоративных цветов в ярких цветах. После всех этих лет его многообразие человеческих переживаний расцвело в форму автобиографической живописи, которая рассказывает нам о его связях и местонахождении в последние годы... Его ранний модернистский экспериментальный бэкграунд плюс его предыдущая основательная художественная подготовка, примененная к серии реальных впечатлений, сложились в стиль энергичной иллюстративной живописи.
Мощные, сильно упрощенные акварели дополняют масляные работы на этой выдающейся выставке.
Карл Спринчорн показывает пастель, в которой горы и деревья изображены с примитивной простотой и интенсивностью чувств.
Это повторное открытие таланта, который слишком долго отсутствовал в галереях Нью-Йорка, и очень бодрое событие начала сезона.
У г-на Спринчорна совершенно живописное отношение и легкое владение материалами, которые сами по себе достаточны, чтобы привлечь внимание. Его сюжеты варьируются от его несколько загадочного "Морского пейзажа с цветами", в котором букет ярких настурций раскрывается на просторах тревожной синевы без какой-либо различимой цели, кроме как ради цвета, до таких тем, как его живой "Бруклинский мост", с речным судном, носимым волнующим бризом. Его акварели, будь то тропические гавани и пальмы или нью-йоркские пентхаусы, особенно счастливы в своем кратком отражении аспекта вещей.