Роберт Ясуда (родился в 1940 году) — американский художник- абстракционист , наиболее известный своими созерцательными, атмосферными работами, сочетающими живопись, скульптуру и архитектуру. [1] [2] [3] Впервые он привлек широкое внимание в 1970-х годах большими настенными работами, объединяющими живопись и инсталляцию , которые были представлены в MoMA PS1 , Музее искусств Коркоран и Музее современного искусства в Чикаго . [4] [5] [6] С 1990-х годов он сосредоточился на картинах, которые нарушают традиционные форматы, используя вырезанные вручную деревянные панели и нестандартные элементы рам, на которых он создает многослойные переливающиеся поверхности, которые динамически реагируют на меняющиеся условия света, времени и точки обзора. [7] [8] [9] Рецензируя эту позднюю работу, критик ARTnews Барбара МакАдам описала Ясуду как «романтичного минималиста», чьи картины представляют неосязаемую, мимолетную реальность, которая, тем не менее, является референциальной, показывая его корни в их конструкции, меняющихся тонах и названиях. [10]
Ясуда выставлялся на международном уровне, включая выставки в Museo di Palazzo Grimini (Венецианская биеннале), Galerie Bischofberger , Betty Parsons Gallery , The Clocktower и Albright-Knox Art Gallery и других. [11] [12] [13] [14] Его работы находятся в публичных коллекциях Бруклинского музея , Библиотеки Конгресса и Нью-Йоркской публичной библиотеки и других, и он получил награды от Американской академии искусств и литературы , Национального фонда искусств и Фонда Джона Хэя Уитни. [15] [16] [14] Он живет и работает в Нью-Йорке и Шугарлоф-Ки , Флорида, со своей женой, художницей Джудит Мюррей . [11]
Роберт Масао Ясуда родился в Лихуэ , Кауаи, Гавайи, в 1940 году. Он провел свое детство в сельской местности на Гавайях, прежде чем поступить в среднюю школу-интернат в Гонолулу, где посещение музеев и концертов повлияло на его решение стать художником. [14] В 1958 году он переехал в Нью-Йорк, чтобы изучать искусство в Институте Пратта , получив степени бакалавра и магистра изящных искусств и погрузившись в творчество художников Нью-Йоркской школы . [14] [11] В начале 1960-х годов он арендовал пустующую столовую на Лонг-Айленде для использования в качестве студии и начал рисовать многоизображенные абстрактные картины маслом на холсте. Эти ранние картины выставлялись на персональных выставках в Galerie Bischofberger (Цюрих и Санкт-Мориц) в 1968 и 1969 годах. [11]
В начале 1970-х годов Ясуда превратил пространство в Сохо в студию для работы и проживания и начал исследовать темы восприятия и света в минималистичных картинах, которые все больше приобретали скульптурное и архитектурное присутствие. [17] [11] Эта работа превратилась в масштабные настенные росписи, первую из которых он установил в галерее Бетти Парсонс в 1975 году; [12] В течение следующего десятилетия он создал инсталляции, привязанные к определенному месту, определяемые архитектурой места проведения в галерее The Clocktower, MoMA PS1, Музее искусств Коркоран, Музее современного искусства в Чикаго и на Бруклинском мосту Анкоридж. [13] [4] [5] [18] [19]
Позже в своей карьере он обратился к изготовленным вручную многопанельным картинам на персональных выставках в галерее Коплин в Лос-Анджелесе (1982–8), галерее Элизабет Харрис (Нью-Йорк, 1993–06), галерее Сундарама Тагора (Нью-Йорк и Сингапур, 2010, 2014) и галерее Дэвида Ласка (Мемфис, 2000–19) и других. [20] [21] [9] Он также появлялся на групповых выставках в Художественном музее МакНей , Центре современного искусства Ньюхаус и Современном музее в Гонолулу . [22] [14]
Картины Ясуды описываются как медитативное исследование эфемерности, восприятия и формы, которые медленно раскрываются через тонкие отметины, изменения и цветовые сдвиги в зависимости от изменяющегося освещения и условий просмотра. [12] [7] [10] [2] На протяжении всей своей карьеры он бросал вызов традиционным границам живописи, вводя новые пространственные контексты и своеобразные скульптурные, архитектурные и обрамляющие элементы, часто в многопанельных работах; эти элементы включают изогнутые и резные деревянные панели и формы, закругленные или приподнятые углы и неполные рамы, предполагающие формы перемычек, ворот или мостов, среди прочего. [23] [1] [8] [9] Он использует коллажный процесс, который обычно начинается с деревянных конструкций, окрашенных акриловой краской, которые он затем обертывает прозрачными тканями, снова наслаивает полупрозрачные, похожие на фрески вуали пигмента, и, наконец, лакирует для создания светоактивных поверхностей. [7] [1] [2] Со временем он вышел за рамки формального минимализма и перешел к более субъективным и чувственным работам, стремясь визуально передать моменты восприятия и прозрения, а также намеки на природу и свое наследие, включая впечатления от Гавайев и Флориды и его детские учения в буддизме. [2] [10] [9]
Ранние работы Ясуды состояли из многопанельных, часто нетрадиционной формы картин и крупномасштабных настенных росписей. [12] [23] Его настенные росписи располагались под углом к существующим стенам или конструкциям в наклонах вперед, чтобы создавать новые, сжатые и угловатые пространства, выделяясь как объекты, а не как фрески. [13] [17] [12] Он использовал диагонали, простые нарисованные мотивы, тонкие линии и сдвиги в оттенках, чтобы как усилить, так и компенсировать эти физические и пространственные ощущения, исследуя противоречия перспективы и восприятия. [12] [17] [13] Критик Джон Перро писал, что инсталляции продемонстрировали «потенциал абстрактного искусства для духовной силы», [4] в то время как Томас Хесс из New York Magazine описал эту работу как «искусство деликатесов», развитое в архитектурном масштабе. [17]
Инсталляция Ясуды для первой выставки PS1 «Комнаты» (1976) занимала две смежные комнаты. [4] [24] В одной комнате он выставил большую наклонную картину с надписью в виде треугольника и тонким зеркальным двойником над ней, который был расположен так, чтобы его было видно через дверь в соседнюю комнату; в другой две наклонные картины, почти такие же большие, как и оригинальные стены, имели диагонали, которые отражали картину другой комнаты. [4] [25] Его инсталляция в The Clocktower, Double Oblique (1977), использовала четыре панели, расположенные спина к спине в форме буквы W, каждая из которых была разделена диагональю, проходящей между противоположными углами, что велло взгляд внутрь, наружу, вверх или вниз в зависимости от точки обзора и сжимало или расширяло пространство. [13] В 1979 году Музей современного искусства в Чикаго пригласил Ясуду (и еще четверых, включая Роберта Раймана и Лючио Поцци ) создать большие индивидуальные временные визуальные среды непосредственно на стенах главной экспозиции музея. [6] [26] [27]
Персональные выставки Ясуды этого времени часто сочетали инсталляции и отдельные работы. Журнал Arts Magazine описал его выставку в галерее Парсонс 1977 года как «выдающееся заявление» сдержанной чистоты о возможностях трансформации пространства, света и цвета. [23] Используя естественный, искусственный и отраженный свет и тонкие цветовые эффекты, выставка представила тонкие вертикальные работы, охватывающие углы галереи, прямоугольные парные холсты, подвешенные по диагонали от стен, и простые горизонтальные картины с разделенными диагональными или горизонтальными областями тесно связанных, едва преломленных персиковых, розовых и белых тонов. [23] На выставках, проходивших в США в 1980-х годах — в колледже Олбрайт [28] и галереях Томаса Бэйбора [29] [30] Бетти Парсонс [31] Марианны Десон [32] [33] Хошура [34] [35] и Коплина [20], — Ясуда развил эту работу, включив в нее похожие на щиты многопанельные работы неправильной формы, а позднее и нестандартные обрамления. [36]
На двух выставках в галерее Элизабет Харрис (1993, 1996) Ясуда представил большие абстракции, сочетающие прямоугольные деревянные панели, размещенные бок о бок или сложенные друг на друга, которые критик New York Times Пепе Кармель сравнил с парами и квартетами монохромных полотен Брайса Мардена . [7] [37] Критики отметили в этих картинах тихий оптический эффект внутреннего света, достигнутый с помощью чередующихся слоев Ясуды полупрозрачного цвета и похожей на холст натянутой ткани, плотное плетение которой добавляло сеткообразную формальность осенним и весенним оттенкам серого, зеленого, коричневого, синего и серого. [7] [37] В названиях этих работ часто упоминаются реальные места (например, Помпеи , Прерии ), но на самом деле они были частично написаны на пленэре летом во Флорида-Кис и закончены в нью-йоркской студии Ясуды. [7] Журнал Cover Magazine писал, что, несмотря на беспредметный минимализм работы, она убедительно передает морской воздух и пятнистый свет, создавая «экзотическое сочетание естественных и искусственных условий, дневного света и времени, на которое оказали влияние галогенные лампы». [7]
В 2000-х годах Ясуда выставлял свои работы у Элизабет Харрис (2002–2006) и Сундарама Тагора (2010, 2014), которые критики все чаще определяли по их светимости, лиризму, эксцентричной форме подставок и тонкому акценту на состояниях ума ( Bliss , 2001; Harmony , 2005) и эфемерным аспектам воды, света, воздуха, формы и цвета (например, Footprint , 1998; Vapor , 2001; Wind , 2002). [2] [1] [3] В этот период он все чаще вручную изготавливал свои фигурные панели с утонченными особенностями, которые играли с ожиданиями и нарушали их геометрические аспекты до потустороннего эффекта: изогнутые подставки, выступающие края, плавные изгибы, расщелины и контурные или оперенные углы, которые предполагали непостоянство и движение. [1] [8] [3] В обзоре Brooklyn Rail Майкл Бреннан пишет, что это практическое мастерство «имеет решающее значение для поэтической ауры [работ]», и, вторя другим, связывает панели с аэродинамической формой досок для серфинга, частью опыта Ясуды на его родных Гавайях. [2] [10]
Критики предполагают, что нарушения в формах панелей Ясуды компенсируют его гармоничную цветовую гамму, в то время пестрые оттенки синего, серого, зеленого, теплого розового или золотого, которые Барбара МакАдам писала, что «напоминают карманы, вырезанные из атмосферы или поверхности океана». [10] [1] [38] В середине десятилетия он все чаще обращался к интерференционным краскам, дающим более интенсивные, серебристые тона, которые меняются в зависимости от точки обзора и источника света и сравнивались с перламутром внутренних раковин моллюсков или переливчатостью бабочек и экзотических рыб. [2] [8] Иногда он расширял ощущение мерцающего цвета или задней подсветки, расписывая задние части своих настенных опор, чтобы создать тонкий отраженный цвет и тени на стенах, окружающих работу. [8]
На более поздних выставках Ясуда расширил свой диапазон, повторно представляя и перерабатывая ранние мотивы и разрабатывая новые элементы. [2] [9] Его выставки 2006 и 2010 годов предлагали узкие угловые картины (например, Beacon 2005; Guardian , 2009), которые функционируют как вертикальные стойки или столбы и выглядят как часть структуры галереи; Майкл Бреннан сравнивал их строгость, атмосферность и отраженную переливчатость со световыми скульптурами Дэна Флавина . [2] [39] На последней выставке также были представлены внушительные, почти монохромные панели, сложенные или примыкающие друг к другу, как в Ancestor (2009), семифутовой мятно-зеленой работе, состоящей из двух колоннообразных форм; критик ARTnews Дуг МакКлемонт описал такие работы как уверенные, но скромные «жемчужные врата», которые вместе создавали таинственную «соборную атмосферу». [3] Ясуда также начал дополнять свои панели полосами вырезанного вручную черного дерева, уравновешенными над панелями, которые выполняют функцию архитектурных или обрамляющих элементов (например, Thesis , 2009; Vintage , 2012; и Aurora , 2013) [9] [3] Лилли Вэй из ARTnews посчитала его выставку 2014 года прорывом, чьи «пышные» работы предлагали более нюансированный и плавный визуальный опыт за счет расширенной палитры, более богатых поверхностных тонов и все более волнистых контуров; к ним относится Botanikos (2013), в котором розовые оттенки смешаны с полупрозрачными, океаническими зелеными панелями, рассеченными бирюзой. [9]
С инсталляциями на выставке, посвященной 40-летию MoMA PS1, «Forty» (2016, куратор Аланна Хейсс ) и в Museo di Palazzo Grimini (2015, сопутствующая Венецианской биеннале ), Ясуда вернулся к настенным росписям своей ранней карьеры. [40] [14] Создание работы, специфичной для MoMA PS1, «Across the River» — двухчастной, в основном с зеленой подсветкой, которая задействует освещение помещения, поверхности краски и архитектуру — было задокументировано в фильме « Making Sense of It» (2017) Марка Ледзиана. [41]
Работы Ясуды находятся в публичных коллекциях Бруклинского музея, Библиотеки Конгресса, Нью-Йоркской публичной библиотеки, Музея Басса , Музея искусств Карнеги , Художественного музея Макнея , Государственного фонда искусств (Гонолулу), Музея изящных искусств Вирджинии , Уодсворт Атенеум и нескольких высших учебных заведений. [15] [42] [43] [14] Он был отмечен двумя премиями Американской академии искусств и литературы (2016 и 2008 гг.) и грантами от Национального фонда искусств (1981 г.) и Фонда Джона Хэя Уитни (1962 г.). [16] [14]