Аппалачское народное искусство — региональная форма народного искусства, базирующаяся в регионе Аппалачи в Соединенных Штатах. В статье о современной форме этого искусства Чак Розенак заявил: «Определение народного искусства неясно». [1] Народное искусство — это способ передать чувства и манеры культур посредством ручного визуального искусства и передать сообщение наблюдателю. Хотя само народное искусство было привезено в Америку европейцами, оно адаптировалось к каждому региону и культивировало традиции в каждом регионе. [2]
Аппалачский регион, расположенный в северо-восточном регионе Соединенных Штатов, включает части следующих 13 штатов: Алабама, Джорджия, Кентукки, Мэриленд, Миссисипи, Нью-Йорк, Северная Каролина, Огайо, Пенсильвания, Южная Каролина, Теннесси, Вирджиния и Западная Вирджиния. [3] Регион включает горные хребты, плато и равнины, а также племенные общины американских индейцев [4] , которые вдохновили народное искусство Аппалачей и основали многочисленные техники для создания такого искусства. Существует множество методов выражения народного искусства Аппалачей, которые можно увидеть в различных тканях и формах искусства, таких как плетение корзин , гончарное дело и резьба по дереву .
Аппалачское народное искусство включает в себя влияние коренных американцев , которые прибыли в Аппалачский регион около 16 000 лет назад. [5] Колонизация Соединенных Штатов привела европейцев в регион в 17 веке. [ требуется ссылка ] Многие индейские племена были вытеснены с земель, но некоторые продолжали проживать в Аппалачском регионе, усиливая свое влияние на культуру и искусство через свою любовь к дикой природе. Европейское влияние дополняет естественную эстетику коренных американцев посредством фольклорных традиций, которые они привезли со своей родины. [5]
Прибыв на землю, населенную индейскими племенами, ранние европейцы начали использовать окружающую среду, чтобы помочь им ассимилироваться в этом районе. Коренные американцы и европейцы познакомили народное искусство Аппалачей с повседневной деятельностью и такими предметами, как ткачество для изготовления одежды и одеял или гончарное дело для создания чаш и других повседневных предметов. [6] Обычаи продолжались по мере смены поколений, но практики, используемые для кузнечного дела , ткачества и резьбы по дереву, больше не были необходимостью, а скорее стали искусством и начали сохраняться. [7]
Такие группы, как « хиллбилли », которые были иммигрантами из Шотландии, Ирландии и Германии, создали стереотип для общества Аппалачей, в котором они считались состоящими из белых людей, которые независимы, но эгоистичны и интенсивны. Влияние хиллбилли и реднеков повлияло на искусство из-за предрассудков стереотипа, и искусство нашло цель в защите культуры Аппалачей от категоризации. [5]
Современные проблемы в экономике начали влиять на искусство, созданное в регионе, поскольку художники участвовали в движениях и создавали искусство как способ выражения своих убеждений в социальных и политических дебатах. Регион был обедневшим и изолированным от страны, что также способствовало необходимости понимания природы для выживания. [8] Знание растений и животных также приписывалось фокусу на природе в народном искусстве Аппалачей. Современное движение сохранения искусства привело к созданию музеев, таких как Музей Аппалачей, [9], что привело к большему пониманию и признанию народного искусства Аппалачей.
,_late_18th%E2%80%93early_19th_century_(CH_18394765).jpg/1280px-Coverlet_Fragment_(USA),_late_18th%E2%80%93early_19th_century_(CH_18394765).jpg)
Женщины Аппалачей имеют наследие создания искусства посредством ткачества горных покрывал, которые получили признание как важная форма американского искусства. Ткачи Аппалачей также создавали ткани, используемые для изготовления различных предметов домашнего обихода на семейных ткацких станках. Ткачество покрывал было работой эстетической ценности, которая требовала значительного таланта и энергии для достижения и наиболее ярко выражала креативность и индивидуальность ткачихи. [10]
Женщины Аппалачей использовали доступное и легкодоступное сырье, такое как домашняя шерсть и лен или хлопок, купленные тюками, для создания своего искусства. Они окрашивали свои пряденные вручную волокна натуральными растительными веществами или покупали упакованные красители, а также использовали кусочки своей домашней ткани для лоскутных одеял. Несмотря на доступность более дешевых и простых покрывал, художественные ткачи в Южных Аппалачах решили продолжать следовать традициям ручного труда своих праматерей. [10]
Ранние декоративные искусства Аппалачей были результатом самообеспечения и использования подручных материалов. Сохранение и маркетинг традиционных ремесел начались в начале 20-го века, когда школы поселений и миссионеры рассматривали ремесла как способ получения денежного дохода. [11]
Уединение региона Аппалачи создало среду для развития отличительных культурных практик, одной из которых является их собственная форма лоскутного шитья. Этот тип лоскутного шитья представляет собой слияние различных народных традиций шотландской, ирландской и немецкой культур с местным влиянием индейских общин, амишей и квакеров. [12]
Плетеные корзины Теннесси — древнее искусство, изобретенное людьми во всех частях света. Коренные американцы в Теннесси использовали корзины, сделанные из местного речного тростника и белого дуба, для различных нужд, таких как переноска воды, приготовление пищи, просеивание кукурузной муки, плетение обуви и шляп. Когда белые исследователи прибыли в этот район, они обнаружили, что коренные американцы заменили корзинами многие предметы, которые европейцы делали из металла или дерева. Племена чероки , чокто , крик и чикасо использовали растительные красители, сделанные из корней, коры, листьев, шелухи, цветов, фруктов, стеблей, семян или всего растения, чтобы покрасить свои корзины. Белые поселенцы в горах Восточного Теннесси принесли методы и традиции плетения корзин, изученные в Англии, Шотландии и Ирландии, и адаптировали их к местным материалам Теннесси, таким как дуб, гикори, береза, сосновые иголки, ива, кукурузная шелуха и речной тростник. [13]
Многие плетельщики корзин научились ремеслу, наблюдая за своими матерями и собирая материалы. Они использовали узоры и рисунки, которые были продолжением культурного наследия. Корзины часто имеют овальную или вазообразную форму, иногда с крышками или ручками. Этнографы определили и назвали около двух десятков узоров корзин, традиционно плетущихся восточной группой чероки, многие из которых окрашены растениями для создания цветового контраста. Изготовление корзин играет важную роль в экономике чероки, но рост туризма и освоение земель затруднили поиск материалов для изготовления корзин в дикой природе. [14]
Планчатые и ребристые корзины были двумя известными типами, которые использовали первые поселенцы Теннесси. Планчатые корзины изготавливались из полос белого дуба, в то время как ребристые корзины изготавливались из ребер, обручей и расщепок. Традиционная корзина для яиц, или корзина для желудка, была известной формой, производимой техникой ребристых корзин. Хлопковые и рабочие корзины Западного Теннесси имели форму корзины с двумя ручками и грубо вырезанными расщепами из гикори, ясеня и березы. Табачные корзины представляли собой плоские планчатые лотки, используемые для транспортировки резаного табака с поля в амбар для сушки, а затем на рынок. [13]
Хотя гвозди были включены во время промышленной революции девятнадцатого века, плетение корзин в Теннесси в значительной степени осталось неизменным в двадцатом веке. Сегодня корзины всех форм и материалов можно найти на различных ярмарках ремесел и в розничных магазинах ремесел по всему Теннесси, а методы плетения корзин остаются практически такими же, как и в прошлом. [13]
Нация катавба имеет самую длинную традицию гончарного дела в Северной Америке и оказала влияние на гончарное дело чероки. Женщины традиционно были гончарами как в культурах катавба, так и чероки. Керамика чероки изготавливалась методом спирального строительства, наносилась с помощью резных деревянных лопаток и полировалась с помощью камней. Правильная подготовка глины, конструкция и полировка необходимы для того, чтобы керамика не трескалась и не была грубо отшлифована. Керамика чероки не глазурованная, обжигается в ямах с использованием местной древесины и водонепроницаема с помощью кукурузных початков и отрубей. [15]
Резьба по дереву в Аппалачах — это и практический навык, и форма искусства. Дерево было основным материалом, используемым для изготовления инструментов, утвари и игрушек на самодостаточных фермах. Резчики начали украшать свои творения украшениями и продавать их как народное искусство. Человеческие фигуры, религиозные темы и животные — обычные темы для резчиков Аппалачей. Змеи, лошади и гончие собаки особенно популярны. Резьба по дереву может выполняться в практических целях или просто для удовольствия. [16]
Аппалачская живопись относится к разнообразному спектру стилей декоративной живописи, которые возникли в регионе Аппалачи в Соединенных Штатах. Эти стили охватывают техники, мотивы и материалы, взятые из различных культурных влияний, включая традиции коренных американцев, афроамериканцев и европейцев. С конца 18 века до эпохи Нового курса как странствующие, так и местные художники использовали распространенные и недорогие техники зернения и мраморизации для имитации редких и дорогих пород дерева и мрамора, а также рисовали пейзажи и другие мотивы в качестве фокусных точек в частных и общественных интерьерах. Декоративные картины сохранились во многих исторических образцах по всему штату Теннесси и в других районах Аппалачи. Природная красота региона, сельская жизнь и культурное наследие также вдохновили на настенные росписи, созданные в рамках художественных программ Нового курса президента Франклина Д. Рузвельта 1930-х и 1940-х годов, которые были направлены на поддержку изобразительного искусства и обеспечение занятости художников во время Великой депрессии. [17] Одним из выдающихся современных художников-фольклористов Аппалачей является Майк Оусли, чьи работы основаны на историях и фольклоре, которые он слышал и пережил на протяжении всей своей жизни в восточном Кентукки. [18]
Клэй Бернетт — известный художник, который создает спиральные корзины из местных сосновых иголок. Его работы выставлялись на более чем 250 мероприятиях, завоевали множество наград и были представлены на различных выставках и в публикациях. Его корзины пропитаны консервирующей смесью и подписаны его инициалами. [19]
Нелли Мэй Роу была чернокожей художницей-самоучкой, родившейся в Джорджии в 1900 году. Несмотря на жизнь, сформированную сегрегацией и угнетением, Роу создала радостное и красочное тело искусства, которое превратило ее дом и двор в царство, которое она называла своим «Театральным домом». Она изображала друзей, соседей и себя в своих работах, передавая черную красоту и свободную радость в обществе, которое редко представляло черных женщин в произведениях искусства. Ее искусство было для нее способом выразить благодарность и вернуть детство, потерянное из-за труда и нищеты, и она создала мир, который воплощал богатство жизни. [20]
Билл Трейлор родился в рабстве в Алабаме в 1853 году и остался на плантации после Гражданской войны в качестве рабочего. Он переехал в Монтгомери в 1910 году и начал рисовать и писать картины в 1939 году, создавая сцены, изображающие афроамериканскую культуру и историю. Его искусство было спасено группой белых художников в Монтгомери и получило широкое признание в 1980-х годах. Трейлор умер в нищете в 1949 году и был похоронен в безымянной могиле. Сегодня его чтят как художника-самоучку, чье творчество отражает сложность жизни афроамериканцев на Юге Джима Кроу. [21]
Мозе Эрнест Толливер был знаменитым народным художником из Алабамы, известным своими яркими и красочными картинами фруктов, овощей, животных и людей. Он работал на случайных работах, чтобы прокормить свою большую семью, прежде чем обратиться к искусству после травмы, связанной с работой. Его стиль самообучения и использование домашней краски на картоне, дереве, металле и мебели вывели его в жанр аутсайдерского искусства. Его работы выставлялись в галереях по всей стране, а его работы «Леди-Лось» стали популярными. Он умер в 2006 году . [22]
Художник Джимми Ли Саддат использует грязь, смешанную с сахарной водой и натуральными красителями, для создания картин, которые представляют широкий спектр сюжетов, от автопортретов до городских пейзажей. Он рисует на фанере пальцами, а не кистями, и его работы часто исследуют анонимность городской жизни. [23]
Говард Финстер был религиозным художником, который почувствовал призвание создавать сакральное искусство в 1976 году. Он построил Paradise Garden, постоянно меняющуюся экологическую скульптуру, сделанную из отработанных деталей техники, чтобы почтить память человеческих изобретателей и создать «Мемориал Богу». [24]
Бабушка Мозес была художницей-самоучкой, которая начала рисовать в возрасте 78 лет из-за артрита. Ее картины изображали счастливые детские воспоминания о фермерской жизни, намеренно опуская индустриализацию. Ее картины стали чрезвычайно популярными и ценились за их ностальгическое очарование. Она продолжала рисовать до нескольких месяцев до своей смерти в возрасте 101 года, выставляясь на международном уровне. [25]
Чарли Филдс, также известный как «Чарли Кедровый ручей», был эксцентричным холостяком, который жил со своей матерью на табачной ферме. После ее смерти он начал заниматься декорированием и строительством, которые занимали его свободное время до конца его жизни. Филдс украсил свой дом различными узорами, его любимым был узор в горошек, и покрыл все внутри и снаружи красным, белым и синим. Он также построил двор, похожий на парк развлечений, и приветствовал посетителей, особенно детей. [26]
{{cite book}}: CS1 maint: несколько имен: список авторов ( ссылка )