Дэвид Ларвилл (1956–2011) был австралийским художником, узнаваемым по своему отличительному и яркому стилю, основанному на смелом цвете, стилизованных фигурах и упрощенных формах. Хотя Ларвилл больше всего известен как художник-экспрессионист, он также был известным рисовальщиком и гравером. Он создал множество рисунков , акварелей , керамики и скульптур, а также офортов , литографий и трафаретов . За свою карьеру, которая длилась более 30 лет, Ларвилл провел более 25 персональных выставок и принял участие во множестве групповых выставок.
Дэвид Ларвилл родился в викторианском городе Балларат и провел свою раннюю жизнь на семейных фермах. В 1960-х годах Ларвилл переехал в дом своей бабушки в Маунт-Марта , на полуострове Морнингтон в Виктории . Он учился в средней школе Морнингтона (окончил ее в 1973 году), а затем в техническом колледже Фрэнкстона (1974–75), где изучал фотографию, живопись и скульптуру. В следующем году Ларвилл начал изучать керамику в колледже передового образования Прахран , но бросил курс через три месяца и работал подсобным рабочим на сталелитейном заводе в соседнем Гастингсе . Затем он переехал в Нусу в Квинсленде , чтобы жить на вилле родителей своей девушки, и покинул Австралию, чтобы путешествовать по Европе и Северной Америке в течение 18 месяцев. [1]
Ларвилл вернулся в Мельбурн в 1979 году и переехал в квартиру в Сент-Килде со студентами-художниками Питером Фергюсоном и Уэйном Игером. Он поступил в Престонский технологический институт , где учился год у Питера Бута , Питера Д. Коула, Рода Бишопа, Дейла Хики , Мирки Моры и Джона Данкли-Смита. В это время Ларвилл познакомился с однокурсником Караном Хейманом, и они вместе со многими другими основали Roar Studios в 1981 году. Заведующая кафедрой Бетти Чёрчер (впоследствии директор Национальной галереи Австралии ) посоветовала ему: «Тебе не нужно приезжать сюда... Почему бы тебе не остаться в своей студии, не рисовать и не выставляться?» Ларвилл последовал её совету. [2]
Современный австралийский художник Питер Бут оказал глубокое влияние на развитие раннего стиля живописи Ларвилла. Ларвилл посетил выставку работ Бута в 1979 году в галерее Пинакотека , Ричмонд, Виктория , которая состояла из больших повествовательных картин, изображающих конец света. Ларвилл был заинтригован тем, чего можно достичь с помощью краски, прокомментировав: «Вы можете делать уродливые сцены, но общий эффект — это красота». [3]
На международном уровне творчество французского художника Жана Дюбюффе и группы CoBrA также оказало большое влияние на искусство Ларвилла; в частности, возрождение экспрессионизма и интерес к аутсайдерскому искусству . Ларвилл также восхищался нью-йоркским уличным искусством Жана-Мишеля Баскии и все больше ценил искусство аборигенов благодаря непосредственному общению и личной дружбе, особенно с известной австралийской художницей Джинджер Райли Мундувалавалой .
Разочарование в опыте художественной школы и трудности выхода на сцену коммерческой галереи привели к созданию Roar Studios, Brunswick Street , Fitzroy в 1982 году. Группа стремилась противодействовать предполагаемым предубеждениям в местном художественном сообществе против женщин, молодежи и этнических меньшинств. Приветливый ларрикинизм Дэвида Ларвилла и его мощный стиль привлекали молодых начинающих художников Мельбурна, которые разделяли схожее желание показать свои работы. Основная первоначальная группа основателей коллектива ROAR Studio включала Ларвилла, Сару Фолкнер, Марка Хаусона, Карана Хеймана, Марка Шаллера, Энн Хауи, Дэниела Когана, Питера Фергюсона, Уэйна Игера, Паскуале Джардино, Ричарда Бирмингема, Майкла Николлса, Стивена Маккарти, Мэгги Макнамару, Эндрю Фергюсона, Рассела Кука, Гленду Уайзмен, Джули Роузварн и многих других. [4] Открытия ROAR стали хорошо известны своей здоровой атмосферой и поздними ночами. Стиль художников ROAR был эклектичным, и они открыто признавали свою связь с предыдущим поколением мельбурнских художников-экспрессионистов, включая Джона Персеваля , Данилу Васильева и раннего Сиднея Нолана . [ необходима ссылка ]
В июне 1982 года состоялась премьера выставки открытия ROAR Studios. Ларвилл показал две картины. Успешная персональная выставка прошла там в следующем году. Продолжая выставляться с ROAR, Ларвилл вскоре привлек интерес и внимание ряда известных коммерческих дилеров и галерей. В своем комментарии к выставке, посвященной десятилетнему юбилею ROAR, критик Роберт Руни заметил, что: «ROAR выросла из нетерпения, а не из полной оппозиции к существующей системе коммерческих галерей, системе, в которую в конечном итоге были поглощены первые рекруты ROAR». [5]
В 1983 году Ларвилла пригласили выставиться в United Artists Gallery, Сент-Килда. В эту галерею входили такие уважаемые художники середины карьеры, как Майк Браун, Эшер Билу и Дейл Хики. Вторая картина Ларвилла « Пепельная среда» (1983) была куплена Национальной галереей Виктории .
В течение оставшейся части десятилетия работы Ларвилла все чаще демонстрировались на важных групповых и призовых выставках по всей Австралии. Сюда входили: Vox Pop: Into the Eighties (Национальная галерея Виктории, 1984), The Hugh Williamson Prize (Галерея изящных искусств Балларата, 1986) и A new generation 1983–88: Philip Morris Arts Grant Purchases (Национальная галерея Австралии, Канберра, 1988).
Ларвилл долгое время находился в Центральной Австралии (1990 и 1991), где он работал с местными художниками и проводил семинары. Во время своей первой поездки в Нью-Йорк в 1992 году теги и граффити, которые он нашел в метро и на улицах, оказали на него большое влияние. Он также посетил крупную ретроспективную выставку американского художника Жана-Мишеля Баския в Музее американского искусства Уитни в Нью-Йорке. Художник и друг Ларвилла Дэвид Томас заметил: «На Ларвилла сильно повлияли его изображения скелетов, использование племенных фигур, поверхностное письмо и его способность заполнять холст от края до края». [6] Ларвилл также заново познакомился с масками и скульптурами Пабло Пикассо, вдохновленными африканской тематикой. Вскоре после этого Ларвилл создал первую из многих скульптур, используя найденные предметы и технику ассамбляжа.
Прямой контакт с изолированными общинами аборигенов усилил признательность Ларвилла за искусство и культуру коренных народов. Он напрямую реагировал на красоту ландшафта, делая множество исследований на бумаге. Время, проведенное вдали от цивилизации, также дало Ларвиллу более взвешенный взгляд на экологические и политические проблемы. В 1984 году Ларвилл отреагировал на угрозу ядерной войны, создав антивоенную работу « Партия ядерного разоружения» .
В 1986 году Ларвилл был одним из нескольких художников Мельбурна , которым было поручено расписать трамвай W-класса в Мельбурне в рамках празднования Международного года мира Организации Объединенных Наций . Ларвилл решил рисовать образы войны, резко очерченные черным цветом. Его оппозиция несправедливому обращению с первыми австралийцами привела к включению работ в выставки по правам аборигенов на землю. После приглашения посетить Национальный парк Какаду и увидеть его всемирно известные наскальные рисунки в 1998 году, Ларвилл также принял участие в акции Stop Jabiluka Mine вместе с Марком Шаллером и Питером Уолшем. Выставка прошла в галерее Gould Galleries в Мельбурне в июне 1998 года в знак протеста против предлагаемого уранового рудника, который планировался для дикой местности и парка. В 2003 году Ларвилл, Каран Хейман, Питер Уолш, Грег Адес, Таня Ходдинотт и Марк Шаллер отправились в Вумеру и посетили предполагаемые места захоронения ядерных отходов вместе с лидерами коренных народов, а затем снова провели выставку работ из поездки «Тайная страна» в галерее Гулда, чтобы собрать средства на поддержку этого дела.
«Дэвид всегда интересовался делом! ... Он чувствовал ответственность перед всем миром и интересовался текущими делами. Он был одним из основателей фонда Artists for Kids Culture Trust, собирая деньги для детей из неблагополучных семей. Фонд Clean Ocean Foundation также был важен. Дэвид был одним из первых, кто поддержал фонд через его выставку и аукцион произведений искусства для серфинга Hang 12». [7]
В 1993 году Дэвид Ларвилл снова поселился на полуострове Морнингтон , где в конечном итоге создал постоянный дом и студию. Разделяя свое время между Сомерсом и Мельбурном , Ларвилл снова начал создавать причудливые скульптуры, созданные из потрепанных погодой предметов, найденных на берегу залива Западный порт и Порт-Филлип. В то же время его картины стали больше и амбициознее по масштабу.
Персональная выставка новых работ 1994 года «Змеи и лестницы» в галерее Gould в Мельбурне имела художественный и коммерческий успех, работы были почти распроданы в первые несколько дней. С помощью нового менеджера Кена МакГрегора это стало началом очень успешного этапа художественной карьеры Ларвилла, который включал выпуск монографии о его творчестве в 1999 году. Впервые у Ларвилла была специально построенная художественная студия, средства для постоянного рисования и постоянный спрос на новые работы.
Участие Ларвилла в национальных выставках и премиях продолжало расти, включая Streetwise, New York (1993), и как финалиста конкурса Sulman Prize Художественной галереи Нового Южного Уэльса в 1994 году. В 2002 году персональная обзорная выставка «David Larwill: Stuff that Matters» была представлена в Галерее изящных искусств Балларата (ныне Художественная галерея Балларата) и впоследствии гастролировала на шести площадках по всей Австралии. В 2003 году картины Ларвилла были включены в выставку «William Creek and Beyond». Эта выставка также гастролировала по всей стране Художественной галереей Балларата.
На протяжении 1990-х и 2000-х годов международная репутация Дэвида Ларвилла укреплялась новыми заказами, выставками и наградами. Правительство Виктории и Фонд Викторианского художественного центра заказали большой гобелен « Праздник» в качестве подарка новому Художественному центру Эспланады в Сингапуре . Работа гастролировала по региону Виктория, прежде чем была установлена на Эспланаде в середине 2002 года. В 2010 году подборка последних картин Ларвилла также была показана в Сингапуре, когда он и его друг Марк Шаллер были приглашены принять участие в совместной выставке «Искусство — это долго».
Другие известные международные выставки включали «Дэвид Ларвилл: современные картины» (England & Co, Лондон, 2003) и «Дэвид Ларвилл и художники Западной пустыни», организованную спонсором Лизой Фокс и проходившую в студии Стефана Вайса в Нью-Йорке в 2008 году. Эта важная выставка была спонсирована авиакомпанией Qantas в рамках официального австралийского вклада в «Gooday USA».
Посмертный обзор последнего десятилетия творчества Дэвида Ларвилла был проведен в Региональной галерее полуострова Морнингтон в 2013 году. Эта выставка под названием «Десять лет спустя» раскрыла широту и продуманную природу зрелого творчества Ларвилла и показала разнообразный спектр работ, включая картины и рисунки. Две бронзовые скульптуры — «Птица» (2011) и «Размышляя о своем месте в человечестве» (2011) — также были включены. Они фигурировали среди последних работ Ларвилла, потому что он был полон решимости закончить их до своей смерти.
Страдая от рака, Дэвид Ларвилл умер по дороге в Алис-Спрингс в 2011 году. Он попросил своего друга и менеджера Кена Макгрегора отвезти его туда в последний раз. У Ларвилла остались жена Фиона и сыновья Джеймс и Генри. [8]
Ранние работы Дэвида Ларвилла были прямыми, спонтанными и часто сырыми. Такая картина, как «Луна-парк» (1979), показывает, как он импульсивно исследовал драматическое, всеобъемлющее качество черного и красного в сочетании с экспрессивной обработкой краски. Работа отсылает к известному парку развлечений в центре города Сент-Килда , который привлекал фигуративных художников, которыми Ларвилл очень восхищался.
Ларвилл сравнил характерный примитивизм своих фигур с письмом: «Это мои символы, мой язык. Я хочу показать аранжировки, которые люди никогда раньше не видели». [9] В картинах, на которые повлияло время, проведенное в Нью-Йорке, Ларвилл расширил этот лексикон, включив в него холсты, на которых слова кричат с холстов, полных шума; и в композициях появляется новое напряжение, которое в Streetwise, New York, 1993 приобретает подобие покрытых граффити стен.
Для Ларвилла живопись была по сути прыжком веры. Он начал с нанесения краски на холст, и постепенно отметки развивались и кристаллизовались через воспоминания о повседневных событиях. Его сюжеты, хотя и возникали в воображении, в конечном итоге были взяты из жизни: его семья, домашние животные, окружение и вещи, которые он любил делать, читать, слушать или видеть. Эти простые удовольствия вместе с тем, что происходило на мировой сцене, вдохновляли и бросали ему вызов и стали основой его искусства.
«Shipwrecked» (1999) — зрелый пример интуитивного подхода Ларвилла к созданию искусства. Ларвилл был увлеченным моряком, который ценил форму, ощущение и фактуру деревянных лодок. Ненасытный читатель историй мореплавателей и пиратов, элементы местной среды и прибрежного фольклора стали важными компонентами его работы. Расположение фигур, лодки, щитов, знаков и точек оживляют картину. С ее сильными примитивистскими наклонностями и четкими стилистическими отсылками к искусству коренных народов, «Shipwrecked» сочетает в себе стиль живописи и скульптуры, который Ларвилл развил после своего пребывания в Нью-Йорке. Палитра преимущественно охры, красного и коричневого, наложенная на слой белого и кремового, была комбинацией, которая присутствует в ряде крупных работ Ларвилла конца 1990-х и начала 2000-х годов.
В начале 2000-х годов Ларвилл перешел от использования масла к акриловым краскам. Хотя ему нравился запах скипидара, смешанного с маслом, его раздражало время, которое требовалось для высыхания масляной краски. Ему также нравился насыщенный и плотный цвет, доступный в акриловых красках, и по мере того, как качество улучшалось, он стал предпочитать их более традиционному маслу. «Он работал слоями; слой за слоем, и с каждым сеансом работа развивалась в структуре. Его работа имела циклическую и ритмичную структуру. ... Он ходил в студию, чтобы рисовать, и брал с собой историю живописи, наброски, переделку, лессировку и рассматривание. Он проводил много времени, рассматривая. Его метод был методом традиционного художника, изобретение было в работе». [10]
«О чем вы думали?», 2006, — характерная поздняя работа, которая была одной из любимых работ художника. Это многогранная картина, сочетающая в себе сложное наложение красок и использование ярких цветов. Вопрос, поставленный картиной, мог бы «относиться к друзьям, которые ушли из жизни, или к людям, которые совершили глупости и жили, чтобы сожалеть об этом... Дэвид всегда присутствовал в своих картинах. Он наблюдал за человеческой природой и использовал свои наблюдения как источник для своей работы...» [11]
«Размышление о своем месте в человечестве» и «Птица» — бронзовые скульптуры, которые были выставлены на выставке 2011 года, посвященной оригинальной выставке ROAR и художникам. Идеи часто долго созревали в практике Ларвилла, и он начал работать над концепциями для этих скульптур в 2005 году. Позже восковые и глиняные формы стали основой для собаки и птицы. «Дэвид заметил, что «я чувствую, как будто я делаю то, что всегда делал... (мои) руки работают». Ему очень понравилось создавать эти скульптуры. Он чувствовал, что собака вызывает воспоминания. На этой стадии у Дэвида диагностировали рак». [12]