Уроки музыки — это тип формального обучения игре на музыкальном инструменте или пению. Обычно ученик, посещающий уроки музыки, встречается с учителем музыки для индивидуальных занятий продолжительностью от 30 минут до одного часа в течение нескольких недель или лет. В зависимости от преподаваемых уроков ученики изучают различные навыки, соответствующие используемым инструментам. Учителя музыки также назначают технические упражнения, музыкальные произведения и другие виды деятельности, чтобы помочь ученикам улучшить свои музыкальные навыки. Хотя большинство уроков музыки проводятся один на один (частные), некоторые учителя также преподают группам из двух-четырех учеников (получастные уроки), а для самого базового обучения некоторые инструменты преподаются в больших групповых уроках, таких как фортепиано и акустическая гитара. С учетом широкой доступности высокоскоростного Интернета с низкой задержкой частные уроки также могут проводиться с помощью живого видеочата с использованием веб-камер , микрофонов и видеотелефонии онлайн.
Уроки музыки являются частью как любительского музыкального обучения, так и профессионального обучения. В любительском и развлекательном музыкальном контексте дети и взрослые берут уроки музыки, чтобы улучшить свои навыки пения или игры на инструментах и изучить базовые и средние приемы. В профессиональных учебных контекстах, таких как музыкальные консерватории, университетские программы музыкального исполнения (например, бакалавр музыки , магистр музыки , DMA и т. д.), студенты, стремящиеся к карьере профессиональных музыкантов, берут уроки музыки раз в неделю в течение часа или более с профессором музыки в течение нескольких лет, чтобы изучить продвинутые приемы игры или пения. [1] Многие исполнители и певцы на инструментах, включая ряд знаменитостей поп-музыки, учились музыке « на слух », особенно в народных музыкальных стилях, таких как блюз , и популярных стилях, таких как рок-музыка. Тем не менее, даже в народных и популярных стилях, ряд исполнителей имели некоторые виды музыкальных уроков, такие как встречи с преподавателем вокала или получение детского обучения игре на инструменте, таком как фортепиано.
На уроках вокала учителя показывают ученикам, как сидеть или стоять и дышать, и как расположить голову и рот для хорошего вокального тона. На уроках игры на инструментах учителя показывают ученикам, как сидеть или стоять с инструментом, как держать инструмент и как манипулировать пальцами и другими частями тела, чтобы извлекать тоны и звуки из инструмента. На духовых и медных инструментах учитель показывает ученику, как использовать губы, язык и дыхание, чтобы извлекать тоны и звуки. На некоторых инструментах учителя также обучают учеников использованию ног, как в случае фортепиано или других клавишных инструментов, которые имеют демпферные или сустейн-педали на фортепиано, педальную клавиатуру на органе и некоторые барабаны и тарелки в ударной установке, такие как педаль бас-барабана и педаль тарелки хай-хэта. Помимо обучения аппликатуре, учителя также предоставляют другие виды обучения. Классический гитарист учится бренчать и перебирать струны; Исполнители духовых инструментов изучают технику контроля дыхания и амбушюра , а певцы учатся максимально использовать свои голосовые связки, не повреждая горло или голосовые связки.
Преподаватели также обучают студентов достижению правильной осанки для наиболее эффективной игры и предотвращения травм. Для всех инструментов оптимальный способ движения пальцев и рук для достижения желаемого эффекта — играть с наименьшим напряжением в руках и теле. Это предотвращает формирование привычек, которые могут повредить скелет и мышцы. Например, при игре на пианино аппликатура — какие пальцы класть на какие клавиши — это навык, который постепенно усваивается по мере продвижения ученика, и существует множество стандартных приемов, которые может передать преподаватель.
Среди учителей музыки, особенно в западной классической традиции, существует множество мифов и заблуждений о «хорошей» и «плохой» осанке. Учащиеся, которые считают, что игра на инструментах причиняет им физическую боль, должны обратить на это внимание своих учителей. Это может быть потенциально серьезным риском для здоровья, но это часто упускается из виду при обучении игре на инструменте. Обучение использованию своего тела в соответствии с тем, как его анатомия предназначена для работы, может означать разницу между калечащей травмой и удовольствием на всю жизнь. Многие учителя музыки предостерегают учеников от принятия «нет боли, нет выгоды» в качестве приемлемого ответа от своего учителя музыки на жалобу на физическую боль. Опасения по поводу травм, связанных с использованием, и эргономики музыкального искусства получили большее признание в последние годы. Музыканты все чаще обращаются к медицинским работникам, физиотерапевтам и специализированным техникам, чтобы облегчить боль и предотвратить серьезные травмы. Существует множество специальных техник для еще большего множества потенциальных трудностей. Техника Александра — лишь один пример таких специализированных подходов.
Чтобы полностью понять исполняемую музыку, ученик должен изучить основы базовой теории музыки . Наряду с музыкальной нотацией ученики изучают ритмические приемы, такие как контроль темпа , распознавание тактовых размеров и теорию гармонии , включая аккорды и ключевые знаки . В дополнение к базовой теории хороший учитель подчеркивает музыкальность , или то, как заставить музыку звучать хорошо. Это включает в себя то, как создать хороший, приятный тон, как сделать музыкальную фразировку и как использовать динамику (громкость и мягкость), чтобы сделать произведение или песню более выразительными.
Большинство уроков музыки включают в себя некоторые инструкции по истории типа музыки, которую изучает ученик. Когда ученик посещает уроки западной классической музыки, учителя музыки часто тратят некоторое время на объяснение различных эпох западной классической музыки, таких как эпоха барокко , классическая эпоха, романтическая эпоха и современная эпоха классической музыки, потому что каждая эпоха связана с различными стилями музыки и различными методами практики исполнения . Инструментальная музыка эпохи барокко часто исполняется в 2000-х годах в качестве учебных произведений для студентов-пианистов, исполнителей на струнных инструментах и исполнителей на духовых инструментах. Если ученики просто попытаются сыграть эти барочные произведения, читая ноты из партитуры, они могут не получить правильного типа интерпретации. Однако, как только ученик узнает, что большая часть барочной инструментальной музыки была связана с танцами, такими как гавот и сарабанда , а клавишная музыка эпохи барокко исполнялась на клавесине или органе, современный ученик сможет лучше понять, как следует играть это произведение. Если, например, виолончелисту поручают гавот, который изначально был написан для клавесина, это дает ученику понимание того, как играть произведение. Поскольку это танец, он должен иметь регулярный, четкий пульс, а не меняющийся темп rubato в стиле романтической эпохи . Кроме того, поскольку он изначально был написан для клавесина, легко звучащего клавишного инструмента, в котором струны перебираются иглами, это предполагает, что ноты следует играть относительно легко и с промежутками между каждой нотой, а не в полнокровном, выдержанном legato .
Хотя это и не общепринято, многие преподаватели тренируют студентов, повторяя игру определенных шаблонов, таких как гаммы , арпеджио и ритмы . Гаммы часто преподаются, потому что они являются строительными блоками мелодии в большинстве произведений западной художественной музыки. Кроме того, существуют исследования гибкости, которые делают игру на инструменте физически более легкой. Ударные инструменты используют рудименты, которые помогают в развитии шаблонов прилипания, техники роллов и других мелких нюансов, таких как фламбы и перетяжки.
Существуют комплексы упражнений для фортепиано, разработанные для того, чтобы растянуть связь между четвертым и пятым пальцами, делая их более независимыми. Исполнители духовых инструментов практикуют липовые шепотки , которые являются неартикулированными изменениями в амбушюре между парциалами . Исполнители деревянных духовых инструментов (саксофон, кларнет и флейта) имеют множество упражнений, помогающих с техникой языка, ловкостью пальцев и развитием тона. Для этой цели были написаны целые книги этюдов .
Преподаватели обычно назначают ученикам пьесы (или песни для студентов вокала) постепенно возрастающей сложности. Они могут включать этюды , сольный или камерный репертуар . Помимо использования пьес для обучения различным музыкальным основам (ритм, гармония, высота тона и т. д.) и обучения элементам хорошего стиля игры (или пения), хороший учитель также вдохновляет более нематериальные качества, такие как выразительность и музыкальность. Пьесы (или песни) могут быть более приятными для учеников, чем теория или упражнения по гаммам, и акцент на изучении новых произведений обычно требуется для поддержания мотивации учеников. Однако учитель не должен чрезмерно подстраиваться под желание ученика «веселых» произведений. Часто представление ученика о веселой музыке — это популярные вокальные отрывки, саундтреки к фильмам и песни из телешоу и т. д. Хотя некоторые из этих «веселых» произведений можно исполнять, произведения также следует выбирать по педагогическим причинам, например, чтобы бросить вызов ученику и отточить его навыки. Кроме того, чтобы студенты были всесторонне развиты, они должны играть много типов произведений композиторов и авторов песен разных эпох, от музыки эпохи Возрождения до произведений 20-го и 21-го века. Разнообразный репертуар повышает музыкальное понимание и мастерство студентов.
Популярной мерой прогресса, особенно для детей, является внешняя оценка прогресса ученика с помощью регулярного экзамена . Ряд экзаменационных комиссий оценивают учеников по теории или практике музыки. Они доступны почти для каждого музыкального инструмента. Распространенным методом оценки прогресса являются оценочные экзамены — например, от 1-го класса (новичок) до 8-го класса (готов к поступлению в высшую музыкальную школу). [2] Некоторые учителя предпочитают другие методы постановки целей для своих учеников. Наиболее распространенным является концерт ученика, который дает опыт игры на публике и под определенным давлением, без прямой критики или более или менее произвольной системы оценок. Другой — оценочная система книг, которой придерживаются учителя метода Судзуки , в которой отмечается завершение каждой книги, без системы оценок или ранжирования учеников.
.jpg/1280px-Jean-Marc_Nattier,_La_Le%C3%A7on_de_musique_(1710).jpg)
Некоторые исследования показывают, что уроки музыки дают детям важные преимущества для развития, выходящие за рамки простого знания или умения играть на музыкальном инструменте. Исследования показывают, что уроки музыки могут повысить интеллект и успеваемость, повысить самооценку и улучшить дисциплину. Недавнее исследование Фонда Рокфеллера показало, что у студентов музыкальных специальностей самый высокий уровень поступления в медицинские вузы, за которыми следуют биохимия и гуманитарные науки. На тестах SAT средний балл по стране составил 427 по вербальным и 476 по математике. В то же время студенты музыкальных вузов набрали в среднем 465 по вербальным и 497 по математике — на 38 и 21 балл выше соответственно. [ необходима цитата ] Однако наблюдаемая корреляция между музыкальными и математическими способностями может быть врожденной, а не приобретенной. Более того, возможно, что корреляция между посещением уроков музыки и академическими способностями существует, поскольку и то, и другое тесно связано с доходом и образованием родителей. Даже если бы уроки музыки не влияли на академические способности, можно было бы ожидать увидеть корреляцию между уроками музыки и академическими способностями. В статье с сайта Inc.com под названием «Преимущества игры на музыкальных инструментах помогают вашему мозгу больше, чем любая другая деятельность» говорится, что исследования показывают, что обучение игре на музыкальном инструменте расширяет возможности нейронных клеток во многих областях мозга. [3] Это также укрепляет долгосрочные связи между ними. Еще больше исследований показывают, что музыкальная педагогика может усилить словесную память, пространственное мышление и навыки грамотности.
Навыки, приобретенные в ходе изучения музыки, могут быть перенесены в навыки обучения , коммуникативные навыки и когнитивные навыки, полезные в каждой части обучения ребенка в школе. Глубокое исследование Гарвардского университета обнаружило доказательства того, что пространственно-временное мышление улучшается, когда дети учатся создавать музыку, и этот тип мышления временно улучшается, когда взрослые слушают определенные виды музыки, включая Моцарта. [4] Это открытие (названное эффектом Моцарта ) предполагает, что музыка и пространственное мышление связаны психологически (т. е. они могут опираться на некоторые из тех же базовых навыков), а также, возможно, неврологически. Однако по этому поводу возникли серьезные разногласия, поскольку более поздние исследователи не смогли воспроизвести первоначальные результаты Раушер (например, Стил, Басс и Крук, 1999), поставили под сомнение как теорию, так и методологию первоначального исследования (Фудис и Лембезис, 2004) и предположили, что усиливающее действие музыки в экспериментах было просто обусловлено повышенным уровнем возбуждения (Томпсон, Шелленберг и Хусейн, 2001).
Связь между музыкой и укреплением навыков математики , танца, чтения , творческого мышления и изобразительного искусства также была описана в литературе. (Winner, Hetland, Sanni, как сообщается в The Arts and Academic Achievement – What the Evidence Shows , 2000) Однако недавние открытия доктора Левитина из Университета Макгилла в Монреале, Канада, подрывают предполагаемую связь между музыкальными способностями и более высокими математическими навыками. В исследовании, проведенном на пациентах с синдромом Уильямса (генетическим заболеванием, вызывающим низкий интеллект), он обнаружил, что, хотя их интеллект был на уровне маленьких детей, они все равно обладали необычно высоким уровнем музыкальных способностей.
Педагогика и обучение музыкальному уроку (также известному как студийная или прикладная музыка) имеет много влияний и аспектов. Как методы обучения, так и содержание уроков музыки должны несколько различаться в зависимости от уровня ученика, целей уроков, возраста ученика и учебного контекста. [5] Межличностные отношения между учеником и учителем являются еще одним важным элементом студийной музыкальной педагогики. Другие важные факторы, важные для результатов учеников, включают то, как преподаватели общаются, их навыки преподавания, как они организуют свои уроки и насколько они гибки в внесении корректировок. [6] Некоторые учителя также рассматривают физическую близость и энергию как важные аспекты обучения музыке. [7]
Преподаватели студийных уроков часто воплощают различные педагогические подходы и философии. Две широкие педагогические философии можно разделить на категории: подход переноса и трансформационный подход. Подход переноса в первую очередь основан на исполнении и результате. Наиболее важные цели урока ограничиваются техническим качеством музыкального исполнения. Трансформационный подход , напротив, коренится в конструктивистской образовательной философии и касается не только техники и музыкального исполнения, но и личностно-ориентированного обучения и художественных процессов. Эти два подхода показывают, что музыкальная техника не обязательно является единственной целью обучения на уроках музыки. [8]
Успешные преподаватели часто бывают осмотрительными и ясными, подробно объясняют стратегии практики, учитывают эмоциональные потребности студентов и повышают долгосрочные ожидания производительности для своих студентов. [9] Конкретные потребности, сильные стороны и проблемы студента также могут влиять на выбор педагогики учителем. Ученикам с высокими достижениями могут хорошо подойти немодифицированные стратегии, тогда как ученикам среднего уровня могут быть полезны модификации. Например, преподаватель студии, сосредоточенный на определенном аспекте музыки и стремящийся к высоким достижениям в одной области, может на мгновение согласиться на более низкий уровень производительности в других аспектах, которые не связаны с фокусной целью.
Понимание перспектив своих учеников помогает учителям музыкальных уроков поддерживать своих учеников. Первостепенной задачей для любого преподавателя уроков является мотивация учеников к долгосрочному обучению игре на инструменте. Мотивация учеников касается того, как ученики всех возрастов развивают желание изучать музыкальные инструменты, как и насколько они ценят обучение, что влияет на их настойчивость/интенсивность обучения и самовосприятие учениками успеха или неудачи. Мотивация является предпосылкой для развития у учеников адаптивного поведения , которое увеличивает успех в достижении личных целей. К мотивации относятся теория ожиданий и ценностей , конструкции самоэффективности , теория потока , теория атрибуции и мотивационные модели мастерства . Музыкальное обучение также находится под социальным влиянием учителей, родителей и других лиц. [10]
Практика ученика — еще один неотъемлемый аспект музыкального обучения через музыкальные уроки. Практика ученика часто не контролируется и обычно происходит вне урока. Преподаватели часто сосредотачиваются на обучении учеников тому, как практиковаться, используя такие методы, как увеличение темпа произведения от медленного к быстрому, анализ произведений, маркировка или аннотирование музыки, постановка целей практики, практика в более частых коротких сессиях и использование метронома . Преподаватели могут влиять на учеников посредством демонстрации методов практики или словесного описания, хотя демонстрация часто более эффективна. [11]
Уроки музыки являются важной частью программ обучения как музыкальному исполнительству, так и музыкальному образованию в высших учебных заведениях . Как специалисты по музыкальному образованию, так и специалисты по исполнительству могут рассчитывать на преподавание музыкальных уроков в своей музыкальной карьере. Студенты извлекают пользу из курсов, которые обучают методам студийного обучения, позволяют студентам практиковать методы обучения, заниматься самоанализом и совершенствовать свою педагогику. [5]
