В архитектуре и декоративно-прикладном искусстве орнамент — это украшение, используемое для украшения частей здания или объекта. Крупные фигуративные элементы, такие как монументальная скульптура и их эквиваленты в декоративно-прикладном искусстве, исключены из этого термина; большинство орнаментов не включают человеческие фигуры, а если присутствуют, то они малы по сравнению с общим масштабом. Архитектурный орнамент может быть вырезан из камня, дерева или драгоценных металлов, сформирован из гипса или глины или нарисован или отпечатан на поверхности в качестве прикладного орнамента ; в других прикладных искусствах может использоваться основной материал объекта или другой, такой как краска или стекловидная эмаль .
Для архитектуры и прикладного искусства, включая керамику , мебель , изделия из металла , было разработано большое разнообразие декоративных стилей и мотивов . В текстиле , обоях и других предметах, где украшение может быть основным оправданием его существования, чаще используются термины узор или дизайн. Широкий спектр мотивов, используемых в орнаменте, черпается из геометрических форм и узоров, растений, а также человеческих и животных фигур. По всей Евразии и Средиземноморью на протяжении более трех тысяч лет существовала богатая и связанная традиция растительного орнамента; традиционный орнамент из других частей света, как правило, больше опирается на геометрические и животные мотивы. Вдохновение для узоров обычно кроется в природе, которая окружает людей в регионе. Многие кочевые племена в Центральной Азии имели много анималистических мотивов до проникновения ислама в регион.
В эссе 1941 года [1] историк архитектуры сэр Джон Саммерсон назвал это «поверхностной модуляцией». Самые ранние украшения и орнаменты часто сохраняются от доисторических культур в простых отметинах на керамике, где украшения из других материалов (включая татуировки ) были утеряны. Там, где использовался гончарный круг , технология делала некоторые виды украшений очень простыми; ткачество - это еще одна технология, которая также очень легко поддается украшению или узору и в некоторой степени диктует его форму. Орнамент был очевиден в цивилизациях с самого начала письменной истории , начиная от древнеегипетской архитектуры до настойчивого отсутствия орнамента в модернистской архитектуре 20-го века . Орнаменты также отображают определенную философию людей по отношению к окружающему миру. Например, в Центральной Азии среди кочевых казахов круговые линии орнаментов сигнализировали о последовательном восприятии времени в широких степях и широте и свободе пространства.
Орнамент подразумевает, что орнаментированный объект имеет функцию, которую может выполнять и неорнаментированный эквивалент. Если объект не имеет такой функции, а существует только для того, чтобы быть произведением искусства, таким как скульптура или картина, этот термин, скорее всего, будет использоваться реже, за исключением периферийных элементов. В последние столетия применялось различие между изящными искусствами и прикладными или декоративными искусствами (за исключением архитектуры), причем орнамент в основном рассматривался как черта последнего класса. [ необходима цитата ]
История искусства во многих культурах показывает ряд волнообразных тенденций, когда уровень используемого орнамента увеличивается в течение определенного периода, прежде чем резкая реакция возвращается к более простым формам, после чего орнаментация постепенно снова увеличивается. Эта модель особенно ясна в постримском европейском искусстве, где сильно орнаментированное островное искусство Келлской книги и других рукописей повлияло на континентальную Европу, но вдохновленное классикой искусство Каролингов и Оттонов в значительной степени заменило его. Орнамент увеличился в течение романского и готического периодов, но был значительно уменьшен в стилях Раннего Возрождения , снова под влиянием классики. Другой период увеличения, в северном маньеризме , барокко и рококо , был остановлен неоклассицизмом и романтическим периодом , прежде чем возобновиться в конце 19 века в стиле Наполеона III , викторианском декоративном искусстве и их эквивалентах из других стран, чтобы быть решительно уменьшенным движением Искусств и ремесел , а затем модернизмом .
Детальное изучение евразийских орнаментальных форм было начато Алоизом Риглем в его формалистическом исследовании Stilfragen : Grundlegungen zu einer Geschichte der Ornamentik ( Проблемы стиля: основы истории орнамента ) 1893 года, который в ходе этого процесса разработал свою влиятельную концепцию Kunstwollen . [ 2] Ригль проследил формалистическую преемственность и развитие в декоративных растительных формах от древнеегипетского искусства и других древних ближневосточных цивилизаций через классический мир к арабескам исламского искусства . Хотя концепция Kunstwollen сегодня имеет мало последователей, его базовый анализ развития форм был подтвержден и уточнен более широким корпусом примеров, известных сегодня. [3] Джессика Роусон недавно расширила анализ, включив в него китайское искусство , которое Ригль не охватил, проследив многие элементы китайского декора до той же традиции; общий фон помог сделать ассимиляцию китайских мотивов в персидском искусстве после монгольского нашествия гармоничной и продуктивной. [4]
Стили орнаментации можно изучать в отношении конкретной культуры , которая разработала уникальные формы декора или модифицированный орнамент из других культур. Древнеегипетская культура, возможно, является первой цивилизацией, которая добавила чистый декор к своим зданиям. Их орнамент принимает формы естественного мира в этом климате, украшая капители колонн и стены изображениями папируса и пальм. Ассирийская культура создала орнамент, который показывает влияние египетских источников и ряда оригинальных тем, включая фигуры растений и животных региона.
Древнегреческая цивилизация создала множество новых форм орнамента, которые распространились по всей Евразии , чему способствовали завоевания Александра Македонского и распространение буддизма , который в несколько измененном виде перенес некоторые мотивы в Восточную Азию . [5] На Западе древнеримские латинизированные формы греческого орнамента просуществовали около тысячелетия, и после периода, когда их заменили готические формы , они мощно возродились в эпоху итальянского Возрождения и остаются чрезвычайно широко используемыми в наши дни.
Орнамент в Римской империи использовал разнообразный набор стилей и материалов, включая мрамор, стекло, обсидиан и золото. Римский орнамент, особенно в контексте Помпей, был изучен и описан ученой Джессикой Пауэрс в ее книге глава «За пределами живописи в домах Помпеи: настенные украшения и их покровители». Вместо того, чтобы изучать декоративные объекты изолированно, Пауэрс утверждает, что, если информация предоставлена, объекты должны рассматриваться в их первоначальном контексте. Эта информация может включать место, где была найдена работа, другие объекты, расположенные или найденные поблизости, или кто был покровителем, который мог заказать работу. [6] Глава Джессики Пауэрс в основном обсуждает Casa Degli Amorini Dorati в Помпеях, где было найдено 18 настенных украшений, больше всего из любого помпейского дома. Внутренний настенный орнамент в помпейском доме обычно делил стену на три или более секций, под которыми находился бы дадо, занимающий примерно одну шестую высоты стены. [7] Стенные секции будут разделены широкими пилястрами, соединенными фризом, который идет по верхней части стены. Орнамент, найденный в Casa Degli Amorini Dorati в Помпеях, отражал этот стандартный стиль и включал предметы, которые явно использовались повторно, а также редкие и импортные предметы. Несколько панелей на стенах Casa Degli Amorini Dorati были сняты во время археологических работ в 1970-х годах, что показало, что панели были прикреплены к разным стенам до той, на которой они были найдены. Джессика Пауэрс утверждает, что эти панели иллюстрируют домовладельца и готовность покровителей использовать поврежденные или бывшие в употреблении материалы в своем собственном доме. Более того, материалы, использованные в декоративных настенных панелях, были идентифицированы как материалы с греческого Востока или Египта, а не из Помпей. Это указывает на сложные торговые пути, которые процветали по всей Римской империи, и на то, что домовладельцы были заинтересованы в использовании материалов из-за пределов Помпей для украшения своих домов.
Помимо жилых домов, общественные здания и храмы являются местами, где римские стили орнамента были представлены. В римском храме экстравагантное использование орнамента служило средством самовосхваления, как отмечает ученый Оуэн Джонс в главе своей книги «Римский орнамент». Римские приемы орнамента включают поверхностное моделирование, когда орнаментальные стили наносятся на поверхность. Это был распространенный орнаментальный стиль с мраморными поверхностями. [8] Одним из распространенных орнаментальных стилей было использование листьев аканта, мотива, заимствованного у греков. Использование листьев аканта и других натуралистических мотивов можно увидеть в коринфских капителях, в храмах и на других общественных местах.
,_each_door_having_the_same_thing_above_them,_in_Bucharest_(Romania).jpg/1280px-thumbnail.jpg)
_(6220466164).jpg/1280px-Le_palais_Zenobio_(Venise)_(6220466164).jpg)
Сохранилось несколько средневековых тетрадей, наиболее известная из которых принадлежит Виллару де Оннекуру (XIII век), показывающая, как художники и ремесленники записывали увиденные ими рисунки для будущего использования. С появлением печати орнаментальные отпечатки стали важной частью продукции граверов, особенно в Германии, и сыграли важную роль в быстром распространении новых стилей эпохи Возрождения среди производителей всех видов предметов. Наряду с возрожденным классическим орнаментом, как архитектурным, так и гротескным стилем, произошедшим от римского внутреннего убранства, они включали новые стили, такие как мавританское искусство , европейская адаптация исламской арабески (различие не всегда было ясно в то время).
По мере того, как печать становилась дешевле, отдельные отпечатки орнаментов превращались в наборы, а затем, наконец, в книги. С XVI по XIX век в Европе публиковались книги образцов , которые давали доступ к декоративным элементам, в конечном итоге включив в них элементы, зафиксированные в культурах всего мира. «I quattro libri dell'architettura » (Четыре книги об архитектуре) Андреа Палладио (Венеция, 1570) [9] , включавшие как чертежи классических римских зданий, так и визуализации собственных проектов Палладио с использованием этих мотивов, стали самой влиятельной книгой, когда-либо написанной по архитектуре. Наполеон задокументировал великие пирамиды и храмы Египта в « Описании Египта» (1809) . Оуэн Джонс опубликовал «Грамматику орнамента» в 1856 году с цветными иллюстрациями декора из Египта, Турции, Сицилии и Испании. Он поселился во дворце Альгамбра , чтобы делать рисунки и гипсовые слепки декоративных деталей исламских орнаментов , включая арабески , каллиграфию и геометрические узоры . Интерес к классической архитектуре также подпитывался традицией путешествий по Большому туру и переводом ранней литературы об архитектуре в работах Витрувия и Микеланджело .
В 19 веке приемлемое использование орнамента и его точное определение стали источником эстетических споров в академической западной архитектуре, поскольку архитекторы и их критики искали подходящий стиль. «Великий вопрос в том, — задался вопросом Томас Левертон Дональдсон в 1847 году, — должны ли мы иметь архитектуру нашего периода, особый, индивидуальный, ощутимый стиль 19 века?». [10] В 1849 году, когда Мэтью Дигби Уайетт осматривал Французскую промышленную выставку, организованную на Елисейских полях в Париже, он неодобрительно отозвался в узнаваемо современных терминах о гипсовых орнаментах из искусственной бронзы и искусственного дерева: [11]
Как внутри, так и снаружи, здесь много безвкусного и бесполезного орнамента... Если бы каждому простому материалу было позволено рассказать свою собственную историю, а линии конструкции были бы расположены так, чтобы способствовать ощущению величия, то качества «силы» и «истины», которые его огромные размеры должны были обязательно обеспечить, вряд ли могли бы не вызвать восхищения, и это при весьма значительной экономии средств.
Контакты с другими культурами через колониализм и новые открытия археологии расширили репертуар орнамента, доступного возрожденцам. Примерно после 1880 года фотография сделала детали орнамента еще более доступными, чем это сделали печатные издания.
Современные столярные украшения изготавливаются из дерева, пластика, композитов и т. д. Они бывают самых разных цветов и форм. Современная архитектура , задуманная как устранение орнамента в пользу чисто функциональных структур, оставила архитекторам проблему того, как правильно украшать современные структуры. [12] Было два доступных пути из этого предполагаемого кризиса. Один из них заключался в попытке разработать орнаментальный словарь, который был бы новым и по сути современным. Это был путь, выбранный такими архитекторами, как Луис Салливан и его ученик Фрэнк Ллойд Райт , или уникальным Антонио Гауди . Стиль ар-нуво , популярный на рубеже 20-го века, был отчасти осознанной попыткой развить такой «естественный» словарь орнамента.
Более радикальный путь полностью отказался от использования орнамента, как в некоторых проектах объектов Кристофера Дрессера . В то время такие не орнаментированные объекты можно было найти во многих непритязательных повседневных предметах промышленного дизайна, например, керамике, произведенной на мануфактуре Arabia в Финляндии, или стеклянных изоляторах линий электропередач.
Этот последний подход был описан архитектором Адольфом Лоосом в его манифесте 1908 года, переведенном на английский язык в 1913 году и полемически озаглавленном «Орнамент и преступление» , в котором он заявил, что отсутствие декора является признаком развитого общества. Его аргумент состоял в том, что орнамент экономически неэффективен и «морально вырожден», и что сокращение орнамента является признаком прогресса. [13] Модернисты стремились указать на американского архитектора Луиса Салливана как на своего крестного отца в деле эстетического упрощения, отвергая узлы сложного узорчатого орнамента, который артикулировал оболочку его структур.
С работами Ле Корбюзье и Баухауса в 1920-х и 1930-х годах отсутствие декоративных деталей стало отличительной чертой современной архитектуры и приравнивалось к моральным добродетелям честности, простоты и чистоты. В 1932 году Филип Джонсон и Генри-Рассел Хичкок окрестили это « международным стилем ». То, что начиналось как вопрос вкуса, трансформировалось в эстетический мандат. Модернисты объявили свой путь единственно приемлемым способом строительства. Когда стиль набрал обороты в высокоразвитом послевоенном творчестве Миса ван дер Роэ , принципы модернизма 1950-х годов стали настолько строгими, что даже такие выдающиеся архитекторы, как Эдвард Даррелл Стоун и Ээро Сааринен, могли быть высмеяны и фактически подвергнуты остракизму за отход от эстетических правил. [ необходима цитата ]
В то же время неписаные законы против орнамента начали подвергаться серьезному сомнению. «Архитектура с некоторым трудом освободилась от орнамента, но она не освободилась от страха перед орнаментом», — заметил Джон Саммерсон в 1941 году. [14]
Само различие между орнаментом и структурой тонкое и, возможно, произвольное. Стрельчатые арки и аркбутаны готической архитектуры являются декоративными, но структурно необходимыми; красочные ритмичные полосы небоскреба в стиле Пьетро Беллуски являются неотъемлемыми, а не прикладными, но, безусловно, имеют декоративный эффект. Более того, архитектурный орнамент может служить практической цели установления масштаба, обозначения входов и помощи в ориентировании, и эти полезные дизайнерские приемы были объявлены вне закона. А к середине 1950-х годов модернистские фигуры Ле Корбюзье и Марсель Брейер нарушали свои собственные правила, создавая весьма экспрессивные, скульптурные бетонные работы.
Аргумент против орнамента достиг пика в 1959 году во время обсуждений здания Сигрем , где Мис ван дер Роэ установил ряд структурно ненужных вертикальных двутавровых балок на внешней стороне здания, а к 1984 году, когда Филип Джонсон построил свое здание AT&T на Манхэттене с декоративным розовым гранитным нео-георгианским фронтоном, спор был фактически закончен. Оглядываясь назад, критики рассматривают здание AT&T как первое постмодернистское здание . [ необходима цитата ]
