Тим Крауч (родился 18 марта 1964 года) — британский экспериментальный театральный деятель, актёр, писатель и режиссёр. Среди его пьес — «Моя рука» , «Дуб» , «Англия» и «Автор» . Они принимают различные формы, но все отвергают театральные условности, особенно реализм, и приглашают зрителей помочь создать произведение. В интервью 2007 года Крауч сказал: «Театр в своей чистейшей форме — это концептуальная форма искусства. Ему не нужны декорации, костюмы и реквизит, он существует внутри головы зрителя». [1]
Стивен Боттомс, [2] профессор современного театра и представления в Университете Манчестера, написал, что пьесы Крауча «составляют один из важнейших корпусов англоязычной драматургии, появившихся в двадцать первом веке... Я не могу вспомнить ни одного другого современного драматурга, который задавал бы столь убедительный набор вопросов о театральной форме, повествовательном содержании и вовлечении зрителей». [3]
Холли Уильямс , пишущая в The Independent в июне 2014 года, пишет: «Крауч создал себе имя как один из величайших новаторов британской драмы, чьи пьесы нарушили и бросили вызов пассивному театральному опыту». [4]
Крауч, родом из Богнор-Реджиса , получил степень бакалавра в области драмы в Бристольском университете и диплом аспиранта по актерскому мастерству в Центральной школе речи и драмы . Еще в Бристоле он стал соучредителем театральной компании Public Parts вместе со своей женой, режиссером и писателем Джулией Крауч. Они работали над восемью придуманными постановками, которые ставились «на самых разных площадках — от пещер в Глостершире до тюрем, школ и крупных национальных театров, таких как Bristol Old Vic, West Yorkshire Playhouse и Bush в Лондоне». [5] Шоу Public Parts включали адаптацию пьесы Форда Мэдокса Форда « Хороший солдат » и «Удивительный мальчик » о поэте Томасе Чаттертоне . Как актер Крауч также играл в ряде пьес для Franklin Stage Company, Нью-Йорк, и Национального театра , Лондон, где он был ассоциированным педагогом.
Крауч написал свою первую пьесу, « Моя рука », как реакцию на растущее разочарование в современном театре, в частности, «его приверженности идеям психологического и образного реализма и его очевидному пренебрежению аудиторией в своих процессах». [6] Он сказал The Scotsman : «Я дал себе два года, чтобы попытаться создать произведение, никогда ничего не писав до этого, и в течение пяти дней в 2002 году я написал « Мою руку» . Я написал ее почти не думая. Оглядываясь назад, я вижу, что писал обо всех разочарованиях, которые я испытывал». [7]
«Моя рука» рассказывает историю мальчика, который из чистой кровожадности поднимает руку в воздух и держит ее там тридцать лет. В процессе он становится знаменитым медицинским образцом и иконой нью-йоркской арт-сцены. В своем введении к опубликованной пьесе Крауч написал: «Действия мальчика имеют большее значение для других, чем для него самого. Его рука становится конечным неодушевленным объектом, на который другие проецируют свои собственные символы и значения». [8]
Эта тема проецирования смысла отражена в постановке. Крауч приглашает зрителей одолжить личные вещи, такие как ключи, драгоценности, мобильные телефоны и фотографии, которые затем выступают в роли «актеров», показываемых в прямом эфире. Профессор Стивен Боттомс описывает эффект этого: «Отсутствие физического сходства между представленными объектами и вещами, которые они призваны представлять, создает чувство юмористического несоответствия, но также позволяет зрителям привносить собственные личные ассоциации. Я помню, как на одном представлении был странно тронут, увидев пенал и баллончик спрея для тела, издевающиеся над куклой Action Man, которая всегда выступает в роли молодого «Тима». Именно не показывая нам, как на самом деле выглядели хулиганы, или заставляя актеров «эмоционировать» свою агрессию, Крауч позволил мне заполнить мои собственные ответные ассоциации с описанной сценой». [3]
«Моя рука» , совместно поставленная Краучем, Карлом Джеймсом и Хетти Макдональд, открылась всеобщим признанием [9] в театре Traverse в рамках Эдинбургского фестиваля в 2003 году. Позднее она была адаптирована для BBC Radio 3 и выиграла в 2006 году Prix Italia за лучшую адаптацию в категории радиодрама.
Крауч описал «My Arm» как «материнскую основу» своих более поздних пьес, которые все так или иначе ссылаются на нее. [10] Он сказал Кэтрин Лав, что его пьеса 2014 года «Адлер и Гибб » была «гораздо более масштабной и сложной версией « My Arm » . [10]
Темы My Arm , проекции и трансформации, были развиты во второй пьесе Крауча, An Oak Tree . Она берет свое название от работы Майкла Крейга-Мартина 1973 года An Oak Tree , в которой художник просит нас предположить, что стакан воды стал деревом. Пьеса Крауча показывает нам встречу между сценическим гипнотизером и скорбящим отцом Энди, чью дочь сбил насмерть гипнотизер. Отец, который считает, что он превратил дерево в свою мертвую дочь, приходит к гипнотизеру в надежде, что тот сможет дать некоторые ответы.
В то время как гипнотизера играет Крауч, отца всегда играет другой актер, мужчина или женщина, старый или молодой. Этот второй актер, который ничего не знает о пьесе до выхода на сцену, направляется во время представления Краучем с помощью устных инструкций и страниц сценария. Спектакль был совместно поставлен давними соратниками Крауча, Карлом Джеймсом и Энди Смитом, поэтом и артистом перформанса, известным как «кузнец», [11], которого Крауч изначально попросил сыграть отца. Смит предложил: «Почему бы вам не нанять другого актера, чтобы играть отца каждый раз?» [12]
An Oak Tree открылся в театре Traverse на Эдинбургском фестивале 2005 года , где он имел аншлаг и получил премию Herald Angel. Затем последовали международные туры, включая трехмесячный показ в театре Barrow в Нью-Йорке, где он получил специальную награду OBIE. На сегодняшний день в роли отца в пьесе снялось более 300 актеров, среди которых Майк Майерс , Кристофер Экклстон , Фрэнсис Макдорманд , Ф. Мюррей Абрахам , Джеймс Уилби , Лори Андерсон , Тоби Джонс , Марк Равенхилл , Джеффри Раш , Трейси-Энн Оберман , Дэвид Моррисси , Саския Ривз , Хью Бонневилль , Питер Галлахер , Джульет Обри , Патерсон Джозеф , Джанет Мактир , Алан Камминг , Аланис Мориссетт , Сэмюэл Уэст , Сэмюэл Барнетт и Патрик Марбер .
В 2005 году Крауч описал свой собственный опыт выступления с разными актерами: «Каждый отец был таким же разным, как и каждый человек... Возможно, некоторые играли слишком много, а некоторые не играли вообще. Иногда каждый из них делал именно то, что, как я думал, я не хотел, чтобы они делали. Но, делая это, каждый из них является откровением. Они сыграли пьесу по-своему. Она никогда не будет в точности такой, какой я хочу ее видеть, — и слава Богу за это». [12]
Лин Гарднер прокомментировала выступление, в котором отца играла Софи Оконедо : «Наблюдая за ней, вы ни на мгновение не забываете, что она женщина, а Крауч ловко гарантирует своим потоком сценических указаний, что вы никогда не забудете, что она актриса. Тем не менее, по мере того, как вечер подходит к концу, вы также не сомневаетесь, что она мужчина средних лет. Она выглядит так же, но она другая». [13]
В 2015 году, в десятую годовщину пьесы, Крауч возобновил постановку «Дуба» для показа в июне-июле в Национальном театре в Лондоне, а затем вернулся в театр Traverse в рамках Эдинбургского фестиваля Fringe .
В 2019 году The Independent включила «Дуб» в список «40 лучших пьес, которые нужно прочитать перед смертью» [14] .
В следующей пьесе Крауча, ENGLAND , он играл с Ханной Рингхэм, соучредителем театрального коллектива London Shunt . Как и My Arm , ENGLAND посвящена миру современного искусства и была написана для постановки в художественных галереях с белыми стенами. В качестве гидов Крауч и Рингхэм приветствуют зрителей в галерее, проводя их по выставке. В первой половине они делятся диалогом, в котором играют персонажа неизвестного пола, чей парень — богатый торговец произведениями искусства, и который отчаянно нуждается в пересадке сердца. В пьесе используется окружающий звук, разработанный Дэном Джонсом, чтобы передать ритм сердца. Во второй половине персонаж отправляется в неназванную страну Ближнего Востока, чтобы поблагодарить вдову донора сердца, подарив ей ценную картину. Вдова, которая считает, что ее мужа убили из-за его сердца, не благодарна.
Крауч описывает пьесу как «историю одной вещи, помещенной внутрь другой: сердца внутри тела другого человека, культуры внутри культуры другой страны, театра внутри галереи, персонажа внутри актера, пьесы внутри своей аудитории». [15] Лин Гарднер видела в ней «бесконечно вдумчивое произведение, которое искусно бросает вызов глобализированному миру, где все продается, и ставит под сомнение ценность, которую мы придаем искусству и человеческой жизни». [16] В августе 2007 года пьеса открылась в галерее Fruitmarket в Эдинбурге, где она получила награду Total Theatre, Fringe First и Herald Archangel. С тех пор ENGLAND демонстрировалась в галереях по всей Великобритании и США, а также посетила Осло, Лиссабон, Квебек, Мадрид, Дублин, Висбаден, Мельбурн, Сингапур, Ванкувер, Гонконг, Будапешт и Тегеран.
Четвертая пьеса Крауча для взрослых, The Author , была заказана театром Royal Court Theatre в Лондоне и впервые представлена там в 2009 году. В 1990-х годах Court стал известен тем, что критик Алекс Серц назвал In-yer-face theatre , где демонстрировались сцены крайнего насилия. Это сделало его идеальным местом для изучения последствий создания и просмотра представлений о насилии. Крауч объяснил свои намерения в статье: « The Author — это пьеса о том, что значит быть зрителем, и о наших обязанностях как зрителей. Она исследует связь между тем, что мы видим, и тем, что мы делаем. Я твердо уверен, что мы потеряли нить ответственности за то, на что мы выбираем смотреть». [17]
В пьесе Крауч играет «Тима Крауча», драматурга, который написал оскорбительную пьесу, которая оказывает разрушительное воздействие на всех, кто в ней участвует, от автора до актеров и зрителей. Крауч убрал сцену, поместив зрителей на два ряда сидений лицом друг к другу, где они наблюдают друг за другом, смотря пьесу. Четыре актера были размещены среди зрителей, рассказывая историю оскорбительной пьесы. В оригинальном составе актеров были Вик Льюлин и Эстер Смит, а также Эдриан Хауэллс в качестве зрителя. Когда Автор переехал в Траверс для Эдинбургского фестиваля, роль Эдриана Хауэллса взял Крис Гуд. В 2011 году пьеса с тем же составом была сыграна в театре Кирка Дугласа в Лос-Анджелесе.
Автор разделил критиков [18] и зрителей, и было много уходов со сцены. [19] Сама пьеса вызвала такую реакцию, включая постановочный уход в самом начале действия.
В 2011 году в The Guardian Крауч описал различные реакции зрителей на пьесу в Великобритании и США: «Это пьеса, во время которой зрители читали газеты и романы, строили бумажные самолетики, махали мексиканскими волнами, пели «С днем рождения» кому-то из своих, декламировали стихи, медленно хлопали в ладоши, физически угрожали актерам, громко напевали, затыкая уши пальцами, бормотали непристойности, кричали актерам и бросали копии текста в драматурга. Это пьеса, в которой 10% зрителей, как известно, уходили во время представления — каждый уход был мини-драмой в разворачивающемся повествовании события. Это пьеса, в которой отсутствие аплодисментов в конце иногда ощущалось как благословение, а иногда как вечное проклятие. Это пьеса, во время которой один из зрителей однажды потерял сознание; актеры снова и снова настаивали, что это не было частью представления, но все в зале предполагали, что это было — включая швейцаров». [19]
В 2013 году лондонский театр Almeida заказал пьесу «Что происходит с надеждой в конце вечера» , написанную и исполненную Краучем и Энди Смитом (смитом) и поставленную Карлом Джеймсом. В пьесе рассказывается история неловкой встречи в субботу вечером двух друзей, которые отдалились друг от друга. Их противостояние отражается в их контрастных стилях исполнения. В то время как Смит сидит за кафедрой, читает сценарий, признавая присутствие зрителей, Крауч пытается создать реалистичную пьесу с четвертой стеной , даже принося на сцену свою собственную декорацию.
Описывая пьесу журналу Exeunt, Крауч сказал: «Энди сидит сбоку от сцены, представляется и, по-видимому, рассказывает свою собственную историю. А напротив него играет вымышленный, узнаваемый другой персонаж, который как бы обитает в другой форме, в другом мире. Он персонаж, который пытается осмыслить мир, физически присутствуя в нем, а не сидя сбоку и наблюдая за ним — физически присутствуя в мире, который он так усердно создает на этой сцене. Толчок и тяга происходят между этими двумя мирами... Мой персонаж активен — политически активен, сексуально активен, физически активен. Персонаж Энди в этой пьесе неактивен или рефлексивен». [20]
Саймон Холтон дал рецензию на пьесу для A Younger Theatre: [21] «Одной из центральных тем пьесы является отсутствие и присутствие, пространство театра и простой акт совместного пребывания в этом пространстве — что это значит и что оно может сделать. Послание надежды звучит громко и ясно, не будучи при этом проповедническим или догматичным. Замечательный, оригинальный, сильный театр» [21]
Крауч и Смит привезли пьесу в Эдинбург, где она шла в Drill Hall Studio для Forest Fringe [22] с 18 по 24 августа 2013 года. Джойс Макмиллан написала рецензию на пьесу в The Scotsman: «Поскольку друг — в великолепной игре Крауча — злится, дуется, пьет и становится все более и более агрессивно нервным из-за банды местных детей, тусующихся снаружи, постепенно становится очевидным — в этом блестящем образце совместного письма двух мастеров, — что дисфункция не только на одной стороне.
«Энди, сидя в кресле, постоянно избегает взгляда своего друга, предпочитая обращаться к аудитории о теоретической ценности театра в объединении людей. Он поддался тому, что звучит как удушающая семейная жизнь со своей норвежской женой и маленькой дочерью, постоянно просит своего друга снять обувь (мы все снимаем обувь) и не курить в доме. Здесь есть что-то жизненно важное в мужском среднем возрасте, что-то о севере и юге, что-то о самодовольстве довольства и активистской ценности честного страдания. И что-то о театре тоже, хотя бы потому, что в конце 70 минут эти двое все еще там, все еще разговаривают, все еще в одном пространстве, какими они могли бы и не быть, если бы Тим и Энди не решили сделать шоу о них». [23]
Следующая пьеса Крауча, «Адлер и Гибб» , была впервые представлена в театре Royal Court Theatre 19 июня 2014 года. Описывая ее в рекламном видеоролике для Royal Court, Крауч сказал: «История этой пьесы развивается на многих разных уровнях. Это современная история о двух молодых людях, прибывающих в заброшенный дом в глуши. Классическая местность Скуби-Ду на самом деле. И есть огромное количество предыстории вокруг пары концептуальных художников из Нью-Йорка 80-х и 90-х годов. В конце века они покидают Нью-Йорк и поселяются в этом доме, а затем, через десять лет после этого, приезжают эти молодые люди. Так что, я полагаю, есть элементы триллера, но есть также много идей об апроприации, подлинности и наследии, и стремлении владеть всем, всем и всеми». [24]
Спектакль, снова совместно поставленный Краучем, Джеймсом и Смитом, стал свидетелем их самых амбициозных формальных экспериментов на сегодняшний день. Стиль актерской игры менялся на протяжении всей пьесы, которая началась с абстракции, когда актеры смотрели вперед, произнося свои реплики без жестов, акцентов или действий. Затем они перешли к более объемным выступлениям и полному реализму во второй половине. Крауч описал это как «прилив реализма, эту пьесу — она начинается с отлива и идет полным приливом, в истории и форме». [25] Натурализм был еще больше подорван присутствием двух детей на сцене, строительством земляного кургана и введением абсурдного реквизита. Крауч объяснил: «Это укол той абсурдной структуры, которую мы выстроили вокруг себя в плане репрезентации: дети настолько свободны от этого. Ребенок-актер — ребенок, притворяющийся другим ребенком — это как-то глупо. Есть такие вещи, которые нарушают натурализм, как животные, как дети, как оружие, как нагота: как только Иэн Маккеллен вытаскивает свою стрелу в «Короле Лире», «Король Лир» на некоторое время останавливается». [25]
Спектакль был намеренно сложным для зрителей. Бекки Смит записала одну реакцию зрителей в своем обзоре Total Theatre: «Я не хочу так усердно работать», — жалуется один мужчина позади меня во время антракта, «Я прихожу сюда, чтобы меня развлекали!» [26] Майкл Биллингтон в The Guardian описал его как «шоу, которое бросает вызов условностям повествования: факт в том, что большую часть первой половины мы не понимаем, что происходит». [27] Он заключил: «Я обнаружил, что вживаюсь в пьесу, чувствуя, что игровая экспериментальная форма доминирует над интригующим содержанием». [27]
Анджей Луковски в Time Out написал: «Безумцу дали ключи от психушки: со своей новой работой «Адлер и Гибб» озорной создатель метатеатрального театра Тим Крауч приходит с окраин, чтобы поставить первую работу на легендарной главной сцене Королевского двора. Шаг вперед не обходится без спотыканий. Но в лучшем случае это уморительное, душераздирающее и сводящее с ума исследование ценности искусства взрывается бесстрашным намерением и пронзительным интеллектом». [28]
Самый восторженный отзыв был от независимого критика Мэтта Трумена, который написал: «Это захватывает: полномасштабное дорожное кино о партнерах по преступлению, приправленное развязностью в стиле Тарантино и пост-Керуаковской крутизной... «Адлер и Гибб» огромен... Он охватывает целую кучу вещей — и эти вещи кажутся абсолютно современными. Крауч борется — действительно борется — с тем, что значит существовать сейчас, в 2014 году, в нашей виртуальной реальности, окруженной знаками и симулякрами, с прошлым, извергнутым в качестве отсылки и ретро. Где во всем этом правда? Где заканчивается искусство и начинается реальность? Где жизнь?» [29]
В Royal Court в актерский состав вошли Амельда Браун (Гибб), Брайан Фергюсон (Сэм), Дениз Гоф (Луиза) и Рэйчел Редфорд (Студентка). Упрощенная постановка была сыграна в Summerhall во время Эдинбургского фестиваля в 2016 году, а затем отправилась в театр Unicorn Theatre в Лондоне и в 2017 году в театр Kirk Douglas Theatre в Лос-Анджелесе. В актерский состав вошли Джина Моксли (Гибб), Кэт Уайтфилд (Луиза), Марк Эдель-Хант (Сэм) и Джиллиан Пуллара (студентка). Крауч взял на себя роль Сэма для постановки в Лос-Анджелесе. Чарльз МакНалти в LA Times описал пьесу как «своего рода авангардную постановку по номерам, которая оставляет без внимания то, что отличало работы Крауча в прошлом — смелое исследование роли аудитории в театральном событии». [30]
Премьера пьесы Крауча 2019 года « Total Immediate Collective Imminent Terrestrial Salvation » состоялась на Эдинбургском международном фестивале того года, после чего последовал показ в Royal Court, Teatro de Bairro Alto в Лиссабоне и Attenborough Centre for Creative Arts (ACCA) в Брайтоне. Спектакль был совместно поставлен Энди Смитом и Карлом Джеймсом, а иллюстратором послужила книга Рачаны Джадав. Алекс Вуд описал пьесу в WhatsOnStage: «Мы сидим в два ряда, в то время как раздаются богато украшенные зеленые книги в твердом переплете, содержащие сценарий. Шоу начинается, появляются актеры, и зрителям предлагается читать и вносить свой вклад, переворачивая страницы одновременно, разбираясь с репликами Тима Крауча и беря на себя роли по мере необходимости. Это класс по изучению Библии — текст почитается, переливается (sic). Слегка набросанная история о последнем часе южноамериканского культа, предвосхищающего апокалипсис, и его лидере Майлзе — это начальная точка входа для нового метатеатрального развлекательного шоу Крауча. Это меткое сравнение — просмотр театра, в конце концов, является культовым опытом; история должна существовать с приходом посетителей. Мы видим, как разные члены аудитории встают и присоединяются к актерам, сюжет постепенно становится фокусом... Есть некоторые поразительные сходства с предыдущими работами Крауча — особенно с An Oak Tree, где также использовалась потеря члена семьи, чтобы задаваться вопросом, что значит выступать и каковы различные, эксцентричные способы проявления горя. Но эта пьеса кажется менее эмоционально интимной и более игриво общественной – вы почти можете почувствовать радость Крауча от того, что члены публики входят в его пространство». [31] Марк Фишер в Guardian написал: «Самоуверенность в этом формально авантюрном шоу заключается в том, что похожая на Библию книга в наших руках, пленительно проиллюстрированная карандашными набросками Рачаны Джадхав, является той же книгой, которая определяет действия Сол, молодой девушки, воспитанной в закрытом сообществе после какой-то экологической катастрофы. Играемая с открытостью и сердцем Шивонн Ахмад, она была внушена верить, что ничего не произойдет, если это не будет изложено на этих страницах. Это детерминистский взгляд, но, поскольку книга содержит сценарий шоу, он также является правильным. Пока идет представление, мы не контролируем то, что происходит. Даже когда зрители по очереди играют роли Сол и ее отчужденной матери Анны, которую в основном играет Сьюзен Видлер с таким же простодушием». [32]
В 2022 году Крауч написал и сыграл новую моноспектакль о Шуте в « Короле Лире » . Как и в Англии , пьеса основана на «идее одной вещи внутри чего-то другого». [33] На протяжении большей части Truth's a Dog должен быть в Питомнике Крауч, играющий Шута, носит гарнитуру виртуальной реальности, портал в действие, происходящее в большом театре, где идет постановка пьесы Шекспира. Шутка становится свидетелем и описывает пьесу, которую он покинул. Крауч рассказал Марку Фишеру из The Scotsman , что он проводит параллели между ранним уходом шута из «Короля Лира» и судьбой театра во время пандемии COVID: «Это об уходе... Это о последних двух с половиной годах, о том, что мы делаем, как мы продолжаем, как мы снова вовлекаемся, как все сложно, где театр во всем этом и вторжение цифровых технологий. Эта пьеса прославляет тот факт, что мы все вместе — и что в каждом из нас сидит альтернативный один из нас». [33] В другом интервью он сказал: «Я использую «Короля Лира» как своего рода поддерживающий текст для идеи театра, о которой я беспокоюсь и о которой думаю. И я использую идею шута как человека, который находится в этом мире, а затем исчезает из этого мира». [34]
Крауч впервые сыграл пьесу в августе 2022 года в Королевском лицейском театре Эдинбурга в рамках фестиваля Fringe. Дэвид Кеттл описал ее как «довольно бескомпромиссную, безнадежную пьесу во многих отношениях: Крауч указывает на параллели между раздробленным миром Лира и нашими собственными многочисленными и разнообразными современными проблемами и даже бросает вызов будущим антропологам, которые могли бы задаться вопросом, почему люди когда-то собирались вместе в комнатах, как и все мы, чтобы наблюдать, как другие люди притворяются другими людьми... Это создает огромную кумулятивную силу, поднимая глубокие вопросы, отказываясь при этом давать простые ответы». [35] В The Scotsman Джойс Макмиллан писала: «Есть что-то блестящее, завораживающее и трагическое в предположении Крауча о том, что то, что осталось от театра, само стало местом борьбы; между теми, кто все еще полностью верит в общий человеческий опыт, каким мы его когда-то знали, и теми, кто подозревает, что эти времена могут закончиться, чтобы быть замененными формами цифровой связи, которые предлагают как больше, так и намного, намного меньше». [36] Дебора Чу в The Observer написала: «Все действие происходит за гарнитурой виртуальной реальности Крауча, которую он передает нам с трогательным апломбом. Но сфера его сверхъестественного видения распространяется и на зрителей, пока театр не становится микрокосмом для всего мира, полным многоуровневого неравенства и незначительной жестокости, замаскированной под вежливость». [37] В пятизвездочном обзоре с подзаголовком «Выход, взорванный мозг» Хью Симпсон описал пьесу как «изысканно пророческое произведение, которое, по-видимому, отрицает саму суть творчества, гимн человечеству, который настаивает на том, что человечество уже пресытилось им. Назвать его вызывающим размышления было бы преступным преуменьшением». [38] Пьеса получила премию Fringe First от The Scotsman. [39]
Режиссерами фильма «Собака, которая должна быть доставлена в питомник, являются Карл Джеймс и Энди Смит, звуковое оформление и музыка — Пиппа Мерфи, а освещение — Лора Хокинс. [40]
Наряду со своим взрослым театром, Крауч написал несколько пьес для юной аудитории. В 2018 году он сказал Theatre Weekly: «Дети постоянно сталкиваются с театром. У себя дома, на своих игровых площадках, в своих школах. Организация повествовательной и творческой игры так же важна для детской игры, как и для драматурга. Дети — прирожденные драматурги в своей игре. Они структурируют и создают характер. Я думаю, что жизненно важно, чтобы ребенок видел, как его процесс повторяется для него взрослыми — и с формальным подтверждением более широкой культуры. Чтобы понять, что взрослые также участвуют в творческой игре и рассказывании историй». [41]
Первой детской пьесой Крауча была пьеса «Покупки обуви» , заказанная в 2003 году Департаментом образования Национального театра . Пьеса представляет собой романтическую комедию, исследующую силу логотипа и то, как трудно ей противостоять. Сиобхан МакКласки, политически сознательная 13-летняя вегетарианка, влюблена в одноклассника Шона Холмса, которого интересуют только его кроссовки Nike Air Jordan. Их сводит вместе случайная встреча с собачьим дерьмом и поход в боулинг. Крауч исполняет пьесу, используя платформу, наклоненную к зрителям, на которую он помещает пары обуви, представляющие персонажей. «Обувь никогда не оживляется, как обычные куклы, но каждой дается время, пространство и иногда звук, чтобы заявить о себе». [8] Так что отец Сиобхан, Кит, представлен «ужасными сандалиями и бойким свистом». [8] Впервые спектакль «Покупки обуви» был показан в школе Святой Урсулы в Гринвиче 18 июня 2003 года. Затем он гастролировал по школам по всей Великобритании и в 2007 году получил премию Художественного совета Брайана Уэя .
Для фестиваля в Брайтоне Крауч написал три монолога: «Я, Калибан» (2003), «Я, Цветущий горошек» (2004) и «Я, Банко» (2005), которые позже были представлены вместе как трилогия « Фея, Монстр, Призрак» . [42] Пьесы знакомят юную аудиторию с пьесами Шекспира, пересказывая истории с точки зрения второстепенных персонажей.
В I, Caliban , Крауч - монстр из The Tempest , оставшийся один на острове после того, как все персонажи уехали, с последней бутылкой вина и все еще скучающий по своей маме. Калибан представляется зрителям: «Вы думаете, какой уродливый человек... Ну, ТЫ БЫЛ БЫ УРОДИСТОМ, ЕСЛИ БЫ У ТЕБЯ БЫЛА ЖИЗНЬ, КАК У МЕНЯ». В I, Peaseblossom , он - невинный ребенок-фея из A Midsummer Night's Dream , персонаж, которому в пьесе Шекспира достается только одна реплика. I, Banquo - более мрачная пьеса для подростков, рассказанная убитым лучшим другом Макбета . Крауч появляется на сцене «в сопровождении 13-летнего Флинса, играющего на гитаре в стиле хэви-метал, отрубленной головы и 32 литров крови». [43]
Четвертая адаптация Крауча Шекспира, «Я, Мальволио» , также была написана для подростков по совместному заказу Брайтонского фестиваля и Сингапурского фестиваля искусств, где она была показана в 2010 году. Она продолжила иметь огромный успех у взрослой аудитории в Traverse на Эдинбургском фестивале 2011 года. Как и предыдущая пьеса Крауча, «Автор» , «Я, Мальволио» — это пьеса о том, что значит быть зрителем, и о наших обязанностях как зрителей. В представлении, близком к стендап-комедии, Крауч появляется в роли напыщенного, презирающего театр, пуританского управляющего из «Двенадцатой ночи» , после его унижения в конце этой пьесы. В грязных кальсонах и мятых желтых чулках он ругает публику: «Посмотрите на себя. Сидите там с животами, набитыми газировкой и маринованной селедкой. Смеетесь надо мной. Продолжайте. Смейтесь над смешным человеком. Смейтесь. Заставьте смешного человека плакать». Его ответ на смех публики — повторяющийся крик: «Вы находите такие вещи смешными?»
Джойс Макмиллан, рецензируя «Я, Мальволио» в « Scotsman» , писала: «В этой пронзительной деконструкции конфликта между Мальволио и — ну, кем? Кажется, не только другими персонажами, но и нами, зрителями, неутомимыми любителями хорошего времяпрепровождения, мы смеемся над унижением Мальволио, высмеивая краткую надежду на любовь, которой он наслаждается». [44]
._Feb_2020_jpg.jpg/1280px-Tim_Crouch_at_the_Unicorn_Theatre_during_I_Cinna_(The_Poet)._Feb_2020_jpg.jpg)
В рамках Всемирного Шекспировского фестиваля 2012 года Королевская шекспировская компания поручила Краучу написать и поставить сопутствующую пьесу к постановке Грегори Дорана « Юлий Цезарь» . В «I, Cinna (The Poet)» Джуд Овусу сыграл Цинну, поэта, убитого толпой после того, как его приняли за заговорщика в пьесе Шекспира. В пьесе Крауча Цинна просит свою юную аудиторию «рассмотреть связь между словами и действиями, искусством и политикой, собой и обществом. Во время представления он просит нас написать вместе с ним: небольшое стихотворение на большую тему». [45]
В возобновлении 2020 года, поставленном Наоми Виртнер в театре Unicorn Theatre London, Крауч сыграл Цинну. В интервью Кэтрин Гринвуд он рассказал о том, как пьеса приобрела новые смыслы с момента первого показа: «2012 год был годом после беспорядков в Лондоне, поэтому в оригинальной постановке была связь с этим. Но беспорядки кажутся разрозненными, мелкомасштабными по сравнению с тем, что происходит сейчас во всем мире . И идея страны, возглавляемой диктатором, который манипулирует языком, — добро пожаловать в мир!... Слова в настоящее время действительно сложные, скользкие, политические вещи. В 2012 году мы были младенцами в том мире, а теперь мы ужаснувшиеся подростки, которые думают: « Могут ли слова действительно иметь такой эффект? Люди могут лгать, используя правильные слова, они лгут, и все просто принимают их. И это также есть в «Юлии Цезаре» Шекспира ; Марк Антоний меняет весь ход истории своим использованием языка». [46]
В своем обзоре в The Stage Салли Хейлз написала, что «Крауч ткет богатую ткань смысла, которая охватывает революцию, республиканизм, демократию, силу письменного слова, свободу и личную ответственность в цифровую эпоху... Декорации Лили Арнольд подкреплены большим куском мятой бумаги, на котором в ошеломляющие моменты вспыхивают жестокие видеоизображения беспорядков Уилла Монкса, сопровождаемые звуковой дорожкой Оуэна Крауча, которая вырывается из почти полной тишины в пульсирующие, настойчивые биты. Это, наряду с захватывающим повествованием Крауча, придает шоу неумолимое чувство срочности». [47]
Мелинда Хонтон на сайте View from the Cheap Seat написала: «Это дань уважения тому, насколько успешным было это шоу в качестве творческого вдохновения, которое липкая аудитория взрослых и критиков на пресс-конференции строчила без остановки». [48] Ив Аллин в журнале Exeunt ответила на поэтический вызов Крауча, написав свою рецензию на шоу «в сонетах, хокку и двустишиях». [49]
Помимо написания пьес для молодежной аудитории, Крауч пишет пьесы для исполнения молодыми актерами. В 2006 году он получил заказ от Playhouse (проект, организованный Plymouth Theatre Royal, York Theatre Royal и Polka Theatre) на написание пьесы для исполнения детьми начальной школы. Kaspar the Wild , вдохновленный Каспаром Хаузером , — это история о таинственном диком мальчике, найденном бродящим в неряшливой одежде и кроссовках, который присоединяется к одноклассникам шестого класса в сонной сельской школе. Пьеса, исполняемая детьми хором, написана в стихах: «Что нам делать с мальчиком, таким обделенным/ Который отказывается учиться, расти или процветать?/ ЧТО МЫ ДЕЛАЕМ?/ Мы отправляем его в школу, вот что мы делаем».
Одна девушка-исполнительница, дававшая интервью для трейлера постановки 2011 года в Плимуте, сказала: «Пьеса классная, потому что рассказчики говорят что-то вроде: «Что вы думаете?» И в большинстве пьес они говорят вам, что думать. Плюс она рифмуется, что действительно круто». [50]
John, Antonio and Nancy — пьеса 2010 года для трех молодых актеров-подростков, заказанная Royal Court Theatre в рамках Rough Cuts. Спектакль поставила Мария Аберг, а сыграли сын Коуча Джоуи, Элла Кэмпбелл и Киран Маллиган. Премьера состоялась в Theatre Local, Elephant & Castle, а также в Nightingale Theatre, Брайтон, в рамках Brighton Fringe 2011. Артисты, одетые в красные, синие и желтые галстуки, играют Джона Брауна, Антонио Клегга и Нэнси Кэмерон, детей трех лидеров партий на выборах в Великобритании 2010 года. В пьесе Крауч деконструирует язык, используемый в телевизионных дебатах, помещая цитаты лидеров в уста их детей. Так, фраза Гордона Брауна «„Только на прошлой неделе я встретил вдову в Портсмуте“ становится в устах его сына „Только на прошлой неделе мой отец встретил вдову в Портсмуте“». Совокупный эффект этих заявлений комичен, «подчеркивая абсурдность «дружественного СМИ» языка». [51]
В 2018 году Крауч написал пьесу Beginners , которую играют дети и взрослые. Она «рассказывает историю трех семей, оказавшихся в затопленном коттедже на лето. Детям скучно. Взрослые сидят в пабе. Пока все нормально». [52] Крауч сказал Evening Standard: «Я написал ее, потому что мои дети выросли. Мне нравятся взрослые, которыми они стали, но я скучаю по детям, которыми они были. Иногда мне кажется, что я вижу детей, которыми они были, во взрослых, которыми они стали, и это делает меня необычайно счастливым и одновременно безутешно грустным». [53]
Спектакль, поставленный Краучем, был впервые показан в лондонском театре Unicorn в марте 2018 года. В актерский состав вошли пять взрослых актеров (Пандора Колин, Роб Дас , Жаки Дюбуа, Нил Д'Соуза и Амалия Витале), игравших детей, их родителей и собаку. Детей также воплощали четыре молодых актера, роли разделили Атинуке Акинринаде, Итан Даттани, Некиша Эрик, Роуэн Дэвис-Мур, Арчи МакГрегор, Элла Скотт, Эмилия Трайкович и Милан Верма. Beginners был разработан Хлоей Лэмфорд и Камиллой Кларк с музыкой Ника Пауэлла. [52]
Мириам Гиллинсон в Time Out описала пьесу как «по-настоящему взрослое произведение детского театра, которое охватывает поколения... Крауч любит дразнить свою аудиторию... проверять наши чувства и вообще морочить нам голову. Настоящий кайф здесь в том, что Крауч применяет те же самые методы к своему семейному шоу и блестяще справляется с этим... Сцена постепенно отдается четырем талантливым молодым актерам... Их надежды и мечты заполняют пространство... и мы понимаем, что это на самом деле наши надежды и мечты, только более свежие и свободные». [54] Мэдди Коста в Exeunt описала Beginners как «сложную и полную нюансов, скользкую и лукавую, часто веселую, густо поэтичную, часто сбивающую с толку моих детей, но приятную задачу для их дедуктивных способностей». [55] Лин Гарднер в The Guardian написала, что пьеса «похожа на озорную, но эмоционально текстурированную детективную историю об убийстве, но без тела. Вместо этого она исследует, как убивают детство... Удовольствие от все более смешной пьесы Крауча заключается в том, как... он постепенно расширяет метафизическое и физическое пространство. Наблюдая за ней — и за пьесой внутри пьесы, которую ставят дети, — мы расширяем нашу веру в то, что возможно, и как мы можем преодолеть то, что жизнь бросает нам». [56] Однако критик The Evening Standard Фиона Маунтфорд «постоянно пыталась понять, были ли персонажи, за которыми мы наблюдали, взрослыми или детьми». [57]
В 2022 году Crouch's написал Superglue для молодежного театрального фестиваля National Theatre Connections . Пьеса перевернула структуру Beginners , теперь дети-актеры играют взрослых, которых воплощает присутствие пожилых людей. Согласно списку Национального театра, «Superglue рассказывает историю группы климатических активистов, собравшихся на лесном кладбище, чтобы попрощаться с другом, погибшим во время протеста. Когда они собираются, они устанавливают баннеры и говорят о своем прошлом и будущем, о мирных действиях против насильственных действий, о том, как общество отвергает их и недооценивает их дело. Поначалу мы считаем, что эти активисты — одного возраста с актерами, которые их играют. Постепенно мы понимаем, что это история пожилой климатической группы — пожилых персонажей, которых играют молодые актеры без подражания. Параллели проводятся между старостью и юностью в пьесе, которая мягко приглашает к межпоколенческому пониманию будущего нашей планеты». [58]
Впервые пьеса была показана в феврале 2022 года в Театре молодых людей в Ньюкасле. [59] Вторая постановка Театра молодежи Кройдона была поставлена в апреле в Southwark Playhouse . [60]
В 2019 году Крауч сотрудничал с Тоби Джонсом , написав Don't Forget the Driver , шестисерийный комедийный сериал для BBC. Действие сериала происходит в Богнор-Реджисе. В нем рассказывается «история водителя автобуса и отца-одиночки Питера Грина (Джонс). Его жизнь — это обычная рутина: пристегнутые галстуки, вяло упакованные обеды, проверки транспортных средств, поездки на автобусе туда и обратно, перевозящие церковные группы в приюты для ослов и японских туристов в Кентерберийский собор». [61] Крауч описал сериал как «песню о любви к Богнору. Это то место, откуда я родом, и это многое из того, кем я являюсь... Сериал о моменте, когда, казалось бы, маленькая жизнь взаимодействует с большим миром. Богнор находится на краю Англии — лицом к Европе. Я знаю его с шестидесятых, и он изменился со временем. Мигрирующее население обогатило его культуру... Современный мир уже наступил, и все же Богнор по-прежнему имеет неповторимый вид приморского города, придерживающегося своих традиционных ценностей. Это как слияние двух рек — иногда неправильно забытое прошлое и неизвестное будущее. Богнор стал хорошим местом для исследования многих тем национальной идентичности, которые охватывают нашу страну». [62]
Как создатель экспериментального театра, Крауч любит сотрудничать с другими компаниями и формами искусства. May — это совместная работа Крауча и танцевальной компании Probe в 2011 году, [63] исполненная танцорами Антонией Гоув и Беном Дьюком на музыку Скотта Смита. Крауч предоставил текст о Мэй, красивой девушке, которая наносит себе увечья, и Грегори, ее застенчивом парне. Джейк Орр так прокомментировал произведение: «Общий эффект — нежность, которая встречается и рушится в хаосе. Диалоги Крауча расстраиваются из-за неспособности персонажей выразить себя, что затем исследуется через танец». [64]
В 2012 году Крауч был приглашен голландской театральной компанией Kassys [65] для сотрудничества с Nature Theatre of Oklahoma] [66] и Николь Бойтлер [67] в Cadavre Exquis , проекте, вдохновленном сюрреалистической салонной игрой Exquisite Corpse . Cadavre Exquis — это стихотворение (или рисунок), написанное несколькими поэтами, не зная, что написали другие. «Первый писатель пишет строку стихотворения на листе бумаги. Затем он складывает бумагу таким образом, чтобы было видно только последнее слово. Второй писатель продолжает». [68] Правила, установленные для театрального проекта, были следующими: «Каждый режиссер делает часть, которая длится максимум 15 минут. В качестве отправной точки каждый режиссер видит только последние 60 секунд предыдущей части. Каждый режиссер приглашает одного исполнителя». [68] Крауч, который пригласил Ханну Рингхэм из АНГЛИИ в качестве своей исполнительницы, написал: «Cadavre Exquis усиливает процесс здесь и сейчас. Он бросает нас в объятия отклика, который кажется наиболее продуктивным способом работы. Проект также возвышает свою аудиторию, не контролируя себя полностью. Расчленяя традиционное единство намерения, создатели театра становятся такими же ассоциативными, как и зрители». [68]
Пьесы Крауча были переведены на многие другие языки, и их ставили в Италии, Франции, Португалии, Польше, Чехии, Германии, Бразилии, Канаде, Австралии, США и Южной Корее. Пьесы являются текстами, установленными в школах и театральных колледжах, и появляется новое поколение «Краучанских» экспериментальных театральных деятелей. Little Bulb и Made in China — две компании, которые ссылались на Крауча как на источник вдохновения. Крис Гуд и А. Смит, которые оба работали с Краучем, и Майкл Пинчбек также исследуют схожие области метатеатра . [69] [70] [71] [72] [73]
Крауч также иногда работает режиссером. Для Королевской шекспировской компании в Стратфорде он поставил постановки «Укрощение строптивой» в 2011 году, « Король Лир» и собственную пьесу «Я, Цинна (поэт)» в 2012 году. В феврале 2016 года он поставил пьесу Гэри Оуэна для детей « Джереми, Хартлби и Углмор » в театре «Юникорн» в Лондоне.
В 2016 году Крауч адаптировал и поставил The Complete Deaths от Spymonkey , в котором были сыграны все 75 сценических смертей в пьесах Шекспира. После предварительных показов в Royal & Derngate в Нортгемптоне, The Complete Deaths была впервые показана в мае в Theatre Royal Brighton в рамках фестиваля Brighton Festival . Рецензируя шоу в The Stage , Наташа Трипни написала: «Пара Spymonkey с режиссером Тимом Краучем оказалась вдохновенной. Шоу содержит моменты физического блеска, но также и некоторые не менее занимательные переосмысления приемов живого искусства... Лучшие моменты - это когда ему удается ощущаться и как шоу Spymonkey, и как постановка Тима Крауча одновременно, кровавый брак фарса и чего-то более проницательного в постановке смерти: угасание жизни и света. Но он никогда полностью не убирает язык со своей щеки; главная цель постановки - заставить зрителей смеяться, что ему часто и удается. Мы смеемся вместе с ними над смертью». [74]
В интервью Душке Радосавлевич Тим Крауч рассказал о значении «освобождения от ограничений» для его творческого процесса:
«Если у вас есть хорошее ограничение, это действительно легко: мне нужно сделать пьесу, в которой будет актер, не знающий пьесы, и внезапно начинают сыпаться идеи о приемах и моделях придания характера». [75]
Одной из повторяющихся черт творчества Крауча является создание неловких моментов для зрителей. В какой-то момент в My Arm рассказчик, описывая свое самое раннее воспоминание об упражнении силы воли, говорит: «В этот момент мы должны отправиться в великую тишину 1973 года». Крауч следует этому, удерживая «тишину гораздо дольше, чем это выносимо». [8] Аналогично, в какой-то момент в An Oak Tree Крауч оставляет второго актера одного на сцене на некомфортный промежуток времени. Беспокойство доведено до крайности в The Author , где зрителям предоставляется свобода уйти. В 2005 году Крауч сказал Herald Scotland : «Беспокойство — это не та эмоция, которую я часто испытываю в театре, и мне это нравится. Я бы предпочел получить эту внутреннюю реакцию на что-то, чем просто сидеть на сцене, которую делают люди, которые делают театр». [76]