Адриана Варежао (родилась в 1964 году, Рио-де-Жанейро ) — бразильская художница. Она работает в различных дисциплинах, включая живопись, рисунок, скульптуру, инсталляцию и фотографию. Она была художником-резидентом в Музее Изабеллы Стюарт Гарднер в 2004 году. [1] Варежао живет и работает в Рио-де-Жанейро. [2]
В 1980-х годах Варежао была студенткой инженерного факультета. Однако именно благодаря выступлению богемной художницы Элизабет Тейлор в фильме «Песочница» (1965) она решила также заняться карьерой в искусстве. Затем она бросила университет и добилась мирового признания как хорошо зарекомендовавшая себя современная художница. Варежао присваивает стилистические традиции, которые были привнесены в Бразилию после колониального столкновения. Поскольку Бразилия является одной из самых этнически разнообразных стран в мире, это, несомненно, повлияло на ее стиль как художника. За свою 30-летнюю карьеру Варежао создала ряд серий, которые представляют идентичность, культуру и расу, а также, как следствие, и построение ее собственной идентичности. Сейчас ее работы включены в многочисленные коллекции по всему миру, некоторые из которых — Музей Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке, галерея Тейт Модерн в Лондоне и Музей современного искусства Сан-Диего и другие. В своем интервью журналу Ocula Magazine в январе 2016 года она затронула тему искусства как способа существования в мире: «Это коллективный способ видения мира, а не индивидуальный. Это точка зрения, которая встроена в культуру. Она социологична». [3]
Варежао посещала Escola de Artes Visuais do Parque Lage с 1983 по 1985 год. В 1986 году она начала работать с масляной живописью, воссоздавая в густом импасто богато украшенные фрески в стиле барокко и религиозные реликвии церквей XVIII века в Ору-Прету, Минас-Жерайс, Бразилия. В 1992 году Варежао провела три месяца, путешествуя по Китаю, где она смогла изучить керамику династии Сун (960–1279 гг. н. э.) и классическую китайскую пейзажную живопись. Затем она начала понимать, как европейские повествования изменяют фрагменты истории, рассказанные посредством искусства, что ознаменовало начало серии подрывов известных образов, нарушенных кровавыми порезами и плотскими выдавливаниями. Ее работы этого периода демонстрируют насилие и эротизм бразильской истории в связи с антропофагией — ключевой концепцией бразильского модернизма, которая возрождает ритуалы народа тупи, превращая табу каннибализма в символический тотем культурного поглощения в постколониальной Бразилии.
В 1999 году она использует похожий подход, когда ее работы предполагают, что знакомые пространства преследуются жестокими призраками через отдельно стоящие скульптуры, которые представляют собой своего рода пространственную драму барокко. В 2001 году она продолжает тему скрытых тайн в серии « Сауны и бани» , где изразцовые интерьеры, расписанные сложными монохромными градациями, кажутся психологически заряженными. В этих сложных лабиринтах появляются лучи света из незаметного источника и следы человеческого тела в виде выбившихся волос или крови. В последние годы Варежао проявляет интерес к культуре доиспанской, колониальной и современной Мексики. В сентябре 2017 года выставка Queermuseu в Порту-Алегри, Бразилия, на которой были представлены такие работы, как «Cena de interior II» Адрианы Варежао, была преждевременно закрыта из-за консервативной реакции на работу Варежао, изображающую жестокую колониальную историю Бразилии, которая была неверно истолкована как пропагандирующая неподобающий контент, что привело к протестам и обвинениям в адрес художницы. [4] В январе 2017 года она посетила Музей Ампаро в Пуэбле, чтобы изучить местную полихромную керамику талавера и чолула . Ее последующее увлечение талаверой стало катализатором нового направления в ее картинах, в котором чистые формы и яркие оттенки абстракции с жесткими краями вступают в диалог с доиспанскими ремесленными предшественниками. Благодаря этому пересечению времени, культуры и места Варежао проливает свет на параллели между эстетическими системами и поднимает важные вопросы о жизни форм в искусстве. [5]
Однако художница стала популярной только в конце 1990-х годов благодаря своим провокационным картинам с элементами традиционной португальской керамической плитки, азулежу . Ее плиточные работы демонстрируют холодные прекрасные спа-обстановки, вызывающие ощущение трещин под прекрасной поверхностью. Она использует цвет и тень, чтобы создать намеки на скрытые тайны в своих работах, и это особенно распространено во многих ее творениях из плитки 2004 года. Тайна также, как правило, вызвана разногласием между названиями ее работ — A Diva (Дива), O Sedutor (Соблазнитель), O Obsceno (Непристойный) и O Obsessivo (Одержимый) — и минималистскими стилями, которые она использовала для этих произведений искусства. Работы Варежао можно найти на выставке Brazil - Body & Soul в Музее Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке, на персональных выставках в музеях по всему миру, включая галерею Виктории Миро в Лондоне, галерею Лемана Мопина в Нью-Йорке, Музей современного искусства Хара в Токио и музей Соледад Лоренцо в Мадриде. На данный момент несколько музеев представляют ее работы в своих долгосрочных и постоянных коллекциях, включая Музей Тейт в Лондоне, Музей Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке и Музей современного искусства в Сан-Диего. В 2008 году Centro de Arte Contemporaneo Inhotim в Бразилии создал постоянный павильон для демонстрации работ Варежао. [6]
Ссылки на последствия колониализма Бразилии Европой очевидны в ее работах, а также на историю искусств и иллюзию. [7] Ее работа намекает на расширение и трансформацию культурной идентичности, но продолжает использовать ее тему понимания прошлого, чтобы понять настоящее. [8] Ее художественный стиль наложения красок вызывает метафорический пересказ и переосмысление истории Бразилии по отношению к Португалии и Европе. [9]
Культурная антропофагия, или процесс поглощения и включения иностранного влияния в национальную бразильскую культуру, вдохновляет большую часть работ Варежао. [10] Это движение очевидно на протяжении всей истории Бразилии в настоящее время, и дихотомия разнообразия и единства является общей темой среди современных бразильских художников. [11] В работах Варежао она исследует эту тему в контексте расы, тела, идентичности и последствий колониализма . [12]
Опираясь на напряженность, окружающую расу и этническую принадлежность в Бразилии , Варежао использует инсталляцию, масляную живопись и рисунок, чтобы прокомментировать восприятие расы в Бразилии в двадцать первом веке. [13] Она часто начинает с холста, добавляя такие материалы, как фарфор и керамика. [14] В своей работе под названием Polvo, выставленной в Lehman Maupin в 2014 году, Варежао объединяет теорию цвета и casta (социальную теорию, которая повлияла на европейскую живопись завоевания Бразилии), чтобы исследовать норму определения расы с точки зрения цвета кожи. [15] Серия почти идентичных автопортретов, составляющих большую часть работы, была представлена с индивидуальными названиями [16] , которые объясняли единственные различия портретов: названия были созданы по результатам бразильской переписи 1976 года, в ходе которой бразильцев впервые попросили дать свои определения собственного тона кожи; ответы варьировались от branquinha, «белоснежный», до morenão, примерно «большой черный чувак». [17] В 2019 году Варежао создал фреску над входом Cores Polvo по заказу Sesc Guarulhos, которая перекликается с бразильской переписью населения 1976 года по вопросам расы и идентичности. [18]
Многие работы Варежао используют азулежу , традиционную португальскую голубую плитку и карты для комментирования колониального наследия в Бразилии. Использование азулежу в бразильском искусстве является как транскультурным, так и трансмедийным, напрямую связывая историческое колониальное влияние Португалии с аспектами современного бразильского общества. [19] Например, произведение Предложение о катехизисе: Часть I Диптих: Смерть и расчленение (1993) включает азулежу, чтобы вызвать антропофагию , стиль культурного каннибализма, который был основополагающим для бразильского модернистского движения. [20] Явные ссылки на художественные подходы к антропофагии изображены в сериях Языки и надрезы (1997-2003) и Руины вяленой говядины (2000-2004), среди прочих, которые привлекают внимание к языку как символу вкуса (каннибализма) и месту речи для критики колониальной истории. [21] Использование Варежао цветовых палитр телесных тонов и техники живописи с использованием фактурных изображений вызывает ассоциации с телом и следами исторического насилия на нем, даже если тело явно не изображено. [22]
Несколько скульптурных инсталляций Варежао, включая «Linda da Lapa», «Folds» и «Ruina de Charque - Nova Capela (Руины вяленой говядины в Нова Капела)» [23] сопоставляют структурную однородность и устойчивость против человеческого разрушения. [24] Эти произведения искусства состоят из разделенных пополам стен, покрытых азулежу, заполненных человеческими органами. Используя эти изображения, Варежао комментирует постколониальную бразильскую социальную структуру и подразумевает, что колониальный порядок построен на человеческом разрушении и насилии. [6] [25]
Варежао создал произведение искусства, которое украшало фасад Олимпийского водного стадиона — временного сооружения, в котором проводились соревнования по плаванию на летних Олимпийских играх 2016 года . [26]
Один из крупнейших проектов художницы на сегодняшний день недавно открылся в Inhotim Centro de Arte Contemporânea , Бразилия — специально заказанный павильон, спроектированный в сотрудничестве с архитектором Родригео Червино Лопесом. [27] Ее работы включены в многочисленные коллекции по всему миру, некоторые из которых включают Музей Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке, Tate Modern в Лондоне и Музей современного искусства Сан-Диего , среди прочих.
Varejão представлена в галерее Gagosian в США, галерее Victoria Miro в Великобритании и Fortes D'Aloia & Gabriel в Бразилии. Она установила рекорд аукциона для бразильского художника, продав картину Wall With Incisions a la Fontana за 1,8 миллиона долларов на Christie's в феврале 2011 года. [28]
Centro de Arte Contemporânea Inhotim в Бразилии открылся в 2008 году и включает в себя павильон, посвященный ее творчеству и построенный ее тогдашним мужем, коллекционером Бернардо Пасом. Она была включена в выставку «Бразилия: тело и душа» в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке в 2001 году, а также в выставку «Tempo» в MoMA QNS, где она заполнила целый зал настенной инсталляцией Azulejões (Большие синие плитки). Ее работы также были представлены на Венецианской биеннале и Сиднейской биеннале . У нее были персональные выставки в Lehmann Maupin (готовится в 2011 г., 2009 г., [29] 2003 г., 1999 г.) в Нью-Йорке, Soledad Lorenzo (готовится в 2011 г., 2002, 1998 г.) в Мадриде, галерее Victoria Miro (готовится в 2011 г., 2002 г.) в Лондоне, Galeria Fortes Vilaca (2009, 2005 г.) в Сан-Паулу, Музей современного искусства Хара (2007 г.) в Токио и Фонд Картье для современного искусства (2005 г.) в Париже.
{{cite web}}: CS1 maint: неподходящий URL ( ссылка )