«Болеро» — произведение французского композитора Мориса Равеля для большого оркестра 1928 года . Это одно из самых известных произведений Равеля. [2] Это также была одна из его последних завершенных работ до того, как болезнь лишила его способности писать музыку.
Создание произведения было инициировано комиссией танцовщицы Иды Рубинштейн , которая попросила у Равеля оркестровую транскрипцию шести пьес из набора фортепианных пьес Исаака Альбениса «Иберия» . Во время работы над транскрипцией Равелю сообщили, что испанский дирижер Энрике Фернандес Арбос уже оркестровал части, и что закон об авторском праве не допускает каких-либо других договоренностей. Когда Арбос услышал об этом, он сказал, что с радостью откажется от своих прав и позволит Равелю оркестровать пьесы. Но вместо этого Равель решил оркестровать одно из своих произведений, затем передумал и решил сочинить совершенно новое произведение на основе болеро , испанской танцевальной музыкальной формы. [3]
Во время отпуска в Сен-Жан-де-Люз Равель подошел к пианино и сыграл одним пальцем мелодию своему другу Гюставу Самазею , сказав: «Тебе не кажется, что эта тема имеет настойчивое качество? Я попробую. и повторяю это несколько раз без какого-либо развития, постепенно увеличивая оркестр, насколько могу». [3] Идрис Шах писал, что основная тема адаптирована из мелодии, сочиненной и используемой в суфийском обучении. [4]
Композиция имела сенсационный успех, когда ее премьера состоялась в Парижской опере 22 ноября 1928 года в хореографии Брониславы Нижинской , по эскизам и сценарию Александра Бенуа . Оркестром Оперы дирижировал Вальтер Страрам . Первоначально дирижировать весь балетный сезон должен был Эрнест Ансерме , но музыканты отказались играть под его руководством. [5] В программе премьеры был напечатан сценарий Рубинштейна и Нижинской: [5]
В таверне в Испании люди танцуют под медной лампой, свисающей с потолка. [В ответ] на аплодисменты о присоединении танцовщица прыгнула на длинный стол, и ее шаги становились все более и более оживленными.
Но у Равеля была другая концепция произведения: он предпочитал сценический дизайн под открытым небом с фабрикой на заднем плане, что отражало механическую природу музыки. [6]
«Болеро» стало самым известным произведением Равеля, к большому удивлению композитора, который предсказал, что большинство оркестров откажутся его исполнять. [2] Обычно его исполняют как чисто оркестровое произведение и лишь изредка ставят как балет. Согласно, возможно, апокрифической истории из премьерного спектакля, было слышно, как женщина кричала, что Равель сошла с ума. Говорят, что когда Равель рассказали об этом, она заметила, что она поняла эту пьесу. [7]
Произведение было впервые опубликовано парижской фирмой Дюран в 1929 году. Были сделаны аранжировки для фортепиано соло и фортепианного дуэта (два человека играют за одним фортепиано), а позже Равель аранжировал версию для двух фортепиано, опубликованную в 1930 году.
Первая запись была сделана Пьеро Копполой для Gramophone Company 13 января 1930 года. [8] Равель присутствовал на записи. [9] На следующий день он дирижировал оркестром Ламуре в своей собственной записи для Polydor . [10] В том же году дальнейшие записи были сделаны Сержем Кусевицким с Бостонским симфоническим оркестром и Виллемом Менгельбергом с оркестром Консертгебау . [11]
Дирижер Артуро Тосканини дал американскую премьеру « Болеро» в Нью-Йоркском филармоническом оркестре 14 ноября 1929 года. Спектакль имел большой успех, вызвав «крики и аплодисменты публики», согласно обзору New York Times , что побудило одного критика заявляют, что «именно Тосканини начал карьеру Болеро», а другой утверждает, что Тосканини превратил Равеля в «почти американского национального героя». [12]
4 мая 1930 года Тосканини исполнил это произведение с Нью-Йоркским филармоническим оркестром в Парижской опере в рамках европейского турне этого оркестра. Темп Тосканини был значительно быстрее, чем предпочитал Равель, и Равель выразил свое неодобрение, отказавшись реагировать на жест Тосканини во время оваций публики. [13] Между двумя мужчинами за кулисами после концерта произошла переписка. Согласно одному сообщению, Равель сказал: «Это слишком быстро», на что Тосканини ответил: «Вы ничего не знаете о своей музыке. Это единственный способ сохранить работу». [14] Согласно другому сообщению, Равель сказала: «Это не мой темп». Тосканини ответил: «Когда я играю в твоем темпе, это неэффективно», на что Равель ответил: «Тогда не играй». [15] Четыре месяца спустя Равель попытался сгладить отношения с Тосканини, отправив ему записку, в которой объяснял, что «я всегда чувствовал, что если композитор не принимает участия в исполнении произведения, он должен избегать оваций» и, десять дней спустя он пригласил Тосканини дирижировать премьерой своего фортепианного концерта для левой руки , но приглашение было отклонено. [16]
Дело Тосканини стало знаменитым событием и еще больше увеличило известность Болеро . [2] Другими факторами известности произведения были большое количество ранних исполнений, граммофонные пластинки, в том числе собственные Равеля, транскрипции и радиопередачи, а также фильм 1934 года « Болеро» с Джорджем Рафтом и Кэрол Ломбард в главных ролях, в котором музыка играет важную роль. роль. [2]
«Болеро» написано для большого оркестра в составе:
Инструментарий требует использования саксофона-сопранино в фа фа, которого никогда не существовало (современные сопранино находятся в ми ♭ ). На первом выступлении партии сопранино и сопрано-саксофона исполнялись на сопрано-саксофоне B ♭ , традиция, которая продолжается и по сей день. [17]
Болеро - «самое прямолинейное произведение Равеля на любом носителе». [6] Музыка до мажор .3
4время , начиная с пианиссимо и непрерывно возрастая в крещендо до возможного фортиссимо ( как можно громче). Он построен на неизменном ритме остинато , сыгранном 169 раз [18] на одном или нескольких малых барабанах , который остается постоянным на протяжении всего произведения:
Поверх этого ритма звучат две мелодии длиной 18 тактов каждая, каждая из которых исполняется поочередно дважды. Первая мелодия диатоническая , а вторая содержит больше джазовых элементов с синкопами и сглаженными нотами (технически это в основном фригийский лад ). Первая мелодия нисходит через одну октаву , вторая – через две октавы. Басовая партия и аккомпанемент изначально исполняются на струнах пиццикато , в основном с использованием элементарных тоник и доминантных нот. Напряжение создается за счет контраста между устойчивым ударным ритмом и «выразительной вокальной мелодией, пытающейся вырваться на свободу». [19] Интерес поддерживается постоянной оркестровкой темы, приводящей к разнообразию тембров , и устойчивому крещендо . Обе темы повторяются восемь раз. В кульминации первая тема повторяется девятый раз, затем вторая тема вступает во владение и ненадолго прерывается новой мелодией ми мажор , прежде чем, наконец, вернуться к тонической тональности до мажор.
Мелодия передается между разными инструментами: (1) флейта, (2) кларнет, (3) фагот, (4) E ♭ кларнет, (5) гобой д'амур, (6) труба и флейта (последняя не слышна отчетливо и в более высокой октаве, чем первая часть), (7) саксофон тенор, (8) саксофон сопрано, (9) валторна, пикколо и челеста; (10) гобой, английский рожок и кларнет; (11) тромбон, (12) некоторые духовые инструменты, (13) первые скрипки и некоторые духовые инструменты, (14) первая и вторая скрипки вместе с некоторыми духовыми инструментами, (15) скрипки и некоторые духовые инструменты, (16) ) некоторые инструменты оркестра и, наконец, (17) большинство, но не все инструменты оркестра (с большим барабаном, тарелками и там-тамом).
Хотя мелодия продолжает играться в ноте C, начиная с середины, другие инструменты удваивают ее в разных тональностях . Первое такое удвоение включает в себя валторну, играющую мелодию в тональности C, в то время как челеста удваивает ее на 2 и 3 октавы выше, а два пикколо играют мелодию в тональностях G и E соответственно. Это действует как усиление первого, второго, третьего и четвертого обертонов каждой ноты мелодии (хотя «соль мажор» имеет бемоль 2 цента , а «ми мажор» — диез 14 центов). Другое важное «удвоение тональности» включает в себя звучание мелодии на квинту выше или кварту ниже соль мажор. Помимо этих «удвоений тональностей», Равель просто гармонизирует мелодию диатоническими аккордами.
В следующей таблице показаны инструменты, играющие в каждой части произведения (по порядку): [20]
Аккомпанемент постепенно становится все плотнее и громче, пока в самом конце не заиграет весь оркестр. Незадолго до конца (репетиция номер 18 в партитуре) происходит внезапная смена тональности на ми мажор, но до мажор восстанавливается всего через восемь тактов. За шесть тактов до конца первый раз звучит большой барабан, тарелки и там-там, тромбоны играют хриплое глиссанди , а весь оркестр отбивает ритм, играемый на малом барабане с самого первого такта. Наконец, произведение спускается от диссонансного аккорда B ♭ минор над аккордом фа минор к аккорду до мажор.
Указание темпа в партитуре — Tempo di Bolero, moderato assai («темп болеро , очень умеренный»). В копии партитуры Равеля напечатанная отметка метронома 76 за четверть зачеркнута и заменена 66. [21] В более поздних изданиях партитуры предполагается темп 72. [21] Собственная запись Равеля с января 1930 года начинается примерно с 66 за четверть, позже немного замедляясь до 60–63. [9] Его общая продолжительность составляет 15 минут 50 секунд. [21] Первая запись Копполы, на которой присутствовал Равель, имеет аналогичную продолжительность — 15 минут 40 секунд. [21] Равель сказала в интервью The Daily Telegraph , что пьеса длится 17 минут. [22]
Среднее выступление длится около 15 минут, причем самые медленные записи, такие как запись соратника Равеля Педро де Фрейтаса Бранко , продолжаются намного дольше 18 минут [21] , а самые быстрые, такие как запись Леопольда Стоковского 1940 года с Всеамериканским молодежным оркестром. , приближается к 12 минутам. [23] В мае 1994 года во время гастролей Мюнхенской филармонии в Кельне дирижер Серджиу Челибидаке в возрасте 82 лет дал выступление, которое длилось 17 минут и 53 секунды, что, возможно, является рекордом в современную эпоху. [24]
На первой записи Копполы Равель решительно заявил, что предпочитает постоянный темп, критикуя дирижера за то, что он ускоряется в конце произведения. Согласно собственному отчету Копполы: [25]
Морис Равель... не доверял мне в «Болеро» . Он боялся, что мой средиземноморский темперамент возьмет верх и я тороплю темп. Я собрал оркестр в зале «Плейель», и Равель села рядом со мной. Все шло хорошо до финальной части, где я, невольно, на долю секунды увеличил темп. Равель вскочил, подошел и дернул меня за куртку: «Не так быстро», - воскликнул он, и нам пришлось начинать заново.
Предпочтение Равеля более медленному темпу подтверждается его недовольством игрой Тосканини, как сообщалось выше. Запись Тосканини 1939 года с Симфоническим оркестром NBC имеет продолжительность 13 минут 25 секунд. [12]
Равель был строгим критиком своего творчества. Во время сочинения « Болеро» он сказал Хоакину Нину , что в произведении «нет формы, собственно говоря, нет развития, нет или почти нет модуляции». [26] В интервью The Daily Telegraph 1931 года он говорил о работе следующим образом: [22]
Он представляет собой эксперимент в очень особом и ограниченном направлении, и его не следует подозревать в стремлении достичь чего-то отличного от того, чего он действительно достигает, или чего-то большего. Перед его первым исполнением я сделал предупреждение о том, что написанное мной произведение длится семнадцать минут и целиком состоит из «оркестровой ткани без музыки» — одного очень длинного, постепенного крещендо. Никаких контрастов и практически никакой выдумки, кроме замысла и способа исполнения.
В 1934 году в своей книге «Музыка Хо! Констан Ламберт писал: «Существует определенный предел продолжительности времени, в течение которого композитор может писать в одном танцевальном ритме (этот предел, очевидно, достигается Равелем к концу « Вальса» и к началу « Болеро »)» . [27]
Литературный критик Аллан Блум в своем бестселлере 1987 года « Закрытие американского разума» прокомментировал : «Молодые люди знают, что рок — это ритм полового акта . Вот почему «Болеро » Равеля — единственное произведение классической музыки, которое им широко известно и нравится. " [28]
В статье для The Cambridge Quarterly в 2011 году Майкл Лэнфорд написал: «На протяжении всей своей жизни Морис Равель был очарован актом творчества, описанным в « Философии композиции» Эдгара Аллана По ». Поскольку, по его словам, « Болеро» бросает вызов «традиционным методам музыкального анализа из-за своей мелодической, ритмической и гармонической повторяемости», он предлагает анализ, который «соответствует документированным размышлениям Равеля о творческом процессе и эстетическим принципам, изложенным в «Философии музыки» По» . Состав ." [29] Лэнфорд также утверждает, что «Болеро» , вполне возможно, было для Равеля глубоко личным произведением. В качестве доказательства Лэнфорд цитирует признание Равеля о том, что ритмы « Болеро» были вдохновлены машинами фабрики его отца, а мелодические материалы взяты из берсезе, которую мать Равеля пела ему по ночам. [30] Лэнфорд также предполагает, что Болеро пронизано трагедией, отмечая, что малый барабан «дегуманизирует один из наиболее чувственно коннотативных аспектов болеро», [31] «инструменты со способностью к мелодическому выражению имитируют механизмы» [32] ] и мелодия последовательно заканчивается нисходящим тетрахордом . [33]
Произведение привлекло новое внимание после того, как оно было заметно показано в романтической комедии 1979 года «10» с Дадли Муром и Бо Дереком в главных ролях . Это привело к массовым продажам, принесло гонорары примерно в 1 миллион долларов и на короткое время сделало Равеля самым продаваемым классическим композитором через 40 лет после его смерти. [34]
Пара танцев на льду Торвилл и Дин танцевала под шестиминутную версию произведения, выиграв золотую медаль в танцах на льду на зимних Олимпийских играх 1984 года , получив высшую оценку 6,0 за артистизм. [35]
Восьмиминутный короткометражный фильм Патриса Леконта «Le batter du Boléro» (1992) концентрируется на барабанщике, которого играет Жак Вильре , и проблемах его музыкальной партии. Фильм был показан вне конкурса на Каннском кинофестивале 1992 года . [36] [37]
Эта песня звучала во время церемонии зажжения факела Олимпийских игр 2020 года в Токио . [38]
Его использовала Камила Валиева в произвольной программе сезона 2021–22. [39]
Версия была записана с Фрэнком Заппой, дирижирующим духовым ансамблем биг-бэнда. [40]
Кодзи Кондо , композитор Nintendo , планировал использовать Болеро в качестве основной темы для первой видеоигры The Legend of Zelda , но незадолго до выпуска переработал ее в оригинальную пьесу из-за проблем с авторскими правами. [41]
Анжелика Киджо исполнила адаптацию Болеро из песни «Lon Lon» из своего альбома 2007 года «Djin Djin».
Авторские права на это произведение истекли 1 мая 2016 года для многих стран, но не для всего мира. [42]
Работа является общественным достоянием в Канаде, Китае, Японии, Новой Зеландии, Южной Африке и многих других странах, где срок авторского права составляет «Жизнь + 50 лет». Это также общественное достояние в Европейском Союзе (где срок жизни + 70 лет). В США «Болеро» остается под защитой авторских прав до 1 января 2025 года, поскольку оно было впервые опубликовано в 1929 году с предписанным уведомлением об авторских правах. [43] [ нужен лучший источник ] Последний оставшийся правообладатель, Эвелин Пен де Кастель, выдвинул ряд заявлений о том, что работа на самом деле была написана совместно с дизайнером Александром Бенуа. [44] В результате авторские права будут продлены до 2039 года. Иски неоднократно отклонялись французскими судами и обществом французских авторов SACEM .
СМИ, связанные с Болеро, на Викискладе?