Дэвид Милн (8 января 1882 г. – 26 декабря 1953 г.) был канадским художником, гравером и писателем. Он кардинально отличался от большинства своих современников в канадском искусстве, особенно от Тома Томсона и Группы семи . Его иногда называют Мастером отсутствия, и он известен своей способностью сводить картину к ее голым основам. [2]
Дэвид Милн родился недалеко от Пейсли [3] в 1882 году. Он был последним из 10 детей, рожденных в семье шотландских иммигрантов. Его раннее образование было в Пейсли, затем он окончил среднюю школу в Уокертоне ; он хорошо учился в школе и вскоре после ее окончания начал преподавать в сельской школе недалеко от Пейсли. В 1902 и 1903 годах он изучал искусство по переписке, в конечном итоге решив переехать в Нью-Йорк в 1903 году в возрасте 21 года. [4]
В Нью-Йорке он провел два года (и третий год в вечерней школе), обучаясь в Лиге студентов-художников . Он познакомился как с американским, так и с европейским импрессионизмом , постимпрессионизмом и фовизмом — современными подходами, которые помогли сформировать его собственный стиль. Значительной мерой этого раннего успеха стало его участие в двух важнейших выставках искусства Северной Америки начала XX века: знаменитой Armory Show в 1913 году (проходившей в Нью-Йорке, Бостоне и Чикаго), где он выставил пять картин, и Panama-Pacific International Exposition, проходившей в Сан-Франциско в 1915 году. [5] Его представляла галерея NE Montross (та же галерея выставляла «Восьмерку» или художников школы Ashcan ). [6]
В 1912 году он женился на Фрэнсис Мэй (известной как Пэтси), а позже они переехали в Бостон-Корнерс , небольшую деревушку, где Милн писал маслом и акварелью. [7] Милн покинул Бостон-Корнерс в 1917 году для прохождения базовой подготовки в Торонто для Первой мировой войны. Он был размещен в Квебеке, а затем находился на карантине в Англии в течение месяца, в течение которого Первая мировая война закончилась. Из-за его прошлого как художника, его попросили закончить картины и рисунки в качестве военного художника. Милн создал произведения искусства с изображением полей сражений во Франции и Бельгии, а также солдат в лагере Кинмел-Парк в Англии. [8]
В период с 1919 по 1929 год Милн жил в Бостон-Корнерс и прилегающих районах, сосредоточив свое художественное творчество на пейзаже. Зиму 1923–1924 годов он провел в Оттаве в надежде найти правительственное покровительство и должность. [9] За шесть месяцев, проведенных в городе, Милн создал несколько картин и акварелей. Шесть из его работ были куплены Национальной галереей Канады . Однако Милн не смог получить работу в федеральном правительстве и вернулся в Верхний штат Нью-Йорк. [10] В 1929 году Милн вернулся в Канаду, чтобы рисовать в Темагами , Уэстоне и Палгрейве . Он расстался со своей женой в 1933 году, переехал в Порт-Северн , Онтарио, и продал многие из своих картин известным покровителям искусства Винсенту Мэсси и Элис Мэсси . [11] В конце 1930-х годов Милн поселился в Аксбридже , Онтарио, с Кэтлин Пейви, медсестрой, и в 1941 году у них родился сын (тоже Дэвид). В последние годы своей жизни Милн снова работал с акварелью и сменил тему на более причудливые, фантастические и детские вдохновения. Он продолжал путешествовать в парк Алгонкин и озеро Баптист, чтобы рисовать канадские пейзажи. [12]
14 ноября 1952 года у Милна случился инсульт. В течение следующего года он продолжал страдать от небольших инсультов и умер в больнице в Банкрофте , Онтарио, 26 декабря 1953 года.
Дэвид Милн работал преимущественно масляной краской , акварелью и гравюрой сухой иглой . Как и Группа Семи , Милн в первую очередь выбирал пейзаж в качестве предмета своего творчества; однако его подход к этому предмету был значительно менее «импрессионистским», чем у Группы, и имел более «модернистское» настроение. Милн находился под влиянием отчасти европейских и американских модернистов, представленных в галерее Альфреда Стиглица , 291. [6] Он также заставил себя разработать свой собственный особый стиль, который был суровым, но красивым и очень выразительно реализованным.
Милн выбирал простые, обычные сюжеты, которые он наделял достоинством и значимостью. Его пейзажи и натюрморты демонстрируют декоративное чувство и текучесть прикосновения. Его частое использование черного цвета в своих картинах является характерной чертой. Часто один тип объекта, например деревья, изображался черным в одной части изображения и белым в другой, создавая интригующее внутреннее напряжение в работе. Для Милна белый был расширением палитры — способом выразить неподвижность пейзажа, который он рассматривал. Как в своей технике акварели, так и в технике масляной живописи Милн был экспериментальным в своем подходе. Он уделял особое внимание композиции, а также качествам линии, цвета и текстуры, которые раскрывались в его работе.
Джеймс Кларк, друг, сторонник и покровитель Милна, прислал ему офортный пресс, когда тот был в Бостон-Корнерс в 1926 году, и Милн смог поэкспериментировать с гравюрой новыми и необычными способами. Он разработал метод изготовления цветных сухих игл, печатая один цвет поверх другого с помощью разных пластин для каждого. Милн впервые попробовал офорт и сухую иглу, когда был студентом в Лиге студентов-художников, и его идея цветной сухой иглы была беспрецедентной, поскольку традиция заключалась в использовании только черного и белого цвета бумаги. Он думал о создании цветных сухих игл много лет назад, но у него не было оборудования для проведения своих экспериментов, поскольку техника гравюры требует металлических пластин, которые царапаются или протравливаются, затем покрываются чернилами, вытираются и, наконец, пропускаются через печатный пресс. [13] Милну потребовалось много месяцев, чтобы добиться редкого многослойного вида, который он представлял себе в своих гравюрах, но результаты были очень убедительными.
В последние годы Милн начал экспериментировать с содержанием, далеким от простых, хотя и весьма оригинальных, пейзажей, которые составляют большую часть его творчества. Хотя в молодые годы он исповедовал чистый эстетизм (настаивая на том, что содержание картины было лишь вторичным), он продолжал создавать ряд работ, которые предполагали аллегорическую интерпретацию. На холсте, оставленном на его мольберте в момент его смерти, была изображена группа ангелов, по-детски забавляющихся с косметикой, купленной у странствующего торговца.
Милн начал добиваться настоящего успеха после того, как в 1938 году его дилером стал Дуглас Дункан из Торонто. [14] Американский художественный критик Клемент Гринберг описал Милна как одного из трех величайших североамериканских художников своего поколения. Хотя в начале своей карьеры он был в тени «Группы семи», сейчас Милн признан одним из выдающихся художников Канады. После его смерти Национальная галерея Канады организовала ретроспективную выставку его работ (1955–56), а затем еще одна ретроспектива была показана в Торонто в Hart House в 1962 году. В 2005 году выставка акварелей Милна переехала из Британского музея в Метрополитен-музей в Нью-Йорке, а затем в Художественную галерею Онтарио . [15]
В 1952 году работы Милна вместе с работами Эмили Карр , Гудриджа Робертса и Альфреда Пеллана представляли Канаду на Венецианской биеннале . [16]
В июне 1992 года Canada Post выпустила почтовую марку «Красные настурции, Дэвид Б. Милн, 1937» в серии «Шедевры канадского искусства». Марка была разработана Пьером-Ивом Пеллетье по мотивам картины из Национальной галереи Канады, Оттава, Онтарио. [17]
На выставке его работ в лондонской картинной галерее Далвич в 2018 году критик Джонатан Джонс оценил его на одну звезду из пяти: «очень мало признаков развития... постыдно повторяющееся». [18] Художественный критик Марк Хадсон дал ему 4 звезды из 5 и написал: «Я бы предпочел иметь второстепенное искусство вроде этого, которое переносит вас туда, где вы никогда не были, и с очень личной точки зрения, чем большую часть повторяющихся, традиционно «сложных» работ, которые выдаются за основные в крупных галереях». [19] Флоренс Халлетт в статье для The Economist сказала: «Поразительно оригинальный канадец использовал краску экономно, но с драматическим эффектом». [20]
«...обычный способ — рисовать картину широко, массами, переходя к более детальной линии в последнюю очередь... [Мой} метод противоположен. Все линии сначала прорисовываются подробно...». [21]
На аукционе Cowley Abbott «Важная частная коллекция канадского искусства – Часть III», 6 декабря 2023 г., лот № 119 « Выход пруда» Милна, поздний вечер , 1926 г., холст, масло, 18,25 x 22 дюйма (46,4 x 55,9 см), оценка аукциона: 70 000,00–90 000,00 долл. США, продана за 528 000,00 долл. США. [22]
