Дэвид Клэймен (родился в 1961 году) — американский художник и ученый. Он известен визуально разнообразными картинами, которые сочетают техническое мастерство с постмодернистскими исследованиями процессов, посредством которых люди понимают и интерпретируют опыт. [1] [2] [3] Клэймен выставлялся в Соединенных Штатах, Европе и Азии, включая индивидуальные выставки в Музее современного искусства Чикаго (MCA), Художественном музее Чазена и Художественном музее Сидар-Рапидс , а также крупные групповые выставки в Метрополитен-музее , Художественном институте Чикаго , Музее современного искусства Сан-Диего , Художественном музее Индианаполиса и Художественном музее Крокера . [4] Его работы находятся в постоянных коллекциях Метрополитен-музея, [5] Музея современного искусства Лос-Анджелеса [6] и Музея американского искусства Уитни , [7] и других. [4] Клэймен прожил большую часть своей карьеры в Чикаго, в том числе более тридцати лет проработав преподавателем, в основном в Северо-Западном университете Индианы , где в 2018 году он был назначен деканом-основателем Школы искусств. [8]
Кламен создал несколько отдельных, продолжающихся работ, часто демонстрируемых в тандеме, которые варьируются от академического реалистического представления до абстракции в стиле оп-арта и искаженных перерисовок исторических шедевров искусства. [9] Критик Los Angeles Times Дэвид Пейджел писал, что выставка Кламена может показаться работой шести разных художников, но при этом демонстрировать четкую направленность и виртуозную живопись в созвездии стилей, тем и стратегий. [10] Он назвал Кламена «мастером двойного взгляда», использующим двусмысленность для создания эпистемологических сомнений и любопытства у зрителей. [10] Критики и кураторы, такие как Кэтрин Хиксон , отметили в его работе «колеблющиеся отношения» между романтическим и логическим, субъективным и объективным; [1] В результате они часто описывали его как чувственное, [11] ностальгическое и тоскливое, [12] или медитативное, мистическое и зловеще спокойное, [13] но также загадочное и задумчивое, [14] и сверхъестественное и сложное. [15]
Клэймен родился в 1961 году в Диксоне, штат Иллинойс , в Соединенных Штатах. [16] [17] Первоначально он изучал медицинскую иллюстрацию в Университете Иллинойса в Урбане-Шампейне (бакалавр изящных искусств, 1983), но переключился на изобразительное искусство и абстрактную живопись. [18] [19] Он вернулся к репрезентативной работе в Школе института искусств Чикаго (магистр изящных искусств, 1985), объединяя свое отношение к минимализму , навыки реалистической живописи и интересы к герменевтике и литературе, чтобы разработать свой фирменный стиль: темные, сильно лакированные картины маслом животных, пейзажей и интерьеров, выполненные с тщательным мастерством, такие как «Короли-рыцари» (1986) [20] или «Без названия» (1987, см. справа). [2] [21] [22]
Кламен привлек внимание мира искусства еще во время учебы в школе; [23] [24] он продавал работы, появлялся на престижных выставках в Музее искусств Индианаполиса (1984) и Чикагском институте искусств (1985) и обеспечил себе представительство в галерее Марианны Десон в Чикаго, где позже были распроданы его первые две персональные выставки. [4] [25] Вскоре после окончания учебы Кламен начал преподавать в Университете Вальпараисо , а затем в Северо-Западном университете Индианы, где он проработал более тридцати лет. В 1986 году он был выбран для выставки «Новое поколение от SAIC» в Музее современного искусства Чикаго и оказался в двухлетнем списке ожидания новых картин, каждая из которых занимала до двух месяцев, чтобы закончить ее в его лофте-студии в районе Пилсен в Чикаго . [13] [26] [27] В 1988 году он сохранил европейское представительство в галерее L'lsola в Риме и распродал свою первую выставку в день открытия. [25]
С 1991 года работы Клэймена выставлялись в галерее Ричарда Грея (Чикаго, а затем в Нью-Йорке), а также в галерее Haines (Сан-Франциско) и галерее Марка Мура (Лос-Анджелес). [27] [28] Среди известных групповых выставок, на которых были представлены его работы, можно назвать: «Mind and Beast» ( Музей искусств Ли Яуки Вудсона , 1993); [19] «Unpainted to the Last» (работы, созданные под влиянием «Моби Дика» , Художественный музей Спенсера , 1995–1996); «Art in Chicago: 1945–1995» (MCA Chicago, 1996); [2] и «(не)земные наслаждения» ( Музей штата Иллинойс , 1996). [29] Он получил рецензии во многих журналах [12] [14] [30] и газетах США и мира. [31] [32] [23] [33] [34]
Кламен женат на Дайанне Лобл, директоре Blue Fly Toy и бывшем директоре по дизайну в Hasbro Toy Group. [35] У него есть дочь, Амелия Кламен, которая изучает медицину в Медицинской школе Университета Уэйна.
Искусство Кламена может быть поразительно эклектичным, варьируясь от миниатюрного до монументального, от реалистичного до абстрактного, от медитативного до агрессивного. [36] [9] Оно объединено концептуально, а не визуально, его исследованием различных исторических методов создания смысла, таких как эмпиризм , память, абстрактные или рационализированные системы, такие как картографирование и цифровое кодирование, интроспекция и практики восточного просветления, такие как песнопения. [37] [3] Кламен объединяет самые разные влияния — художников-минималистов, таких как Дональд Джадд , Карл Андре и Уолтер Де Мария , литературные источники, такие как «Моби Дик» Мелвилла , [ 38] и семиотические теории Чарльза Сандерса Пирса . [2] [19] [39] Его работы можно разделить на пять часто пересекающихся направлений: 1) темно-лакированные картины; 2) многохолстовые инсталляции; 3) акварели; 4) «полосатые» картины; и 5) «Мета-картины» и «Ремиксы». [10]
В 1985 году Кламен начал создавать скрупулезные масляные изображения одиноких замороженных животных (на основе картин из музеев природы) и атмосферные, нуарные пейзажи, основанные на памяти, [40] которые он исследовал на предмет их метафорических качеств. [13] [14] [21] Он почти стер эти изображения слоем из двадцати слоев лака, [41] отделив их под непроницаемым, темным сепия-глянцем, как насекомых в янтаре. [42] [43] Это замедлило раскрытие работы, поскольку зрителям приходилось позволять своим глазам привыкать к трудночитаемым изображениям. [44] Он усложнял работу, накладывая символы, формы или линии (часто абсолютно белого цвета) на лакированную поверхность или необъяснимым образом оставляя ключевые области нелакированными — и, таким образом, сюрреалистически освещенными — создавая то, что критик Дональд Каспит назвал «зловещим, неразрешенным, сверхъестественным контрастом». [15] [12] [19] В начале 1990-х годов Кламен представил столь же завораживающие, строгие изображения архитектурных интерьеров — викторианских вестибюлей, залов и лестниц в музеях и университетах, [45] часто демонстрирующие отдельные, освещенные драгоценные объекты, — в таких работах, как «Без названия» (1993, см. слева), которые некоторые критики считали его самыми сильными на сегодняшний день. [46] [22] [47]
Критическая реакция часто была положительной и раздраженной. Джеймс Йуд воспринимал картины как головоломки, чьи слои дистанцирующих приемов и противоречивых изобразительных языков затемняли, подрывали и расширяли потенциал работы. [43] [29] Он и другие определили кластер интерпретационных возможностей: хвалебная песнь традициям старых мастеров, все еще актуальным; критическое «бальзамирование» живописи; и постмодернистская деконструкция культурных представлений о природе, истории, искусстве и опыте, а также традиционных изобразительных стратегий. [48] [12] [22] [49] Несогласные критики иногда выражали беспокойство по поводу технического мастерства Кламена. Энн Винс сравнивала картины с супермоделями: завораживающими «своей поверхностной грацией и красотой, своим сверхъестественным совершенством», но «возможно, слишком безупречными». [46] Алан Артнер признал способности Клэймена, но позже усомнился, не были ли его лакировка и нетрадиционные дополнения способами придания академическому реализму таинственности и постмодернистского значения. [11] [50]
_2016.jpg/1280px-David_Klamen_Untitled_(Daimoku_landscape)_2016.jpg)
В 1996 году Кламен представил связанную серию: его картины «Даймоку», в которых иллюзионистские изображения пейзажа озера Мичиган перекрывались маленькими повторяющимися белыми точками, каждая из которых была индексом или записью его прикосновения и символом одного, повторяющегося буддийского медитативного песнопения (« даймоку »). [51] [1] [37] В некоторых случаях точки образуют сетку или узор над пейзажем, как в «Без названия (пейзаж даймоку)» (2016); в других случаях они почти затеняют его, оставляя два изображения занимать плоскость изображения. [22] [10] Кламен стремился сделать так, чтобы эта работа «балансировала на грани» различных изобразительных языков, в данном случае семиотических режимов представления Пирса (иконических, индексальных и символических), одновременно исследуя живопись как процесс просветления или самопознания, родственный медитации. [37] [3] В 2002 году Кламен также расширил свой словарный запас, создав темные пейзажные рисунки, выполненные путем стирания на листе, полностью покрытом графитом. [52] [39]
В 1996 году Кламен начал выставлять салонные инсталляции из нескольких полотен, состоящие из двух десятков или более эклектичных картин, которые исследовали таксономию как метод, одновременно предоставляя новый способ выражения через интертекстуальность полотен. [53] [54] Отдельные картины — часто сильно поцарапанные, отшлифованные или перекрашенные, с фрагментами языка, неразборчивыми диаграммами, толстыми мазками краски или реалистично изображенными объектами — были основаны на небольших личных воспоминаниях, инцидентах или впечатлениях, которые Кламен чувствовал, что они не были достаточно полностью сформированы, чтобы считаться отдельными произведениями искусства. [3] Он обнаружил, что в совокупности они раскрывали сюрпризы и формировали целостности, которые Дэвид Пейджел описал как «многогранную, интимную панораму», в которой мечтательность, интуиция и мечтательность преобладали над рациональностью. [10] Другие критики отметили, что инсталляции раскрывали игровую сторону, ранее не замеченную в работах Кламена. [46] [54]
Акварельные картины Кламена (1997–) сочетали формат салонного стиля с его семиотическими интересами, исследуя иконическое представление (прежде всего) ландшафта и индексную запись как его действий, так и кровотечения его материалов. [55] [56] [57] Используя спонтанное течение краски и чернил с процессом «мокрый по мокрому», он создал несколько десятков картин размером с почтовую марку, похожих на тест Роршаха, каждая с двумя-тремя мазками или одной каплей, расположенных в салонном стиле на одном листе. [31] [10] Крошечные картины читаются как правдоподобные пейзажи и закаты, вызывая глубоко укоренившиеся воспоминания Кламена об озерах, небе и деревьях Среднего Запада, а также показывая, как повторение, привычка, а также коды и условности пейзажной живописи и идей природы могут формировать опыт зрителя. [39] [10] [56]
В акриловых картинах «Stripe» (1998– ) Кламен использовал оптическую стратегию наравне с перцептивными проблемами его лакированных картин, но на почти диаметрально противоположном визуальном языке. [58] [36] Он соединил два режима визуального кодирования — модернистское оп-арт и живопись цветового поля со штрих-кодами — в системе высококонтрастных, пульсирующих желтых и черных полос (фактически сканируемых для нахождения названий картин). [47] Полосы скрывают узнаваемые шедевры 18-го века, туристические виды и порнографические фотографии внутри них, создавая работы, которые колеблются между абстракцией и репрезентацией, а также сталкивающиеся культурные сигналы, такие как Learning Nature 2 (1998, выставлено в MCA Chicago, где воспроизводится « Ниагара » Фредерика Черча ). [39] [47] Критики разделились во мнениях по поводу них. Энн Вайнс обнаружила, что они соответствуют предыдущим работам Кламена в их дуэли визуальных стратегий и многослойных комментариев к истории, художественной традиции и визуальной обструкции. [36] Маргарет Хокинс назвала работу «шокирующей», отметив замедление раскрытия Кламена, чтобы показать форму изображений, но оплакивая «потерю красоты». [59]
_2015.jpg/1280px-David_Klamen_Untitled_(Multi-Canvas_Installation)_2015.jpg)
«Метакартины» и «Ремиксы» Кламена (2009–) представляют собой картины внутри картин: тщательно выполненные «переработки» шедевров художественного канона, изображенные на выставочных стенах (включая информационные теги), часто под косыми углами или в радикально искаженном виде. [60] [17] «Метакартины» позволяют себе вольности с цветом, масштабом, диапазоном значений и композицией, например, используя точку обзора для наложения диагоналей на плоские горизонтальные и вертикальные гармонии Мондриана , чтобы проблематизировать его абсолютистскую чистоту формы, или скрывая изображения Веласкеса или Рембрандта под слоями лака, которые сглаживают их в темные, чернильные прямоугольники в позолоченных рамах. [61] Работы еще больше усложняются сопоставлением иллюзорных теней на окрашенной стене с реальными тенями и множественными планами иллюзорного и реального пространства. [62] [61] В «Ремиксах» Кламен деформировал известные работы Моне , Пикассо , Сарджента и других, превращая их в резкие образы, которые визуально предполагают разжижение, а история искусств в состоянии потока, концептуально. [62] Кламен создал как отдельные картины, так и многохолстовые инсталляции в этой серии. «Без названия» (инсталляция «Мета-картина на нескольких холстах»), 2015, см. справа) состоит из 24 метакартин шедевров, в которых заметно выделяется синий цвет, которые создают то, что критик Лиза Уэйнрайт назвала «семиотическим натюрмортным исследованием» разрозненных мировоззрений, эстетики и пространственных иллюзий. [61] Она и другие критики отметили, что серия одновременно восхваляет и подвергает сомнению значение живописи, вовлекая зрителей с юмором, при этом выдвигая на первый план контекст и перспективу в отношении авторитета, подлинности, рыночной стоимости и интертекстуальных ассоциаций. [61] [62] [63]
Кламен проработал в академической среде более тридцати лет, преподавая живопись, рисунок, фундаментальную студию и теорию искусств, а также занимал различные административные должности. [26] Он начал работать в качестве внештатного профессора в Университете Вальпараисо в 1985 году, а затем осенью занял должность доцента с правом пожизненного найма в Северо-Западном университете Индианы (IUN). В последующие годы он был назначен доцентом (1992), профессором (1996) и профессором Высшей школы университета Индианы (1998). В 2012 году университет присвоил ему звание профессора канцлера, и он получил членство в Альянсе выдающихся и титулованных профессоров Университета Индианы. Он также занимал должность заместителя декана в Колледже искусств и наук и заведующего кафедрой изящных искусств. [64] В 2016 году Массачусетский университет в Дартмуте назначил его деканом Колледжа визуальных и исполнительских искусств и профессором изящных искусств и рассчитывал, что он переломит давнюю тенденцию к снижению приема в школу. [65] Ситуация изменилась в течение двух лет: количество поступивших на первый курс и переведенных студентов выросло на 58% и 22% соответственно, а новые программы и введение искусства социальной практики расширили предложения школы. [66] В 2018 году Кламен вернулся в Северо-Западный университет Индианы и был назначен деканом-основателем Школы искусств. [8]
Кламен часто читал лекции на такие темы, как художественные ярмарки, красота, коллекционирование произведений искусства, история художественных галерей в Чикаго и его собственные работы, среди прочего, в таких местах, как Школа института искусств Чикаго, Чикагский гуманитарный фестиваль , Art Chicago , MCA Chicago и многочисленные университеты. [67] [6]
Работы Клэмена находятся в многочисленных постоянных публичных коллекциях, включая коллекции Музея современного искусства Лос-Анджелеса [16] , Метрополитен-музея [5] , Музея изящных искусств Сан-Франциско , Музея искусств Чазена , Музея американского искусства Уитни [ 7] Музея современного искусства Чикаго [ 20] Музея современного искусства Сан-Франциско [68] [69] Художественного музея Краннерта , Музея штата Иллинойс , Национального музея современного искусства в Сеуле, Корея , Художественного музея Крокера, Художественного музея МакНей и Музея города Чикаго [70] и других. [4] [2] [6]