Композитор – это человек, который пишет музыку . [1] Этот термин особенно используется для обозначения композиторов западной классической музыки , [2] или тех, кто является композитором по профессии. [3] Многие композиторы являются или были также опытными музыкальными исполнителями.
Этот термин произошел от латинского слова compōnō; буквально «тот, кто собирает вместе». [4] Самое раннее использование этого термина в музыкальном контексте, данное Оксфордским словарем английского языка, взято из книги Томаса Морли «Простое и легкое введение в практическую музыку» 1597 года , где он говорит: «Некоторые [ sic ] будут хорошими декантерами [.. .] и все же будут плохими композиторами». [1]
«Композитор» — это расплывчатый термин, который обычно относится к любому человеку, пишущему музыку. [1] Точнее, его часто используют для обозначения людей, которые по профессии являются композиторами, [3] или тех, кто работает в традициях западной классической музыки . [2] Авторов исключительно или в первую очередь песен можно назвать композиторами, но с 20-го века чаще используются термины « автор песен » или « певец-автор песен », особенно в традициях популярной музыки . [5] В других контекстах термин «композитор» может относиться к писателю-литератору, [6] или, реже, к человеку, который объединяет произведения в единое целое. [7]
В разных культурах и традициях композиторы могут писать и передавать музыку разными способами. В большинстве популярных музыкальных произведений композитор пишет композицию , а затем она передается устно . И наоборот, в некоторых западных классических традициях музыка может быть сочинена на слух, то есть «в уме музыканта», а затем записана и передана через письменные документы . [8]
В развитии европейской классической музыки функция сочинения музыки первоначально не имела гораздо большего значения, чем функция ее исполнения. [ нужна цитата ] Сохранению отдельных композиций не уделялось огромного внимания, и музыканты обычно без колебаний модифицировали композиции для исполнения.
В западном мире, до романтического периода XIX века, сочинение почти всегда шло бок о бок с сочетанием пения, обучения и теоретизирования . [9]
Даже в традиционном западном произведении инструментальной музыки, в котором все мелодии , аккорды и басовые партии записаны в нотной записи, исполнитель имеет определенную свободу добавлять художественную интерпретацию к произведению, например, варьируя их артикуляция и фразировка , выбор продолжительности делать ферматы (удерживаемые ноты) или паузы, а также — в случае смычковых, деревянных духовых или духовых инструментов — решение, использовать ли выразительные эффекты, такие как вибрато или портаменто . Для певца или исполнителя инструментов процесс принятия решения о том, как исполнять музыку, которая была ранее сочинена и записана нотами, называется «интерпретацией». Интерпретации одного и того же музыкального произведения разными исполнителями могут сильно различаться в зависимости от выбранного темпа, стиля игры или пения, а также фразировки мелодий. Композиторы и авторы песен, представляющие свою музыку, интерпретируют точно так же, как и те, кто исполняет музыку других. Стандартный набор вариантов и техник, присутствующих в данное время и в данном месте, называется практикой исполнения , тогда как интерпретация обычно используется для обозначения индивидуального выбора исполнителя. [ нужна цитата ]
Хотя музыкальная композиция часто имеет одного автора, это не всегда так. У музыкального произведения может быть несколько композиторов, что часто происходит в популярной музыке, когда группа совместно пишет песню, или в музыкальном театре , где песни могут быть написаны одним человеком, оркестровкой частей аккомпанемента и написанием увертюры . выполняется оркестратором, а слова могут быть написаны третьим лицом.
Музыкальное произведение также может быть составлено с помощью слов, изображений или, в 20-м и 21-м веках, компьютерных программ, которые объясняют или записывают, как певец или музыкант должен создавать музыкальные звуки. Примеры этого варьируются от колокольчиков , звенящих на ветру, до авангардной музыки 20-го века, в которой используется графическая нотация , до текстовых композиций, таких как Aus den Sieben Tagen , до компьютерных программ, подбирающих звуки для музыкальных произведений. Музыка, в которой широко используются случайности и случайности, называется алеаторической музыкой и связана с современными композиторами, работавшими в 20-м веке, такими как Джон Кейдж , Мортон Фельдман и Витольд Лютославский .
Характер и способы индивидуальной вариации музыки разнообразны в зависимости от музыкальной культуры страны и времени ее написания. Например, музыка, сочиненная в эпоху барокко , особенно в медленных темпах, часто писалась по голым контурам, с расчетом на то, что исполнитель во время исполнения добавит к мелодической линии импровизированные украшения . Такая свобода, как правило, уменьшилась в более поздние эпохи, что коррелирует с более широким использованием композиторами более детальной партитуры в форме динамики, артикуляции и так далее; композиторы стали более четко выражать то, как они хотели бы, чтобы их музыка интерпретировалась, хотя то, насколько строго и подробно это диктуется, варьируется от одного композитора к другому. Из-за этой тенденции композиторов становиться все более конкретными и подробными в своих инструкциях исполнителю, в конечном итоге возникла культура, в которой верность письменному замыслу композитора стала высоко цениться (см., например, издание Urtext ). Эта музыкальная культура почти наверняка связана с высоким уважением (граничащим с почитанием), с которым часто пользуются исполнители к ведущим композиторам-классикам.
Исторически обоснованное исполнительское движение в некоторой степени возродило для исполнителя возможность серьезно разрабатывать музыку, указанную в партитуре, особенно музыку барокко и музыку раннего классического периода . Это движение можно рассматривать как способ добиться большей верности оригиналу в произведениях, написанных в то время, когда от исполнителей требовалась импровизация . В жанрах, отличных от классической музыки, исполнитель обычно имеет больше свободы; так, например, когда исполнитель западной популярной музыки создает «кавер» на более раннюю песню, мало кто ожидает точного воспроизведения оригинала; и точная верность не обязательно высоко ценится (за исключением, возможно, транскрипций известных гитарных соло «нота за нотой» ).
В западной художественной музыке композитор обычно оркеструет свои композиции, но в музыкальном театре и поп-музыке авторы песен могут нанять аранжировщика для оркестровки. В некоторых случаях автор поп-песен может вообще не использовать нотную запись, а вместо этого сочинять песню в уме, а затем воспроизводить или записывать ее по памяти. В джазе и популярной музыке известные записи влиятельных исполнителей имеют тот же вес, что и письменные партитуры в классической музыке. В изучении композиции традиционно преобладает изучение методов и практики западной классической музыки, но определение композиции достаточно широко для создания популярных и традиционных музыкальных песен и инструментальных произведений, а также включает спонтанно импровизированные произведения, такие как произведения свободной музыки . джазовые исполнители и африканские перкуссионисты, такие как барабанщики Эве .
В средние века большинство композиторов работали в католической церкви и сочиняли музыку для религиозных служб, например, простые мелодии. В эпоху музыки Возрождения композиторы обычно работали на аристократических работодателей. В то время как аристократы обычно требовали от композиторов создания значительного количества религиозной музыки, такой как мессы , композиторы также написали множество нерелигиозных песен на тему куртуазной любви : уважительной, почтительной любви великой женщины издалека. Куртуазные песни о любви были очень популярны в эпоху Возрождения. В эпоху музыки барокко многие композиторы работали у аристократов или в качестве церковных служащих. В классический период композиторы начали организовывать больше публичных концертов с целью получения прибыли, что помогло композиторам меньше зависеть от аристократической или церковной работы. Эта тенденция продолжилась и в эпоху романтической музыки 19 века. В 20 веке композиторы начали искать работу профессорами в университетах и консерваториях. В 20 веке композиторы также зарабатывали деньги на продаже своих произведений, например, на публикациях нот своих песен или произведений или в виде звукозаписей своих произведений.
.jpg/1280px-Julius_Giere_-_Clara_Wieck_im_Alter_von_15_Jahren_(Lithographie_1835).jpg)
В 1993 году американский музыковед Марсия Ситрон спросила: «Почему музыка, сочиненная женщинами, настолько маргинальна по сравнению со стандартным «классическим» репертуаром?» [10] Цитрон «исследует практики и взгляды, которые привели к исключению женщин-композиторов из принятого « канона » исполняемых музыкальных произведений». Она утверждает, что в 1800-х годах женщины-композиторы обычно писали авторские песни для исполнения на небольших концертах, а не симфонии, предназначенные для исполнения с оркестром в большом зале, причем последние произведения считались наиболее важным жанром для композиторов; поскольку женщины-композиторы написали не так много симфоний, их считали незаметными композиторами. [10]
По словам Эбби Филипс, «женщинам-музыкантам было очень трудно пробиться и получить заслуженное признание». [11] В эпоху Средневековья большая часть художественной музыки создавалась для литургических (религиозных) целей, и из-за взглядов религиозных лидеров на роль женщин, немногие женщины сочиняли этот тип музыки, включая монахиню Хильдегард . фон Бинген был среди исключений. В большинстве университетских учебников по истории музыки почти исключительно обсуждается роль композиторов-мужчин. Кроме того, очень немногие произведения женщин-композиторов входят в стандартный репертуар классической музыки. В «Краткой оксфордской истории музыки » « Клара Шуман [ так в оригинале ] — одна из единственных женщин-композиторов, упомянутых» [11] , но среди других известных женщин-композиторов периода общепринятой практики — Фанни Мендельсон и Сесиль Шаминад , и, возможно, самый влиятельный учитель музыки. Композитором середины 20 века была Надя Буланже . [ нужна цитация ] Филипс заявляет, что «[в] течение 20-го века женщины, которые сочиняли/играли, получали гораздо меньше внимания, чем их коллеги-мужчины». [11]
Сегодня к женщинам относятся более серьезно в сфере концертной музыки, хотя статистика признания, премий, трудоустройства и общих возможностей по-прежнему смещена в сторону мужчин. [12]
На протяжении всей истории известные композиторы имели тенденцию концентрироваться в определенных городах. На основе более чем 12 000 выдающихся композиторов, перечисленных в Grove Music Online , и с использованием методов подсчета слов можно количественно определить наиболее важные города для классической музыки. [13]
Париж во все времена был главным центром западной классической музыки. Он занимал пятое место в XV и XVI веках, но первое место в 17-20 веках включительно. Лондон был вторым по значимости городом: восьмым в 15 веке, седьмым в 16, пятым в 17, вторым в 18 и 19 веках и четвертым в 20 веке. Рим возглавлял рейтинг в 15 веке, опустился на второе место в 16 и 17 веках, восьмое в 18 веке, девятое в 19 веке, но снова на шестое в 20 веке. Берлин появился в первой десятке рейтинга только в 18 веке и занимал третье место по значимости города как в 19, так и в 20 веках. Нью-Йорк вошел в рейтинги в 19 веке (пятое место) и занял второе место в 20 веке. Модели очень схожи для выборки из 522 ведущих композиторов. [14]
Профессиональные композиторы-классики часто имеют опыт исполнения классической музыки в детстве и подростковом возрасте, либо в качестве певца в хоре , либо в качестве исполнителя в молодежном оркестре , либо в качестве исполнителя на сольном инструменте (например, фортепиано , органе или музыкальном инструменте ). скрипка ). Подростки, стремящиеся стать композиторами, могут продолжить свое высшее образование в различных учебных заведениях, включая колледжи, консерватории и университеты. Консерватории , которые являются стандартной системой музыкального обучения в таких странах, как Франция и Канада, предоставляют уроки и любительское оркестровое и хоровое пение для студентов-композиторов. Университеты предлагают ряд программ композиции, включая степени бакалавра, магистра музыки и доктора музыкальных искусств . Кроме того, существует множество других программ обучения, таких как летние классические лагеря и фестивали, которые дают студентам возможность получить рекомендации от композиторов.
Степени бакалавра композиции (называемые B.Mus. или BM) представляют собой четырехлетние программы, которые включают индивидуальные уроки композиции, любительский оркестровый / хоровой опыт, а также серию курсов по истории музыки, теории музыки и курсы гуманитарных наук (например, , английская литература), которые дают студенту более разностороннее образование. Обычно студенты-композиторы должны закончить важные произведения или песни до окончания учебы. Не все композиторы имеют степень бакалавра музыки. по составу; композиторы также могут иметь степень бакалавра музыки. по музыкальному исполнительству или теории музыки.
Степень магистра музыки (M.mus.) по композиции состоит из частных уроков с профессором композиции , опыта работы в ансамбле и аспирантуры по истории музыки и теории музыки, а также одного или двух концертов с участием произведений студентов-композиторов. Степень магистра музыки (называемая M.Mus. или MM) часто является обязательным минимальным дипломом для людей, которые хотят преподавать композицию в университете или консерватории. Композитор со степенью магистра музыки. мог бы быть адъюнкт-профессором или преподавателем в университете, но в 2010-х годах будет сложно получить постоянную должность профессора с этой степенью.
Чтобы стать штатным профессором, во многих университетах требуется докторская степень . По составу ключевой докторской степенью является степень доктора музыкальных искусств , а не доктора философии ; Доктор философии присуждается в области музыки, но обычно по таким предметам, как музыковедение и теория музыки .
Степени доктора музыкальных искусств (именуемые DMA, DMA, D.Mus.A. или A.Mus.D) по композиции дают возможность для углубленного обучения на самом высоком художественном и педагогическом уровне, обычно требуя дополнительных 54+ кредитных часов. за пределами степени магистра (что составляет около 30+ кредитов сверх степени бакалавра). По этой причине прием очень избирательный. Учащиеся должны представить примеры своих сочинений. Если таковые имеются, некоторые школы также принимают видео- или аудиозаписи исполнения произведений учащихся. Обязательны экзамены по истории музыки, теории музыки, тренировке слуха/диктанту и вступительный экзамен.
Студенты должны подготовить значительные композиции под руководством профессоров факультета композиции. Некоторые школы требуют, чтобы студенты-композиторы DMA представили концерты своих произведений, которые обычно исполняются певцами или музыкантами из школы. Завершение продвинутой курсовой работы и средний балл минимум B являются другими типичными требованиями программы DMA. Во время программы DMA студент-композитор может получить опыт преподавания студентам-музыкантам.
Некоторые композиторы не завершили программы композиции, но сосредоточили свои исследования на игре на голосе или инструменте или на теории музыки и развили свои композиторские навыки в течение карьеры в другой музыкальной профессии.
