Майкл Макс Эшер (15 июля 1943 г. – 15 октября 2012 г.) – американский художник-концептуалист , которого газета The New York Times описала как «одного из святых покровителей направления концептуального искусства, известного как институциональная критика , часто эзотерического анализа предположений, управляющих тем, как мы воспринимаем искусство». [1] Вместо того чтобы проектировать новые объекты искусства, Эшер обычно изменял существующую среду, перемещая или удаляя произведения искусства, стены, фасады и т. д.
Эшер также был высокоуважаемым профессором искусств, который провел десятилетия на факультете Калифорнийского института искусств . [2] Многие успешные художники упоминали его как важный источник влияния на их развитие, а британская журналистка Сара Торнтон описала преподавание Эшера как его «самую влиятельную» работу. [3]
Родившийся в Лос-Анджелесе , Калифорния, Эшер является сыном галериста Бетти Эшер и доктора Леонарда Эшера. [4] В старших классах школы одним из его одноклассников был будущий коллега, Том Андерсен . Он учился в Калифорнийском университете в Ирвайне , [5] где получил степень бакалавра в области изящных искусств в 1966 году. [6]
Он начал преподавать в Калифорнийском институте искусств в 1973 году [6] вместе с другими влиятельными художниками-профессорами, такими как Джон Балдессари , Джуди Чикаго и Аллан Капроу . [5] Его курс «пост-студийного искусства» состоял из интенсивных групповых критических анализов, которые могли быть сосредоточены на одной работе в течение восьми часов или более. Его «Сочинения 1973–1983 годов о работах 1969–1979 годов», написанные в соавторстве с историком искусства Бенджамином HD Бухло , были опубликованы издательством The Press of the Nova Scotia College of Art and Design.
Глава 2 книги « Семь дней в мире искусства » [3] Сары Торнтон посвящена курсу Эшера «Постстудио критика». Торнтон описывает «Крит» как «обряд посвящения» для студентов и как «самую влиятельную» работу художника — «институциональную критику, которая раскрывает ограничения остальной части учебной программы».
Находясь в отпуске по болезни в CalArts с 2008 года, [6] Эшер умер в воскресенье, 14 октября 2012 года после продолжительной болезни. Ему было 69 лет. [7] [8]
Работы Эшера принимают форму «тонких, но преднамеренных вмешательств — добавлений, изъятий или изменений — в определенные среды». [9] Его работы всегда были привязаны к определенному месту; они всегда были временными, и все, что было сделано или перемещено для них, было уничтожено или возвращено на место после выставок. [5]
Большая часть работ Эшера, особенно в 1970-х годах, была сосредоточена на специфических особенностях галереи как художественного пространства. Эшер рассматривал пространственные и кураторские решения галереи как свои собственные минималистские работы, концептуально сосредоточенные на восприятии зрителя.
Его работа в конце 1960-х и начале 1970-х годов состояла в разделении галерейных пространств с помощью перегородок и штор, а также в проектировании среды, которая отражала или поглощала звук. Для своей первой персональной выставки в Художественном музее Ла-Хойя Эшер установил тональный генератор в одной из стен галереи, который эффективно нейтрализовал все звуковые волны в комнате, создав мертвую зону в центре галереи. [10] В 1969 году для групповой выставки «Анти-иллюзия: процедуры/материалы» в Музее американского искусства Уитни он спрятал вентилятор над дверью, чтобы создать слой воздуха, через который проходили посетители, когда они переходили из одной галереи в другую. [5] В 1970-х годах он начал удалять элементы из пространств, например, с помощью пескоструйной обработки удаляя слои краски (в Галерее Тоселли, Милан, в 1973 году) или удаляя перегородки, разделяющие выставочное пространство от офиса галереи. Более драматично, в своей работе «Инсталляция» (1970) в колледже Помона он создал работу, переоборудовав внутреннее пространство галереи, а затем оставив галерею открытой, без двери, 24 часа в сутки, вводя свет и шум улицы в галерею как элементы опыта. [5] Для другой ранней работы в галерее Клэр Копли в Лос-Анджелесе в 1974 году он убрал важную стену, которая защищала офисное пространство от посторонних глаз, обрамляя закулисные деловые операции художественной галереи как нечто, достойное просмотра само по себе. [6] Дальнейшее исследование работы галереи как учреждения состоялось в 1977 году, когда он провел выставку в галереях Клэр Копли и Моргана Томаса. Выставка взяла на себя функцию транспозитора, помещая обоих владельцев галереи в пространство друг друга, демонстрируя их собственные уникальные кураторские выборы. [11] В 1979 году он начал переставлять объекты в музейных коллекциях. [9] Иногда Эшер собирает факты, например, список всех произведений искусства, которые когда-либо были изъяты Музеем современного искусства . [12] Для выставки в Музее искусств Санта-Моники в 2008 году он решил воссоздать все 44 стены с каркасом, которые были построены для каждой выставки с тех пор, как музей переехал на станцию Бергамот в мае 1998 года. Архитектурные планы этажей для этих 44 выставок, подписанные названием и датами каждой из них, выставлены в небольшой галерее у входа на выставку, давая ключ к тому, что посетители собираются увидеть. [13]
Его работа без названия 1991 года, представляющая собой функциональный, полированный гранитный питьевой фонтанчик, соседствующий с флагштоком, была его первой постоянной публичной работой на открытом воздухе в Соединенных Штатах. Часть коллекции Стюарта общественного искусства в кампусе Калифорнийского университета в Сан-Диего , этот питьевой фонтан является точной копией коммерческих металлических фонтанов, которые обычно встречаются в офисах и правительственных зданиях. Вместо своего обычного контекста в качестве внутренней офисной мебели, фонтан помещен как памятник на травяном острове в центре кампуса. [14] Он отмечает место как бывший лагерь Мэтьюз , военный учебный центр с 1917 по 1964 год. [15] Произведение было уничтожено вандалом с кувалдой 13 января 2015 года. [16]
Работы Эшера выставлялись на Documenta (1972, 1982), в MoMA (1979) и на Венецианской биеннале (1976), а его персональные музейные выставки проходили в Центре Помпиду (1991), Музее искусств округа Лос-Анджелес (2003), Институте искусств Чикаго (2005) и Музее искусств Санта-Моники (2008).
Эшер выиграл премию Bucksbaum Award 2010. В состав жюри вошли: Адам Д. Вайнберг , директор Whitney's Alice Pratt Brown; Донна Де Сальво, заместитель директора программ и главный куратор Whitney; кураторы 2010 года Франческо Бонами и Гэри Каррион-Мураяри; и три приглашенных члена жюри: Хоу Ханру ( Институт искусств Сан-Франциско ), Ясмил Рэймонд ( Фонд искусств Dia ) и Джеймс Рондо ( Институт искусств Чикаго ). Победитель получил 100 000 долларов и персональную выставку в Музее американского искусства Уитни. [17] Его проект для Биеннале Уитни 2010 года включал в себя работу музея 24 часа в сутки в течение одной недели (хотя музей сократил этот срок до трех дней из-за «бюджетных и кадровых ограничений»). [18]
В середине 1970-х годов, после спора с галерейным дилером Хайнером Фридрихом , Эшер решил использовать договорные соглашения, чтобы контролировать производство, распространение и право собственности на свои художественные проекты. [19] Используя контракт Сета Сигелауба и Роберта Проджански, The Artists Reserved Rights Transfer and Sale Agreement , в качестве модели, Эшер составил свой собственный контракт с помощью адвоката из Лос-Анджелеса Артура Алефа. [20]
Медиа, связанные с Майклом Эшером на Wikimedia Commons