Хорхе де ла Вега (27 марта 1930 — 26 августа 1971) — аргентинский художник, график, рисовальщик, певец и автор песен. [1]
Хотя де ла Вега изучал архитектуру в Буэнос-Айресе в течение шести лет, затем он стал самоучкой как художник. С 1961 по 1965 год он был членом художественного движения под названием Nueva Figuración . Во время своего участия в этом движении он стал членом группы Otra Figuración . В последние годы своей карьеры и жизни он писал и пел популярные песни протеста, которые выражали его юмористический взгляд на мир. Помимо музеев в Аргентине, его работы висят в Художественном музее Феникса , Музее современного искусства в Рио-де-Жанейро, Бразилия, и Художественном музее Америки в OAS в Вашингтоне, округ Колумбия .
Хорхе де ла Вега родился в Буэнос-Айресе, Аргентина, 27 марта 1930 года. Примерно с 1948 по 1952 год он изучал архитектуру в Университете Буэнос-Айреса, прежде чем уйти, чтобы заняться своей истинной страстью: искусством. Он начал создавать свое первое произведение искусства в середине 1940-х годов, а в 1950-х годах он создавал как репрезентативные, так и абстрактные геометрические картины. [2] В 1961 году он и три других аргентинских художника создали группу Otra Figuración, с которой он работал с 1961 по 1965 год. Он путешествовал по Европе с этой группой, где они были вдохновлены на создание новой формы искусства самостоятельно. Позже он самостоятельно отправился в Соединенные Штаты и находился под сильным влиянием движения поп-арт в Нью-Йорке. Во время своего пребывания в США он также работал в Корнеллском университете в качестве приглашенного профессора/художника. Вернувшись в Аргентину, он оставил изобразительное искусство и провел последние несколько лет своей жизни как популярный певец/автор текстов песен. Он умер в Буэнос-Айресе 26 августа 1971 года.
Как художника, де ла Вега лучше всего может быть описан в этой цитате его коллеги по Otra Figuración Луиса Фелипе Ноэ после смерти де ла Веги (как прощание с его близким другом):
Хорхе был художником, Хорхе пел, Хорхе был лириком абсурда и хаоса. Хаоса, который почти поглотил его в какой-то момент его жизни. Но с большим чувством юмора, с большим желанием здоровья, чистого воздуха, он преодолел это; он переосмыслил себя, с помощью своего постоянного метода переворачивания вещей. Он начал с переворачивания живописи, показывая свободу, которой обладали очень немногие. Если человек не делает то, что хочет в живописи, где он будет это делать? - сказал он мне однажды. Затем он нарисовал мир извращенных и перевернутых людей: мир очевидного потребительского общества. Своими глазами художника из слаборазвитой страны он посмотрел на самую развитую страну и жестоко просвечивал ее. Затем он пел о том, что все должно быть перевернуто с ног на голову. Он умер, когда начал осознавать, что то, что должно быть перевернуто, было гораздо больше, чем живопись, гораздо больше, чем он сам: все общество. [3]
Де ла Вега начал свое образование, изучая архитектуру в Университете Буэнос-Айреса в Буэнос-Айресе, Аргентина . Он учился там с 1948 по 1952 год, прежде чем решил заняться искусством, как художник-самоучка. Он исследовал множество стилей (включая геометрическую абстракцию и реализм, прежде чем присоединиться к группе Otra Figuración в начале 1960-х годов. Де ла Вега получил стипендию Фулбрайта для преподавания в Корнеллском университете в 1965 году и работал там в качестве приглашенного профессора и художника. [1]
В 1960-х годах де ла Вега был членом группы аргентинских художников Otra Figuración (другая фигурация), также называемой Nueva Figuración (новая фигурация). Группа была основана в 1961 году как реакция на доминирующую в тот период традицию аргентинской геометрической абстракции [2] и состояла из четырех человек: Хорхе де ла Вега, Луис Фелипе Ноэ , Ромуло Маччио и Эрнесто Диера. Художники преследовали множество общих целей, главной из которых было создание нового искусства, которое вернуло бы использование человеческой формы, не просто подражая старым стилям или не скатываясь в декоративные стили многих других абстрактных художников-неформалистов. Их использование фигуры позволило каждому из них выразить индивидуальные экзистенциальные тревоги по-своему. [4] Многие из их произведений искусства не только демонстрировали идеи из их личной психики, но также их политические взгляды и общую критику общества; «Таким образом, символ группы — кит — символизирует спонтанность, креативность и риск; иными словами, все качества, которые капитализм отнял у искусства». [2]
Первая групповая выставка художников под названием «Otra Figuración» прошла в галерее Peuser с 23 августа по 6 сентября 1961 года. На этой выставке они опубликовали публичное заявление, в котором говорилось: «Мы не движение, не группа и не школа. Мы просто несколько художников, которые чувствуют необходимость включить свободу фигуры в нашу собственную свободу выражения. И поскольку мы твердо верим в эту свободу, мы не хотим ограничивать ее какими-либо догматическими ограничениями, тем самым порабощая себя самими собой. Вот почему мы воздерживаемся от пролога. Однако есть причина для существования, художественная движущая сила, которая побудила нас провести эту выставку. Поскольку у этой художественной воли есть общий корень, она выражается индивидуально, поэтому каждый из нас будет исследовать себя в другом месте, и пусть выставка говорит сама за себя». [5]
В 1962 году художники вместе отправились в Европу и поселились в Париже . Здесь они планировали, как будут создавать новые формы искусства, и оказывали друг на друга творческое влияние в непосредственной близости: де ла Вега и Ноэ жили вместе, а Диера и Маччио делили студию. [6] В отличие от других художников движения фигуративизма в латиноамериканском искусстве того времени (например, Хосе Луис Куевас в Мексике), Otra Figuración хотели исследовать психологические, а не объективные условия при исследовании природы человечества. Они не считали себя просто наблюдателями зрелища мира, но активными участниками, веря, что «единственный способ отправиться в приключение — отправиться в приключение самого человека». [2]
Хотя группу часто называли «Nueva Figuración» (Новая фигурация), им это название не нравилось, и они предпочитали называться «Otra Figuración» (Другая фигурация). Разница может показаться тонкой, но они действительно не хотели, чтобы их ошибочно принимали за тех, кто просто возвращает старый стиль в новых работах. Луис Фелипе Ноэ лучше всего описал это в предисловии к каталогу выставки, сказав:
Когда я говорю otra figuración, я не имею в виду взаимную фигурацию. В наши дни лица людей ничем не отличаются от лиц их прадедов, но образ человека сегодня не тот же, что был вчера. В наше время человек не защищен своим собственным образом; он живет в постоянных экзистенциальных отношениях со своими собратьями и с вещами. Я думаю, что элемент отношений является существенным для идеи otra figuración. Вместо того, чтобы растворяться в ничто, вещи имеют тенденцию смешиваться. Я думаю о хаосе как о добродетели. В рамках этого хаоса фигура в моей работе не должна считаться ни случайной, ни случайной. Конечно, я считаю, что человеческая фигура заслуживает размышления, но я не одобряю возврат к образности. [5]
Как описывает здесь Ноэ, сами реальные цифры не изменились, но их образ никогда не перестает меняться. На цифру, как и всегда, нужно смотреть так, как никогда раньше, принимая во внимание постоянно меняющиеся социальные, экономические и политические контексты Аргентины и Латинской Америки в целом.
Краткий обзор различных стилистических этапов творчества де ла Веги на протяжении его карьеры (примеры картин см. ниже).
1946-1952. «Pinto sólo cuando tengo ganas. Utilizo modelo, que me gusta dejar en libertad, para sorprenderlo en su gesto menos forzado. Creo que, en pintura, el tema es sólo un pretexto para lo que uno quiere decir. (Я рисую только тогда, когда я Я использую модель, которую мне нравится освобождать, чтобы поймать его в его жесте без принуждения. Я считаю, что в живописи предмет — это только предлог для того, что вы хотите сказать.)» — Хорхе. де ла Вега. [7]
Эта фаза творчества де ла Веги была его первой. Она состояла из портретов, и именно тогда он (как художник-самоучка) впервые начал исследовать возможный стиль для себя после того, как оставил перспективную карьеру в архитектуре. Картины этого периода использовали приглушенные цвета и часто представляли собой крупные планы детальных человеческих лиц с очевидными эмоциями. Это резко контрастирует с его более поздними фигурами; красочными звероподобными существами и сатирическими изображениями поп-арта.
1953-1960. «Поко-а-поко, создав изображение каждого способа, а также большую геометрию, нужно было объяснить все изображения, связанные с реальным визуальным физиком, и найти новые моды отношений в владении цветами, текстурами и формами. ( Постепенно я структурировал изображение все более геометрическим образом, чтобы лишить свою работу всякого контакта с физической визуальной реальностью, стремясь найти новые способы отношений в области цветов, текстур и форм.)» - Хорхе де ла Вега. [7]
Эти картины очень характерны для движения геометрической абстракции, которое оказало большое влияние на латиноамериканское искусство того времени. Ничто в этой фазе не было слишком политическим или не делало никаких заявлений относительно взглядов де ла Веги (которые он позже выразил более ясно в других стилях).
1960-1962. «Нет точного йо quien introdujo figuras humanas en mi pintura; creo que fueron ellas mismas las que me utilizaron para inventarse; no fue una навязывание непроизвольного sino un encuentro natural y ahora no podría prescindir de ellas sin Sentir cercenada mi voluntad expresiva. не совсем я ввел в свою картину человеческие фигуры, я думаю, это они сами использовали меня для изобретения себя, это было не непроизвольное навязывание, а естественная встреча, и теперь я не мог обойтись без них, не чувствуя, что моя выразительная воля оборвана. )" - Хорхе де ла Вега. [7]
Эта фаза характеризует ранние годы работы де ла Веги с Луисом Фелипе Ноэ, Ромуло Маччио и Эрнесто Диерой (см. раздел Otra Figuración выше). Его картины этого времени были неформальными и красочными и чем-то напоминали наступившую вскоре фазу «bestario (бестиарий)», только без использования коллажа, ассамбляжа или фроттажа (стилей, включенных в следующую фазу).
1963-1966. «Quiero que mis obras choquen con el spectador con la misma intensidad con que chocan todas sus partes entre sí, por pequeñas que sean. Una ficha de nacar sobre una mancha. Un número junto a una piedra. Una bestia de oropel. Una quimera de гумо (Я хочу, чтобы мои работы сталкивались со зрителем с той же интенсивностью, с которой сталкиваются все части друг с другом, какими бы маленькими они ни были. Лист перламутра на пятне. Цифра рядом с камнем. Зверь из мишуры. Химера. курю.)" - Хорхе де ла Вега. [7]
Этот стиль характеризовался использованием нетрадиционных техник, таких как коллаж и ассамбляж, для создания «звериных» фигур, которые де ла Вега называл « Esquizobestias (шизобисты)» или « Conflíctos anamórficos (анаморфные конфликты)». Анаморфный в данном случае означает «что-то, что стало неузнаваемым из-за искажения, если не смотреть под определенным углом», и многие из этих бестиариев были именно такими. Де ла Вега хотел, чтобы просмотр этих искаженных картин был похож на то, что можно увидеть в кривом зеркале. [2] В этих картинах использовались склеенные, сложенные и натянутые ткани и холсты в сочетании с краской и небольшими предметами, иногда используемыми для создания эффекта фроттажа. [6] Эта техника позволила де ла Веге включить реальность в свои произведения искусства, в то же время в основном исследуя собственные фантазии. Он сказал об этом стиле (в каталоге премий Ди Телла 1963 года): «Я хочу, чтобы моя живопись была естественной, без ограничений или формул, импровизированной так же, как жизнь, развивающейся во всех местах и делающей то, что она хочет, даже если я этого не хочу». Его целью никогда не было рассказывать историю, используя эти реальные жизненные объекты как связь с реальностью, а скорее добавлять их в свое воображение. [6]
1966-1971. «Los cambios me movilizan. En Nueva York cambié la temática: adiós a las figuras mitológicas y búsqueda del hombre. Norteamérica es un mundo tan poderoso y Artificial que por контрасте el hombre adquiere облегчить. (Изменения трогают меня. В Нью-Йорке я изменил тема: прощание с мифологическими фигурами и поисками человека. Северная Америка — мощный и искусственный мир, в котором человек, по контрасту, обретает облегчение.)» — Хорхе де ла Вега. [7]
Переехав на несколько лет в США в середине 1960-х годов, де ла Вега оказался под сильным влиянием движения поп-арта в Нью-Йорке. В этой фазе он резко отклонился от своего обычного образного стиля и начал прикреплять лица с телевидения, газет, журналов, рекламы и других форм популярных медиа к «текуче деформированным телам, которые запутывались и переплетались». [5] Эта фаза по-настоящему показала чувство юмора де ла Веги, как комическую критику общества потребления.
В последние годы жизни де ла Вега стал популярным певцом/поэтом-песенником, отказавшись от изобразительного искусства. Два замечательных примера его работ в этот период жизни — «Proximidad (Близость)» и «El gusanito en persona (Маленький червяк собственной персоной)». Примечание редактора, предшествующее этим работам (опубликованным в Inverted Utopias), поясняет: «Этот документ и предыдущий представляют интерес не своей важностью как стихотворений, а тем, что они иллюстрируют один из творческих выходов, выбранных аргентинскими художниками, которые в конце 1960-х годов оставили живопись, чтобы обойти институционализацию искусства. К тому времени среда живописи не оправдала их ожиданий, и их аргументы достигли дна». [5]
«Быть рядом, быть рядом друг с другом, сближаться, держаться и обнимать друг друга, тереться друг о друга, обходить и смешиваться друг с другом, крепко держаться и прижиматься друг к другу, прижиматься друг к другу и обниматься, набирать воздух, приближаться и быть включенными, нагромождаться, обматываться и связываться вместе, обновляться, успокаиваться и сосуществовать вместе.
Давайте объединимся и унифицируемся, давайте объединимся и присоединимся, и сольемся воедино, давайте соберемся, свяжемся и соберемся, давайте объединимся и свяжемся, давайте примиримся и соединимся, приклеимся, сольемся и перемешаемся, давайте будем связаны, погружены и вставлены, переплетены, смешаны и переплетены.
Мой товарищ: мой спутник, последовательный, неразлучный, коварный, сбивающий с толку, приблизительный, сходящийся, сопоставленный и смежный, граничащий и присущий, инклюзивный, включенный и последующий: представьте, как много могли бы сделать люди, если бы словарь был менее навязчивым.
Буэнос-Айрес, 1968 г.
Тексты из «Проксимидада», представленные во время первого публичного выступления художника в качестве автора-певца в De la Vega expone canciones (Де ла Вега выставляет песни) в Galería Bonino, 1968. [5]
Маленький червячок уже некоторое время извивается, не обращая внимания на рисунок у своих ног, который медленно появляется в траве и выглядит точь-в-точь как маленький червяк, только внутри он внизу.
И вот в один прекрасный день ему так надоела эта загадка, что он начал ее тянуть и скатал лески в клубок, из которого он соткал на ткацком станке простой костюм.
Когда он предстает перед нами в таком виде, одетый как «он сам» и полный оптимизма, мы невольно задумываемся о том, что этот маленький червяк «в реальной жизни» отличается от почти всех остальных.
И вот что он хорошо усвоил: Перевернутый мир имеет смысл, Только если смотреть на него весь вместе и сразу и не распылять свою жизнь: часть comme il faut, часть вверх дном.
Буэнос-Айрес 1968.
Тексты из "El gusanito en persona", включенные в его пластинку Olympia Jorge de la Vega canta sus canciones, обложка которой украсила стены Galería Bonino во время ее презентации (Буэнос-Айрес, 16–31 октября 1968 г.). [5]
(Фаза формирования) Retrado de su papre , 1952, óleo s/ carton (картон, масло), 70 х 50 см. Сезар де ла Вега, бакалавр наук. Как.
(Фаза геометрии) Sin título , 1960, óleo s/tela (холст, масло), 100 х 100 см. Музей современного искусства, Bs. Как.
(Фаза Otra Figuración) El rescate , 1961, óleo s/tela (холст, масло), 195 x 129,5 см. Марта и Рамон де ла Вега, бакалавр наук. Как.
(Фаза Бестиарио) El día ilustrísimo , 1964, técnica mixta s/tela (холст, смешанная техника), 249,55 x 199,5 см. Марта и Рамон де ла Вега, бакалавр наук. Как.
(Поп-фаза) Rompecabezas , 1969/70, акрил с/тела (холст, акрил), 100 х 100 см, панель Cada (каждая панель). Тереза Завалия, Bs. Как. (3 панели), полковник Хорхе и Марион Хелфт, бакалавр наук. Как. (2 панели), Марта и Рамон де ла Вега, Bs. Как. (12 панелей).