Арт-рок — поджанр рок-музыки , который в целом отражает сложный или авангардный подход к року или использует модернистские , экспериментальные или нетрадиционные элементы. Арт-рок стремится поднять рок от развлечения до художественного заявления, [7] выбирая более экспериментальный и концептуальный взгляд на музыку. [3] Влияния могут быть получены из таких жанров, как экспериментальная музыка , авангардная музыка , классическая музыка и джаз . [1]
Арт-рок был создан с намерением слушать и размышлять, а не танцевать , [3] и часто отличается использованием электронных эффектов и легких для прослушивания текстур, далеких от движущих ритмов раннего рока. [7] Термин иногда может использоваться взаимозаменяемо с « прогрессивным роком », хотя последний вместо этого характеризуется, в частности, использованием классически обученной инструментальной техники и симфонических текстур.
Наибольшая популярность жанра пришлась на начало 1970-х годов благодаря британским артистам. Музыка, а также театральная природа представлений, связанных с жанром, были способны привлечь подростков и молодых людей, склонных к искусству, особенно благодаря своей виртуозности и музыкальной/лирической сложности. [3] Арт-рок больше всего ассоциируется с определенным периодом рок-музыки, начавшимся в 1966–67 годах и закончившимся приходом панк-рока в середине 1970-х годов. [8] После этого жанр был влит в более поздние популярные музыкальные жанры 1970–90-х годов. [3]
Критик Джон Роквелл говорит, что арт-рок является одним из самых широких и эклектичных жанров рока с его явным чувством творческой отстраненности, претензиями на классическую музыку и экспериментальными, авангардными наклонностями. [9] В рок-музыке 1970-х годов дескриптор «искусство» обычно понимался как «агрессивно авангардный» или «претенциозно прогрессивный». [10] «Арт-рок» часто используется как синоним прогрессивного рока . [11] [9] [1] [3] Исторически этот термин использовался для описания по крайней мере двух связанных, но различных типов рок-музыки. [12] Первый — прогрессивный рок, в то время как второе использование относится к группам, которые отвергли психоделию и контркультуру хиппи в пользу модернистского , авангардного подхода, определенного Velvet Underground . [12] Эссеист Эллен Уиллис сравнила эти два типа:
С начала шестидесятых ... в рок-н-ролле существовала контртрадиция, которая имела гораздо больше общего с высоким искусством, в частности, с авангардным искусством, чем разрекламированный синтез арт-рока [прогрессивный рок]; она включала в себя более или менее сознательное использование основных формальных канонов рок-н-ролла в качестве материала (так же, как поп-артисты использовали массовое искусство в целом) и уточнение, разработку, воспроизведение этого материала для создания ... рок-н-ролльного искусства. В то время как арт-рок неявно основывался на утверждении, что рок-н-ролл был или может быть таким же достойным, как и более устоявшиеся формы искусства, рок-н-ролльное искусство возникло из навязчивой приверженности языку рок-н-ролла и столь же навязчивого презрения к тем, кто отвергал этот язык или хотел его разбавить, сделать проще ... новая волна унаследовала контртрадицию. [13]
Арт-рок подчеркивает романтические и автономные традиции, в отличие от эстетики повседневности и одноразовости, воплощенной в арт-попе . [14] В книге Ларри Старра и Кристофера Уотермана «Американская популярная музыка» арт-рок определяется как «форма рок-музыки, которая смешала элементы рока и европейской классической музыки», приводя в качестве примеров английские рок-группы King Crimson , Emerson, Lake & Palmer и Pink Floyd . [15] К общим характеристикам относится ориентированная на альбомы музыка, разделенная на композиции, а не на песни, с обычно сложными и длинными инструментальными секциями и симфонической оркестровкой. [3] Его музыка традиционно использовалась в контексте концептуальных записей , а его лирические темы, как правило, были «образными» и политически ориентированными. [3]
Были выявлены различия между арт-роком и прогрессивным роком, при этом арт-рок подчеркивает авангардные или экспериментальные влияния и «новую звуковую структуру», в то время как прогрессивный рок характеризуется как делающий больший акцент на классически обученной инструментальной технике, литературном содержании и симфонических особенностях. [1] По сравнению с прогрессивным роком, арт-рок «более сложный, шумный и нетрадиционный» и «менее классически вдохновленный», с большим акцентом на авангардной музыке . [1] Сходство заключается в том, что они оба описывают в основном британскую попытку поднять рок-музыку на новый уровень художественной достоверности, [1] и стали инструментальным аналогом концептуальных альбомов и рок-опер , которые, как правило, были больше ориентированы на вокал. [16]
Арт-рок может также относиться как к классическому року, так и к слиянию прогрессивного рока и фолка . [3] В эссе Брюса Эдера «Ранняя история арт-рока/прог-рока» говорится, что « „прогрессивный рок“, также иногда называемый „арт-роком“ или „классическим роком “ » — это музыка, в которой «группы играют сюиты, а не песни; заимствуют риффы у Баха, Бетховена и Вагнера вместо Чака Берри и Бо Диддли ; и используют язык, более близкий к Уильяму Блейку или Т. С. Элиоту, чем к Карлу Перкинсу или Вилли Диксону ». [17]
В конце шестидесятых и начале семидесятых рок одновременно и вобрал в себя, и бросил вызов преобладающему взгляду на музыкальное искусство. Это очевидно в разнообразной музыке, включающей Pet Sounds Beach Boys и Sgt . Pepper the Beatles ; Freak Out Фрэнка Заппы ... рок -оперу Tommy the Who ; технологически продвинутый концептуальный альбом Dark Side of the Moon группы Pink Floyd ; и джаз/рок-фьюжн Майлза Дэвиса .
— Майкл Кэмпбелл , Популярная музыка в Америке , 2012 [11]
Границы между искусством и поп-музыкой становились все более размытыми на протяжении второй половины 20-го века. [18] Первое использование термина «арт-рок», согласно онлайн-словарю Merriam-Webster , произошло в 1968 году. [4] Поскольку доминирующий формат поп-музыки перешел от синглов к альбомам , [nb 1] многие рок-группы создавали произведения, которые стремились сделать грандиозные художественные заявления, в которых процветал арт-рок. [20] По мере своего развития в конце 1960-х годов — в тандеме с развитием прогрессивного рока — арт-рок приобрел известность наряду с экспериментальным роком. [21]
Самой ранней фигурой арт-рока считается музыкальный продюсер и автор песен Фил Спектор , который стал известен как автор благодаря своим постановкам Wall of Sound , которые стремились к «классической грандиозности». [22] По словам биографа Ричарда Уильямса : «[Спектор] создал новую концепцию: продюсер как общий директор творческого процесса, от начала до конца. Он взял под контроль все, он выбирал артистов, писал или выбирал материал, контролировал аранжировки, говорил певцам, как фразировать, руководил всеми фазами процесса записи с самым болезненным вниманием к деталям и выпускал результат на своем собственном лейбле». [23] Уильямс также говорит, что Спектор превратил рок-музыку из исполнительского искусства в искусство, которое могло существовать только в студии звукозаписи, что «проложило путь для арт-рока». [24]
Лидера Beach Boys Брайана Уилсона также называют одним из первых примеров продюсера авторской музыки. [25] [nb 2] Как и Спектор, Уилсон был известен как затворник, одержимый студией, который кропотливо создавал фантастические звуковые ландшафты с помощью своего мастерства в области звукозаписывающих технологий. [27] Биограф Питер Эймс Карлин писал, что Уилсон был предшественником «нового вида арт-рока, который сочетал бы трансцендентные возможности искусства с общедоступностью поп-музыки». [28] Опираясь на влияние работ Уилсона и работы продюсера The Beatles Джорджа Мартина , музыкальные продюсеры после середины 1960-х годов начали рассматривать студию звукозаписи как музыкальный инструмент, используемый для облегчения процесса сочинения. [25] Критик Стивен Холден говорит, что записи Beatles, Спектора и Уилсона середины 1960-х годов часто считаются началом арт-попа, который предшествовал «напыщенному, классически интонированному» арт-року, появившемуся в конце 1960-х годов. [20]
Многие из ведущих британских групп 1960-х годов, включая участников Beatles, Rolling Stones , Kinks , Who , 10cc , Move , Yardbirds и Pink Floyd, пришли в музыку через художественную школу . [29] [30] Это учреждение отличалось от своего американского аналога менее отраслевой программой обучения и своей направленностью на развитие эксцентричных талантов. [31] К середине 1960-х годов некоторые из этих коллективов исповедовали подход, основанный на искусстве и оригинальности, тогда как ранее они были поглощены исключительно аутентичной интерпретацией музыкальных стилей, заимствованных из США, таких как рок-н-ролл и R&B . [32]
По словам журналиста Ричарда Голдстейна , многие популярные музыканты из Калифорнии (вроде Уилсона) желали быть признанными как художники и боролись с этим стремлением. Голдстейн говорит, что грань между нарушением музыкальных условностей и созданием «по-настоящему популярной музыки» заставляла тех, у кого не было «достаточно сильного эго» (в отличие от Боба Дилана и The Beatles), «обрекаться на уважительное отторжение, а несколько альбомов с разочаровывающими продажами обычно означали тишину. ... Они жаждали славы, как могут только нуждающиеся люди, но они также хотели творить искусство, и когда оба этих импульса не могли быть достигнуты, они отскакивали в клубке неистовой растерянности». [33]
Автор Мэтью Баннистер прослеживает «более самосознательную, кэмповую эстетику арт-рока» до поп-артиста Энди Уорхола и Velvet Underground, которые подражали синтезу искусства/попа Уорхола. [34] Соответственно: «Уорхол развил сочетание Спектора: бестелесности, «дистанции» и утонченности высокой культуры с «непосредственностью» массовых культурных форм, таких как рок-н-ролл, на несколько этапов дальше... Но эстетика Уорхола была более тщательно проработана, чем эстетика Спектора, которая представляла собой переходную фазу между старомодным авторским кино и полностью постмодернистскими, отстраненными принципами поп-арта. ... Подход Уорхола отражается во всем арт-роке, наиболее очевидно в его позиции дистанции и отстраненности». [35] В 1969 году Doors также исследовали жанр арт-рока на своем четвертом альбоме The Soft Parade . [36]
Выпуск в декабре 1965 года альбома Beatles' Rubber Soul ознаменовал собой переломный момент для поп-альбома, [37] превратив его из сборника синглов с менее качественными треками в отдельную форму искусства, наполненную высококачественными оригинальными композициями. [38] Альбом принес Beatles признание как артистов со стороны американской прессы, [39] предвосхищая культурную легитимацию рок-музыки как формы искусства. [40] В 1968 году Джин Скулатти из Jazz & Pop назвал Rubber Soul «окончательным альбомом „рок как искусство“» и «необходимым прототипом», которому такие крупные исполнители, как Rolling Stones (с Aftermath ) и Beach Boys, чувствовали себя обязанными следовать. [41]
Период, когда рок-музыка стала наиболее тесно связана с искусством, начался в 1966 году и продолжался до середины 1970-х годов. [42] Академик Майкл Джонсон связывает «первые задокументированные моменты восхождения в рок-музыке» с альбомами Pet Sounds группы Beach Boys и Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) группы Beatles. Выпущенный в мае 1966 года, Pet Sounds появился из желания Уилсона сделать «полное заявление», как, по его мнению, ранее сделали Beatles с Rubber Soul . [43] [nb 3] В 1978 году биограф Дэвид Лиф написал, что альбом возвестил об арт-роке, [45] в то время как, по словам The New York Observer , « Pet Sounds доказал, что поп-группа может сделать произведение длиной в альбом, сопоставимое с величайшими долгоиграющими работами Бернстайна , Копленда , Айвза , Роджерса и Хаммерстайна ». [46] Pet Sounds также отмечен как первый концептуальный рок-альбом. [47] [48] [nb 4] В 1971 году журнал Cue описал Beach Boys как группу, находившуюся «в авангарде» в отношении арт-рока, среди многих других аспектов, связанных с контркультурой, в период до конца 1967 года. [49]
В энциклопедии «Музыка в американской жизни» Жаклин Эдмондсон 2013 года говорится, что, хотя ему предшествовали более ранние примеры, дебютный альбом Фрэнка Заппы и Mothers of Invention Freak Out! (июнь 1966 года) стал рассматриваться как «первое успешное включение арт-музыки в поп-контекст». С Лос-Анджелесом в качестве своей базы с начала 1960-х годов Заппа смог работать в среде, где студенческий радикализм был тесно связан с активной авангардной сценой, обстановка, которая поставила город впереди других контркультурных центров того времени и продолжала наполнять его музыку. [18] Писатель и пианист Майкл Кэмпбелл комментирует, что альбом «содержит длинный некатегориальный список влияний Заппы, от классических авангардных композиторов до малоизвестных фолк-музыкантов». [11]
Альбом The Beatles' Revolver (август 1966) продвинул перспективу альбома как искусства [50] и продолжил эволюцию поп-музыки. [51] Во главе с синглом в стиле арт-рок « Eleanor Rigby » [52] он расширил рамки жанра с точки зрения диапазона музыкальных стилей, которые включали индийскую, авангардную и классическую музыку, а также лирического содержания альбома [53], а также в его отходе от предыдущих представлений о мелодии и структуре в написании поп-песен. [54] Согласно Rolling Stone , « Revolver дал понять, что в популярной музыке теперь может быть реализовано все что угодно — любая тема, любая музыкальная идея». [55] Как и в случае с Rubber Soul , альбом вдохновил многих исполнителей прогрессивного рока 1970-х годов [56] , и каждая из его песен была признана предвосхищающей новый поджанр или стиль. [57]
Clash Music называет дебютный альбом Velvet Underground, выпущенный в марте 1967 года, The Velvet Underground & Nico «оригинальной записью арт-рока». [58] [nb 5] Баннистер пишет о Velvet Underground: «никакая другая группа не оказывала такого же влияния на умы артистов, писателей и слушателей арт-/альтернативного рока 1970-х/1980-х годов». [60] Их влияние будет проявляться с 1970-х годов на различных мировых инди- сценах, [60] [nb 6] и в 2006 году The Velvet Underground & Nico была включена в Национальный реестр звукозаписей Библиотеки Конгресса , который прокомментировал: «На протяжении десятилетий [они] бросали огромную тень почти на все поджанры авангардного рока , от арт-рока 70-х до ноу-вейва , новой волны и панка ». [61] Однако, когда Velvet Underground впервые появились в середине 1960-х, они столкнулись с неприятием и были обычно отвергнуты как «гомосексуальная» группа. [62] В 1982 году музыкант Брайан Ино заявил, что, хотя изначально The Velvet Underground & Nico продали всего 30 000 копий, «каждый, кто купил одну из этих 30 000 копий, создал группу». [63]
Пол Маккартни из The Beatles назвал Pet Sounds «записью того времени», и в июне 1967 года группа ответила своим собственным альбомом: Sgt. Pepper's , [64] [nb 7] на который также повлиял Freak Out! [65] AllMusic утверждает, что первая волна арт-рок-музыкантов была вдохновлена Sgt. Pepper's и считала, что для художественного роста рок-музыки они должны включать элементы европейской и классической музыки в жанр. [1] [nb 8] Многие британские группы расцвели на волне альбома; среди тех, кто указан в Music in American Life, есть Moody Blues , the Strawbs , Genesis и «в первую очередь» Pink Floyd. [67] [nb 9] Роджер Уотерс из группы позже заявил, что и Sgt. Pepper , и Pet Sounds «полностью изменили всё в записях» для него. [69]
Наибольшую популярность арт-рок приобрел в начале 1970-х годов благодаря британским исполнителям, включая King Crimson и Queen . [3]
В начале десятилетия Pink Floyd выпустили Atom Heart Mother , с 23-минутным заглавным треком, занявшим всю первую сторону пластинки. Этот эксперимент с соавтором Роном Гизином дал самую длинную непрерывную песню Pink Floyd на пластинке, сюиту, разделенную на шесть частей, что потребовало от группы временами использовать хор и духовую секцию во время гастролей. Альбом имел коммерческий успех, дав группе ее первый альбом номер один в Великобритании. Он ознаменовал сдвиг в их музыке от психоделических набегов их альбомов конца 60-х к периоду обновленного творчества в форме более продолжительной и прогрессивной рок-музыки.
Энтузиазм в отношении исследований арт-рока пошел на убыль в середине 1970-х годов. [11] С тех пор и до 1990-х годов арт-рок проникал в различные популярные музыкальные жанры. [3] Encyclopaedia Britannica утверждает, что тенденции этого жанра были продолжены некоторыми британскими и американскими исполнителями хард-рока и поп-рока , и что сотрудничество Брайана Ино с Дэвидом Боуи и Talking Heads в конце 1970-х и начале 1980-х годов является примером «успешного внедрения тенденций арт-рока в другие популярные музыкальные жанры». [3] Боуи и Ино сотрудничали над серией последовательных альбомов под названием « Berlin Trilogy », охарактеризованных Consequence of Sound как «арт-рок-трифекта» , которые отметили, что на момент их выпуска «экспериментальные записи не находили отклика у аудитории в том масштабе, к которому привык Боуи. ... Новая волна взорвалась, и на сцену вышло поколение потомков Боуи». [70]
В 1980-х годах новое поколение английских арт-рокеров заняло место групп 1970-х годов, таких как Roxy Music , [71] Yes , Genesis , Jethro Tull и Emerson, Lake & Palmer . Журналист Рой Тракин говорит: «Конечно, эти стойкие приверженцы все еще могут заполнять Madison Square Garden и продавать огромное количество записей, как они всегда делали, но их дни авантюрного риска и музыкальных инноваций давно прошли — их сменило самодовольное удовлетворение от коммерческого успеха». [72]
В начале 1980-х годов жанр арт-рока оказал влияние на зарождающиеся пост-панк и новую волну, поскольку группы включили экспериментальные и авангардные элементы, которые были отличительными чертами арт-рока. Такие группы, как Talking Heads и Roxy Music, использовали акцент арт-рока на художественном выражении и экспериментальном звучании, чтобы раздвинуть границы в популярной музыке. Примечательно, что использование Roxy Music синтезаторов и визуальной эстетики, навеянное арт-роком, стало центральным элементом их идентичности и вдохновило более поздние жанры, включая синти-поп и новую волну. [73]