.jpg/1280px-Italy-3104_-_Apollo_(5378415112).jpg)
Классическая скульптура (обычно с маленькой буквы «c») относится в целом к скульптуре Древней Греции и Древнего Рима , а также эллинизированных и романизированных цивилизаций, находящихся под их правлением или влиянием, примерно с 500 г. до н. э. до примерно 200 г. н. э. Это может также относиться более точно к периоду в древнегреческой скульптуре примерно с 500 г. до н. э. до начала эллинистического стиля около 323 г. до н. э., в этом случае обычно дается с большой буквы «C». [1] Термин «классический» также широко используется для стилистической тенденции в более поздней скульптуре, не ограничиваясь работами в неоклассическом или классическом стиле.
Главным предметом древнегреческой скульптуры с самых ранних дней была человеческая фигура, обычно мужская и обнаженная (или почти обнаженная). За исключением голов портретных скульптур, тела были в высшей степени идеализированы, но достигли беспрецедентной степени натурализма. В дополнение к отдельно стоящим статуям , термин классическая скульптура включает в себя рельефные работы, такие как фриз и метопы Парфенона .
Хотя создание крупных или монументальных скульптур почти прекратилось в раннем Средневековье и в византийском искусстве , оно значительно возродилось в эпоху итальянского Возрождения , когда были раскопаны образцы римской скульптуры, а классическая скульптура продолжала оказывать большое влияние, по крайней мере, до XIX века.
Существует несколько периодов:
Самой важной скульптурной формой архаического периода был курос (множественное число: kouroi ), стоящий обнаженный мужчина (см., например, Битон и Клеобис). Отражая египетское влияние, курос стоит прямо, его левая нога слегка выдвинута вперед, а руки по бокам. Хотя куросы были найдены на многих древнегреческих территориях, они были особенно заметны в Аттике и Беотии. [2] Преобладание их было найдено в святилищах Аполлона, более сотни из одного только святилища Аполлона Птоиона, Беотия. [3] Эти отдельно стоящие скульптуры обычно были мраморными, но форма также представлена в известняке, дереве, бронзе, слоновой кости и терракоте. Они, как правило, в натуральную величину, хотя ранние колоссальные образцы достигают 3 метров в высоту.
Архаичные греческие скульпторы, по-видимому, находились под влиянием египтян в стилистическом плане, хотя расхождения появились рано. В частности, мужские фигуры архаической Греции, как правило, изображались обнаженными, в то время как это было необычно во все периоды древнеегипетского искусства (за исключением случаев, когда изображались рабы или враги). Как и в египетском искусстве, женские персонажи всегда изображались одетыми; женская нагота не появлялась до гораздо более позднего времени. Поджатые и слегка приподнятые губы и пустой взгляд, определяемые как «архаическая улыбка», появляются во многих определяющих работах архаического периода.
В этот период более поздний акцент на натуралистической костной и мышечной анатомии еще не развился, что можно увидеть, наблюдая за такими деталями, как колени и другие критические суставы. Некоторые детали кажутся «вырезанными», а не полностью смоделированными, что является пережитком более древних традиций. Поскольку архаичный стиль постепенно трансформировался в то, что известно как классический стиль, можно заметить четкую прогрессию, демонстрирующую все больше технических знаний и навыков.
Классический период ознаменовался изменениями как в стиле, так и в функциях скульптуры. Позы стали более натуралистичными (см. « Возничий из Дельф» в качестве примера перехода к более натуралистической скульптуре), а техническое мастерство греческих скульпторов в изображении человеческой формы в различных позах значительно возросло. Примерно с 500 г. до н. э. статуи начали изображать реальных людей. Статуи Гармодия и Аристогитона были воздвигнуты в Афинах в честь убийства последнего тирана Писистратида , Гиппарха . Говорят, что они были первыми публичными памятниками, изображавшими реальных людей.
Когда греческие художники начали изучать движения и анатомию человека, они обнаружили, что у живых людей наблюдается тенденция к «смещению веса» или противопоставлению в положении стоя.
Первой греческой статуей, демонстрирующей контрапосто , является знаменитый мальчик Критиос, датируемый ок. 480 г. до н. э . Контрапосто вскоре стало определяющим элементом греческой скульптурной техники, достигнув кульминации в Каноне Поликлета. Канон — это теоретическая работа, в которой обсуждаются идеальные математические пропорции для частей человеческого тела и предлагается для скульптуры человеческой фигуры динамический противовес — между расслабленными и напряженными частями тела и между направлениями, в которых движутся части. Поликлет стремился доказать точность своих расчетов, реализовав свои правила в статуе, просто названной: Канон. [4] Хотя сама статуя утеряна для истории, ее принципы проявляются в Дорифоре («копьеносце»), который принял чрезвычайно динамичный и сложный контрапосто в своем перекрестном равновесии жестких и свободных конечностей.
Греческие храмы были специально сделаны, чтобы соответствовать большим культовым статуям. Они верили, что размещение святилищ вокруг мест, которые считались святыми, угодит богам. В классический период скульпторы создавали не только работы для храмов, но и погребальные статуи, чтобы выразить дань уважения умершим близким. Скульптуры часто изображали умершего человека в расслабленной позе. Успешные спортсмены и богатые семьи заказывали статуи себя для храмов, чтобы проявить уважение к богам. В V веке до н. э. стали популярны портреты и появились бюсты с изображением полководцев, философов и политических лидеров.
Высокое качество греческих работ привлекло интерес итальянцев и оказало большое влияние как на этрусское, так и позднее на римское искусство. Энтузиазм, с которым Рим приветствовал греческое искусство, оказался важным не только из-за передачи классического греческого стиля, но и потому, что большинство сохранившихся классических греческих работ сохранились в основном в виде римских мраморных копий греческих бронзовых оригиналов. Поскольку бронза всегда была ценным металлом, большинство оригиналов, вероятно, были давно переплавлены, а немногие подлинные уцелевшие экземпляры были найдены в основном в контексте кораблекрушений.
Однако греки вырезали мрамор, и сохранилось несколько классических греческих мраморов; знаменитые мраморы Парфенона (также известные как мраморы Элгина) простояли на месте до начала 19 века. Фактически, многие из сохранившихся классических греческих мраморов происходят из архитектурного контекста.
Переход от классического к эллинистическому периоду произошел в IV веке до н. э. Скульптура становилась все более и более натуралистической. Простые люди, женщины, дети, животные и домашние сцены стали приемлемыми объектами для скульптуры, которую заказывали богатые семьи для украшения своих домов и садов. Создавались реалистичные портреты мужчин и женщин всех возрастов, и скульпторы больше не чувствовали себя обязанными изображать людей как идеалы красоты или физического совершенства. Большинство греческих мужчин были изваяны стоящими, с бедрами слегка в сторону. Когда люди стоят таким образом, они задействуют больше мышц.
Изучение римской скульптуры осложняется ее связью с греческой скульптурой . Многие примеры даже самых известных греческих скульптур, таких как Аполлон Бельведерский и Фавн Барберини , известны только по римским императорским или эллинистическим «копиям». Одно время историки искусства считали это подражание признаком узости римского художественного воображения, но в конце 20 века римское искусство начало переоцениваться на его собственных условиях: некоторые впечатления о природе греческой скульптуры могут быть фактически основаны на римском искусстве.
Сильные стороны римской скульптуры — портретная живопись, где они были менее озабочены идеалом, чем греки или древние египтяне, и создавали очень характерные работы, а также повествовательные рельефные сцены. Образцы римской скульптуры сохранились в изобилии, в отличие от римской живописи, которая была очень широко распространена, но почти вся была утрачена. Латинские и некоторые греческие авторы , в частности Плиний Старший в книге 34 своей «Естественной истории» , описывают статуи, и некоторые из этих описаний соответствуют сохранившимся работам. Хотя большая часть римской скульптуры, особенно из камня, сохранилась более или менее нетронутой, она часто повреждена или фрагментирована; бронзовые статуи в натуральную величину встречаются гораздо реже, поскольку большинство из них были переработаны для получения металла. [5]
Большинство статуй на самом деле были гораздо более реалистичными и часто ярко окрашенными, когда создавались изначально; необработанные каменные поверхности, которые можно увидеть сегодня, являются следствием утраты пигмента на протяжении столетий. [6]
Портретная живопись является доминирующим жанром римской скульптуры, возможно, возникшим из традиционного римского акцента на семье и предках; в вестибюле ( атриуме ) римского элитного дома демонстрировались портретные бюсты предков . Во времена Римской республики считалось признаком характера не скрывать физические недостатки и изображать мужчин, в частности, грубыми и не озабоченными тщеславием: портрет был картой опыта. В эпоху империи более идеализированные статуи римских императоров стали повсеместными, особенно в связи с государственной религией Рима . Надгробия даже скромного богатого среднего класса иногда демонстрируют портреты иначе неизвестных усопших, вырезанные в виде рельефа .
Древние статуи и барельефы сохранились, показывая голую поверхность материала, из которого они сделаны, и люди обычно ассоциируют классическое искусство с белой мраморной скульптурой. Но есть свидетельства того, что многие статуи были окрашены в яркие цвета. [7] Большая часть цвета со временем выветрилась. Небольшие остатки также были удалены во время очистки. Однако в некоторых случаях оставались небольшие следы, которые можно было идентифицировать. [7] [8] Передвижная выставка из 20 цветных копий греческих и римских работ, наряду с 35 оригинальными статуями и рельефами, проводилась в Европе и Соединенных Штатах в 2007–2008 годах под названием « Боги в цвете: расписная скульптура классической античности» . [9] Детали, такие как то, была ли краска нанесена в один или два слоя, насколько тонко были измельчены пигменты или какое именно связующее средство использовалось в каждом случае — все элементы, которые могли повлиять на внешний вид готового изделия, — неизвестны.
Греко-римская скульптура оказала глубокое влияние на западное искусство. С ее помощью греко-римский стиль установил возможность и потенциал реализма в искусстве. Благодаря относительной долговечности скульптуры ей удалось выжить и продолжать влиять и информировать художников в различных культурах и эпохах, от Европы до Азии, а сегодня и во всем мире.
В то время как классическое искусство постепенно пришло в немилость в Европе после падения Западной Римской империи, его повторное открытие в период раннего итальянского Возрождения оказалось решающим. Одним из важнейших скульпторов классического возрождения был Донателло . Многие другие скульпторы, такие как Микеланджело, также создавали работы, которые можно считать классическими. Современный классицизм во многом контрастировал с классической скульптурой 19-го века, которая характеризовалась приверженностью натурализму ( Антуан-Луи Бари ) - мелодраматической ( Франсуа Рюд ) сентиментальностью ( Жан-Батист Карпо ) - или своего рода величественной грандиозностью ( Лорд Лейтон ). На рубеже веков было принято несколько различных направлений в классической традиции, но изучение живой модели и постренессансной традиции по-прежнему было для них основополагающим.
_-_Arte_Ellenistica_Greca_-_Copia_Romana_-_Photo_Paolo_Villa_FO232046_ombre_gimp_bis.jpg/1280px-thumbnail.jpg)