Макет сцены Чекетти- Макет сцены RAD
- Ваганова сцена макет
Классический балет — это любой из традиционных, формальных стилей балета , который использует исключительно классическую балетную технику . Он известен своей эстетикой и строгой техникой (например, работа на пуантах , выворот ног и высокие вытяжения), своими плавными, точными движениями и своими воздушными качествами.
Существуют стилистические вариации, связанные с областью или происхождением, которые обозначаются такими классификациями, как русский балет , французский балет , британский балет и итальянский балет . Например, русский балет отличается высокими экстензиями и динамичными поворотами, тогда как итальянский балет, как правило, более приземлен, с акцентом на быструю, сложную работу ног. Многие из стилистических вариаций связаны с определенными методами обучения, которые были названы в честь их создателей. Несмотря на эти вариации, исполнение и словарь классического балета в значительной степени единообразны во всем мире.
Балет зародился при итальянских дворах эпохи Возрождения и был привезен во Францию Екатериной Медичи в XVI веке. [1] На заре балета придворные балеты исполнялись любителями из числа аристократов, а не профессиональными танцорами. [1] Большинство ранних движений балета произошли от светских придворных танцев и в основном представляли собой сценические узоры, а не формальную балетную технику.
В XVII веке, по мере роста популярности балета во Франции, балет начал постепенно превращаться в профессиональное искусство. Его больше не исполняли любители, но вместо этого балетные постановки начали включать сложные акробатические движения, которые могли исполнять только высококвалифицированные уличные артисты. [1] В ответ на это в 1661 году король Людовик XIV основал первую в мире балетную школу, Académie Royale de Danse . [1] Целью Академии было улучшить качество обучения танцам во Франции и изобрести методику или учебную программу, которые можно было бы использовать для превращения балета в формальную дисциплину. Вскоре после основания Академии, в 1672 году, король Людовик XIV основал исполнительскую компанию под названием Academie Royal de Musique de Dance (сегодня известную как Парижская опера) и назначил Пьера Бошана главным учителем танцев. [1] Во время учебы в Королевской академии Бошан произвел революцию в технике балета, изобретя пять позиций (первую, вторую, третью, четвертую и пятую) балета, которые и по сей день остаются основой всей формальной классической техники балета. [1]
До того, как классический балет развился, балет находился в периоде, называемом эпохой романтизма. Романтический балет был известен своим повествованием и часто имел более мягкую эстетику. Классический балет появился, когда балетмейстер по имени Мариус Петипа (который считается одним из величайших хореографов всех времен) взял романтический балет и соединил его с различными аспектами русской балетной техники (поскольку Петипа когда-то был хореографом и балетмейстером в Мариинском балете ). Элементы, взятые из этих вещей, включают повествование, найденное в романтическом балете, и атлетизм русской техники. Таким образом, началась новая эра балета, которая позже стала известна как классическая эпоха. [2] Несмотря на то, что он был ответственен за введение эпохи классического балета, Петипа также был ответственным за хореографию известных романтических балетов, таких как «Жизель» .
В классическую эпоху Мариус Петипа в значительной степени отвечал за создание хореографических структур, которые до сих пор используются в балетах. Во-первых, Петипа был первым, кто использовал grand pas de deux в своей хореографии. Кроме того, он закрепил использование кордебалета как стандартной части балета. Несмотря на то, что он был провозвестником классической эпохи, эти элементы можно увидеть и в его романтических балетах.
Техника балета — это основополагающие принципы движения тела и формы, используемые в балете. [3] Отличительной чертой техники балета является выворотность ; то есть вращение ног и ступней наружу, исходящее от бедра. Впервые это было введено в балет королем Людовиком XIV, потому что он любил демонстрировать блестящие пряжки на своих туфлях, когда исполнял свои собственные танцы. Существует пять основных позиций ног в балете , все они выполняются с выворотностью и называются по порядку как позиции с первой по пятую . Выполняя прыжки и скачки, танцоры классического балета стремятся демонстрировать баллон , видимость кратковременного парения в воздухе. Техника пуантов — это часть техники балета, которая касается работы на пуантах , при которой танцор балета поддерживает весь вес тела на кончиках полностью вытянутых ног на специально разработанных и изготовленных вручную пуантах . В профессиональных труппах обувь изготавливается так, чтобы идеально подходить по размеру ног танцоров.
Студенты обычно изучают терминологию балета и произношение, значение и точную форму тела и движения, связанные с каждым термином. Акцент делается на развитии гибкости и укреплении ног, ступней и корпуса тела ( центра или брюшного пресса), поскольку сильный корпус необходим для поворотов и многих других балетных движений. Танцоры также учатся использовать свое место , что учит их фокусироваться на чем-то во время поворота, чтобы не закружиться и не потерять равновесие.
Раннее обучение балету для всех танцоров включает базовую технику и развивает силу и гибкость. По мере продвижения танцовщицы начинают изучать технику пуантов , а танцоры-мужчины и танцоры-женщины начинают изучать партнерство и более сложные прыжки и повороты. По мере того, как мужчины становятся сильнее, к партнерству добавляются поддержки. В зависимости от учителя и системы обучения, ученики могут проходить различные этапы или уровни обучения по мере развития своих навыков.
Традиционные балетмейстеры восемнадцатого века играли на скрипке для своих собственных балетных классов. [4] Они также обучали своих учеников балета взаимосвязи между танцевальными шагами и музыкой. [5] К концу девятнадцатого века это вышло из моды, и специализация в исполнительском искусстве привела к тому, что роль балетного учителя и балетного музыканта стали отдельными профессиями. К двадцатому веку скрипка уступила место фортепиано в качестве стандартного аккомпанемента для балетных классов. [6] Когда записанная музыка заменяет живого музыканта, у танцоров нет возможности делать тонкие физические изменения выражения, которые живой аккомпаниатор будет отслеживать и подгонять во время игры. [7]
Живой музыкант в балетном классе играет решающую роль в творческом процессе. [8] Когда преподаватель балета ставит упражнение — движение, счет, вокал — музыкант наблюдает и представляет себе музыку, которая лучше всего подойдет для упражнения. Затем музыкант играет либо существующую часть музыкального репертуара, либо создает музыкальную импровизацию, чтобы поддержать танцоров в упражнении. Танцоры находятся под влиянием выбора музыканта, и они интегрируют как шаги преподавателя балета, так и музыку балетного музыканта в свое выступление. В конечном счете, преподаватель балета имеет мало контроля над музыкальной частью своего урока, если только он не попросит музыканта сыграть определенное музыкальное произведение. По этой причине рабочие отношения между преподавателем танцев и танцевальным музыкантом имеют жизненно важное значение для успеха балетного класса. [9]
Женская одежда обычно включает розовые или телесного цвета колготки , трико и иногда короткую юбку-обертку или трико с юбкой . Мужчины обычно носят черные или темные колготки, облегающую белую или черную рубашку или трико, надетое под трико, и танцевальный пояс под верхней танцевальной одеждой для поддержки. В некоторых случаях ученики могут носить комбинезон — цельную одежду, которая сочетает в себе трико и трико — для улучшения видимости художественных линий.
Все танцоры носят мягкую балетную обувь (иногда называемую балетками ). Обычно танцовщицы носят розовую или бежевую обувь, а мужчины — черную или белую обувь. Гетры иногда надевают в начале занятия, чтобы защитить мышцы ног, пока они не разогреются. Женщинам обычно требуется собрать волосы в пучок или другую прическу, которая обнажает шею, но не в конский хвост. Обычная одежда и прическа призваны способствовать свободе движений и раскрытию формы тела, чтобы учитель мог оценить осанку и технику танцоров. После разминки продвинутые ученицы могут надеть пуанты , тогда как продвинутые ученицы продолжают носить мягкую обувь. Пуанты надевают после того, как ученица считается достаточно сильной в лодыжках и может выполнять номер на высоком уровне, обычно около или после 12 лет, или после того, как стопы танцоров перестают развиваться, чтобы защитить стопы танцоров от травм, распространенных при преждевременном ношении.
Существует несколько стандартизированных, широко распространенных классических систем обучения балету , каждая из которых призвана вырабатывать у своих учеников уникальное эстетическое качество. Некоторые системы названы в честь их создателей; обычно их называют методами или школами . Например, две преобладающие системы из России — это метод Вагановой (создан Агриппиной Вагановой ) и метод Легата ( Николаем Легатом ). Метод Чекетти назван в честь итальянского танцора Энрико Чекетти . Другая система обучения была разработана и названа в честь Августа Бурнонвиля ; она преподается в основном в Дании. Метод Королевской академии танца (RAD) был создан не отдельным человеком, а группой известных профессионалов балета. Несмотря на их связь с географически названными балетными стилями, многие из этих методов обучения используются во всем мире. Например, метод обучения RAD используется более чем в 70 странах.
Американский балет ( Баланчин ) не преподается посредством стандартизированной, широко распространенной системы обучения. Аналогично, французский балет не имеет стандартизированной системы обучения; каждая из основных школ балета французского стиля, таких как Балетная школа Парижской оперы , Национальная консерватория Supérieur de Musique et de Danse и Академия классического танца принцессы Грейс (Монако) использует уникальную систему обучения.
Некоторые классические системы обучения балету используют стандартизированные макеты для определения опорных точек в углах и краях сцен и танцевальных студийных помещений. В последнем случае нет зрителей, а зеркало обычно охватывает стену зала внизу сцены (например, точки 1-2 макета Чеккетти).
