Композитор — это человек, который пишет музыку . [1] Этот термин в основном используется для обозначения композиторов западной классической музыки , [2] или тех, кто является композитором по профессии. [3] Многие композиторы являются или являлись также искусными исполнителями музыки.
Термин произошел от латинского compōnō; буквально «тот, кто складывает». [4] Самое раннее использование термина в музыкальном контексте, приведенное Оксфордским словарем английского языка, содержится в работе Томаса Морли 1597 года « Простое и легкое введение в практическую музыку» , где он говорит: «Некоторые будут хорошими декантерами [...], но все же будут плохими композиторами». [1]
«Композитор» — это свободный термин, который обычно относится к любому человеку, который пишет музыку. [1] Более конкретно, он часто используется для обозначения людей, которые являются композиторами по профессии, [3] или тех, кто работает в традициях западной классической музыки . [2] Авторы исключительно или в основном песен могут называться композиторами, но с 20-го века термины « автор песен » или « автор-исполнитель » используются чаще, особенно в жанрах популярной музыки . [5] В других контекстах термин «композитор» может относиться к литературному писателю, [6] или, реже и в целом, к тому, кто объединяет части в единое целое. [7]
В разных культурах и традициях композиторы могут писать и передавать музыку разными способами. В большинстве популярных произведений композитор пишет композицию , а затем она передается через устную традицию . Наоборот, в некоторых западных классических традициях музыка может быть написана на слух — т. е. «в уме музыканта» — и впоследствии записана и передана через письменные документы . [8]
В развитии европейской классической музыки функция сочинения музыки изначально не имела большего значения, чем ее исполнение. [ необходима цитата ] Сохранению отдельных композиций не уделялось большого внимания, и музыканты, как правило, не стеснялись изменять композиции для исполнения.
В западном мире, до романтического периода 19 века, композиция почти всегда шла бок о бок с сочетанием пения, обучения и теоретизирования . [9]
Даже в традиционном западном инструментальном произведении, в котором все мелодии , аккорды и басовые линии записаны в нотной записи, исполнитель имеет определенную степень свободы для добавления художественной интерпретации к произведению, например, изменяя их артикуляцию и фразировку , выбирая, как долго делать ферматы (удерживаемые ноты) или паузы, и — в случае смычковых инструментов, деревянных духовых или медных духовых инструментов — решая, использовать ли выразительные эффекты, такие как вибрато или портаменто . Для певца или инструментального исполнителя процесс принятия решения о том, как исполнять музыку, которая была ранее сочинена и записана, называется «интерпретацией». Интерпретации одного и того же музыкального произведения разными исполнителями могут значительно различаться с точки зрения выбранных темпов, стиля игры или пения или фразировки мелодий. Композиторы и авторы песен, которые представляют свою музыку, интерпретируют так же, как и те, кто исполняет музыку других. Стандартный набор выборов и техник, присутствующих в определенное время и в определенном месте, называется практикой исполнения , тогда как интерпретация обычно используется для обозначения индивидуального выбора исполнителя. [ необходима ссылка ]
Хотя музыкальная композиция часто имеет одного автора, это не всегда так. Музыкальное произведение может иметь несколько композиторов, что часто происходит в популярной музыке , когда группа сотрудничает для написания песни, или в музыкальном театре , где песни могут быть написаны одним человеком, оркестровка аккомпанирующих частей и написание увертюры выполняется оркестратором, а слова могут быть написаны третьим лицом.
Музыкальное произведение также может быть составлено с помощью слов, изображений или, в 20-м и 21-м веках, компьютерных программ, которые объясняют или записывают, как певец или музыкант должен создавать музыкальные звуки. Примеры этого варьируются от колокольчиков, звенящих на ветру, до авангардной музыки 20-го века, которая использует графическую нотацию , до текстовых композиций, таких как Aus den Sieben Tagen , и компьютерных программ, которые выбирают звуки для музыкальных произведений. Музыка, которая широко использует случайность и случайность, называется алеаторической музыкой и ассоциируется с современными композиторами, работавшими в 20-м веке, такими как Джон Кейдж , Мортон Фельдман и Витольд Лютославский .
Характер и средства индивидуальной вариации музыки различаются в зависимости от музыкальной культуры страны и периода времени, когда она была написана. Например, музыка, сочиненная в эпоху барокко , особенно в медленных темпах, часто писалась в голом наброске, с ожиданием того, что исполнитель будет добавлять импровизированные украшения к мелодической линии во время исполнения. Такая свобода, как правило, уменьшалась в более поздние эпохи, коррелируя с возросшим использованием композиторами более подробной партитуры в форме динамики, артикуляции и т. д.; композиторы стали единообразно более явными в том, как они хотели, чтобы их музыка была интерпретирована, хотя то, насколько строго и подробно они диктуются, варьируется от одного композитора к другому. Из-за этой тенденции композиторов становиться все более конкретными и подробными в своих инструкциях исполнителю, в конечном итоге развилась культура, в которой верность письменному намерению композитора стала высоко цениться (см., например, издание Urtext ). Эта музыкальная культура почти наверняка связана с высоким уважением (граничащим с благоговением), с которым исполнители часто относятся к ведущим классическим композиторам.
Исторически обоснованное движение исполнения возродило в некоторой степени возможность исполнителя серьезно прорабатывать музыку, как она дана в партитуре, особенно для музыки барокко и музыки раннего классического периода . Движение можно считать способом создания большей верности оригиналу в произведениях, написанных в то время, когда от исполнителей ожидалось импровизации . В жанрах, отличных от классической музыки, исполнитель, как правило, имеет больше свободы; так, например, когда исполнитель западной популярной музыки создает «кавер» более ранней песни, мало кто ожидает точного исполнения оригинала; и точная верность не обязательно высоко ценится (за возможным исключением «нотно-нотных» транскрипций известных гитарных соло ).
В западной художественной музыке композитор обычно оркеструет свои композиции, но в музыкальном театре и поп-музыке авторы песен могут нанять аранжировщика для оркестровки. В некоторых случаях автор поп-песен может вообще не использовать нотацию, а вместо этого сочинять песню в уме, а затем играть или записывать ее по памяти. В джазе и популярной музыке заметные записи влиятельных исполнителей имеют тот же вес, что и письменные партитуры в классической музыке. Изучение композиции традиционно доминировало над изучением методов и практики западной классической музыки, но определение композиции достаточно широко для создания популярных и традиционных музыкальных песен и инструментальных произведений и включает спонтанно импровизированные произведения, такие как произведения исполнителей свободного джаза и африканских перкуссионистов, таких как барабанщики эве .
В Средние века большинство композиторов работали на католическую церковь и сочиняли музыку для религиозных служб, например, мелодии для хорала . В эпоху музыки эпохи Возрождения композиторы обычно работали на аристократических работодателей. В то время как аристократы обычно требовали от композиторов создания значительного количества религиозной музыки, например, месс , композиторы также сочиняли много нерелигиозных песен на тему куртуазной любви : уважительной, почтительной любви великой женщины издалека. Куртуазные любовные песни были очень популярны в эпоху Возрождения. В эпоху музыки барокко многие композиторы работали на аристократов или в качестве церковных служащих. В классический период композиторы начали организовывать больше публичных концертов с целью получения прибыли, что помогло композиторам меньше зависеть от аристократических или церковных должностей. Эта тенденция продолжилась в эпоху романтической музыки в 19 веке. В 20 веке композиторы начали искать работу в качестве профессоров в университетах и консерваториях. В 20 веке композиторы также зарабатывали деньги на продаже своих произведений, таких как нотные издания их песен или произведений или звукозаписи их произведений. [ необходима цитата ]
.jpg/1280px-Julius_Giere_-_Clara_Wieck_im_Alter_von_15_Jahren_(Lithographie_1835).jpg)
В 1993 году американский музыковед Марсия Ситрон задалась вопросом: «Почему музыка, сочиненная женщинами, так маргинальна по сравнению со стандартным «классическим» репертуаром?» [10] Ситрон «исследует практики и взгляды, которые привели к исключению женщин-композиторов из принятого « канона » исполняемых музыкальных произведений». Она утверждает, что в 1800-х годах женщины-композиторы обычно писали романсы для исполнения на небольших концертах, а не симфонии, предназначенные для исполнения с оркестром в большом зале, причем последние произведения считались наиболее важным жанром для композиторов; поскольку женщины-композиторы написали не так много симфоний, они считались непримечательными композиторами. [10]
По словам Эбби Филипса, «женщинам-музыкантам было очень трудно пробиться и получить заслуженное признание». [11] В эпоху Средневековья большая часть музыкального искусства создавалась для литургических (религиозных) целей, и из-за взглядов на роль женщин, которых придерживались религиозные лидеры, лишь немногие женщины сочиняли этот тип музыки, за исключением монахини Хильдегарды фон Бинген . Большинство университетских учебников по истории музыки обсуждают почти исключительно роль композиторов-мужчин. Кроме того, очень немногие произведения женщин-композиторов входят в стандартный репертуар классической музыки. В « Краткой Оксфордской истории музыки » « Клара Шуман [ sic ] — одна из немногих упомянутых женщин-композиторов» [11] , но другие известные женщины-композиторы периода общей практики включают Фанни Мендельсон и Сесиль Шаминад , и, возможно, самым влиятельным учителем композиторов в середине 20-го века была Надя Буланже . [ необходима цитата ] Филипс утверждает, что «[в] течение 20-го века женщины, которые сочиняли/исполняли музыку, получали гораздо меньше внимания, чем их коллеги-мужчины». [11]
Сегодня к женщинам относятся более серьезно в сфере концертной музыки, хотя статистика признания, наград, трудоустройства и общих возможностей по-прежнему склоняется в пользу мужчин. [12]
Известные композиторы имеют тенденцию группироваться в определенных городах на протяжении всей истории. На основе более 12 000 выдающихся композиторов, перечисленных в Grove Music Online , и с использованием методов измерения количества слов , можно количественно определить самые важные города для классической музыки. [13]
Париж был главным центром западной классической музыки во все периоды. Он занимал пятое место в XV и XVI веках, но первое в XVII-XX веках включительно. Лондон был вторым по значимости городом: восьмым в XV веке, седьмым в XVI, пятым в XVII, вторым в XVIII и XIX веках и четвертым в XX веке. Рим возглавлял рейтинг в XV веке, опустился на второе место в XVI и XVII веках, восьмое в XVIII веке, девятое в XIX веке, но снова на шестое в XX веке. Берлин появляется в первой десятке рейтинга только в XVIII веке и занимал третье место по значимости как в XIX, так и в XX веке. Нью-Йорк вошел в рейтинг в XIX веке (на пятом месте) и занимал второе место в XX веке. Закономерности очень похожи для выборки из 522 ведущих композиторов. [14]
Профессиональные композиторы классической музыки часто имеют опыт исполнения классической музыки в детстве и подростковом возрасте, либо как певец в хоре , либо как игрок в молодежном оркестре , либо как исполнитель на сольном инструменте (например, фортепиано , органе или скрипке ). Подростки, стремящиеся стать композиторами, могут продолжить свое послевузовское обучение в различных формальных учебных заведениях, включая колледжи, консерватории и университеты. Консерватории , которые являются стандартной системой музыкального образования в таких странах, как Франция и Канада, предоставляют уроки и опыт любительского оркестрового и хорового пения для студентов-композиторов. Университеты предлагают ряд программ по композиции, включая степени бакалавра, магистра музыки и доктора музыкальных искусств . Кроме того, существует множество других учебных программ, таких как классические летние лагеря и фестивали, которые дают студентам возможность получить наставничество от композиторов.
Степень бакалавра по композиции (называемая B.Mus. или BM) представляет собой четырехлетнюю программу, которая включает индивидуальные уроки композиции, опыт любительского оркестра/хора и последовательность курсов по истории музыки, теории музыки и гуманитарным дисциплинам (например, английской литературе), которые дают студенту более всестороннее образование. Обычно студенты, изучающие композицию, должны завершить значительные произведения или песни до окончания учебы. Не все композиторы имеют степень бакалавра музыки по композиции; композиторы также могут иметь степень бакалавра музыки по исполнению музыки или теории музыки.
Степень магистра музыки (M.mus.) по композиции состоит из частных уроков с профессором композиции , опыта ансамбля и аспирантуры по истории музыки и теории музыки, а также одного или двух концертов с участием произведений студента-композитора. Степень магистра музыки (называемая M.Mus. или MM) часто является требуемым минимальным удостоверением для людей, которые хотят преподавать композицию в университете или консерватории. Композитор со степенью M.Mus. может быть адъюнкт-профессором или преподавателем в университете, но в 2010-х годах было бы сложно получить должность профессора на постоянной основе с этой степенью.
Чтобы стать профессором на постоянной основе, многие университеты требуют докторскую степень . В композиции ключевой докторской степенью является доктор музыкальных искусств , а не доктор философии ; докторская степень присуждается в музыке, но, как правило, по таким предметам, как музыковедение и теория музыки .
Степень доктора музыкальных искусств (DMA, DMA, D.Mus.A. или A.Mus.D) по композиции дает возможность углубленного изучения на самом высоком художественном и педагогическом уровне, требуя обычно дополнительных 54+ кредитных часов сверх степени магистра (что составляет около 30+ кредитов сверх степени бакалавра). По этой причине прием очень избирательный. Студенты должны предоставить примеры своих композиций. Если возможно, некоторые школы также принимают видео- или аудиозаписи исполнения произведений студента. Требуются экзамены по истории музыки, теории музыки, сольфеджио/диктанту и вступительный экзамен.
Студенты должны подготовить значимые композиции под руководством преподавателей факультета композиции. Некоторые школы требуют, чтобы студенты DMA-композиции представили концерты своих произведений, которые обычно исполняются певцами или музыкантами школы. Завершение углубленной курсовой работы и минимальный средний балл B являются другими типичными требованиями программы DMA. Во время программы DMA студент-композитор может получить опыт преподавания студентам-музыкантам бакалавриата.
Некоторые композиторы не заканчивали программы по композиции, а сосредоточили свое обучение на исполнении вокала или инструмента или на теории музыки и развивали свои композиторские навыки в течение карьеры в другой музыкальной профессии.
