Фигуративное движение района залива (также известное как фигуративная школа района залива , фигуративное искусство района залива , фигуративное искусство района залива и аналогичные вариации) — художественное движение середины XX века, состоящее из группы художников из района залива Сан-Франциско , которые отказались от работы в преобладающем стиле абстрактного экспрессионизма в пользу возвращения к фигуративности в живописи в 1950-х и далее в 1960-х годах.
Нью-йоркская школа абстрактного экспрессионизма была первым американским стилем искусства, который имел международное значение. Район залива Сан-Франциско был центром независимого варианта абстрактного экспрессионизма. Фигуративное движение района залива было ответом на оба. [1]
Это художественное движение, охватывающее два десятилетия, часто делят на три группы или поколения: первое поколение, поколение-мост и второе поколение.
Многие из художников «первого поколения» в этом движении были ярыми поклонниками абстрактного экспрессионизма и работали в этой манере, пока некоторые из них не отказались от беспредметной живописи в пользу работы с фигурой. Среди этих художников фигуративной школы Bay Area первого поколения были Дэвид Парк , Ричард Дибенкорн , Рекс Эшлок, Элмер Бишофф , Гленн Весселс , Уэйн Тибо , Раймондс Стапранс и Джеймс Уикс .
В «поколение моста» входили художники Генриетта Берк , Натан Оливейра , Теофилус Браун , Пол Воннер , Роланд Петерсен , Джон Хултберг и Фрэнк Лобделл . [2]
Многие художники "второго поколения" этого движения учились у художников первого поколения или начинали поздно. Среди этих художников второго поколения были Брюс Макгоу , Джун Фелтер , Генри Вильерме , Джоан Браун , Мануэль Нери и Роберт Куолтерс .
Многие школы и учреждения области залива сыграли важную роль в развитии и совершенствовании этого художественного направления, в том числе Институт искусств Сан-Франциско , Калифорнийский колледж искусств и ремесел и Калифорнийский университет в Беркли .
Дэвид Парк (1911–1960) был, возможно, самым важным художником фигуративного движения Bay Area. Парк был художником-абстрактным экспрессионистом, жившим в Сан-Франциско, и одним из первых, кто перешел к фигуративному стилю живописи. Весной 1951 года Парк выиграл приз за фигуративное полотно, которое он представил на конкурсную выставку. Обращение Парка к фигуративному стилю озадачило некоторых его коллег, поскольку в то время абстрактная живопись была единственным выходом для прогрессивных художников. Его шаг спровоцировал подъем фигуративного искусства, которое стало одним из важнейших послевоенных событий на Западном побережье.
Вместо того, чтобы пройти медленную трансформацию из абстрактных картин в фигуры, считается, что абстракции Пака исчезли мгновенно. Интервью с тетей Пака предполагает, что Пак отвез свои абстрактные картины на свалку и освободил или ритуально уничтожил их. Его коллеги даже не знали об этой трансформации до следующего года. [3]
В 2004 году в галерее Hackett Freedman в Сан-Франциско прошла выставка 35 работ Дэвида Парка с 1953 по 1960 год. Это были работы, которые ознаменовали последние годы его жизни, и выставка была проведена в честь его жизни, а также его возвращения к фигуративной живописи в 1950 году, что сыграло важную роль в начале движения. Некоторые из ранних работ на выставке показывают, что Парк откликнулся на искусство Макса Бекмана , и его влияние особенно заметно в The Band (1955). С годами палитра Парка повернулась в сторону кипящего хроматизма, но его подход к обработке краски, основанный на резьбе, можно было увидеть в его работах на протяжении всего времени, пока он, наконец, не решил отказаться от масла в 1959 году.
Некоторые из важных работ Дэвида Парка — «Свекровь» (1954–55), «Скрипка и виолончель» (1939), «Торс» (1959) и «Фигура в кресле» (1960). [4]
Элмер Бишофф (1916–1991), в свои последние тридцать и сорок лет, пережил обширную фазу того, что он называл « пикассовскими изречениями». [5] Вернувшись с войны в 1945 году, он почувствовал необходимость бросить вызов всем предположениям, которых он придерживался относительно искусства, а также жизни. Когда его спросили об этом в интервью, он сказал: «До тех пор искусство было внешним приобретением; [но теперь оно] стало скорее поиском». Примерно в это же время его наняли в качестве краткосрочной замены в школу изящных искусств.
Как и его абстрактные работы, Бишофф добился большого успеха с его ранними фигуративными работами. Бишофф представил свою картину «Фигура и красная стена» на Пятой ежегодной выставке масла и скульптуры в Ричмондском центре искусств и выиграл за нее первый приз в размере 200 долларов. [6] Этот подвиг принес ему персональную выставку в галерее Пола Кантора в Лос-Анджелесе. Однако именно персональная выставка картин и рисунков в январе 1956 года в галерее Калифорнийской школы изящных искусств, по мнению Бишоффа, оказала наибольшее влияние на его будущее.
Некоторые из важных работ Бишоффа — « Фигура у окна с лодкой» (1964), «Детская площадка» (1954) и «Река» (1953). [7]
Из всех художников первого поколения именно Ричард Дибенкорн (1922–1993) пошел на самый большой риск, обратившись к фигуративности в 1955 году. Дибенкорн получил национальное признание за свои абстрактные работы. Выставка Джеймса Джонсона Суини «Молодые американские художники» [8] привела к тому, что его работы широко демонстрировались дилерами в Лос-Анджелесе и Чикаго. Наряду с его национальной репутацией за его абстрактные работы, Дибенкорн был также любимым абстракционистом среди местных жителей в Саусалито.
После этого он сосредоточился на фигуративном искусстве, но только в 1956 году он попытался создать сложную фигуративную живопись. Его самые ранние фигуративные работы, казалось, были основаны на автопортретах. Он вернулся к абстракции в середине 1960-х годов. [9]
Теофилус Браун (1919–2012) и Пол Джон Воннер (1920–2008) оба были под сильным влиянием работ более известных художников. В 1955 году и Браун, и Воннер арендовали студийные помещения в одном здании, которое также было зданием, где работал Дибенкорн. Дибенкорн, Бишофф и Парк присоединились к Брауну и Воннеру для проведения сессий рисования с натуры. К ним иногда присоединялись Джеймс Уикс и Натан Оливера.
Фигуративные работы Воннера были представлены на выставке, состоявшейся в галерее Калифорнийской школы изящных искусств в конце 1956 года. С самого начала Воннер был привержен условностям репрезентации и определял линию как четкую описательную границу и край.
Среди работ Брауна — «Сидящий обнажённый мужчина» (1960) и «Солнце и луна» (1960), а среди работ Воннера — «Сторона дома, Малибу» (1965) и «Гора близ Тусона» (1963). [10]
В 1960-х годах Роланд Петерсен приступил к своей серии «Пикник» с ее насыщенными цветами, толстым слоем пигмента и геометрическими композициями. Активная фигура на сцене искусства Bay Area на протяжении более сорока лет, Петерсен обучил поколения художников не только живописи, но и гравюре и фотографии . Он живет в Bay Area и продолжает активно заниматься живописью. Работы Петерсена выставлялись в музеях и галереях по всей стране и представлены в крупных музейных коллекциях, включая Музей современного искусства , Нью-Йорк; Музей американского искусства Уитни , Нью-Йорк; Музей современного искусства Сан-Франциско ; Музей и сад скульптур Хиршхорна , Вашингтон, округ Колумбия; Музеи изящных искусств Сан-Франциско ; и Художественный музей Филадельфии .
Натан Оливейра (1928–2010) имел юношеский интерес к музыке, который медленно угас по мере того, как он становился старше. Во время своей поездки в Мемориальный музей М. Х. де Янга он решил стать портретистом. Позже он пошел служить в армию, где ему удалось не отставать от своей художественной сцены. Он не считал себя авангардистом или частью определенного движения. [11]
Ранние фигуративные работы Оливейры, как правило, имеют больше деталей и цвета, что можно увидеть в его « Сидящем человеке с собакой» . Его работы, завершенные в студии Сан-Леандро в 1959 году, по его собственным словам, «стали самой основой [его] целостной идентичности как художника в [его] стране».
Среди важных работ Натана — « Сидящий мужчина с собакой» (1957), «Идущий человек» (1958) и «Подросток у кровати » (1959).
Генриетта Берк (1919–1990) писала в основном маслом. Ее работы были отмечены своими яркими цветами и формами. Берк разработала свой собственный уникальный подход к искусству со смелым использованием цвета и уникальной интерпретацией формы и света. Ее работы примечательны, учитывая сложные времена для женщин-художников в 1960-х годах и стеклянный потолок, который она так упорно боролась, чтобы сломать. [12] Берк училась в Калифорнийском колледже искусств и ремесел в Окленде с 1955 по 1959 год, [13] [14] где она училась у Ричарда Дибенкорна и Гарри Крелла. [12] Некоторые из самых известных работ Берк: «Я или фасад» (1960), «Пикник» (1961), «Золотые ворота» (1961), «Три фигуры» (1962), «Гонки » (1964), «Наклонная фигура» (1967) и «Дорога в долине Лагуны» (1968).
Ретроспективная выставка ее работ открылась в Музее Гильберта при Университете Чепмена 13 июня 2020 года одновременно с выходом книги о художнице «In Living Color: The Art & Life of Henrietta Berk», отредактированной Синди Джонсон и опубликованной издательством Cool Titles .
Брюс Макгоу родился в 1935 году и был единственным художником из второго поколения, который был включен в выставку Contemporary Bay Area Figurative Painting 1957 года. [ необходима цитата ] Он учился в Калифорнийском колледже искусств и ремесел и посетил один из первых курсов, которые преподавал Дибенкорн в 1955 году. У Макгоу были близкие отношения с Дибенкорном, [15] который даже встречался с родителями Макгоу, чтобы показать им свою поддержку работ их сына. Макгоу также учился у Леона Голдина, где он работал с абстракцией. [ необходима цитата ]
Фигуративность не была скрытным процессом для Макгоу. Как и другие художники второго поколения, он не был ограничен каким-то определенным стилем и переходил от одного стиля к другому. Одна из первых зрелых фигуративных картин Макгоу явно показывала влияние Дибенкорна, но Макгоу также показал много новых черт своего собственного. Он любил работать в очень малых масштабах и разбивал тело на стандартные виды торса или странные, синекдохальные части. [ необходима цитата ]
Джоан Браун создала красочные, обширные картины, изображающие ее жизнь и опыт в Сан-Франциско, где она жила и работала почти всю свою жизнь. [16] Ее время как фигуративного художника было интенсивным и продуктивным и создало некоторые из самых важных работ Движения. [17] Браун получила степени бакалавра изящных искусств и магистра изящных искусств в Калифорнийской школе изящных искусств (которая стала Институтом искусств Сан-Франциско). Именно там она встретила своего ключевого наставника, художника Элмера Бишоффа , и начала получать признание за свои картины. В 1960 году она была самой молодой художницей, выставленной в рамках выставки «Молодая Америка 1960» (Тридцать американских художников моложе тридцати шести лет) в Музее американского искусства Уитни. [16]
Некоторые из работ Джоан Браун — « Женщина и собака в комнате с китайским ковром» (1975) и «Ноэль за столом с большой миской фруктов» (1963). [18]
Мануэль Нери был скульптором. Нери исследовал абстракцию на ранних этапах своей карьеры, как и все молодые художники-фигуристы Bay Area. [ требуется ссылка ] Только после окончания школы в 1959 году он занялся фигуративностью. Это позволило ему синтезировать свои интересы в цвете и форме и играть с неоднозначностями содержания. Именно неспецифичность его фигур и их абстрактные качества делают его скульптуры частью движения Bay Area Figurative, а не просто любой современной фигуративной скульптуры в Америке.
У Нери, который был всего на два года младше Натана Оливейры, было похожее детство, и, как и у Оливейры, в детстве он не интересовался искусством. Единственной причиной, по которой Нери пошел на курс керамики в школе, было желание облегчить себе нагрузку. Его учителем керамики был Рой Уокер, который поощрял его продолжать заниматься искусством, посещая продвинутые курсы. Вскоре Нери бросил занятия по инженерии и в 1951 году начал посещать курсы в Калифорнийском колледже искусств и ремесел , куда он официально поступил в 1952 году.
Некоторые из важных работ Нери — «Стоящая фигура без названия» (1956–57) и «Колледжская живопись № 1» (1958–59). [19]