Схема сцены Чекетти- Схема сцены РАД
- Макет сцены Вагановой
Классический балет — это любой из традиционных формальных стилей балета , в которых используется исключительно классическая балетная техника . Он известен своей эстетикой и строгой техникой (например, работа на пуантах , выворот ног и высокие разгибания), плавными, точными движениями и неземными качествами.
Существуют стилистические вариации, связанные с местностью или происхождением, которые обозначаются такими классификациями, как русский балет , французский балет , британский балет и итальянский балет . Например, русский балет отличается высокими разгибаниями и динамичными поворотами, тогда как итальянский балет имеет тенденцию быть более приземленным, с упором на быструю и сложную работу ног. Многие стилистические вариации связаны с конкретными методами обучения, названными в честь их создателей. Несмотря на эти различия, исполнение и словарный запас классического балета во многом одинаковы во всем мире.
Балет зародился при дворах итальянского Возрождения и был привезен во Францию Екатериной Медичи в 16 веке. [1] В зачаточном состоянии балета придворные балеты исполнялись аристократическими любителями, а не профессиональными танцорами. [1] Большинство ранних движений балета произошли от социальных придворных танцев и имели заметное значение сценических моделей, а не формальной балетной техники.
В 17 веке, по мере роста популярности балета во Франции, балет стал постепенно превращаться в профессиональное искусство. Его больше не исполняли любители, вместо этого балетные постановки стали включать в себя сложные акробатические движения, которые могли выполнять только высококвалифицированные уличные артисты. [1] В ответ на это королем Людовиком XIV в 1661 году была основана первая в мире балетная школа, Королевская академия танца . [1] Целью Академии было улучшить качество танцевального обучения во Франции и изобрести технику или учебную программу. это можно было бы использовать для превращения балета в формальную дисциплину. Вскоре после создания Академии, в 1672 году, король Людовик XIV учредил исполнительскую труппу под названием «Королевская академия музыки танца» (сегодня известную как Парижская опера) и назначил Пьера Бошана главным танцмейстером. [1] Во время учебы в Королевской академии Бошан произвел революцию в технике балета, изобретя пять позиций (первую, вторую, третью, четвертую и пятую) балета, которые по сей день остаются основой всей формальной классической балетной техники. [1]
До развития классического балета балет существовал в период, называемый эпохой романтизма. Романтический балет был известен своим повествованием и часто имел более мягкую эстетику. Классический балет возник, когда балетмейстер по имени Мариус Петипа (который считается одним из величайших хореографов всех времен) взял романтический балет и объединил его с различными аспектами русской балетной техники (поскольку Петипа когда-то был хореографом). и балетмейстер Мариинского театра ). Элементы, извлеченные из этих вещей, включают повествование романтического балета и атлетизм русской техники. Таким образом, началась новая эпоха балета, которая впоследствии стала называться классической эпохой. [2] Несмотря на то, что он был ответственным за начало эпохи классического балета, Петипа также отвечал за постановку известных романтических балетов, таких как « Жизель» .
В классическую эпоху Мариус Петипа в значительной степени отвечал за создание хореографических структур, которые до сих пор используются в балетах. Во-первых, Петипа был первым, кто использовал гран-па-де-де в своей хореографии. Кроме того, он закрепил использование кордебалета как стандартной части балета. Несмотря на то, что он открыл классическую эпоху, эти элементы можно увидеть и в его романтических балетах.
Техника балета – это основополагающие принципы движения тела и формы, используемые в балете. [3] Отличительной особенностью балетной техники является явка ; то есть вращение ног и ступней наружу, исходящее от бедра. Впервые это явление было введено в балет королем Людовиком XIV, потому что он любил демонстрировать блестящие пряжки на своих туфлях, когда исполнял свои собственные танцы. В балете существует пять основных положений ног , все они выполняются с выворотом и нумеруются как позиции с первой по пятую . При выполнении прыжков и прыжков артисты классического балета стремятся продемонстрировать баллон — вид ненадолго парящего в воздухе. Техника пуантов – это часть техники балета, которая касается работы на пуантах , при которой артист балета переносит вес всего тела на кончики полностью вытянутых ног на специально разработанных и изготовленных вручную пуантах . В профессиональных компаниях обувь изготавливается так, чтобы она идеально сидела на ноге танцора.
Студенты обычно изучают балетную терминологию, а также произношение, значение, а также точную форму тела и движения, связанные с каждым термином. Особое внимание уделяется развитию гибкости и укреплению ног, ступней и корпуса тела (центра или брюшного пресса), поскольку сильный корпус необходим для поворотов и многих других балетных движений. Танцоры также учатся использовать свое место , что учит их концентрироваться на чем-то во время поворота, чтобы не закружиться голова и не потерять равновесие.
Раннее обучение балету всех танцоров включает в себя базовую технику и развивает силу и гибкость. По мере прогресса танцовщицы начинают осваивать технику пуантов , а танцоры как мужского, так и женского пола начинают осваивать партнерские и более сложные прыжки и повороты. По мере того, как мужчины становятся сильнее, к партнерству добавляются подъемы. В зависимости от преподавателя и системы обучения учащиеся могут проходить различные этапы или уровни обучения по мере развития своих навыков.
Традиционные балетмейстеры восемнадцатого века играли на скрипке в своих балетных классах. [4] Они также обучали своих учеников балету взаимосвязи между танцевальными шагами и музыкой. [5] К концу девятнадцатого века это вышло из моды, и специализация в исполнительском искусстве означала, что роли балетного преподавателя и балетного музыканта стали отдельными профессиями. К двадцатому веку скрипка уступила место фортепиано как стандартному аккомпанементу балетного класса. [6] Когда живого музыканта заменяет записанная музыка, у танцоров нет возможности совершать тонкие физические изменения выражения лица, которые аккомпаниатор живого танца будет наблюдать и повторять во время их игры. [7]
Живой музыкант в балетном классе играет решающую роль в творческом процессе. [8] Когда преподаватель балета ставит упражнение – движение, счет, вокал – музыкант наблюдает и представляет музыку, которая лучше всего подойдет для выполнения упражнения. Затем музыкант играет либо существующую часть музыкального репертуара, либо создает музыкальную импровизацию, чтобы поддержать танцоров в упражнении. На танцоров влияет выбор музыканта, и они интегрируют в свое выступление как шаги балетмейстера, так и музыку балетного музыканта. В конечном счете, преподаватель балета практически не контролирует музыкальную часть урока, если только он не попросит музыканта сыграть определенное музыкальное произведение. По этой причине рабочие отношения между учителем танцев и танцевальным музыкантом жизненно важны для успеха балетного класса. [9]
Женский наряд обычно включает колготки розового или телесного цвета , купальник , а иногда и короткую юбку с запахом или купальник с юбкой . Мужчины обычно носят черные или темные колготки, облегающую белую или черную рубашку или купальник под колготками и танцевальный пояс под верхней танцевальной одеждой для обеспечения поддержки. В некоторых случаях учащиеся могут носить комбинезон — цельный предмет одежды, сочетающий в себе колготки и купальник, — чтобы улучшить видимость художественных линий.
Все танцоры носят мягкие балетки (иногда их называют балетками ). Обычно танцовщицы носят розовые или бежевые туфли, а мужчины — черные или белые туфли. Гетры иногда надевают в начале занятий, чтобы защитить мышцы ног, пока они не согреются. Женщинам обычно приходится собирать волосы в пучок или в другую прическу, обнажающую шею, а не хвост. Традиционная одежда и прическа призваны способствовать свободе движений и раскрывать форму тела, чтобы учитель мог оценить постановку и технику танцоров. После разминки ученицы продвинутого уровня могут носить пуанты, тогда как ученики продвинутого уровня продолжают носить мягкую обувь. Пуанты надеваются после того, как ученик становится достаточно сильным в лодыжках и может выполнять упражнения на высоком уровне, обычно примерно в возрасте 12 лет или после него, или после того, как стопы танцоров перестают развиваться, чтобы защитить танцоров. ноги от травм, характерных для преждевременного износа.
Существует несколько стандартизированных, широко распространенных систем обучения классическому балету , каждая из которых предназначена для формирования у своих учеников уникальных эстетических качеств. Некоторые системы названы в честь своих создателей; их обычно называют методами или школами . Например, две преобладающие системы из России — это метод Вагановой (созданный Агриппиной Вагановой ) и метод Легата ( Николай Легат ). Метод Чеккетти назван в честь итальянского танцора Энрико Чекетти . Другая система обучения была разработана и названа в честь Огюста Бурнонвиля ; этому учат в основном в Дании. Метод Королевской академии танца (RAD) был создан не отдельным человеком, а группой выдающихся профессионалов балета. Несмотря на их ассоциации с географически названными балетными стилями, многие из этих методов обучения используются во всем мире. Например, метод обучения RAD используется более чем в 70 странах.
Балет в американском стиле ( Баланчин ) не преподается посредством стандартизированной, широко распространенной системы обучения. Точно так же во французском балете нет стандартной системы обучения; Каждая из крупнейших балетных школ французского стиля, таких как Балетная школа Парижской оперы , Национальная высшая консерватория музыки и танца и Академия классического танца принцессы Грейс (Монако), использует уникальную систему обучения.
Некоторые системы обучения классическому балету используют стандартизированные макеты для определения контрольных мест по углам и краям сцен, а также в помещениях танцевальных студий. В последнем случае публики нет, а зеркало обычно занимает всю стену зала (например, точки 1–2 плана Чекетти).
