Адольф Готлиб (14 марта 1903 г. – 4 марта 1974 г.) – американский художник- абстракционист, экспрессионист [1], который также занимался скульптурой и стал гравёром. [2]
Готтлиб, один из «первого поколения» абстрактных экспрессионистов , [3] родился в Нью-Йорке в 1903 году в еврейской семье. С 1920 по 1921 год он учился в Лиге студентов-художников Нью-Йорка , после чего, решив стать художником, он оставил среднюю школу в возрасте 17 лет и отправился в Европу на торговом судне . Он путешествовал по Франции и Германии в течение года. [4] Он жил в Париже в течение шести месяцев, в течение которых он каждый день посещал Лувр и посещал занятия в Académie de la Grande Chaumière . Следующий год он провел, путешествуя по Германии, Австрии, Чехословакии и другим частям Центральной Европы, посещая музеи и художественные галереи. Когда он вернулся, он был одним из самых путешествующих художников Нью-Йорка. После возвращения в Нью-Йорк он учился в Лиге студентов-художников Нью-Йорка, Школе дизайна Парсонса , Cooper Union и Образовательном альянсе . [5] [6]
Первая персональная выставка Готлиба прошла в галерее Дюденсинг в Нью-Йорке в 1930 году. В 1920-х и начале 1930-х годов он завязал дружеские отношения на всю жизнь с другими художниками, такими как Барнетт Ньюман , Марк Ротко , Дэвид Смит , Милтон Эвери и Джон Грэм . В 1935 году он и группа художников, включая Бен-Циона , Йозефа Солмана , Илью Болотовского , Ральфа Розенборга , Луиса Харриса, Марка Ротко и Луиса Шанкера , известная как « Десять », выставляли свои работы вместе до 1940 года.
В этот период Готлиб зарабатывал на жизнь, подрабатывая на разных работах с частичной занятостью, а в 1936 году работал над Федеральным художественным проектом . [7] С сентября 1937 года по июнь 1938 года Готлиб жил в пустыне Аризоны , недалеко от Тусона. За эти девять месяцев он радикально изменил свой подход к живописи. Он перешел от экспрессионистско-реалистического стиля к подходу, сочетающему элементы сюрреализма и формалистской абстракции, используя объекты и сцены из местной среды в качестве символов, чтобы удалить временность из своей работы. Он перешел от этого к более сюрреалистическим работам, таким как « Морской сундук» , который отображает загадочные несоответствия на обычном ландшафте.
Здесь он передает зрителю широту, которую он, должно быть, чувствовал, глядя на небо пустыни Аризоны, хотя он превращает эту широту в более простую абстрактную форму: «Я думаю, что эмоциональное чувство, которое я испытывал, было таким, как будто я был в море… Затем есть потрясающая ясность — в Аризоне потрясающая ясность света, а ночью облака кажутся очень близкими». [8] Когда эти аризонские работы были выставлены в Нью-Йорке после возвращения Готлиба, они создали разрыв с бывшим кругом коллег Готлиба, некоторые из которых осудили его новую работу за то, что она «слишком абстрактна». [9]
Готтлиб и небольшой круг друзей ценили работы художника - сюрреалиста , которые они видели выставленными в Нью-Йорке в 1930-х годах. Они также обменивались экземплярами журнала « Cahiers d'art » и были довольно хорошо знакомы с современными идеями об автоматическом письме и подсознательных образах. Готтлиб написал несколько работ в стиле сюрреализма в 1940 и 1941 годах. Результаты его экспериментов проявились в его серии « Пиктограммы », которая охватывала период с 1941 по 1950 год. В своей картине « Возвращение путешественника » [1] он сопоставляет эти изображения в отдельных пространствах. Его изображения кажутся похожими на изображения коренных народов Северной Америки и Древнего Ближнего Востока. Если он обнаруживал, что один из его символов не был оригинальным, он больше не использовал его.
В 1941 году, разочаровавшись в окружающем его искусстве, он разработал подход, который назвал Пиктограммами . Пиктограммы Готлиба, которые он создавал с 1941 по 1954 год, являются одним из первых целостных корпусов зрелой живописи американца его поколения.
Готлиб высказался о своих опасениях, связанных с живописью, в заявлении 1947 года:
Роль художника всегда была ролью создателя образов. Разные времена требуют разных образов. Сегодня, когда наши стремления свелись к отчаянной попытке убежать от зла, а времена разладились, наши навязчивые, подземные и пиктографические образы являются выражением невроза, который является нашей реальностью. По моему мнению, определенная так называемая абстракция вовсе не является абстракцией. Напротив, это реализм нашего времени. [11]
В мае 1942 года его первая «пиктограмма» была представлена на второй ежегодной выставке Федерации современных художников и скульпторов, проходившей в галереях Wildenstein в Нью-Йорке [12]. В своих пиктограммах он представил новый способ подхода к абстракции, который включал образы, извлеченные из его подсознания, но которые заметно отошли от идеи повествования. Чтобы достичь этой цели, Готтлиб представил изображения, вставленные в секции свободно нарисованной сетки. Каждое изображение существовало независимо от других, однако их расположение на одной плоскости, наряду с отношениями цвета, текстуры и формы, позволяло зрителю ассоциировать себя с ними. Значение, таким образом, является глубоко личным — еще одно новшество пиктограммных картин Готтлиба, основанное на сюрреалистическом биоморфизме . Для Готтлиба биоморфизм был способом свободного выражения своего подсознания, которым он был очарован через Джона Грэма , Зигмунда Фрейда и сюрреализм . [13] Готтлиб также включил автоматизм – живописную технику свободных ассоциаций Фрейда – метод, который Готтлиб использовал для создания биоморфных форм, которые были формами, спонтанно задуманными в его бессознательном [2]. Эти биоморфные формы были разделены сплошным сетчатым узором , который служил общей структурой серии «пиктограмм».
Готтлиб однажды сказал: «Если я делал извилистую или змеевидную линию, то это потому, что я хотел змеевидную линию. Впоследствии она напоминала змею, но когда я ее делал, она не напоминала ничего. Это была просто форма...». Эти линии и формы, которые использовал Готтлиб, легко интерпретировались разными людьми как означающие разные вещи. [7]
К 1950 году Готтлиб заметил, что подход « сплошной живописи » стал клише для американской абстрактной живописи. Он начал свою новую серию «Воображаемых пейзажей», в которой сохранил использование «псевдоязыка», но добавил новый элемент пространства. Он не писал пейзажи в традиционном смысле, а скорее модифицировал этот жанр, чтобы он соответствовал его собственному стилю живописи. «Воображаемые пейзажи» — это горизонтальные холсты, разделенные на два регистра, один очень активный ниже, а другой более созерцательный, установили другой подход к абстракции в середине века. В 1955 году Готтлиб заметил: Я часто слышу вопрос: «Что означают эти изображения?» Это просто неправильный вопрос. Визуальные изображения не должны соответствовать ни вербальному мышлению, ни оптическим фактам. Лучшим вопросом было бы: «Передают ли эти изображения какую-либо эмоциональную правду?» [14]
В конце 1956 года Готлиб сформулировал образ, который стал известен как «Взрыв», и провел большую часть следующих двух лет, работая над этим подходом. Он упрощает свое представление до двух форм дисков и извилистых масс. Его картины представляют собой вариации с этими элементами, расположенными по-разному. Эта серия, в отличие от серии «Воображаемый пейзаж», предлагает базовый пейзаж с солнцем и землей. С другой стороны, формы настолько рудиментарны; они не ограничиваются этой одной интерпретацией.
Он был также мастером колориста, и в серии Burst его использование цвета особенно важно. Он считается одним из первых художников цветового поля и одним из предшественников лирической абстракции .
К 1960 году усилия Готтлиба в его серии "Взрыв" позволили ему значительно упростить использование образов. Он создал картины типа "Взрыв" и "Воображаемый пейзаж" на оставшуюся часть своей карьеры, но, в отличие от некоторых своих коллег, он не ограничивался одним или двумя изображениями. Обсуждение искусства Готтлиба обычно ограничивается упоминаниями "Взрывов" или "Воображаемых пейзажей", что умаляет широкий спектр идей, которые исследовал этот художник. Готтлиб резюмировал свои цели в интервью 1967 года:
Но для меня все является природой, включая любые мои чувства – или мечты. Все является частью природы. Даже живопись стала частью природы. Чтобы прояснить еще больше: у меня нет идеологического подхода или доктринерского подхода к моей работе. Я просто рисую из своих личных чувств, рефлексов и инстинктов. Я должен доверять им. [15]
Характерная картина этого периода включена в коллекцию произведений искусства на площади Эмпайр-стейт-плаза губернатора Нельсона А. Рокфеллера в Олбани, штат Нью-Йорк. [16]
В 1967 году, когда Готтлиб готовился к выставке в музее Уитни и Гуггенхайма, он начал делать небольшие модели скульптур из вырезанного и раскрашенного картона, что, по его словам, заставило его почувствовать себя «молодым скульптором, только начинающим». [17] Эти небольшие скульптуры превратились в более крупные работы из вырезанной, сваренной и окрашенной стали и алюминия. Его набег на скульптуру длился всего около полутора лет, но за это короткое время он создал ряд работ, которые бросили вызов разграничению между живописью и скульптурой. Подобно своему другу скульптору Дэвиду Смиту, прошлое Готтлиба как художника не позволяло ему визуализировать объекты без цвета. Как только он это принял, он был вынужден использовать все инструменты, которые он разработал за свою долгую карьеру художника — прикосновение, визуальный баланс, качество поверхности и многое другое — чтобы сделать свои скульптуры, как и его картины, «средством выражения чувств… Я чувствую необходимость в том, чтобы определенные цвета, которые я использую, или определенные формы несли бремя всего, что я хочу выразить, и все должно быть сконцентрировано в этих нескольких элементах». [8] Всего Готтлиб создал 42 скульптуры, включая три большие работы на открытом воздухе, которые в настоящее время находятся в коллекциях Национальной галереи искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, Центра искусств Storm King в Нью-Виндзоре, штат Нью-Йорк, и Музея искусств Метрополитен в Нью-Йорке. [18]
Готлиб продолжал активно работать в течение 1960-х годов. В 1963 году он стал первым американским художником, удостоенным Гран-при биеннале в Сан-Паулу в Бразилии. В 1965 году он получил премию «Золотая пластина » Американской академии достижений . [19] В 1968 году Музей Гуггенхайма и Музей Уитни в Нью-Йорке объединились для проведения ретроспективной выставки его работ, которая заполнила оба музея. На сегодняшний день это остается единственным совместным проектом этих двух крупных учреждений.
У Готтлиба было 56 персональных выставок, и он был включен в более чем 200 групповых выставок. Его произведения искусства находятся в коллекциях более чем 140 крупных музеев по всему миру. Готтлиб был успешным художником, рисовальщиком, гравером и скульптором. Он спроектировал и руководил строительством витражного фасада площадью 1500 квадратных футов для Центра Милтона Стейнберга в Нью-Йорке в 1954 году, а также он спроектировал анфиладу из 18 витражных окон для Еврейского центра Кингсвэй в Бруклине. [20] Он был первым из своего поколения, чьи работы были собраны Музеем современного искусства в Нью-Йорке (1946) и Музеем Гуггенхайма (1948).
Работы Готлиба включены в постоянные коллекции многочисленных музейных учреждений в США, например, его работа «Алтарь» 1947 года включена в постоянные коллекции Художественного музея Переса в Майами , Флорида. [21]
Инсульт в 1970 году парализовал Готтлиба, за исключением правой руки и кисти. Он продолжал рисовать и выставлять свои работы до самой смерти в марте 1974 года. Его похороны состоялись 6 марта 1974 года в похоронном бюро Фрэнка Э. Кэмпбелла, и он был похоронен на кладбище Маунт-Плезант, Хоуторн, штат Нью-Йорк. [22] В 1972 году он был избран в Американскую академию искусств и литературы .
Готлиб выступал за профессиональный статус художников на протяжении всей своей жизни. Он помогал организовывать «Форум 49» и другие мероприятия и симпозиумы под руководством художников в Нью-Йорке и Провинстауне в 1940-х и 1950-х годах. В 1950 году он был главным организатором протеста против Музея Метрополитен, в результате которого он и его коллеги получили признание как « Вспыльчивые ». Следуя указаниям в его завещании, в 1976 году был создан Фонд Адольфа и Эстер Готлиб , предлагающий гранты визуальным художникам.
