Гобелен – это вид текстильного искусства , традиционно ткущийся вручную на ткацком станке . Обычно он используется для создания изображений, а не узоров. Гобелены относительно хрупкие, и их сложно изготовить, поэтому большинство исторических произведений предназначены для вешания вертикально на стену (или иногда в палатках), а иногда и горизонтально над предметом мебели, например столом или кроватью. В некоторые периоды изготавливались куски меньшего размера, часто длинные и узкие, которые использовались в качестве границ для других тканей . Большинство ткачей используют натуральную основу, например шерсть , лен или хлопок . Уточные нити обычно состоят из шерсти или хлопка, но могут включать в себя шелк , золото , серебро или другие альтернативы.
В Европе позднего Средневековья гобелены были величайшим и самым дорогим средством для двумерных фигуративных изображений, и, несмотря на быстрый рост значения живописи, они сохраняли эту позицию в глазах многих покровителей эпохи Возрождения , по крайней мере, до конца 16 века, если не дальше. [1] Европейская традиция продолжала развиваться и отражать более широкие изменения в художественных стилях до Французской революции и наполеоновских войн , а затем возродилась в меньшем масштабе в 19 веке.
Технически гобелен представляет собой плетение с уточной поверхностью, при котором все нити основы скрыты в готовой работе, в отличие от большинства тканых тканей, где могут быть видны как основа, так и уточные нити. В гобеленовом ткачестве уточные нити обычно прерывистые (в отличие от парчи ); ремесленник переплетает каждую цветную нитку взад и вперед на своей небольшой площади узора. Это простое переплетение с уточной поверхностью, в котором уточные нити разных цветов прорабатываются на участках основы, образуя узор. [2] Европейские гобелены обычно создаются так, чтобы их можно было увидеть только с одной стороны, и часто с обратной стороны добавляется простая подкладка. Однако другие традиции, такие как китайская кеси и доколумбовая традиция Перу , делают гобелен видимым с обеих сторон. [3]
Гобелен следует отличать от другой техники вышивки , [4] хотя большие фрагменты вышивки с изображениями иногда условно называют «гобеленом», [5], как в случае со знаменитым гобеленом из Байе , который на самом деле вышит. [6] Со времен Средневековья европейские гобелены могли быть очень большими, с изображениями, содержащими десятки фигур. Их часто делали комплектами, так что ими можно было увешать целую комнату.
В английском языке слово «гобелен» имеет два значения, оба из которых применимы к большинству обсуждаемых здесь работ. Во-первых, это работа в технике гобеленового плетения, описанной выше и ниже, а во-вторых, это довольно большая текстильная настенная подвеска с фигуративным рисунком. Некоторые вышитые произведения, такие как гобелен из Байе , соответствуют второму определению, но не первому. Ситуация осложняется тем, что французский эквивалент таписсери также охватывает работу с вышивкой , что может привести к путанице, особенно с такими предметами, как чехлы для мебели, где используются обе техники.
Согласно Оксфордскому словарю английского языка , самое раннее использование на английском языке было в завещании 1434 года, где упоминалось «Lectum meum de Tapstriwerke cum leonibus cum pelicano». [7] Они дают широкое определение, охватывающее: «Текстильная ткань, украшенная узорами орнамента или живописными сюжетами, окрашенная, вышитая или сотканная в цветах, используемая для настенных ковров, штор , чехлов для сидений…», прежде чем упоминать «особенно» сотканные гобеленовым переплетением. [8]
Слово «гобелен» происходит от старофранцузского Tapisserie , от Tapisser , [9] означающего «покрывать тяжелой тканью, укладывать ковер», в свою очередь, от Tapis , «тяжелая ткань», через латинские ленты ( gen : Tapetis ) , [10] является латинизацией греческого τάπης ( Tapēs ; gen: τάπητος , Tapētos ), «ковер, ковер » . [11] Самая ранняя засвидетельствованная форма этого слова — микенский греческий 𐀲𐀟𐀊 , ta-pe-ja , написанный линейным письмом B. [12]
«Гобелен» не был для них распространенным английским термином почти до конца классического периода. Если их не называли просто «гобеленами» или «тканями», то они были известны как «аррас» с того периода, когда Аррас был ведущим производственным центром. Араццо до сих пор является термином для обозначения гобелена на итальянском языке, в то время как в ряде европейских языков используются варианты, основанные на гобеленах , в честь французской фабрики; например, и в Дании, и в Венгрии используется гобелен (а по-датски Tapet означает обои ). Томас Кэмпбелл утверждает, что в документах, относящихся к королевской коллекции Тюдоров , начиная с 1510 года, «аррас» конкретно означал гобелены с использованием золотой нити. [13]
Гобелен – это вид ткачества . Могут использоваться различные конструкции ткацких станков , в том числе вертикальные ткацкие станки или ткацкие станки с «высокой основой», где гобелен натягивается вертикально перед ткачом, или горизонтальные ткацкие станки с «низкой основой», которые были обычными в крупных мастерских средневековья и эпохи Возрождения, но позже в основном использовался для небольших деталей. Ткач всегда работает с обратной стороны изделия и обычно следует рисованному или раскрашенному мультфильму в натуральную величину или, возможно, другому гобелену; в зависимости от настройки это переворачивает (является зеркальным отражением) изображение гобелена. Мультфильм обычно создавался на основе модели меньшего размера , которую в «промышленных» мастерских, по крайней мере, с позднего средневековья , создавал профессиональный художник, который часто практически не участвовал в этом процессе или вообще не участвовал в нем. Ткач нарисовал рисунок на линиях основы, а затем поместил его туда, где его все еще можно было увидеть, иногда через зеркало, когда он висел за ткачом. На ткацких станках с низкой основой рисунок обычно разрезали на полоски и помещали под плетение, где ткач мог видеть его сквозь «паутину» нитей. [14] Карикатуры Рафаэля , которые являются очень редкими примерами сохранившихся мультфильмов, были вырезаны таким образом.
В европейских «промышленных» гобеленах нити основы обычно были шерстяными, но в более старых и более кустарных условиях часто использовался лен . Уточные нити были шерстяными, а в самых дорогих гобеленах использовались шелковые, серебряные или золотые нити . Некоторые известные образцы, такие как гобелены Сикстинской капеллы и комплект «История Авраама» , вероятно, впервые созданный для короля Генриха VIII , сохранились в версиях с драгоценными металлами и других версиях без них. [15] Использование шелка могло увеличить стоимость в четыре раза, а добавление золотой нити значительно увеличило стоимость, возможно, в пятьдесят раз больше, чем стоимость одной только шерсти. [16]
Ткачами обычно были мужчины, поскольку работа была тяжелой физически; прядение ниток обычно было женской прерогативой. Помимо дизайна и материалов, качество гобеленов зависит от плотности плетения. Одной из современных мер этого показателя является количество нитей основы на сантиметр. Подсчитано, что один-единственный ткач мог за месяц изготовить квадратный ярд гобелена среднего качества, но только вдвое меньше, чем самого высокого качества. [17]
Успех декоративных гобеленов частично объясняется их портативностью ( Ле Корбюзье однажды назвал гобелены «кочевыми фресками»). [18] Полностью сотканный вручную гобелен больше подходит для создания новых фигуративных дизайнов, чем другие виды тканого текстиля, а ткацкие станки могут быть намного больше. [19] Короли и дворяне могли складывать и перевозить гобелены из одной резиденции в другую. У многих королей были «гардеробные» отделы со своими зданиями, предназначенные для ухода, ремонта и перемещения гобеленов, которые складывали в большие холщовые мешки и перевозили на тележках. В церквях их выставляли в особых случаях. Гобелены также украшали стены дворцов и замков для утепления зимой, а также для декоративной демонстрации. Во время особых церемониальных процессий, таких как коронации, королевские въезды и свадьбы, их иногда выставляли на улице. [20] Самые большие и лучшие гобелены, предназначенные для большего количества общественных мест во дворцах, выставлялись только в особых случаях, что уменьшало износ и выцветание. Предположительно, небольшие личные комнаты были завешены навсегда. [21]
Многие более мелкие предметы использовались в качестве чехлов для мебели, подушек, занавесок и покрывал для кроватей. Другие, особенно те, которые были созданы для покровителей, не относящихся к верхушке элиты, были разрезаны и повторно использованы для таких функций, когда они или гобелены в целом стали казаться старомодными. Сумки, а иногда и одежда использовались повторно. [22] Мануфактура Бове стала скорее специалистом по обивке мебели, что позволило ей выжить после Французской революции , когда она стала основным оставшимся рынком. В случае гобеленов с нитью из драгоценного металла их можно было сжечь, чтобы восстановить металл, как это сделали солдаты Карла V с некоторыми гобеленами Сикстинской капеллы , а правительство Французской Директории сделало в 1790-х годах большую часть королевской коллекции эпохи Возрождения. . [23]
В Средние века и эпоху Возрождения позади и над троном в качестве символа власти висела богатая гобеленовая панель, сотканная с символическими эмблемами , девизами или гербами, называемая балдахином , государственным балдахином или государственной тканью. [24] Место под таким государственным навесом обычно поднимается на помост .
Поскольку картины стали рассматриваться как более важные произведения искусства, как правило, к 17 веку, гобелены во дворцах стали меньше перемещать и стали рассматриваться как более или менее постоянное приспособление для определенной комнаты. Именно в этот момент многие старые гобелены были разрезаны, чтобы их можно было разместить вокруг дверей и окон. Они также часто страдали от унижения, когда на них висели картины. [25] Некоторые новые гобелены были созданы для конкретной комнаты; Дизайн набора «Гобелины» от Croome Court , сейчас находящегося в Нью-Йорке, имеет большое поле с орнаментальным рисунком, размер которого можно легко регулировать в соответствии с размерами комнаты заказчика.
Многое неясно о ранней истории гобеленов, поскольку настоящие сохранившиеся гобелены очень редки, а литературные упоминания в греческой, римской и другой литературе почти никогда не дают достаточно подробностей, чтобы установить, что описывается техника гобелена. Из Древнего Египта в гробницах Тутмоса IV (ум. 1391 или 1388 г. до н. э.) и Тутанхамона (ок. 1323 г. до н. э.) и Тутанхамона (ок. 1323 г. до н. э.) были найдены гобелены с использованием льна, последний представлял собой перчатку и мантию. [26]
Кусочки шерсти, датированные широким диапазоном дат около двух тысячелетий назад, были найдены на кладбище в Санпуле (Шампула) и других памятниках близ Хотана в Таримской котловине . Судя по всему, они были созданы в самых разных местах, в том числе в эллинистическом мире . [27] Самые большие фрагменты, известные как гобелен Сампула и, вероятно, эллинистического происхождения, по-видимому, произошли от большой настенной коврижки, но были повторно использованы для изготовления пары брюк.
Гобелен Гестии из Византийского Египта около 500–550 гг. представляет собой практически неповрежденный кусок шерсти со множеством фигур вокруг восседающей на троне богини Гестии , имя которой написано греческими буквами. Его размеры 114 х 136,5 см (44,9 х 53,7 дюйма) с закругленным верхом, предположительно, висели в доме, что свидетельствует о сохранении греко-римского язычества в этот поздний период. В Кливлендском художественном музее есть сопоставимая Дева Мария на троне той же даты. [28] Многие из небольших бордюров и нашивок с изображениями, которыми ранний византийский мир любил украшать свою одежду, были гобеленами.
Ряд сохранившихся примерно с 1000 года свидетельствуют о развитии формы фриза , большого длинного гобелена относительно небольшой высоты. Очевидно, они предназначались для того, чтобы висеть вокруг зала или церкви, вероятно, довольно высоко; почти все сохранившиеся образцы сохранились в церквях, но изначально могли быть светскими. Ткань Святого Гереона, датируемая примерно 1000 годом, имеет повторяющийся узор, сосредоточенный на медальонах с мотивом быка, на которого нападает грифон , взятого из византийского шелка (или его персидского эквивалента), но, вероятно, сотканного на месте в Рейнской области . [29] Он сохранился в церкви в Кельне , Германия.
Пять полос гобеленов Оверхогдала из Швеции, датированные 70-м годом после 1100 года, имеют рисунки, в которых животные значительно превосходят по численности человеческие фигуры, и получили различные интерпретации. Одна полоска имеет геометрические мотивы. Гобелен Ског , также из Швеции, но, вероятно, начала 14 века, аналогичен по стилю.
Самый известный фриз - это гобелен из Байе , на самом деле вышивка, длина которого составляет 68,38 метра, ширина 0,5 метра (224,3 х 1,6 фута), а изначально она была еще длиннее. Это было сделано в Англии, вероятно, в 1070-х годах, и повествование о норманнском завоевании Англии в 1066 году очень ясно объяснено титулами на латыни . Возможно, это был англосаксонский жанр, поскольку в Liber Eliensis записано, что вдова англосаксонского полководца Биртнота подарила Эли Эбби гобелен или завесу, прославляющую его деяния, предположительно в стиле гобелена из Байе, единственного сохранившегося образца такая работа. Это было подарено сразу после его смерти в 991 году в битве при Мэлдоне , поэтому, вероятно, раньше висело у него дома. [30]
Группа с повествовательными религиозными сценами в явно романском стиле , который относится к иллюминированным рукописям Рейнской области того же периода, была создана для Хальберштадтского собора в Германии около 1200 года и имела различную форму, чтобы соответствовать конкретному пространству. Они вполне могли быть изготовлены монахинями или светскими канонисами близлежащего Кведлинбургского аббатства . [31]
В этот период повторяющиеся декоративные мотивы, все чаще геральдические и сравнимые со стилями импортных роскошных тканей, таких как византийский шелк , по-видимому, были обычным явлением. Из упомянутых выше гобеленов ткань святого Гереона лучше всего представляет этот стиль. [32]
Решающий сдвиг в истории европейского гобелена произошел около 1350 года и во многих отношениях определил образец развития отрасли до конца ее основного периода важности, во время потрясений, последовавших за Французской революцией. [33] Гобелены, изготовленные для очень небольшого числа клиентов, способных заказать лучшие произведения, теперь были чрезвычайно большими и чрезвычайно дорогими, очень часто делались наборами и часто изображали сложные повествовательные или аллегорические сцены с большим количеством фигур. [22] Они производились в крупных мастерских, сосредоточенных в ряде городов относительно небольшого региона северной Франции и южных Нидерландов (отчасти из-за близости к запасам английской шерсти). Условно все это часто называют «фламандскими гобеленами», хотя большинство центров производства на самом деле находились не в графстве Фландрия .
Прежде чем попасть в ткацкую мастерскую, в процессе ввода в эксплуатацию обычно участвовал покровитель, художник и торговец или дилер, которые выясняли договоренности и контракты. Некоторые гобелены, судя по всему, были изготовлены на склад до того, как появился покупатель. Финансирование значительных затрат на создание мастерских часто неясно, особенно в ранний период, но правители поддерживали некоторые мастерские или других богатых людей. Весьма вероятно, что в этом также были замешаны торговцы или дилеры.
Где были изготовлены сохранившиеся гобелены примерно до 1600 года, часто неясно; с 1528 года Брюссель , который к тому времени уже был главным центром, требовал от своих ткачей маркировать гобелены любого размера знаком города и ткача или купца. [34] В любой момент времени с 1350 по 1600 год, вероятно, только один или два центра могли производить самые крупные и лучшие королевские заказы, и группы высококвалифицированных ткачей мигрировали в новые центры, часто вынужденные переехать из-за войн или чумы. Сначала Париж лидировал, но английская оккупация после 1418 года отправила многих в Аррас , который уже был центром. Аррас, в свою очередь, был разграблен в 1477 году, что привело к возвышению Турне , вплоть до серьезной чумы в начале следующего столетия. Значение Брюсселя росло и теперь стало самым важным центром, которым он оставался до тех пор, пока Восьмидесятилетняя война не разрушила все Нидерланды. В начале 17 века в Брюсселе произошло возрождение, но примерно с 1650 года французские фабрики все больше обгоняли его и оставались доминирующими до тех пор, пока мода и потрясения Французской революции и наполеоновских войн фактически не положили конец традиционному спросу на большие гобелены. . [35]
Ткачество гобеленов существовало всегда, в основном в небольших мастерских, изготавливавших более мелкие изделия, в других городах северной Франции и Нидерландов. То же самое наблюдалось и в других частях Европы, особенно в Италии и Германии. С середины 16 века многие правители поощряли или непосредственно создавали мастерские, способные выполнять высококачественную работу в своих владениях. Наиболее успешным это было во Франции, но в Тоскане, Испании, Англии и, в конечном итоге, в России были высококачественные мастерские, которые обычно начинались с импорта группы квалифицированных рабочих из «фламандских» центров.
Главными ткацкими центрами управляли французская и бургундская ветви Дома Валуа , которые были чрезвычайно важными покровителями в период позднего средневековья . Это началось с четырех сыновей Иоанна II Французского (ум. 1362), чьи описи показывают, что им принадлежали сотни гобеленов. Почти единственный сохранившийся из этих коллекций и самый известный гобелен 14 века — это огромный гобелен «Апокалипсис» , очень большой набор, сделанный для Людовика I, герцога Анжуйского в Париже между 1377 и 1382 годами. [36]
Другой из братьев, Филипп Смелый , герцог Бургундский (ум. 1404), вероятно, был еще более расточительным транжирой и подарил множество гобеленов другим правителям Европы. Несколько центров ткачества гобеленов находились на его территории, и его дары можно рассматривать как довольно успешную попытку распространить вкус к большим фламандским гобеленам среди других дворов, а также как часть его попыток повысить статус своего герцогства. . Помимо Бургундии и Франции, гобелены были переданы нескольким английским Плантагенетам , а также правителям Австрии, Пруссии, Арагона, Милана и, по его особой просьбе, османскому султану Базаджету I (в рамках сделки о выкупе за герцогское наследие). сын). Ни один из гобеленов, заказанных Филиппом, похоже, не сохранился. [37] Вкус Филиппа к гобеленам очень сильно передался его потомкам, включая испанских Габсбургов.
Новый стиль больших гобеленов, которые были большими и часто в наборах, в основном изображал предметы с большим количеством фигур, представляющих сюжетные сюжеты. Иконография значительной части повествовательных гобеленов восходит к письменным источникам, причем двумя популярными вариантами являются Библия и « Метаморфозы » Овидия .
Особенностью гобеленового плетения, в отличие от живописи, является то, что плетение участка работы, содержащего лишь относительно простые участки композиции, например небо, траву или воду, все же предполагает относительно большой объем медленной и квалифицированной работы. Это, вместе с ожиданием заказчика эффекта непреодолимого великолепия и удаленностью основных центров от итальянского влияния, привело к тому, что северные композиции оставались перегруженными фигурами и другими деталями еще долгое время после того, как классические тенденции в живописи итальянского Возрождения уменьшили скученность в картинах. .
Важным вызовом северному стилю стало прибытие в Брюссель, вероятно, в 1516 году, карикатур Рафаэля для заказа папы в Сикстинской капелле , состоящего из большого набора, изображающего Деяния апостолов . Они были отправлены из Рима и использовали новейший монументальный классицистический стиль Высокого Возрождения , который также достигал севера через гравюры.
Большой популярностью пользовались и сцены охоты. Обычно им не придавалось какой-либо конкретной обстановки, хотя иногда комиссару и другим фигурам могли быть даны портреты. Четыре Девонширских охотничьих гобелена (1430–1450, Виктория и Альберта), вероятно, изготовленные в Аррасе, представляют собой, пожалуй, самый большой набор сохранившихся произведений XV века, изображающих охоту на медведей, кабанов, оленей, лебедей, выдр и соколиную охоту. Рядом с бойней прогуливаются очень модно одетые дамы и господа. Другой комплект , датированный после 1515 года, демонстрирует аналогичный стиль позднего средневековья, хотя частично сделан из шелка, поэтому он очень дорогой.
Но двенадцать произведений в «Шасах Максимилиана» (1530-е годы, Лувр), созданных в Брюсселе для покровителя Габсбургов, демонстрируют продвинутый композиционный стиль эпохи Возрождения, адаптированный к гобеленам. На них изображены сцены охоты на каждый месяц года, а также показаны определенные места в городе. В 1770-х годах Гойя все еще создавал сцены охоты.
После вероятного перерыва с XI века, в конце XIV века наборы гобеленов вернулись в качестве величайшего средства «официального военного искусства », обычно прославляющего победы человека, заказавшего их. [38] Филипп Смелый заказал битву при Роосбеке через два года после своей победы в 1382 году , высота которой составляла пять метров, а ширина - более 41 метра. Джон Гонт , герцог Ланкастерский , настаивал на том, что он был изменен, когда Филипп показал его на дипломатической встрече в Кале в 1393 году для переговоров о мирном договоре; Гаунт счел эту тему неподходящей для данного случая. [39] Португальские гобелены Пастраны (1470-е годы) были ранним примером и редким свидетельством, сохранившимся с такой ранней эпохи.
Было создано множество декораций из жизни классических героев, включающих множество батальных сцен. Отмечались не только Троянская война , Александр Великий , Юлий Цезарь и Константин I , но и менее вероятные фигуры, такие как Кир Великий из древней Персии .
В 15 веке было много современных войн, особенно в честь побед Габсбургов. Карл V заказал большой набор после своей решающей победы в битве при Павии в 1525 году; набор сейчас находится в Музее Каподимонте в Неаполе. Когда он возглавил экспедицию в Северную Африку, кульминацией которой стало завоевание Туниса в 1535 году (не более продолжительное, чем завоевание Танжера , изображенное на гобеленах Пастраны), он взял с собой фламандского художника Яна Корнелиса Вермейена , главным образом для создания рисунков для декораций. гобеленов, заказанных по его возвращению.
Современная военная тематика стала менее популярной, поскольку многие войны 16 века стали религиозными, иногда для их освещения выбирались аллегорические сюжеты. Но битва при Лепанто была отмечена брюссельским набором, а поражение испанской армады - гобеленами Армады (1591 г.); они были сделаны в Делфте командой, которая также создала множество гобеленов, посвященных голландским военно-морским победам. Набор «Армада» был уничтожен во время сожжения парламента в 1834 году, но известен по гравюрам. В обоих наборах использовался вид с высоты и вдаль, который продолжался во многих более поздних сериях наземных сражений, часто в сочетании с несколькими крупными фигурами на переднем плане. Французские гобелены, заказанные Людовиком XIV, посвященные победам в начале его правления, относились к этому типу. Прямо в конце XVI века был заказан комплекс (сейчас в Мадриде) с изображением « Триумфов и сражений» эрцгерцога Альберта , только что ставшего сувереном Испанских Нидерландов (его военная карьера на самом деле сложилась довольно неудачно). Городской совет Антверпена заказал его в мастерской Маартена Реймбоутса Младшего в Брюсселе, чтобы впервые увидеть его по случаю его королевского въезда в Антверпен в конце 1599 года.
Набор, изготовленный для Джона Черчилля, 1-го герцога Мальборо , показывающий его победы, варьировался для разных клиентов и даже был продан одному из его противников, Максимилиану II Эмануэлю, курфюрсту Баварии , после переделки лиц генералов и других деталей. [40]
_Mon_seul_d%C3%A9sir_(La_Dame_%C3%A0_la_licorne)_-_Mus%C3%A9e_de_Cluny_Paris.jpg/1280px-(Toulouse)_Mon_seul_d%C3%A9sir_(La_Dame_%C3%A0_la_licorne)_-_Mus%C3%A9e_de_Cluny_Paris.jpg)
Миллефлер (или миллефлер) представлял собой фоновый стиль множества различных маленьких цветов и растений, обычно изображенных на зеленой земле, как будто растущих в траве. Часто добавляют различных животных, обычно все примерно одного размера, так что кролик или голубь и единорог не сильно отличаются по размеру. [41] Деревья обычно слишком малы и не соответствуют размерам цветов вокруг них, что также обычно встречается в средневековой живописи.
Стиль миллефлер использовался для различных сюжетов примерно с 1400 по 1550 год, но в основном между 1480 и 1520 годами. Во многих сюжетах фон миллефлера простирается до верхней части гобелена, исключая небо; минимизация неба уже была характерной чертой гобеленового стиля; Девонширские охотничьи гобелены демонстрируют раннюю стадию развития этого стиля. Выдающиеся фоны миллефлера, в отличие от тех, которые в основном покрыты фигурами, особенно характерны для аллегорических и куртуазных сюжетов. Знаменитыми примерами являются «Дама и единорог» , действие которых происходит в Париже, примерно с 1500 года .
Фоны Миллефлер стали очень распространены для геральдических гобеленов, которые были одним из самых популярных относительно небольших типов, обычно более высоких, чем широких. В центре обычно был герб покровителя с широким цветочным полем. Их часто вешали за спиной покровителя, когда он сидел в параде или обедал, и предназначались для многих дворян, которые не могли позволить себе огромные сюжетные наборы, купленные членами королевской семьи. Ангиен был небольшим ткацким центром, который, похоже, специализировался на этом. [34] Более ранние типы геральдических гобеленов часто повторяли элементы геральдики в узорах.
Примерно после 1520 года ведущие мастерские отошли от обстановки миллефлёра в сторону натуралистического пейзажа со всеми элементами, размер которых соответствовал единому перспективному масштабу. Гобелены, основным содержанием которых были пейзажи и животные, известны как сюжеты зелени (от французского «зелень»). Этот жанр больше других пострадал от изменения цвета, поскольку зеленый цвет гобеленов особенно склонен к выцветанию или превращению в синий. Гобелены этого типа меньшего размера оставались популярными до 18 века и имели то преимущество, что мастерские могли изготавливать их без определенного заказа и распространять по Европе через сеть дилеров. Примерно с 1600 года они следовали более широким тенденциям европейской пейзажной живописи и гравюры. На них специализировался Ауденарде , но их производили во многих городах. [34] Как и в случае с картинами, добавление одной-двух фигур могло превратить такие произведения в изображение истории из классической мифологии или предмета охоты.
Ткачи гобеленов в Нидерландах к концу 15 века стали очень комфортно работать с готическим стилем и не спешили отражать стилистические изменения итальянского Возрождения ; возможно, этому способствовало давление со стороны покупателей гобеленов. Принты позволили увидеть итальянские образцы на севере.
Отличительной итальянской темой был триумф Петрарки , заимствованный из его цикла стихов I trionfi (до 1374 г.). Первыми зарегистрированными гобеленами был набор из трех частей, заказанный герцогом Бургундским Филиппом Смелым в Париже в 1399 году. В наборе, изготовленном в 1450-х годах для Джованни Медичи , ведущего покровителя новейшего флорентийского стиля, использовались карикатуры, присланные из Италии в Нидерландские ткачи. Но сюжеты соответствовали стилю ткачей гобеленов, поскольку большинство рисунков включали в себя толпы тщательно одетых фигур, и нужно было нарисовать моральные послания. [43]
XVI век сохранил любовь к гобеленам и, возможно, стал лучшим периодом в истории этого материала. К настоящему времени городами, производящими гобелены, в основном управляла семья Габсбургов , которая заменила Валуа в качестве доминирующих покровителей. В начале века Турне, возможно, все еще был крупнейшим ткацким центром, но после чумы его сменил Брюссель, который, будучи нидерландской административной столицей Валуа и Габсбургов в последние десятилетия, вероятно, уже был главным центром ткачества высочайшего качества. к 1500 году. Но было много других городов, где ткали гобелены. [44]
Гобелены были заказаны в Нидерландах правителями всей Европы, от короля Генриха VIII в Англии до Папы Льва X и Сигизмунда II Августа в Польше и Литве. Владение меньшими гобеленами также шире распространялось среди дворянства и буржуазии . С 1528 года гобелены больших размеров, изготовленные в Брюсселе, должны были иметь такую маркировку, а также клеймо изготовителя или дилера, что значительно облегчало задачу историка. [45] После соглашения между соответствующими гильдиями в 1476 году карикатуры для основных рисунков должны были быть предоставлены членом гильдии художников, в то время как ткачи могли разрабатывать их с деталями, особенно в рисунках милльфера . Это обеспечило высокое качество дизайна брюссельских изделий. [46]
В начале века господствовал стиль поздней готики, и оба самых известных комплекта гобеленов « мильфлер » с « единорогом » были изготовлены около 1500 года, возможно, по образцам из Парижа: « Дама и единорог» (ныне Париж) и «Охота на Единорог (ныне Нью-Йорк). Набор Папы Льва для Сикстинской капеллы , спроектированный Рафаэлем в 1515–1516 годах, ознаменовал введение в гобелены полного стиля итальянского Высокого Возрождения , и ведущие северные дизайнеры теперь попытались перенять его, что было для них довольно трудной задачей, хотя Широкое распространение гравюр по Европе дало им простой путь, по которому многие пошли. Les Chasses de Maximilien («Охота Максимилиана») представляла собой серию из двенадцати огромных брюссельских гобеленов, созданных Бернаром ван Орлеем в 1530-х годах для Габсбургов, что стало одной из самых успешных попыток создать современный стиль эпохи Возрождения. [47] Технически, брюссельские гобелены в последней четверти XV века уже стали достаточно сложными, чтобы начать включать больше иллюзионистских элементов, различая различные текстуры в их предметах и включая портреты людей (сейчас в основном неизвестных), а не типовые цифры. [48]
На протяжении столетия картины маслом в основном перешли с подставки на холст, что позволило иметь гораздо больший размер, и начали серьезно конкурировать с гобеленами. Подлинность прикосновения мастера, которую допускали картины, а не гобелены, оценили самые искушенные меценаты, в том числе Габсбурги. Однако Карл V и Филипп II Испанские продолжали тратить огромные суммы на гобелены, очевидно, считая их самой великолепной формой украшения, сохраняющей преемственность со своими бургундскими предками.
В начале 17 века среди элиты сохранялся интерес к гобеленам, хотя живопись неуклонно набирала обороты. Брюссель оставался наиболее важным центром ткачества, а Рубенс , в основном базирующийся в Антверпене недалеко от него, привнес в среду стиль великого барокко , а Якоб Йорданс и другие также разработали многие из них. [49] В более поздних поколениях важными дизайнерами были Юстус ван Эгмонт (ум. 1674), Людвиг ван Шур (ум. 1702) и Ян ван Орли (ум. 1735, последний из многолетней династии ). Брюссельские мастерские во второй половине века несколько пришли в упадок, поскольку большие картины фламандского барокко заняли часть их рынка, а французская конкуренция вытеснила оставшуюся нишу для гобеленов. [49]
Производство в Париже возродилось с 1608 года, замедлившись во время гражданских войн 1640-х годов, но возобновившись в 1658 году, когда Николя Фуке основал мастерскую. После его падения Кольбер в основном объединил ее с новой Мануфактурой гобеленов, которую он основал для короля в 1663 году, которая существует и по сей день. Мануфактура Бове , всегда являвшаяся частным предприятием, была основана Кольбером в 1664 году, но стала значимой только двадцать лет спустя. Гобелены Обюссона , вероятно, являвшиеся продолжением более ранних небольших мастерских, продолжались, но в следующем столетии стали более значимыми. Работы гобеленов, созданные придворными художниками в новейшем стиле Людовика XIV , становились все более доминирующими на протяжении оставшейся части столетия и к 1700 году стали самой почитаемой и подражаемой мастерской в Европе. [50]
Гобеленовая фабрика Мортлейк за пределами Лондона была основана в 1619 году при поддержке короля Англии Карла I , вначале с использованием фламандских ткачей, а в 1620-х и 1630-х годах они производили одни из самых качественных гобеленов в Европе. Мастерская Медичи во Флоренции продолжалась, а с 1630 года к ней присоединилась мастерская в Риме, начатая кардиналом Франческо Барберини с неизбежным импортированным фламандским директором. К концу века мастерские в Мортлейке и Риме прекратили свое существование. В Германии мастерские были открыты в Мюнхене в 1604 году, а к концу века еще в девяти городах, многие из которых спонсировались местным правителем. [51]
.jpg/1280px-El_Quitasol_(Goya).jpg)
Примерно в начале века возрос интерес к пейзажным сюжетам, некоторые из которых все еще содержали сцены охоты, а другие показывали жанровые сюжеты сельской жизни.
За столетие было открыто несколько новых мастерских, главным исключением стала Королевская фабрика гобеленов в Мадриде. Это началось в 1720 году, вскоре после того, как Испания потеряла свои территории во Фландрии по Утрехтскому договору . Филипп V Испанский привез Якоба ван дер Готена и шестерых его сыновей в Мадрид. Самыми известными гобеленами являются гобелены, созданные Франсиско Гойей в 1775 году. На них в основном изображены жанровые сцены, в которых воссоздаются влюбленные или деревенские жители. И его карикатуры , и сделанные из них гобелены в основном сохранились, причем многие карикатуры находятся в Прадо , а гобелены до сих пор находятся в королевских дворцах. Как и в случае с карикатурами Рафаэля на гобелены Сикстинской капеллы, современные критики склонны отдавать предпочтение карикатурам. До 1997 года работы находились в частной собственности Ван дер Готенов и их потомков, а последний член семьи ушел с поста председателя в 2002 году. За исключением пауз во время войн, на заводе продолжали производить гобелены. [52]
Примерно в середине века новый стиль рококо оказался очень эффективным в гобеленах, которые теперь стали намного меньше, чем раньше. Франсуа Буше создал 45 карикатур для Бове, а затем, к 1753 году, последовал за художником-анималистом Жаном-Батистом Удри в качестве художественного руководителя Гобеленов. [53] Самым известным набором Удри был «Пасторальные развлечения» из восьми человек, сделанный с 1720-х годов во многих повторениях.
Во второй половине века основные мастерские Брюсселя постепенно закрылись, последний раз в 1794 году . фигуративные гобелены почти прекратились по всей Европе.
В 19 веке Уильям Моррис возродил искусство изготовления гобеленов в средневековом стиле в аббатстве Мертон . Компания Morris & Co. выпустила успешную серию гобеленов для домашнего и церковного использования с фигурами по мотивам мультфильмов Эдварда Бёрн-Джонса . Набор из шести гобеленов Святого Грааля 1890-х годов, повторенных несколько раз, является самым большим из созданных ими и, возможно, самым успешным.
Традиционные гобелены до сих пор производятся на фабрике Гобеленов в Париже и королевской фабрике в Мадриде. Они и несколько других старых европейских мастерских также ремонтируют и реставрируют старые гобелены; главная британская мастерская находится во дворце Хэмптон-Корт , отделении Королевского фонда коллекций .
Китайский кеси — это гобеленовое переплетение, в котором обычно используется шелк в меньшем количестве по сравнению с европейскими настенными драпировками. Одежда для двора была одним из основных применений. Плотность узлов обычно очень высока, поэтому создание платья самого высокого качества требует, возможно, такого же труда, как и создание гораздо большего европейского гобелена. Первоначально он использовался для изготовления небольших предметов, часто с украшениями в виде животных, птиц и цветов или драконов для императорской одежды, во времена династии Мин его использовали для копирования картин.
«Смерть Полидора» — один из необычного набора из семи больших гобеленов, изготовленных в Китае для португальского губернатора Макао в 1620-х годах и сочетающих в себе западный и китайский стили. Большая часть драпировок представляет собой вышивку, но лица и телесные части фигур представляют собой раскрашенные аппликации кусочки шелкового атласа , отражающие китайскую технику, часто используемую для буддийских знамен [54] и более крупных форм тханки .
Ковры килимы и навахо также представляют собой виды гобеленов, дизайн обоих в основном ограничивается геометрическими узорами, аналогичными узорам в других техниках ткачества ковров.
Что отличает современную область от ее истории до Второй мировой войны, так это преобладание художника-ткача в современной среде. Эта тенденция берет свое начало во Франции 1950-х годов, где один из «карикатуристов» гобеленовых студий Обюссона Жан Люрса возглавил возрождение этого материала, упорядочив выбор цвета и тем самым упростив производство [55] и организовав серию Биеннале выставки в Лозанне , Швейцария . Польские работы, представленные на первую биеннале, открывшуюся в 1962 году, были совершенно новыми. [56] Традиционные мастерские в Польше рухнули в результате войны. Кроме того, художественные принадлежности в целом было трудно приобрести. Многие польские художники научились ткать в рамках обучения в художественной школе и начали создавать весьма индивидуалистические работы, используя нетипичные материалы, такие как джут и сизаль. [56] С каждой биеннале во всем мире раздавалась популярность работ, посвященных исследованию инновационных конструкций из самых разнообразных волокон. [57]
В довоенных Соединенных Штатах было много ткачей, но здесь никогда не существовало длительной системы мастерских по производству гобеленов. Таким образом, ткачи в Америке были в основном самоучками и предпочитали не только создавать, но и ткать свое искусство. Благодаря этим выставкам в Лозанне американские художники/ткачи и другие люди в странах всего мира были воодушевлены польской тенденцией к экспериментальным формам. [56] На протяжении 1970-х годов почти все ткачи исследовали те или иные методы и материалы, модные в то время. Что это движение внесло в недавно появившуюся область художественного ткачества, названную «современным гобеленом», так это возможность работать с текстурой, с различными материалами и со свободой индивидуальности в дизайне.
В 1980-х годах стало ясно, что процесс плетения гобеленов с уточной поверхностью имеет еще одно преимущество - стабильность. Художники, выбравшие гобелены в качестве своего материала, развили широкий спектр личного самовыражения, стилей и тематики, стимулированные и подпитываемые международным движением по возрождению и обновлению гобеленовых традиций со всего мира. Конкуренция за заказы и расширение выставочных площадей были важными факторами в том, как художники определяли и достигали своих целей.
Большая часть импульса к работе в этом более традиционном процессе в 1980-х годах пришла из района залива в Северной Калифорнии, где двадцатью годами ранее Марк Адамс, художник-эклектик, провел две выставки своих гобеленов. Он разработал множество больших гобеленов для местных зданий. Хэл Пейнтер, еще один уважаемый художник в этом районе, за десятилетие стал плодовитым художником по гобеленам, создавая свои собственные рисунки. Он был одним из главных художников, которые «...создали атмосферу, которая помогла зародить вторую фазу современного текстильного движения – текстиль как искусство – признание того, что текстиль больше не должен быть утилитарным, функциональным, чтобы служить интерьером». украшение." [58]
В начале 1980-х годов многие художники стремились стать более профессиональными, и часто это означало поездку для участия в редких образовательных программах, предлагаемых недавно созданными ателье, такими как Гобеленовая мастерская Сан-Франциско, или в далекие учреждения, которые, по их мнению, соответствовали их потребностям. Это явление происходило в Европе и Австралии, а также в Северной Америке.
Возможности для участия в выставках гобеленов с участием жюри начали появляться к 1986 году, прежде всего потому, что Американский союз гобеленов (ATA), основанный в 1982 году, организовал раз в два года выставки гобеленов, начиная с 1986 года. Биеннале планировалось совместить с Гильдией ручных ткачей или американской «Конвергенцией». конференции. Новый потенциал увидеть работы других художников-гобеленистов и возможность увидеть, как может выглядеть собственная работа в таких местах, значительно повысили осведомленность сообщества художников-единомышленников. Были сформированы региональные группы для подготовки экспонатов и обмена информацией. [59]
Стремление многих художников к большему взаимодействию возросло, когда международный симпозиум по гобеленам в Мельбурне, Австралия, в 1988 году привел к созданию второй организации, занимающейся гобеленами, - Международной сети гобеленов (ITNET). Его целью было связать американских художников-гобеленов с растущим международным сообществом. Выпуск журналов был прекращен в 1997 году, поскольку цифровое общение стало более полезным инструментом взаимодействия. Поскольку мир вступил в эпоху цифровых технологий, художники-гобелены по всему миру продолжают делиться работами друг друга и вдохновлять их.
Однако к новому тысячелетию на месторождении появились линии разломов. Многие университеты, которые раньше имели сильные компоненты ткачества на своих художественных факультетах, такие как Государственный университет Сан-Франциско, больше не предлагали ручное ткачество в качестве варианта, поскольку они переключили свое внимание на компьютеризированное оборудование. Основной причиной отказа от этой практики был тот факт, что только один ученик мог использовать оборудование на протяжении всего проекта, тогда как в большинстве материалов, таких как живопись или керамика, мольберты или гончарные круги использовались несколькими учениками в день. Во всем мире люди разных культур начали использовать эти формы декора для профессиональных и личных целей. [60]
В то же время «волоконное искусство» стало одним из самых популярных материалов в их художественных программах. Молодые художники были заинтересованы в изучении более широкого спектра процессов создания произведений искусства с использованием материалов, классифицируемых как волокна. Этот переход к более мультимедийным и скульптурным формам, а также желание создавать работы быстрее заставили современных художников-гобеленистов внутри и за пределами академических учреждений задуматься о том, как им идти в ногу со временем, чтобы поддерживать видимость своего вида искусства. [61]
Сьюзан Айверсон, профессор Школы искусств Университета Содружества Вирджинии , объясняет свои причины:
Я пришел к гобелену после нескольких лет изучения сложных переплетений. Я влюбился в гобелены из-за их простоты и прямолинейности. Оно позволяло мне исследовать форму, изображение или текстуру, и оно обладало структурной целостностью, позволяющей сохранять собственную форму. Мне нравилось качество гобелена, сотканного из тяжелых нитей, его предметное качество. [62]
Другая выдающаяся художница, Джоан Бакстер, утверждает:
Моя страсть к гобеленам возникла внезапно, в первый день моего знакомства с ним на первом году обучения в ECA [Эдинбургский колледж искусств]. Я не помню, чтобы когда-либо сознательно задумывался о гобеленах до того дня, но каким-то образом я знал, что в конце концов я я бы очень хорошо в этом разобрался. С этого дня я смог все глубже и глубже прокладывать прямой путь в гобеленах, благодаря учебе в Шотландии и Польше, 8 годам работы ткачом в Англии и Австралии, а с 1987 года — независимым художником по гобеленам. Требовательный творческий дух отдела гобеленов дал мне уверенность, мотивацию и самодисциплину, необходимые мне для того, чтобы выйти в мир в качестве профессионального ткача гобеленов и художника. Что меня больше всего вдохновляло, когда я был молодым студентом, так это то, что все мои преподаватели на кафедре практиковали, выставляя художников, активно участвующих в том, что на тот момент было передовым международным движением волоконного искусства. [63]
Арчи Бреннан , который занимается ткачеством уже шестой десяток лет, говорит о гобеленах:
500 лет назад он уже был чрезвычайно сложным в своем развитии — эстетически, технически и по разнообразию назначений. Сегодня отсутствие определенной цели и редкость дают мне возможность искать новые роли, расширять исторический язык и, прежде всего, доминировать над своим компульсивным творческим стремлением. В 1967 году я принял официальное решение отойти от растущего и захватывающего движения волоконного искусства и переориентироваться на давно установившуюся графическую изобразительную роль тканых гобеленов. [64]
Термин «гобелен» также может использоваться для описания крупных фигуративных тканей с уточной поверхностью, изготовленных на жаккардовых ткацких станках . До 1990-х годов обивочные ткани и репродукции знаменитых гобеленов Средневековья производились с использованием жаккардовых технологий, но в последнее время такие художники, как Чак Клоуз , Патрик Лихти и мастерская Magnolia Editions , адаптировали компьютеризированный жаккардовый процесс для создания изобразительного искусства. . [65] Обычно гобелены переводятся с оригинального дизайна с помощью процесса, напоминающего рисование по номерам : мультфильм делится на области, каждой из которых присваивается сплошной цвет на основе стандартной палитры. Однако в жаккардовом ткачестве повторяющиеся серии разноцветных нитей основы и утка могут использоваться для создания оптически смешанных цветов, т. е. человеческий глаз воспринимает комбинацию значений нитей как один цвет. [18]
Этот метод можно сравнить с пуантилизмом , который возник из открытий, сделанных в гобеленовой технике. Появление этого стиля в 19 веке можно объяснить влиянием Мишеля Эжена Шеврёля , французского химика, ответственного за разработку цветового круга основных и промежуточных оттенков. Шеврёль работал директором по окраске на гобеленовой фабрике Les Gobelins в Париже , где он заметил, что на воспринимаемый цвет конкретной нити влияют окружающие ее нити, явление, которое он назвал «одновременным контрастом». Работа Шеврёля была продолжением теорий цвета, разработанных Леонардо да Винчи и Гете ; в свою очередь, его работы повлияли на таких художников, как Эжен Делакруа и Жорж-Пьер Сёра . [ нужна цитата ]
Принципы, сформулированные Шеврёлем, также применимы к современным телевидению и компьютерным дисплеям, которые используют крошечные точки красного, зеленого и синего ( RGB ) света для передачи цвета, при этом каждая композиция называется пикселем . [18]
.jpg/1280px-Chantier_de_fouilles_%C3%A0_Morigny-Champigny_en_juin_2012_24_(cropped_to_bones).jpg)
.jpg/1280px-Principaux_outils_de_la_tapisserie_de_basse_lisse_sur_le_m%C3%A9tier_%C3%A0_tisser_(fl%C3%BBtes,_grattoir,_peigne,_poin%C3%A7on).jpg)
.jpg){kind=link}
