Джозеф Стелла (настоящее имя — Джузеппе Микеле Стелла , 13 июня 1877 г. — 5 ноября 1946 г.) — американский художник- футурист итальянского происхождения , наиболее известный своими изображениями индустриальной Америки, особенно изображениями Бруклинского моста . Он также связан с американским движением прецизионистов 1910–1940-х годов.
Стелла родился в семье среднего класса в Италии, в Муро-Лукано , деревне в провинции Потенца . Его дед Антонио и отец Микеле были адвокатами, [1] но он приехал в Нью-Йорк в 1896 году, чтобы изучать медицину, следуя по стопам своего старшего брата доктора Антонио Стеллы. [2] В то время Джузеппе сменил имя на Джозеф. [3] Однако он быстро оставил свои медицинские исследования и вместо этого обратился к искусству, обучаясь в Лиге студентов-художников и Нью-Йоркской школе искусств у Уильяма Мерритта Чейза .
,_gelatin_silver_print,_20.7_x_15.7_cm,_Museum_of_Modern_Art.jpg/1280px-Man_Ray,_1920,_Three_Heads_(Joseph_Stella_and_Marcel_Duchamp),_gelatin_silver_print,_20.7_x_15.7_cm,_Museum_of_Modern_Art.jpg)
Первые картины Стеллы представляли собой рембрандтовские изображения жизни в городских трущобах. Замечательный рисовальщик, он делал рисунки на разных этапах своей карьеры, начав как академический реалист с особым интересом к жизни иммигрантов и этнических групп. С 1905 по 1909 год он работал иллюстратором, публикуя свои реалистические рисунки в журналах. «Он бродил по улицам с блокнотом и карандашом в руке, внимательно следя за позой момента, деталью костюма или манерой поведения, которые рассказывали историю жизни». [4] В 1908 году ему заказали серию о промышленном Питтсбурге , позже опубликованную в The Pittsburgh Survey .
Стелла вернулся в Италию в 1909 году. Он был несчастлив в Соединенных Штатах, написав, что он жаждал вернуться на родину после «вынужденного пребывания среди врагов, в черной похоронной стране, над которой тяготело... проклятие беспощадного климата». [5] Его возвращение в Европу привело к его первому обширному контакту с модернизмом , который в конечном итоге сформировал его отличительный личный стиль, отличающийся ярким цветом и размашистыми и динамичными линиями. К 1911 году он покинул Италию, где вездесущность Ренессанса представляла своего рода препятствие для современных художников, и переехал в Париж. Когда он прибыл, « фовизм , кубизм и футуризм были в полном разгаре», писал он, и «[в воздухе] витал гламур битвы». [6] Это было подходящее место, как раз в нужное время, для человека с любопытством Стеллы, открытостью новым тенденциям и амбициями.
В Париже Стелла посещала салон Гертруды Стайн , где познакомилась со многими другими художниками. «[Стайн] находила этого большого и шумного художника похожим на [ее друга, поэта] Аполлинера; у них обоих был запас саркастического остроумия, который часто обращался на хозяев». Мнение Стеллы о хозяйке дома было действительно саркастическим: она сидела, как он писал, «на троне на диване посреди комнаты», окруженная своими картинами Сезанна и Пикассо , «с властной торжественностью пифии или сивиллы... в высокой и отдаленной позе». [7]
Познакомившись в Европе с Умберто Боччони и подружившись с Джино Северини , он связался с итальянскими футуристами и начал включать принципы футуризма в свое искусство, хотя его также интересовали структурные эксперименты кубистов и динамичный цвет фовистов. [8]
Вернувшись в Нью-Йорк в 1913 году, Стелла захотела дать Соединенным Штатам вторую попытку. Это было решение, о котором он не пожалел, хотя, как отметила историк искусства Ванда Корн, «его культурный шок никогда не утихал». [9] Он стал частью кругов Альфреда Стиглица и Уолтера Аренсберга на Манхэттене и поддерживал тесные отношения с другими эмигрантами Альбертом Глезом и лидером нью- йоркского движения дадаистов Марселем Дюшаном (Стелла и Аренсберг сопровождали Дюшана в магазин сантехники в 1917 году, чтобы купить печально известный писсуар. [10] ). В результате этих связей у него было почти столько же возможностей, сколько он знал в Европе, чтобы быть среди родственных душ и видеть передовое новое искусство. В 1913–14 годах он написал «Битву огней, Кони-Айленд», одну из самых ранних и величайших работ американского футуризма. Легендарная выставка Armory Show 1913 года, в которой он принимал участие, дала ему еще больший импульс для экспериментов с модернистскими стилями. «Кавалер розы» (1914) и «Весна (Шествие – хроматическая сенсация)» (1914–1916) – это энергичные цветовые абстракции.
После Armory Show Стелла также стала широко обсуждаемой фигурой в мире искусства Нью-Йорка, объектом яростных нападок со стороны консервативных критиков, которые считали модернизм угрожающим и необъяснимым, и объектом очарования для молодых, более авантюрных художников. По мнению историка искусств Сэма Хантера , «Среди современных картин на Armory Show, « Обнаженная, спускающаяся по лестнице» Дюшана , « Процессия в Севилье » Пикабиа и футуристическая «Битва огней» Стеллы , «Кони-Айленд» оказал самое основополагающее влияние на американских художников». [11] Один из друзей отметил, что картина «вызвала всеобщую сенсацию, художественный переворот, столь же внезапный и неожиданный, сколь и всеобщий [в авангардных кругах]». [12] Коллекционер и преподаватель искусств Кэтрин Дрейер включила Стеллу в число тех художников, чьи работы она стремилась продвигать под эгидой своего Societe Anonyme , первого музея Нью-Йорка, посвященного исключительно передовому современному искусству, который открыл свои двери в 1920 году.
В Нью-Йорке в 1920-х годах Стелла был очарован геометрическим качеством архитектуры Нижнего Манхэттена . В этих работах он далее ассимилировал элементы кубизма и футуризма. В «Бруклинском мосту » (1919–20) он показывает свое очарование широкими линиями моста Роблингса, мотивом, который он использовал за несколько лет до того, как поэт Харт Крейн обратился к этой конструкции как к символу современности. Изображения моста Стеллой включают диагональные кабели, которые с силой устремляются вниз, обеспечивая направленную энергию. Хотя эти динамические изображения предполагают волнение и движение современной жизни, в руках Стеллы изображение моста также становится мощным символом стабильности и солидарности. Среди его других известных картин — «New York Interpreted (Голос города)» (1922), пятипанельная работа (почти двадцать три фута в длину и более восьми футов в высоту), созданная по образцу религиозного алтаря , но изображающая мосты и небоскребы вместо святых. Эта работа отражает распространенное в то время убеждение, что промышленность вытесняет религию как центр современной жизни. Картина находится в коллекции Музея Ньюарка в Ньюарке, штат Нью-Джерси . «В то время, когда практически все модернисты пытались изобразить город», — писала Ванда Корн, «картина Стеллы — это summa». [13]
В 1930-х годах Стелла работал над Федеральным художественным проектом , а затем путешествовал по Европе, Северной Африке и Вест-Индии , местам, которые вдохновляли его работать в разных режимах. Он беспокойно переходил от одного стиля к другому, от реализма к абстракции и сюрреализму . Он создавал абстрактные городские темы, религиозные образы, ботанические и природные этюды, эротические и жаркие карибские пейзажи и красочные натюрморты с овощами, фруктами и цветами.
Однако работы Стеллы периода после Armory Show были проблематичны для развития устойчивой карьеры. После того, как он прекратил рисовать в футуристском или квазикубистском стиле и закончил свой период прецизионистских фабричных изображений (около 1920 г.), он не был связан ни с каким конкретным движением. Его заботы, как и его подход к живописи, стали менее своевременными, более личными и идиосинкразическими. « Дерево моей жизни » (1919), как и многие более поздние работы Стеллы, «барочное и оперное» [14] , садовая сцена из Босха, а его этюды фигур (обычно женских, часто похожих на Мадонну) декоративно, экстравагантно украшены. Его многочисленные цветочные работы граничат с сюрреализмом, но из-за своей пышности и излишеств не могут быть точно охарактеризованы как часть сюрреалистического движения. Критик Льюис Мамфорд назвал его в тот момент «загадочным художником», прокомментировав: «Я видел, как пропасть между его реализмом и его фантазией превратилась в пропасть». [15]
Сильное мастерство рисовальщика Стеллы очевидно во многих различных видах изображений, которые он создавал на протяжении всей своей жизни. Сегодня его особенно уважают за портреты на бумаге, нарисованные серебряной иглой или серебряной иглой и маслом, большинство из которых датируются 1920-ми годами. Его изображения Уолта Уитмена , Марселя Дюшана, художника Луи Эйльшемиуса и его друга, композитора Эдгара Вареза , являются работами исключительной чувствительности к линии, деталям лица и интеллектуальной ауре модели.
Менее известным аспектом творчества Стеллы являются коллажи, которые он делал в 1920-х годах, состоящие из клочек выброшенной бумаги, оберток (некоторые с коммерческим логотипом или этикеткой, которые все еще видны) и других кусочков городского мусора, часто изрезанных мазками краски. Хотя Стеллу «привлекали грандиозные, механизированные аспекты города, [его] также привлекали его анонимные, незаметные отходы... отходы человеческого существования». [16] Это работы в духе немецкого художника-коллажиста Курта Швиттерса и анти-«высокого искусства» этики движения дадаистов, которое всегда интересовало Стеллу.
К концу 1930-х годов работы Стеллы привлекали значительно меньше внимания, чем в предыдущие десятилетия. Его агрессивная личность оттолкнула многих старых друзей, а его стиль больше не отвечал духу времени. [17] «Здоровье Стеллы и его критическая судьба пошли на спад [в годы, предшествовавшие Второй мировой войне]. Эмоционально отрезанный от мира искусства Нью-Йорка, даже его ретроспектива в Музее Ньюарка в 1939 году не смогла восстановить его. Несмотря на успех в качестве презентации, выставка была встречена менее восторженно, чем ожидал Стелла, и позже он жаловался, что не смог убедить кого-либо из жителей Нью-Йорка посмотреть ее». [18]
В начале 1940-х годов у Стеллы диагностировали сердечно-сосудистое заболевание , и он стал подвержен все более частым периодам болезненной тревожности . 5 ноября 1946 года он умер от сердечной недостаточности в возрасте 69 лет. Он похоронен в мавзолее на кладбище Вудлон в Бронксе , Нью-Йорк.
13 ноября 2018 года картина Стеллы под названием « Дерево моей жизни» (1919) была продана на аукционе Christie's в Нью-Йорке за 5 937 500 долларов США, что стало мировым рекордом для работы Стеллы на публичных торгах. [33] [34]
_-_1941.692_-_Yale_University_Art_Gallery.jpg/1280px-Joseph_Stella_-_Spring_(The_Procession)_-_1941.692_-_Yale_University_Art_Gallery.jpg)
