Кармен Эррера (31 мая 1915 г. — 12 февраля 2022 г.) — американская художница - абстракционистка , минималистка , родившаяся на Кубе. Она родилась в Гаване и жила в Нью-Йорке с середины 1950-х годов. [1] Абстрактные работы Эрреры принесли ей международное признание в конце жизни. [2] [3]
Эррера родилась 31 мая 1915 года в Гаване, Куба. [4] Она была одной из семи братьев и сестер. Ее родители, Антонио Эррера и Лопес де ла Торре (1874–1917) и Кармела Ньето де Эррера (1875–1963), были частью интеллектуального круга Гаваны. Антонио служил капитаном в кубинской армии во время войны за независимость от Испании (1895–98). После войны он стал исполнительным редактором первой газеты Кубы после обретения независимости, El Mundo , основанной в 1901 году. Кармела была новаторским журналистом и уважаемым автором, филантропом и феминисткой. [4] [5] Эррера начала брать частные уроки рисования у профессора Федерико Эдельманна и Пинто, когда ей было восемь лет. Эррера приписывала эти уроки своей дисциплинированности и тому, что они дали ей основы академического рисунка. Она продолжила свое обучение в 1929 году, в возрасте 14 лет, когда она поступила в школу Мэримаунт в Париже. В 1938 году Эррера продолжила свое образование в Университете Гаваны , чтобы изучать архитектуру, где она оставалась всего один учебный год, потому что в то время, когда она хотела продолжить свою архитектурную карьеру, как она сказала... «всегда происходили революции и драки на улицах. Университет был закрыт большую часть времени, поэтому это повлияло на мою учебу». [6] Этот год оказал сильное влияние на Эрреру, и ее цитируют, как она сказала: «Там мне открылся необыкновенный мир, который никогда не закрывался: мир прямых линий, который интересовал меня до сих пор». [7]
В 1939 году Эррера вышла замуж за учителя английского языка Джесси Левенталя (1902–2000), с которым она познакомилась в 1937 году, когда он приехал на Кубу из Нью-Йорка. [8] Она переехала в Нью-Йорк, чтобы быть с ним, и они жили в его квартире на Восточной Девятнадцатой улице. С 1943 по 1947 год она училась в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке, где она получила стипендию. [7] Здесь она изучала живопись у Джона Корбино (1905–1964). Она покинула Лигу студентов-художников в 1943 году, когда почувствовала, что научилась всему, чему могла, у Корбино. Затем она начала брать уроки гравюры в Бруклинском музее , но ушла оттуда через год. В Нью-Йорке Эррера боролась за то, чтобы ее включили в музейные выставки, и чувствовала, что Гавана предоставила бы ей больше возможностей, чем ей предлагали в Соединенных Штатах.
В 1948 году Эррера и Левенталь переехали в Париж, где прожили почти пять лет. В то время город был местом встречи различных художественных стилей и движений, включая влияния Баухауса и русского супрематизма . Эррера познакомилась с различными международными художниками, такими как Тео ван Дусбург в Париже на Салоне новых реалий . [9] В эти парижские годы она также познакомилась с французскими интеллектуалами и философами Симоной де Бовуар и Жаном-Полем Сартром . [6]
В этот период Эррера начала совершенствовать свой жесткий, беспредметный стиль, хотя, как отмечает куратор Уитни Дана Миллер, ее работы все еще содержали «много яркости и жизни», а также «почти духовное качество». Ее стиль в то время ретроспективно сравнивали с работами Эллсворта Келли , который также работал в Париже в эти годы, но получил гораздо большую известность.
В 1950 году Эррера совершила обратную поездку на Кубу, где она написала серию очень жестовых абстрактных картин. Работы, созданные в этой поездке, отражали современные разработки в абстракции и имели стиль и цветовую палитру, которые больше не встречаются в работах Эрреры. Она выставила эти работы на персональной выставке в декабре 1950 года в Гаване в лицее, но публика не была восприимчива. [7]
После ее возвращения в Париж финансовые трудности и неспособность ее мужа найти работу заставили пару вернуться в Нью-Йорк в 1953 году. Во время ее возвращения в Нью-Йорк Эррера и другие продолжали развивать рациональный стиль. В это время она начала экспериментировать с «физической структурой картины... картины становятся объектом». В этот период она также сблизилась с другими послевоенными абстракционистами, включая Леона Полка Смита , Марка Ротко и Барнетта Ньюмана .
Эррера продолжала сталкиваться с неприятием со стороны мира искусства во время своего пребывания в Нью-Йорке, в основном из-за ее пола. Сама Эррера прокомментировала, что «тот факт, что ты женщина, был против тебя». Когда она попыталась представить свое искусство на выставку в галерее Rose Fried, куратор-женщина Роуз Фрид сказала ей, что она не может включить работу, потому что Эррера была женщиной.
Эррера продолжала творить, не получая признания, пока в конце жизни не произошло ее открытие, начавшееся в начале 2000-х годов.
,_1966-2016,_Carmen_Herrera_at_NGA_2022.jpg/1280px-Untitled_Estructura_(Yellow),_1966-2016,_Carmen_Herrera_at_NGA_2022.jpg)
Ключ к пониманию стиля Эрреры — помнить, что до того, как покинуть Кубу, она получила образование архитектора. [10] По словам Эрреры, ее оптический и минималистский подход к форме иллюстрировал ее «поиск... простейших живописных решений». [11]
«Эта основа прослеживается в ее стремлении использовать измерения и инструменты для создания упорядоченного искусства в хаотичном мире. [12] В статье для New York Times критик Тед Лус лаконично уловил суть работы Кармен Эрреры, которая характеризуется «фирменной смелой простотой: резко очерченные блоки цвета, часто подкрепленные сильной диагональной линией». [10] По ее собственным словам, Эррера думала о «линии, бумаге, о множестве мелких вещей, которые становятся все больше и больше... и затем возникает картина». Она также открыто верила в поговорку «меньше значит больше» и рисовала умом, а не сердцем. [12] [10] Это заставило ее задуматься не только о том, нравится ли ей цвет, но и о том, как он влияет на другие задействованные цвета, и может ли она уменьшить аспект своей работы, чтобы улучшить его. [12]
Творческий процесс Эрреры был относительно простым и упорядоченным, как и следовало ожидать, учитывая ее профессиональную подготовку. На первом этапе она делала наброски карандашом и миллиметровой бумагой, сидя у длинного ряда окон, выходящих на E 19th St. Этот процесс начинался в 9:30 каждое утро. На втором этапе она «переносит идею на небольшой кусочек пергамента и, используя акриловый маркер, делает набросок в цвете». Затем следовала более масштабная итерация работы, чтобы убедиться, что ее первоначальная концепция все еще воплощена. Если она получала ее одобрение, она продолжала просить своего помощника, Мануэля Белдуму, наносить линии скотчем на холст под ее пристальным взглядом. Затем можно было начинать процесс рисования. Обычно она наносила первый слой, а Белдума наносил последующие слои. После завершения работы произведение искусства размещалось в студии для ее рассмотрения, и даже тогда она иногда отказывалась от него и возвращалась к чертежной доске в поисках простоты. [10] Помимо предоставления умелых рук, Белдума также отвечал за сбор материалов и помощь в повседневной работе студии. Он был часто упускаемым из виду фактором, способствующим художественному процессу Эрреры.
Хотя некоторые из ее работ сравнивают с бразильскими неоконкретистами Лигией Кларк и Элио Ойтисикой , по словам нью-йоркского критика Карен Розенберг, стиль Эрреры определяется ее «фирменными геометрическими абстракциями». [1] Она представила «упрощенные картины всего из двух цветов, [содержащие] кажущиеся бесконечными пространственные осложнения». Эти чувства изначально развились во время ее шестилетнего пребывания в Париже после Второй мировой войны, где она столкнулась с идеями таких художников, как Казимир Малевич , Пит Мондриан и других приверженцев супрематизма и De Stijl . [10] Она значима не только своим вкладом в геометрическую абстракцию; многие из ее работ также являются сложными представлениями о мире природы. Например, ее основополагающая двенадцатилетняя серия Blanco y Verde (1959) представляет собой деконструкцию традиционной пейзажной живописи. [1] Во-первых, она использовала горизонтальные линии для создания ощущения горизонта. Это чувство затем усиливается ее фирменной диагональной линией, которая объединяется, чтобы создать традиционную фокусную точку, которая является отличительной чертой многих пейзажей. Намеренный контраст белого на зеленом также улавливает суть многих цветовых схем пейзажей в очень абстрактном смысле.
Еще одним примечательным аспектом раннего развития Эрреры были ее эксперименты с формой холста. Сара Рич, профессор Университета штата Пенсильвания, специализирующаяся на связи между американской абстракцией и визуальной культурой Холодной войны , объясняет, что самые ранние работы Эрреры были сосредоточены в первую очередь на правильной ориентации холста, чтобы отразить его форму. В начале, утверждает Рич, Эррера была по сути озабочена тем, чтобы напомнить зрителям, что, например, круглый холст в реальном мире «хочет катиться». В основном она пыталась добиться этого, используя стрелки и другие направленные устройства похожей формы. Это исследование привело ее к рассмотрению треугольников и движения, обозначенного нарисованными знаками, продолжающимися за пределами холста и вокруг его края. Эррера примечательна тем, что последовательно манипулировала эффектом, который часто имеют треугольники в картинах, то есть предоставлением контекста и перспективы, которые уводят от абстракции работ. Сара Рич также отмечает, что Барнетт Ньюман также был ее ранним другом и оказал огромное влияние на творчество молодой Эрреры после того, как она покинула Кубу в 1939 году. [13]
Эррера не была широко признана или оценена в течение десятилетий, хотя она продала свое первое произведение искусства в возрасте 19 лет. [10] До ее недавних выставок в галерее Лиссон и музее Уитни у нее была только одна крупная выставка в 1984 году в ныне несуществующем Альтернативном музее в Нью-Йорке. [1] Как отметила Карен Розенберг, первая персональная художественная выставка Эрреры состоялась более чем через пятьдесят лет после ее первого переезда в Нью-Йорк, где она находится с 1954 года. Это в первую очередь является результатом доминирующего отношения к женщинам в искусстве и кубинцам в Америке, которые представляют собой препятствия, которые она преодолевала на протяжении всей своей карьеры. Все это окончательно изменилось для Эрреры в 2004 году. Ее близкий друг и защитник, художник Тони Бечара, посетил ужин с Фредерико Севом, владельцем галереи Latin Collector Gallery на Манхэттене. Сев был в процессе разработки широко разрекламированной выставки с участием женщин-геометрических художников, из которой выбыла одна художница. [5] Бечара рекомендовал Эрреру.[5] Когда Сев увидел ее картины, он сначала подумал, что их написала Лигия Кларк , но впоследствии он узнал, что картины Эрреры были написаны на десятилетие раньше, чем Кларк.[5]
Несмотря на то, что большую часть своей жизни она прожила в Соединенных Штатах, публикации, пишущие о ее недавнем повторном открытии, часто называли ее кубинско-американской художницей. Хотя Эррера гордилась своим происхождением, она сознательно избегала связывать свои работы с определенной национальной или этнической эстетикой. Даже во времена кубинских потрясений, таких как во время Кубинской революции конца 1950-х годов, она сознательно избегала политизации своих работ. [14]
Кармен Рамос, куратор латиноамериканского искусства в Смитсоновском институте , отметила, что «в отличие от многих европейских художников-эмигрантов в США, Эрреру, которая живет в Соединенных Штатах с начала двадцатилетия, редко идентифицируют как американского художника. Ее недавний успех, по-видимому, обусловлен ее статусом латиноамериканки и в конечном итоге затмевает ее известность как американского художника». [15]
В 2019 году Эррера был избран в Королевскую академию художеств в Лондоне в качестве почетного королевского академика (HonRA) . [16]
Работы Эрреры можно найти в коллекциях крупнейших учреждений по всему миру, таких как Национальная галерея искусств [17] в Вашингтоне, галерея Тейт Модерн [18] в Лондоне, Музей современного искусства в Нью-Йорке [ 19] и Художественный музей Переса в Майами [ 20] и многих других.
Среди последних работ Эрреры была фреска для экстерьера Музея искусств Блэнтона в Остине, штат Техас . Verde, que te quiero verde [Зеленый, как я желаю тебе зеленого] (название, вдохновленное рефреном поэмы Федерико Гарсиа Лорки Romance Sonámbulo ) была начата в 2020 году и посмертно открыта для публики в 2023 году. Это был первый крупный публичный заказ художника на фреску. «Я работал в основном в одиночестве в течение многих лет», — сказала Эррера. «Возможность сделать что-то в таком грандиозном масштабе и в месте такой важности была очень привлекательной». Она назвала эту работу «высшей точкой в моей долгой карьере». [21] [22]
Эррера несколько раз выставлялся в Салоне новых реалий, начиная с 1949 года. [23] Персональные выставки проходили в Галерее Южной Америки (1956), Галерее Трабия (1963), Галерее Сиснерос (1965) и Галерее Альтернативы (1986). [24] El Museo del Barrio в Восточном Гарлеме, Нью-Йорк, организовал выставку работ Эрреры «Кармен Эррера: Черно-белые картины, 1951–1989» в 1998 году. [4] Latincollector провел большую ретроспективу «Кармен Эррера: Пять десятилетий живописи» в 2005 году. Latincollector представил «Estructuras», первую выставку нескольких ее деревянных конструкций в 2007 году. Ретроспективная выставка открылась в июле 2009 года в некоммерческой галерее IKON в Бирмингеме , Англия, и отправилась в музей Pfalzgalerie в Кайзерслаутерне , Германия, в 2010 году. [25]
В 2016 году у нее также были выставки в Музее искусств Уитни и в галерее Лиссон , а в 2019 году ее работы были включены в групповую выставку «Дар искусства » в Художественном музее Переса в Майами . На выставке были представлены важные произведения искусства из постоянной коллекции ПАММ, посвященные латиноамериканским и латиноамериканским художникам. Среди художников, представленных на выставке, были Хосе Бедиа (Куба), Тереза Маргольес (Мексика), Роберто Матта (Чили), Оскар Мурильо (Колумбия), Амелия Пелаес (Куба), Зилия Санчес (Куба), Тунга (Бразилия) и Вифредо Лам (Куба). [26]
В 2020 году у нее прошла персональная выставка в Музее изящных искусств Хьюстона. [27] Эррера также совершила прорыв со своей выставкой в Музее современного искусства . [28]
Работы Эрреры были включены в выставку « Женщины в абстракции» 2021 года в Центре Помпиду . [29] В апреле 2024 года Эррера была посмертно представлена на 60-й Венецианской биеннале в Италии, куратором которой был бразильский куратор и директор музея Адриано Педроса . [30]
С 6 сентября 2016 года по 9 января 2017 года работы Эрреры были представлены на выставке Carmen Herrera: Lines of Sight в Музее американского искусства Уитни , которая стала ее первой музейной выставкой за почти два десятилетия. [31] На выставке было представлено более пятидесяти работ, основное внимание уделялось работам, созданным с 1948 по 1978 год, и включала картины, работы на бумаге и трехмерные проекты. Дана Миллер, куратор музея Уитни, организовала выставку в хронологическом порядке, с тремя отдельными секциями, посвященными важным периодам в творчестве Эрреры. Первая секция была посвящена работам, созданным с 1948 по 1958 год, в течение которых Эррера экспериментировала со многими типами абстракции. Вторая секция была сосредоточена на работах с 1959 по 1971 год и представляет собой коллекцию картин под названием Blanco y Verde , которую Эррера считала самой важной работой в своей карьере. Последний раздел состоял из работ 1960-х и 1970-х годов и содержал больше экспериментальных произведений, а также четыре деревянные скульптурные работы. Эти работы показывают эксперименты Эрреры с отношениями фигуры и фона и демонстрируют явное влияние архитектурного бэкграунда Эрреры. Многие из этих работ никогда ранее не выставлялись публике. Миллер сказал относительно дизайна выставки: «С таким сильным материалом кураторский императив действительно состоит в том, чтобы отступить и позволить работе сиять». [32] Эта выставка была показана в Центре искусств Векснера с 4 февраля 2017 года по 16 апреля 2017 года. [33]
С 3 мая 2016 года по 11 июня 2016 года работы Эрреры были представлены в галерее Lisson на выставке под названием Carmen Herrera: Recent Works . На выставке было представлено 20 крупных картин и одна скульптура, созданные в период с 2014 по 2016 год. Выставка состояла из крупномасштабных геометрических картин, а также нескольких диптихов и триптихов. Эта выставка считалась данью уважения Эррере и также включала фотографии ее студии и ее квартиры в Нью-Йорке, в которой она жила с 1954 года. [34] [35]
«Estructuras Monumentales» была первой крупной выставкой скульптур Эрреры на открытом воздухе, которая экспонировалась с 11 июля 2019 года по 8 ноября 2019 года в City Hall Park на Манхэттене. Она впервые задумала серию в 1960-х годах с группой схематических набросков, которые расширили опыт ее картин в трех измерениях, но работы остались нереализованными. Эта выставка, организованная Public Art Fund и курируемая Дэниелом С. Палмером, впервые поделилась ее «estructuras» с публикой. [36]
Начиная с 2014 года Элисон Клейман, режиссер нашумевшего фильма «Ай Вэйвэй: Никогда не извиняйся» , начала работу над документальным фильмом об Эррере. [37] Премьера документального фильма под названием «Шоу 100 лет» состоялась в 2015 году на кинофестивале Hot Docs в Торонто. [38] Затем фильм был выпущен на Netflix и Vimeo on Demand 18 сентября 2016 года. [8]
Документальный фильм «рассказывает о пионере абстрактного минимализма Кармен Эррера, которая наслаждается художественным успехом и славой, на которые буквально ушла целая жизнь». Сосредоточившись на ее приближающемся 100-летии, Клейман исследует воспитание Эрреры, ее поздние годы и отсроченный взлет к славе. Фильм получил в основном положительные отзывы и еще больше оживил интерес к работам Эрреры. [8]
Потеряв способность ходить, она жила дома с постоянными сиделками в последние годы. Ее близкий друг и сосед Тони Бечара вносил в нее художественный вклад и критику. Мануэль Белдума также продолжал помогать ей. [14]
Она отметила, что именно «красота прямой линии» помогала ей продолжать путь. [14]
Кармен Эррера умерла 12 февраля 2022 года в возрасте 106 лет. [39]