Ли Буль ( кор . 이불; 李昢; род. 1964) — южнокорейская художница, работающая в различных жанрах, включая перформанс , скульптуру , инсталляцию , архитектуру и медиа-арт . Как заметили такие кураторы, как Стефани Розенталь, и такие историки искусства, как Ён Шим Чон, творчество Ли Буль формируется как под влиянием ее социально-политического контекста, так и под влиянием ее личного опыта. [1] В ее работах затрагиваются темы, связанные с архитектурой, технологиями , гендером , историей и памятью . Ли живет и работает в Сеуле .
Ли Буль родилась 25 января 1964 года в Йонджу , провинция Кёнсан-Пукто, Южная Корея . Воспитанная политически активными родителями, когда ее страна находилась под властью Пак Чон Хи , в детстве Ли стала свидетелем резко меняющегося общества с его окраин, где она и ее семья неоднократно выселялись и переезжали. [1]
Становление Ли как художника в конце 1980-х годов совпало со значительным периодом в развитии Южной Кореи с точки зрения демократии, модернизации и экономического роста. [1] Изначально она была привлечена к работе с искусством, поскольку творческие сферы были одной из немногих возможностей, открытых для детей диссидентов. [2] Историк искусства Ён Шим Чон утверждал, что художественная траектория Ли на ранней стадии отклонилась от часто используемых художественных маршрутов ее времени. [1] Ли получила степень бакалавра изящных искусств по скульптуре [3] в Университете Хонгик в Сеуле в 1987 году, получив художественное образование в то время, когда Minjung Misul — буквально «Народное искусство» — бросало вызов господству академического искусства и минимализма . [1] Год, когда она окончила художественную школу, был также годом, когда Южная Корея объявила себя демократией и начала проводить политические и экономические реформы. [4] Как пишет куратор Мами Катаока: «Поскольку вся страна мучается над тем, какую форму должно принять их новое общество, нетрудно представить себе Ли Бул, борющуюся со всевозможными идеями […] о форме, которую должно принять общество, сомнениями и неприятием военной диктатуры, идеями о реальности социальной системы и неопределенном будущем». [1] Когда Ли приступила к своей собственной независимой художественной практике, она отвергла откровенно социалистический реалист и народную эстетику художников Минджунг, а также резко отвернулась от холодных, жестких материалов, которые легли в основу ее обучения скульптуре (а именно, дерева, камня и металла). [5] Ее работы получили свое первое широкое международное признание с серией Majestic Splendor (1991), которая была выставлена в Музее современного искусства в 1997 году и на Лионской биеннале Харальда Зеемана в следующем году. [5] В 1999 году Зееманн пригласил Ли принять участие в 48-й Венецианской биеннале , где она получила почетную награду за свой вклад в Международный павильон и свою выставку в Корейском павильоне. [6] [7]
Работы Ли Бул конца 1980-х и начала 1990-х годов использовали перформанс для исследования взаимоотношений между телом и обществом в Южной Корее того времени. [8] В поисках способа выразить свое состояние бытия, с одной стороны, и состояние общества, с другой, она создала мощные интуитивные работы и партизанские действия, ряд из которых критически исследовали гендерную политику и патриархальный порядок в корейском обществе. [9] Ее ранние перформансы сочетали аспекты ремесла с непредвиденными обстоятельствами и временем. [10]
Перформанс Sorry for Suffering проводился в течение 12 последовательных дней в 1990 году. [2] Ли начала свою публичную интервенцию в аэропорту Кимпхо, надев мягкую скульптуру, напоминающую вывернутое наизнанку тело. В последующие дни она продолжила перформанс в разных местах, и реакция зрителей стала неотъемлемой частью ее перформанса. [11] Ли бродила по общественным пространствам в многоконечной мягкой скульптуре, осуществляя перформативные интервенции в таких местах, как ворота аэропорта, святилища, университетские кампусы и императорские дворцы. Историк искусства Аён Ким описывает эту работу как «попытку расширить границы художественной практики, избежав традиционных способов, которыми скульптуры занимали пространство, а также привнеся в свою работу театральные элементы, такие как сатира, символизм и временность». [11] Подзаголовок этой работы « Ты думаешь, я щенок на пикнике?» — цитата из стихотворения « Родиться заново» (1981) корейской поэтессы-феминистки Чхве Сын Чжа . [11]
В течение двухчасового выступления в Центре искусств Донсун в Сеуле Ли висел вниз головой на скалодроме, рассказывая об опыте аборта, перемежаемом поэзией, пародией на Христа на кресте и отсылками к поп-песням. [12] Исследуя крайне табуированную в Южной Корее тему, структура выступления Ли «скрывает различие между частным и публичным, личным и политическим, реальным и надуманным». [12] У аборта не было предопределенного финала, и он закончился, когда зрители больше не могли выносить наблюдение за тем, как художник корчится от физической боли. [1]
Cravings — пример перформативной работы Ли с мягкими скульптурами. Ли создал костюмы для всего тела, сшитые из сшитой ткани с наполнителем из волокон, чтобы преувеличивать и искажать анатомию владельца. Затейливо украшенные дешевыми блестками и бисером, каждая часть имела преувеличенные, гротескные придатки, напоминающие руки, ноги, щупальца и хвосты. [13] Художественное произведение включает в себя исполнителей, выполняющих медленные импровизированные движения, усиленные скрытыми микрофонами, подчеркивающими их затрудненное дыхание. [13] Cravings ставит под сомнение стабильность таких понятий, как реальное и искусственное, иллюстрируя, как технология размывает эти границы и превращает человеческие выражения в отчуждающий опыт. [13]
Работа, которая выставлялась по всему миру в нескольких итерациях, Ли впервые представил Majestic Splendor в 1991 году в Сеуле. [14] Инсталляция представляет собой настоящую мертвую рыбу, украшенную блестками, бусинами и другими небольшими блестящими предметами, которые помещены в пластиковые пакеты и прикреплены к стене галереи в виде сетки. [15] Со временем работа начинает источать гнилостный запах. В 1997 году во время выставки Projects в Музее современного искусства в Нью-Йорке Majestic Splendor была удалена с выставки из-за ее зловония. [16] Как отмечает историк искусства Ён Шим Чунг, Majestic Splendor действует на нескольких уровнях, одновременно «вовлекая индивидуальное тело и политику корейского общества». [17] Рыба является популярным мотивом как в религиозных, так и в светских традициях корейского искусства . [18] В «Majestic Splendor» Ли использует морского леща, известного как доми на корейском языке , который ассоциируется с известной корейской сказкой. Согласно сказке, легендарная героиня покончила жизнь самоубийством, чтобы защитить свою добродетель, а не поддаться домогательствам развратного короля. [18] Чунг пишет, что работа Ли Бул «признает эту популярную коннотацию, но ее работа переворачивает такой акцент на женском целомудрии как абсурдный и тревожный». [18] Являясь плодовитым материалом текстильной промышленности Кореи, блестки также имеют сильные личные и социальные коннотации для художника. Мать Ли, которой запретили заниматься традиционной работой из-за ее политической деятельности, работала над сумками для украшения дома и другими аксессуарами, [18] которые окружали художницу на протяжении всего ее детства. Работа делает более широкие намеки на понятие гендерного труда. Как пишет Чунг: «Символизируя женское тщеславие и фантазию, они [блестки] также свидетельствуют о бесчисленном количестве женщин, которые трудились в текстильной промышленности, изготавливая сумки и кошельки с блестками в 1970-х годах [...] сверкающие материалы, украшающие рыбу Ли Була, напрямую затрагивают множество гендерных и классовых вопросов, особенно касающихся сложной динамики власти, которая существует между женщинами-производителями и женщинами-потребителями». [18]
В период с 1996 по 1999 год Ли завершила три смешанные медиа-инсталляции, включающие фотографии художника в крупномасштабные надувные формы. В этих совместных работах зрители могли надувать огромный воздушный шар-монумент с помощью сети трубок и ножных насосов. Одна из этих работ, под названием « Мне нужна ты (памятник)» (1996), надувается до 39-футового воздушного шара, который раскрывает саму художницу как «своего рода панк-гейша-богиня, объединяющая стереотипные образы азиатских женщин». [19] В то время как памятник обычно создается, чтобы выдержать испытание временем, памятник Ли мягкий, уязвимый и эфемерный.
Как пишет историк искусства Михаэль Эми, «Ли удачно исследует экзотический, восточный идеал, как, по ее мнению, его истолковывает западный мужчина — его первоначальное желание быть соблазненным быстро сменяется стремлением завоевывать и обладать» [20] .
В середине 1990-х годов Ли Бул начала свою серию «Киборг» , отойдя от перформансных работ и вернувшись преимущественно к трехмерной скульптуре. [1] Работы были впервые выставлены в Artsonje Center в Сеуле, Корея, в 1998 году. Эти роботизированные, сексуализированные силиконовые фигуры отсылают к долгой истории изображения человеческой формы, от классической скульптуры Древней Греции и Рима до современного представления в манге и кино. Их фрагментированные, подвешенные формы объединяют биологические и механические части, подвергая сомнению понятия совершенства и целостности. Использование белого цвета вызывает классические и героические архетипы и придает скульптурам добродетельный характер. Как пишет куратор Стефани Розенталь, «каждая работа в этой серии в некотором роде неполна — их отсутствующие головы или конечности предполагают, что эти «идеальные» фигуры все еще могут находиться в процессе трансформации». [1]
Работы Ли конца 1990-х годов, включая серии «Монстр» и «Анаграмма» , отражают биотехнологические страхи с помощью аморфных, текстурированных форм, вызывающих ужас и научно-фантастические темы, такие как распад, искусственность и трансцендентность плоти. По словам Розенталя, эти серии функционируют как «двойники» Киборгов Ли и дополняют их, [21] поскольку монстр может считаться чудовищным только по отношению к чему-то, что воплощает идею совершенства, как киборг. [22] Эта серия биоморфных скульптур и рисунков изображает гибридные формы, которые являются частью машины, растения и животного. Серия «Анаграмма» берет свое название от английского термина, обозначающего изменение порядка букв в слове для создания нового слова, [23] операция, которая параллельна переконфигурации частей тела киборгами. В своих работах «Киборг» и «Анаграмма » Ли Бул исследует нестабильность человеческой идентичности, очарование и страх технического прогресса и постоянный поиск совершенства за пределами естественных ограничений. В практике Ли киборги и монстры функционируют как мощные амбивалентные метафоры; «шифры сопротивления традиционным ограничениям пола, феминизма, расы, науки и политики». [24]
Live Forever — это мультимедийная инсталляция, впервые представленная в 2001 году. Работа представляет собой футуристические космические корабли, похожие на караоке- капсулы, которые, по словам Венни Тео, вызывают в памяти обтекаемую эстетику фильма Стэнли Кубрика « 2001: Космическая одиссея» и создают интимную, изолированную среду для участника. [25] Белые капсулы изготовлены из стекловолокна, а интерьер оснащен акустической пеной, кожаной обивкой, ЖК-монитором, микрофоном и наушниками. [26] Посетителям предлагается входить в капсулы по одной, где они могут петь песни караоке в одиночестве. Работа направлена на создание амбивалентного опыта сенсорного и психологического смещения. [27] В дополнение к караоке-капсулам Live Forever состояла из новой видеоработы, которая была снята в Tonga Room , лаунже в стиле тики в историческом отеле Fairmont в Сан-Франциско. [27] В почтенном баре отеля есть искусственная лагуна, имитирующий дождь из разбрызгивателей и подают традиционные полинезийские коктейли. Как и караоке, он вызывает чувство ностальгии и китча. [28] [29] Видео Ли из Tonga Room, которое было создано при содействии Института искусств Сан-Франциско , проецируется как снаружи, так и внутри капсулы, в то время как текст песни, выбранной посетителем, накладывается на видео. Как пишет киновед Акира Мизута Липпит, [30] « Жить вечно связано с темами ностальгии и человеческого желания подлинного опыта в культуре, все больше доминирующей виртуальной реальности». Для посетителя внутри капсулы, надевающего наушники, Live Forever — это уединенный опыт — только он может слышать свое пение, которое превращается в сильно искаженную петлю обратной связи. Как отмечает куратор Клара Ким, для тех, кто находится внутри капсулы, «будущее и прошлое пересекаются». [31]
Серия Mon grand récit, созданная в 2005 году, представляет собой разнообразную коллекцию захватывающих инсталляций, рисунков и скульптур, исследующих литературные, философские и архитектурные размышления об утопии и антиутопии , государственном вымысле и социальной реальности. [32] Название Mon grand récit , которое переводится как «мое великое повествование», отражает связь Ли с критикой Жана-Франсуа Лиотара всеобъемлющих повествований современности. Добавляя префикс «mon» или «my», Ли подчеркивает личную связь с историей, приглашая зрителей переосмыслить общественные конструкции и их последствия для будущего. [33] Эти масштабные инсталляции описывают миры грез и катастрофы утопического желания с использованием таких материалов, как стекло, акрил, полиуретан, сталь и другие металлы, светодиодные фонари, цепи и кабели. Центральное место в серии занимает работа под названием « Плач в камни …», где светящиеся известняковые образования, вдохновленные футуристическими архитектурными видениями, сопоставлены с подвесными сетками и уменьшенными копиями культовых сооружений, таких как Памятник Третьему Интернационалу Владимира Татлина . [ 34] Работы, включенные в «Mon grand récit», в целом исследуют, как утопические устремления проявляются в архитектурных формах. Ли смешивает другие фрагментарные ссылки в этих работах — некоторые из них являются вымыслом, а другие — личными воспоминаниями и фантазиями. Не имея всеобъемлющей временной структуры, эти различные элементы становятся оторванными из исторического времени и сталкиваются друг с другом. [35] Как пишет куратор Джонатан Уоткинс, «Это […] мир, вырванный из колеи, раздробленный и сломанный. Он предлагает возможности в модернистской схеме вещей, парадигме, которая охватывает наш 20-й век, только чтобы подорвать их». [36]
Mon grand récit артикулирует критический диалог между прошлыми видениями прогресса и современными неопределенностями, резонируя с темами мимолетности и метаморфоз в культурных и исторических ландшафтах. Серия имеет тенденцию избегать известных событий, выбирая вместо этого подход к поворотным моментам с косых углов, через конкретные, но каким-то образом маргинальные или вторичные фигуры или события. [35] Некоторые из работ из серии Aubade (2007), дизайн которых напоминает водонапорные и радиовышки, построенные русским инженером и архитектором Владимиром Шуховым , включают неоновые вывески, которые излагают различные термины, связанные с утопическими теориями и модернизацией. [37] Все термины написаны на эсперанто, языке, разработанном в 1880-х годах польским лингвистом Людовико Заменгофом с целью достижения мира во всем мире с помощью универсального языка. В нескольких других работах, связанных с Mon grand récit, Ли включает отражающие поверхности, чтобы придать ощущение нестабильности. Bunker (M. Bakhtin) (2007/2012) представляет собой грубо высеченную гору, которая часто устанавливается на глянцевой черной поверхности, напоминающей остров, дрейфующий в отражающем море. Зрители могут войти в пещероподобное внутреннее пространство работы через большую трещину. Bunker (M. Bakhtin) отсылает к И Гу, последнему отпрыску династии Чосон, которого Пак Чон Хи вызвал обратно в Корею из многообещающей архитектурной карьеры в Нью-Йорке, чтобы сплотить народную поддержку своего правления. Как пишет Мами Катаока, «Войдя в трещину в черной скале, можно ощутить пространство, где память и реальность смешиваются, где звуки мест, связанных с И Гу, и звуки шагов посетителей сливаются друг с другом». Хотя «Mon grand récit», по-видимому, знаменует собой сдвиг в практике Ли Бул от тела к архитектуре, ландшафту и истории современности, [38] Липпит утверждает, что «поворот Ли к истории — это не столько отход от ее раннего внимания к телам, сколько бесконечное оплакивание тел, которые формируют и разрушают ее работы». [39]
Начиная с 2016 года, серия Perdu продолжает исследование Ли таких тем, как утопия, антиутопия и человеческое состояние. Серия черпает вдохновение из подготовительных рисунков Ли для скульптур Киборгов , что очевидно в слиянии органических форм с гибридными, гуманоидными формами. [40]
Работы характеризуются сложным сочетанием органических и промышленных материалов. Ли использует такие материалы, как перламутр, лак, дерево и акриловую краску, тщательно обрабатывая каждую деталь, чтобы вызвать как хрупкость, так и устойчивость. Название серии, Perdu , что по-французски означает «потерянный», намекает на неуловимую природу совершенства и постоянный поиск недостижимого идеала. [41]
Ли Бул — лауреат 9-й премии имени Рут Баумгарте в области искусств. [42] В 2022 году она получила почетную докторскую степень в области изящных искусств от Школы института искусств Чикаго . [43] Она была награждена премией Хо-Ам в области искусств в 2019 году, [44] орденом искусств и литературы от Министерства культуры Франции в 2016 году, [45] и премией Noon Award на 10-й биеннале в Кванджу в 2014 году. [46]
В 1998 году Ли был выбран в качестве одного из шести художников, вошедших в шорт-лист премии Hugo Boss, среди которых были Хуан Юн Пин , Уильям Кентридж , Пипилотти Рист , Лорна Симпсон и победитель Дуглас Гордон . [47]
У Ли были персональные выставки по всему миру, включая Live Forever , которая гастролировала в Новом музее современного искусства в Нью-Йорке и The Power Plant в Торонто. Она была выбрана в качестве финалиста премии Hugo Boss 1998 года Музеем Гуггенхайма в Нью-Йорке.
Другие музеи, которые представили выставки ее работ, включают Fondation Cartier, Париж ; Domus Artium, Саламанка; Музей современного искусства, Сидней ; Japan Foundation, Токио; MAC, Musée d'Art Contemporain, Марсель; Le Consortium ; Fabric Workshop and Museum, Филадельфия ; Kunsthalle Bern, Швейцария ; и Музей современного искусства, Нью-Йорк.
Ее двухперсональная выставка в Музее современного искусства в Нью-Йорке называлась « Проекты 57, Бул Ли, Мацуи Чие» и прошла в 1996 году. Бул Ли и Мацуи Чие были представлены как авангардные художницы, которые использовали инсталляционное искусство, чтобы бросить вызов социальным нормам. [48]
В марте 2010 года музей Хара ARC представил постоянную инсталляцию Ли Була под названием « Фрагментарная анатомия каждого заходящего солнца» . В феврале 2012 года музей искусств Мори в Токио организовал обзорную выставку середины карьеры художника, самую большую выставку художника на сегодняшний день. [49]
Недавно открывшаяся галерея Hayward в Southbank Centre провела обзор работ художников Ли, начавшийся в конце мая 2018 года, ее первый в Лондоне; который исследует обширное исследование художницей тела и его связь с архитектурным пространством. Занимая всю галерею, эта выставка включает документацию ранних перформансов, скульптурные работы из культовых серий Monster, Cyborg и Anagram и недавние иммерсивные инсталляции, а также подборку студийных рисунков художницы. [50] [51]
В ноябре 2020 года в Центральном выставочном зале «Манеж» в Санкт-Петербурге открылась выставка работ художника, «ознаменовавшая первую встречу работ Ли Була с работами художников русского авангарда, оказавших на них влияние» [52] .
Метрополитен -музей (The Met) в Нью-Йорке объявил в ноябре 2023 года, что четыре новые скульптуры Ли будут установлены на его фасаде на Пятой авеню. Названная The Genesis Facade Commission: Lee Bul, Long Tail Halo, эта работа представляет собой первый крупный проект Ли в Соединенных Штатах после ее персональной выставки 2002 года в Новом музее . [53] Работы будут экспонироваться с 12 сентября 2024 года по 27 мая 2025 года. [54]
2024
Заказ на фасад Genesis: Ли Бул, Длинный хвост Halo, Метрополитен-музей, Нью-Йорк
Ли Бул: Prints, BB&M, Сеул 2023
2023
Ли Бул: Принты, STPI, Сингапур
Ли Бул, Художественный музей Сары Хильден, Тампере, Финляндия
Ли Бул, BB&M, Сеул
Ли Бул, Таддеус Ропак, Лондон
Ли Бул, Музей искусств Гетеборга, Швеция, 2022 г.
2022
Ли Бул, Таддеус Ропак, Париж 2021
2021
Ли Бул: Новые и избранные работы, BB&M, Сеул
Ли Бул: Начало, Сеульский музей искусств
Рекомбинация, Lehmann Maupin, Нью-Йорк 2020
2020
Спасенная утопия, Центральный выставочный зал «Манеж», Санкт-Петербург, Россия 2019
2019
Интерлюдия: Perdu, Lehmann Maupin, Нью-Йорк
Ли Бул: Город Солнца, Музей искусств SCAD, Саванна, Джорджия, 2018 г.
2018
Ли Бул: Crash, Gropius Bau, Берлин
Ли Бул: Crashing, Галерея Хейворд, Лондон, 2017
2017
По мотивам Бруно Таута, Таддеуса Ропака, Лондон
Ли Бул, Lehmann Maupin, Нью-Йорк
2016
Connect 1: Still Acts, Центр искусств Сонже, Сеул
2015
Ли Бул, Художественная галерея Ванкувера
Ли Буль: Обаде III, Пале де Токио, Париж
Ли Бул, Галерея PKM, Сеул
Ли Бул, Espai d'Art Contemporani de Castelló, Испания
Ли Бюль: Into Lattice Sun, Swarovski Kristallwelten, Ваттенс, Австрия
Ли Бюль, Музей современного и современного искусства Метрополя Сент-Этьена, Франция, 2014 г.
2014
MMCA Hyundai Motor Series 2014: Ли Бул, Национальный музей современного искусства, Сеул
Ли Бул, Корейский культурный центр Великобритании, Лондон
Ли Бул, Галерея Ikon, Бирмингем, Великобритания
Ли Бул, Lehmann Maupin, Нью-Йорк 2013
2013
Ли Бюль, Музей современного искусства великого герцога Жана, Люксембург
Чистое невидимое солнце, Таддеус Ропак, Париж
Ли Бул: Первая выставка в Гонконге, Lehmann Maupin, Гонконг, 2012 г.
2012
Ли Буль, Центр Арт Сонье, Сеул
Ли Бул: «От меня, принадлежит только тебе», Музей искусств Мори, Токио
2010
Ли Бул, Галерея PKM Trinity, Сеул
Ли Бул, Lehmann Maupin, Нью-Йорк
2009 Рисунки, Таддеус Ропак, Париж
2008
Ли Бул, Галерея PKM Trinity, Сеул
Ли Бул, Lehmann Maupin, Нью-Йорк 2007
2007
Ли Бюль: «На каждой новой тени», Фонд Картье для современного искусства, Париж.
Ли Бул, Таддеус Ропак, Зальцбург
Ли Бул, Галерея PKM, Сеул
Ли Бул: Aseptia, Domus Artium 02, Саламанка, Испания, 2005 г.
2005
Ли Бул -S2-, SCAI The Bathhouse, Токио
Ли Бул: 2005 Международный художник-резидент, Художественная галерея Говетт-Брюстер, Нью-Плимут, Новая Зеландия, 2004
2004
Ли Бул, Музей современного искусства, Сидней
Ли Бул, Галерея PKM, Сеул
Ли Бул: Монстры, Deitch Projects, Нью-Йорк 2003
2003
Ли Бул: «Жить вечно», Художественная галерея Генри, Сиэтл
Ли Бул: Шоу монстров, Центр современного искусства, Глазго
Ли Буль: Theatrum Orbis Terrarum, Художественный музей Охары, Курасики, Япония
Ли Буль: Theatrum Orbis Terrarum, Японский фонд, Токио
Ли Бул: Live Forever, Музей современного искусства Скоттсдейла, Аризона
2002
Ли Бул: Live Forever, Электростанция, Торонто
Ли Буль: Шоу монстров, Музеи современного искусства Марселя
Ли Бул: Живи вечно, Галерея Жана Поля Слюссера, Анн-Арбор, Мичиган
Ли Бул: Live Forever, Новый музей современного искусства, Нью-Йорк
Ли Бул: Шоу монстров, Музей Консорциума, Дижон, Франция
Рисунки Ли Бул: Культурное тело, Галерея PKM, Сеул
Ли Бул, Галерея Родена, Музей искусств Samsung, Сеул
Ли Бул: «Жить вечно», Музей искусств округа Ориндж, Ньюпорт-Бич, Калифорния, 2001 г.
2001
Ли Бул: «Жить вечно», Мастерская и музей тканей, Филадельфия
Ли Бул: Киборги, SCAI the Bathhouse, Токио
Ли Бул: Live Forever, Институт искусств Сан-Франциско
Ли Бул: Божественная оболочка, Фонд BAWAG, Вена, 2000 г.
2000
Ли Бул: Монстр + Киборг, Музей азиатского искусства Фукуока, Япония
Футуристическое барокко, Галерея Кукдже, Сеул, 1999
1999
Ли Буль, Но Сан Гюн, Корейский павильон, 48-я Венецианская биеннале
Ли Бюль, Кунстхалле Берн, Швейцария, 1998 г.
1998
Ли Бюль, Центр Арт Сонье, Сеул, 1997 г.
1997
Проекты, Музей современного искусства, Нью-Йорк, 1994 г.
1994
Непрощенный, Космос, Торонто, 1988
1988
Шаг за шагом, Th-that's, Галерея IL, Сеул