Афроамериканский танец — это форма танца, созданная африканцами в диаспоре , в частности в Соединенных Штатах . Он развивался в различных пространствах афроамериканских общин в Соединенных Штатах, а не в студиях, школах или компаниях. Эти танцы обычно сосредоточены на народной и социальной танцевальной практике, хотя танцевальные выступления часто дополняют ее дополнительными аспектами. Придавая большое значение импровизации , эти танцы характеризуются постоянными изменениями и развитием. Существует ряд известных афроамериканских современных танцевальных компаний, использующих афроамериканский культурный танец в качестве вдохновения, среди них Whitey's Lindy Hoppers , Alvin Ailey American Dance Theater , Dance Theatre of Harlem и Katherine Dunham Company . Голливуд и Бродвей также предоставили возможности афроамериканским артистам поделиться своим творчеством, а публике — поддержать их. [1] [2] [3] [4]
Афроамериканский танец пережил много волн изобретательности, особенно в 20 веке. Гарлемский ренессанс был особенно важным временем для этой формы искусства и оказал большое влияние на современный танец. [5]
Афроамериканский танец был важной частью соревнований, традиций и культурного самовыражения и играет неотъемлемую роль в афроамериканской культуре. Многие из этих танцевальных движений были также заимствованы белыми танцорами и вошли в мейнстримовые СМИ. [5]
После начала работорговли в 1500-х годах африканцы привезли свои танцы в Северную, Центральную и Южную Америку, а также на острова Карибского моря. [6]
Район Большого Чесапика, охватывающий Вирджинию, Мэриленд и большую часть Северной Каролины, был самым ранним и, возможно, самым влиятельным местом культурного обмена между черными и белыми, который породил «афроамериканский» танец. [7] : 19 Учитывая их культурные различия, особенно в музыке и танцах , они, скорее всего, научились танцевать вместе, создавая совершенно новые танцы, опираясь на свои традиции, не копируя их в точности. По всей Америке рабы смешивали племенные ритмы из своих корней в Африке с бальными ритмами США, чтобы создать отличительную афроамериканскую форму танца. Племенные ритмы часто происходили из Восточной и Западной Африки. Формы танца вызова и ответа, которые популярны среди современных афроамериканских танцоров, можно проследить своими корнями в этих местах. [5] Элементы европейских танцев также были поглощены этими креолизованными танцами, и к концу 18 века в этом районе выработался узнаваемый танцевальный стиль. [7] : 21–22
Танцы и музыка были большой частью африканского общества, и эта традиция сохранилась в диаспоре. Афроамериканские рабы также использовали танцы и музыку как часть своих религиозных церемоний и других общественных мероприятий в своем сообществе. В других случаях рабов заставляли танцевать, чтобы развлечь рабовладельцев, но это было возвращено как способ для рабов развлечь себя и скоротать время во время работы или ночью, когда они проводили время друг с другом. [8]
Ограниченные иллюстрированные записи показывают, что изначальные африканские движения, которые подчеркивали изгиб в талии и бедрах, в конечном итоге сошли на нет в пользу более вертикального стиля, похожего на европейские танцы. Однако утверждается, что это изменение не было заимствованием европейского стиля, а на самом деле отражало африканскую практику переноски тяжелых грузов на голове , что требует прямого, вертикального позвоночника. [7] : 22 Черные танцы продолжали отражать другие африканские характеристики, такие как угловатость и асимметрия положений тела, множественные ритмы тела или полиритмы и низкий центр тяжести. [7] : 23
Катрина Томпсон обнаружила, что эволюция черной музыки и танца подчеркивает танец как форму освобождения. В некоторых случаях рабовладельцы заставляли рабов петь и танцевать, чтобы развлечь их во время работы. Таким образом, акт пения и танца для себя стал актом рекультивации. [9] Например, кейкуок развивался на плантациях как тонкая насмешка над формальными, манерными танцами, которые практиковали белые рабовладельцы. [ 10] Рабы одевались в переданные по наследству наряды и комично преувеличивали плавные движения менуэтов и вальсов для собственного развлечения. [ 10] [11] В статье 1981 года Брук Болдуин приходит к выводу, что кейкуок был предназначен «для высмеивания конкурирующей культуры якобы «превосходящих» белых. Рабовладельцы могли игнорировать его угрозу в своих собственных умах, считая его простым представлением, которое существовало для их собственного удовольствия». [12]
Черные рабы часто танцевали после дня сбора хлопка. [13]
(основная статья: Черный водевиль )
Ранние выступления афроамериканских танцев в мейнстримных пространствах проводились не черными исполнителями, а скорее белыми танцорами в черном лице . Эти танцевальные выступления интерпретировались скорее как сатирическая комедия или «бурлеск фарса», а не как подлинное искусство. [5]
Но в конце 19-го и начале 20-го века начали появляться полностью черные водевильные шоу с танцорами кордебалета, включая The Creole Show и Isham's Octaroons . Черные предприниматели, такие как Шерман Дадли , Пэт Шапель и сестры Гриффин , создали гастрольные компании водевиля и театральные сети для демонстрации афроамериканских талантов, прокладывая путь для афроамериканского музыкального театра . Среди известных артистов были танцовщица/хореограф Айда Овертон Уокер , «Королева кейкуока», и сестры Уитмен , которые управляли гастрольной компанией, считавшейся «инкубатором для черных талантов», особенно танцоров. Степа , сплав ирландских и афроамериканских движений, стал популярным в это время благодаря черным танцорам, включая Билла Боджанглса Робинсона , Джона Бабблза и братьев Николас . Шоу этой эпохи представили такие танцы, как Cakewalk, Juba , Pigeon Wing и Possum Walk большему количеству зрителей. Эта эпоха также включала в себя большую миграцию чернокожих исполнителей из США в Европу, чтобы избежать сильного расизма, который был распространен не только на сцене выступлений, но и везде. [5]
Подобно тому, как Гарлемский ренессанс стал свидетелем развития искусства, поэзии, литературы и театра в Гарлеме в начале 20-го века, он также стал свидетелем развития богатой музыкальной и танцевальной жизни: клубы ( Cotton Club ), бальные залы ( Savoy Ballroom ), вечеринки по аренде жилья и другие черные пространства как места рождения новых танцев, театры и переход от водевиля к местным «шоу», написанным и поставленным афроамериканскими артистами; театры как публичные форумы для популяризации афроамериканских культурных танцев. Гарлемский ренессанс был первым случаем, когда полностью черная постановка оказалась на Бродвее, с дебютом Shuffle Along в 1921 году. [5] Флоренс Миллс была первой чернокожей женщиной, возглавившей бродвейскую площадку, и ее работа помогла искоренить расовые стереотипы в отношении черных людей как в индустрии представлений, так и в обществе. [8]
После выхода «Великого Гэтсби » в 1925 году термины афроамериканских танцев начали входить в основной американский сленг. Такие термины, как «jazzin' it», «goose bumps», «in the groove» и «swing» начали использоваться не только афроамериканским сообществом исполнителей, но и обычными белыми людьми. С переходом этих терминов в мейнстрим, люди, которые их создали, вскоре последовали их примеру. Первая профессиональная афроамериканская танцевальная компания, Hampton Creative Dance Group, была создана в 1928 году. Вскоре после этого, в 1931 году, Кэтрин Данэм создала Ballet Negre, позже переименованную в Chicago Dance Group. Данэм также поставила шоу под названием Rites de Passage в 1943 году, в котором подробно описывалась история ее жизни на Гаити. Это представление было одним из первых в своем роде, которое рассказывало специфическую черную историю, подробно описывающую опыт, который белая публика не могла бы себе представить. Это было очень ново для своего времени, так как большинство шоу в то время были выступлениями, заполненными белыми танцорами, рассказывающими белые истории. [5]
В конце 1960-х годов Артур Митчелл и Карел Шук создали Театр танца Гарлема , и он быстро стал всемирно известной афроамериканской балетной компанией. Они преподавали как классический балет, так и современный этнический танец, поэтому в их выступлениях присутствовала смесь танцевальных типов, которая была уникальной афроамериканской. Студия гастролировала как по стране, так и по миру, вплоть до выступления в Белом доме и на Олимпийских играх 1984 года . Они были первой танцевальной студией, которая обслуживала чернокожих танцоров с целью дать этим танцорам возможность изучить все виды танцев. Их усилия достигли больших успехов в стирании цветового барьера в области танца, и особенно в классическом балете. [8]
В 1980-х годах Voguing был популярным типом выступления на мероприятиях, известных как Balls. Культура балов была способом для чернокожих людей, в основном исполнителей и женщин ЛГБТК+, собраться вместе и соревноваться, покрасоваться и получить шанс быть увиденными. Paris Is Burning — документальный фильм о культуре балов и ее развитии, показанный глазами дрэг - матерей (лидеров дрэг-хаусов). В нем обсуждается, как они начинались, как они появились, и их культура. [14]
Район залива Сан-Франциско также внес большой вклад в искусство хип-хопа, как в музыке, так и в эстетике танца. По мере того, как хип-хоп становился все более популярным в Нью-Йорке, также процветало движение фанка Западного побережья, и эти два направления оказали влияние на стиль друг друга. KMEL была радиостанцией в Сан-Франциско, которая была очень популярна в разных районах района залива, и они играли музыку, которая не была супермейнстримом. Станция была одной из первых, кто играл хип-хоп музыку, и помогла ей получить охват, необходимый для того, чтобы стать популярной во всем большом городе. Хип-хоп-танец стал настолько неотъемлемой частью этих сообществ, что в разных районах в каждом из них были свои фирменные стили или техники, и можно было сказать, откуда кто-то, просто основываясь на его движениях. [15]
Брейк-данс является центральной частью афроамериканского современного танца, поскольку он является основой для многих более специфических типов танца. Он также считается одним из столпов хип-хопа и имеет важное значение для этого музыкального сообщества и эстетики. [16]
Брейк-данс был создан в Южном Бронксе, Нью-Йорк, в 1970-х годах, начавшись как андеграундное танцевальное движение. Он начался в результате хип-хоп музыки, как физическое выступление во время интермедии сета диджея. Вокал затихал, и оставалась только инструментальная музыка. Затем этот «брейк» в песне сопровождался танцем, и был придуман термин «брейк-данс». Импровизация играет ключевую роль в брейк-дансе, поскольку она позволяет людям выражать себя и свои внутренние импульсы, подобно движениям, найденным в духовном африканском танце, а также соревноваться с другими и демонстрировать свои навыки в спонтанном порядке. Умение думать на ходу имеет решающее значение для хип-хопа и брейк-данса, а импульсивность является частью стиля искусства.[5] Частью аспекта толпы в брейк-дансе является концепция шифра. Cypher — это группа зрителей, которые собираются вокруг исполнителей брейк-данса, чтобы подбодрить их, покритиковать и просто отреагировать на соревнование. [16]
Брейк-данс стал мейнстримом в 1980-х годах после выхода фильма Flashdance , в котором танцевальные движения брейк-данса были показаны миру. С тех пор он стал международной формой искусства и явлением, распространившись на другие страны, такие как Германия, Южная Корея, Япония и Франция. Он также нашел свой путь во многие другие профессиональные танцевальные области, такие как конкурсное шоу So You Think You Can Dance . [16] Однако голливудские изображения брейк-данса были немного вредными, потому что они свели танцевальное движение хип-хопа только к брейк-дансу и проигнорировали многие другие виды танца. [15]
Соревнование долгое время играло важную роль в социальном танце в афроамериканском социальном танце, от «баттлов» хип-хопа и линди-хопа до кейкуока . Выступления также были интегрированы в повседневную танцевальную жизнь, от взаимосвязи между выступлением и общением в степе до «шоу», проводившихся в бальных залах Гарлема в 1930-х годах.
Афроамериканский танец часто используется как способ борьбы с колониализмом и превосходством белой расы . Эти выступления можно рассматривать как комментарий к обществу в настоящем или прошлом. Часто танец используется для борьбы со стереотипами, расширения прав и возможностей танцоров, освобождаясь от западных и европоцентристских стандартов красоты, и помогает им преодолеть поколенческие расовые травмы. [19]
В этом случае танец используется для того, чтобы рассказать истории, которые являются личными для людей африканского происхождения и африканской диаспоры . Он включает танцевальные движения, которые происходят из самой Африки, а также других диаспорных групп населения, таких как те, что встречаются на Гаити и в Карибском бассейне. Этот стиль танца фьюжн, сочетание гибкости и текучести европейского стиля танцев с африканским стилем изолированных и ярких движений, может быть использован для создания современных техник, которые лучше представляют их историю. Как мы видим в классических балетах, где история рассказывается посредством танца, этот стиль танца фьюжн также служит для того, чтобы рассказать истории афроамериканских танцоров и их предков. [19]
Танец также может использоваться для объединения афроамериканского населения. В городских условиях, где часто встречаются бандитские группировки, брейк-данс может рассматриваться как альтернативная форма разрешения споров. Он использует разум и тело для соревнования друг с другом, и явного победителя можно найти на основе реакции зрителей, но он не требует никакого насилия. Банды могут улаживать споры сольными или командными выступлениями, без какого-либо оружия или кровопролития. [16]
В большинстве афроамериканских танцевальных культур обучение танцам не происходит в формальных классах или танцевальных студиях. Дети часто учатся танцевать по мере взросления, развивая не только осознание тела, но и эстетику танца, которая свойственна их сообществу. Обучение танцам — изучение ритмических движений — происходит во многом так же, как развитие местного языкового «акцента» или определенного набора социальных ценностей. Дети учатся определенным танцевальным шагам или «как танцевать» от своих семей — чаще всего от старших братьев и сестер, кузенов или других старших детей. Поскольку культурный танец происходит в повседневных пространствах, дети часто танцуют со старшими членами сообщества вокруг своих домов и районов, на вечеринках и танцах, по особым случаям или всякий раз, когда группы людей собираются, чтобы «хорошо провести время». Культурные танцевальные традиции, таким образом, часто являются традициями между поколениями, и молодые танцоры часто «возрождают» танцы предыдущих поколений, хотя и с новыми «крутыми» вариациями и «стилями». Это не означает, что не существует социальных ограничений на то, кто может танцевать с кем и когда. Партнеры по танцам (или люди, с которыми можно потанцевать) выбираются по ряду социальных факторов, включая возраст, пол, родство, интересы и т. д. Наиболее распространенные танцевальные группы часто состоят из людей одинакового возраста, происхождения и часто пола (хотя это варьирующийся фактор). [ необходима цитата ]
Ли Эллен Фридланд и другие авторы утверждают, что говорить о культурном танце, не говоря о музыке, искусстве или драме, это как говорить о рыбе, не говоря о воде. Музыка и танец тесно связаны в афроамериканском культурном танце, не только как аккомпанемент, но и как переплетенные творческие процессы. [20]
«Афроамериканский культурный танец» — это описание, придуманное автором и исследователем Национальной танцевальной ассоциации Фрэнком Р. Россом, который правильно заменил старое стереотипное «народное» (исконное или естественное) определение афроамериканского танца на его правильное определение как «культурного» (санкционированное Национальной танцевальной ассоциацией и Международным танцевальным советом ). [21]
Некоторые из популярных афроамериканских танцев сегодня — это Detroit Ballroom and Social — Chicago Steppin & Walking, DC Baltimore, Hand Dance , Calypso и The NAACP Sanctioned Grand March — National Black Wedding & Reunion Dance. Популярные организации черных танцев прекрасно сочетаются с Gentlemen of Ballroom из Cleveland Master Dancers из Акрона, штат Огайо. Dance Fusion, World Class-Detroit, Majestic Gents — Chicago Smooth & Easy DC Tri — State — Love to dance — Sugarfoot из Балтимора, штат Мэриленд. Новая американская форма танцевального искусства афроамериканского культурного танца и музыки была принята в учебную программу танцевального образования школ Нью-Йорка. [ требуется ссылка ]
Джеки Мэлоун описывает отношения между степистами , которые путешествовали с группами в начале 20-го века, описывая, как степисты работали с музыкантами, чтобы создавать новые ритмы . Много было написано о связи между импровизацией в джазе и импровизацией в джазовом танце — эти два направления связаны их акцентом на импровизации и творческих дополнениях к композициям в процессе их создания — хореография и композиция на месте, в социальном контексте — а не строгим разделением между «созданием» и «исполнением», как в европейской балетной и оперной традиции среднего класса . Африканский танец, как предполагается, заключается в том, что человек соединяется с землей и рассказывает свою историю и трудности с помощью танца. Он также позволяет людям чувствовать вибрации своего танца под ногами, позволяя им танцевать так, как им нравится, используя имеющееся у них пространство, чтобы они могли свободно выражать себя. [ требуется цитата ]
Не менее важно поговорить о взаимоотношениях между диджеями, МС, би-боями и би-герлз и граффити- художниками в хип-хоп культуре , а Джон Ф. Швед и Мортон Маркс обсудили развитие джаза и джазового танца в Америке из европейских сет-танцев и танцевальных сюит в связи с развитием музыкального мастерства . [16]
Современный танец афроамериканцев сочетает в себе современный танец с африканскими и карибскими движениями (гибкий торс и позвоночник, сочлененный таз, изоляция конечностей и полиритмичные движения). Известные люди:
.jpg/1280px-Pearl_Primus_visit_to_Israel_(997009326699905171).jpg)
Танец был и остается неотъемлемой частью религиозного выражения общины Западной Африки . Эта традиция, в той мере, в какой это допускалось рабовладельцами, продолжалась в довоенном поклонении рабов и других афроамериканцев. [30] Одним из примеров был ринг-крик в ранней церкви. Танцы, особенно в группе, стали менее распространенными, когда афроамериканцы присоединились к более литургическим конфессиям, таким как методистская и католическая , но, скорее всего, сохранились в церквях святости , баптистской и пятидесятнической . [31] Отдельные люди часто вставали, чтобы танцевать, когда их к этому побуждали. С 1970-х годов литургический танец стал более приемлемым как элемент поклонения даже среди методистских и других литургических церквей. Движение черного сознания 1960-х и 1970-х годов, а также усилия таких групп, как The Sacred Dance Guild, способствовали развитию этой танцевальной формы, [32] которая опирается на современный танец и джазовый танец . С конца 1980-х годов пантомима в стиле госпел , в которой тексты и слова песен разыгрываются, нашла некоторое признание в черных церквях. [30]
Танцевальные жанры :
Танцевальные жанры и движения :
Жанры музыки :
Танцы и движения :
Жанры музыки :
Танцевальные жанры и движения :
Жанры музыки :
Танцевальные жанры и движения :
Жанры музыки :
Танцевальные жанры и движения :
Элео Помаре дал интервью The HistoryMakers 18 апреля 2007 г.
{{cite web}}: CS1 maint: others (link)Заметки об интервью{{cite web}}: CS1 maint: unfit URL (link)