Песочная живопись — это искусство насыпания цветного песка и порошковых пигментов из минералов или кристаллов, или пигментов из других природных или синтетических источников на поверхность для создания фиксированной или незафиксированной песчаной картины. Незафиксированная песчаная живопись имеет давнюю культурную историю в многочисленных социальных группах по всему миру и часто является временной, ритуальной живописью, подготовленной для религиозных или целительных церемоний. Эту форму искусства также называют сухой живописью.
Сухую живопись практикуют коренные американцы на юго-западе США, тибетские и буддийские монахи, а также коренные австралийцы , а также латиноамериканцы в определенные христианские праздники.
В песочной живописи юго-западных коренных американцев (самые известные из которых — навахо [известные как дине]) шаман (или хатали ) рисует свободно на земле хогана , где проходит церемония, или на оленьей шкуре или брезенте, позволяя цветному песку течь сквозь его пальцы с контролем и мастерством. Навахо известно от 600 до 1000 различных традиционных дизайнов для песочной живописи. Они не рассматривают картины как статичные объекты, а как духовные, живые существа, к которым следует относиться с большим уважением. С одной церемонией может быть связано более 30 различных песочных картин.
Цвета для росписи обычно получаются из натурального песка, измельченного гипса (белый), желтой охры , красного песчаника , древесного угля и смеси древесного угля и гипса (синий). Коричневый цвет можно получить, смешав красный и черный; красный и белый дают розовый. Другие красители включают кукурузную муку, цветочную пыльцу или измельченные корни и кору.
Картины предназначены только для лечебных целей. Многие из них содержат изображения Yeibicheii (Святых Людей). Создавая картину, знахарь будет петь , прося yeibicheii войти в картину и помочь исцелить пациента.
Когда знахарь заканчивает рисовать, он проверяет точность рисунка. Порядок и симметрия рисунка символизируют гармонию, которую пациент желает восстановить в своей жизни. Считается, что точность рисунка на песке определяет его эффективность как священного инструмента. Пациента попросят сесть на рисунок на песке, пока знахарь продолжает читать исцеляющее песнопение. Утверждается, что рисунок на песке действует как портал, привлекающий духов и позволяющий им приходить и уходить. Практикующие верят, что сидение на рисунке на песке помогает пациенту впитать духовную силу, в то время как Святые, в свою очередь, впитают болезнь и заберут ее. После этого, когда рисунок на песке выполнил свою задачу, он считается токсичным, так как впитал болезнь. По этой причине рисунок уничтожается. Из-за священной природы церемоний, рисунки на песке начинаются, заканчиваются, используются и уничтожаются в течение 12 часов.
.jpg/1280px-Navajo_sand_painting_(00171124).jpg)
Церемонии, включающие песочные рисунки, обычно проводятся последовательно, называемыми «песнопениями», длящимися определенное количество дней в зависимости от церемонии. По крайней мере, один свежий рисунок на песке делается каждый день.
Некоторые законы и табу навахо связаны с песчаными рисунками и защищают их святость:
Искусство коренных народов Австралии имеет историю, которая охватывает более 30 000 лет, и широкий спектр местных традиций и стилей. Они были изучены в последние десятилетия, и их сложность получила возросшее международное признание. [2] Искусство аборигенов охватывает широкий спектр средств, включая рисование песком, рисование на листьях, резьбу по дереву, резьбу по камню, скульптуру и церемониальную одежду, а также художественные украшения, найденные на оружии и инструментах. Искусство является одним из ключевых ритуалов культуры аборигенов. Оно использовалось и по-прежнему используется для обозначения территории, записи истории и рассказа историй о « Сновидении ».
Аборигены стали преобразовывать свои традиционные рисунки на песке в более постоянные формы, используя современные методы и материалы. [3]
Джеффри Бардон был австралийским учителем рисования, который сыграл важную роль в создании движения «Искусство аборигенов Западной пустыни» и в привлечении внимания мира к искусству коренных народов Австралии. «... [под руководством Бардона старейшины] начали взаимодействовать с определенными проблемами международной живописи 1960-х и 70-х годов, особенно с крайней схематизацией нью-йоркского минимализма». В « Истории живописи » «Лирическая абстракция конца 1960-х годов характеризуется картинами Дэна Кристенсена , Ронни Лэндфилда , Питера Янга и других, а также движением флюксус и постминимализмом (термин, впервые введенный Робертом Пинкусом-Виттеном на страницах Artforum в 1969 году) [4] стремилась расширить границы абстрактной живописи и минимализма, сосредоточившись на процессе, новых материалах и новых способах выражения».
Эта связь наиболее очевидно прослеживается в связи между картинами конца шестидесятых годов Питера Янга (художника) и картинами, которые появились в начале семидесятых годов, созданными в Папунья Тула . [5] [6]
Papunya Tula , или Papunya Tula Artists Pty Ltd, — это кооператив художников, основанный в 1972 году, которым владеют и управляют аборигены Западной пустыни Австралии. Каапа Тьямпитджинпа — один из первых художников Papunya Tula, известный по Gulgardi . Это первая работа австралийского художника-аборигена, получившая премию в области современного искусства, и первое публичное признание картины Papunya. [1]
Тибетские буддийские песчаные картины обычно составляют мандалы . По-тибетски это называется dul-tson-kyil-khor (мандала из цветных порошков). Песок аккуратно кладут на большой плоский стол. Процесс создания занимает несколько дней, и мандала разрушается вскоре после ее завершения. Это делается как учебное пособие и метафора для «непостоянства» (пали: anicca ) всех условных и составных явлений (санскрит: Pratītya-samutpāda ).
Процесс рисования мандалы песком начинается с церемонии открытия, во время которой ламы , или тибетские священники, освящают место и призывают силы добра. Они поют, объявляют намерение, мудру , асану , пранаяму , делают визуализации, играют на музыкальных инструментах, читают мантры и т. д.
В первый день ламы начинают с рисования контура мандалы, которую нужно нарисовать, на деревянной платформе. В последующие дни происходит укладка цветного песка, которая осуществляется путем выливания песка из традиционных металлических воронок, называемых чак-пур . Каждый монах держит чак-пур в одной руке, одновременно проводя металлическим стержнем по его зубчатой поверхности; вибрация заставляет песок течь, как жидкость. Сформированная из традиционной предписанной иконографии , которая включает в себя геометрические фигуры и множество древних духовных символов (например, Аштамангала и божественные атрибуты йидама ), семенные слоги , мантры , нарисованная песком мандала используется в качестве инструмента или орудия для бесчисленных целей. Основная цель — повторное освящение земли и ее обитателей. Когда медитация завершена, песчаная картина церемониально разрушается с помощью Ваджры , а затем песок собирается и относится к водоему для подношения.
Император Тэмму (631–686), 40-й император Японии, использовал технику бонсеки для описания ландшафтов и природных объектов. Считается, что несколько садов в Киото также были спроектированы с использованием бонсеки. Эссе 1300 года японского монаха дзэн Кокана Сирэна «Рифмованная проза о миниатюрном ландшафтном саду» рассказывает о принципах бонсеки и садовой архитектуры. Бонсеки стали популярной формой искусства японской аристократии во время правления Асикаги Ёсимасы (1443–1490). Историческая личность, оказавшая самое глубокое влияние на японский «Путь чая», Сэн-но Рикю (1522–1591), практиковала бонсеки. С XV века в Японии буддийские художники во времена сёгунов практиковали ремесло бонсеки , посыпая поверхность простых черных лакированных подносов сухим цветным песком и галькой. Они использовали птичьи перья в качестве кистей, чтобы придать песчаной поверхности морские пейзажи и ландшафты. Эти подносные изображения использовались в религиозных церемониях. Хотя практика бонсеки почти исчезла после Второй мировой войны, все еще существуют активно практикующие школы.
В XVII и XVIII веках королевские дворы Европы нанимали «укладчиков столов», которые украшали боковые столы на королевских банкетах, переняв ремесло «бонсеки» у японцев. Укладчики столов посыпали поверхность простых белых скатертей цветным песком, мраморной пылью, сахаром и т. д., чтобы создать нефиксированные изображения фруктов, цветов, птиц и деревенских пейзажей. Между каждым рисунком оставлялось пространство для фруктовых ваз и блюд со сладостями, чтобы обедающие могли подкрепиться между основными блюдами пира. Эти богато украшенные картины выбрасывались вместе с мусором пира.
Как прекрасный пример мастерства накладчиков столов, аббатство Уобёрн в Бедфордшире , Англия, обладает богато украшенной складной ширмой с тремя панелями, украшенными песчаными рисунками, защищенными стеклом. Центральная имеет пять ячеек для пирамидальных тарелок со сладостями , а две боковые створки ширмы имеют три ячейки для подносов с фруктами. В каждом углу боковых панелей ширмы есть четыре песчаных рисунка, изображающих пасторальные сцены 18-го века, в то время как остальные области ширмы украшены бабочками, голубями, фруктами, цветами и т. д. Ширма устанавливалась на поверхность приставного стола. Она также служила подставкой для изысканных фарфоровых блюд и стеклянных подносов с фруктами, конфетами и сладостями, с которых хозяева и их гости могли угощаться, общаясь или разминая ноги между многочисленными блюдами, подаваемыми на главном столе в обеденном зале. Эта ширма, возможно, была работой немецкого мастера Ф. Швайкхардта, который специализировался на натюрмортах в стиле голландского художника Яна ван Хейсума .
Искусство рисования песком возникло под влиянием короля Георга III, который был искусным часовщиком и ремесленником. Он интересовался мастерством королевских чиновников, известных как декораторы столов, которые украшали белые скатерти на королевских банкетах богато украшенными центральными элементами, декорированными с использованием незакрепленного цветного песка и сахара в качестве «краски» и птичьего пера в качестве «кисти». Это ремесло было введено европейским путешественником, наблюдавшим за работой мастеров в Японии.
Наблюдая за работой декораторов столов, король предположил, что если временно выложенные на поверхности скатертей песчаные картины можно было бы закрепить на месте навсегда, а не выбрасывать вместе с остатками пиршества, то это сэкономило бы много времени и энергии, нанимая множество искусных вышивальщиц, трудящихся над такой искусной работой. Поэтому однажды король крикнул мастерам: «Почему бы вам не починить это!» Это побудило многих мастеров, включая Хааса, Швайкхардта и Бенджамина Цобеля (Мемминген, Германия, 21 сентября 1762 г. – Лондон, Англия, 24 октября 1830 г.), все немецкого происхождения, независимо друг от друга успешно разработать подходящие методы для достижения этой цели, и эти картины были заказаны королевскими особами того времени и стали высоко цениться аристократией. Брат короля , герцог Йоркский, заказал Зобелю и другим ряд работ, хотя художники по песку ревностно охраняли свой метод от конкурентов. Зобель изобразил «свиней в стиле Морланда»; «Нельсона», любимую собаку герцога Йоркского; «Тигра в стиле Джорджа Стаббса» и впечатляющего «Стервятника и змею». [ требуется ссылка ] Хотя многие работы Зобеля сохранились, немногие из работ Хааса пережили течение времени, хотя наблюдатели считали, что его работа превосходит работу Зобеля. Это может быть отражением различных техник, используемых каждым художником. Дневник наблюдал, как Зобель покрывал поверхность плинтуса смесью гуммиарабика и свинцовых белил и посыпал песок на липкую поверхность, используя сложенную бумажную воронку в качестве кисти. Ему приходилось работать быстро, так как клей высыхал через несколько часов. Несколько из его сохранившихся картин имеют незаконченную работу на обратной стороне. Хаас следовал более точно методам, разработанным в Японии, но смешивал сухой порошкообразный гуммиарабик с песком, просеивал смесь через сито и использовал перья в качестве кистей для создания картин на плинтусе, а затем закреплял их каким-то способом, который он держал в секрете. Из-за сырости во многих величественных домах того времени его картины не продержались больше нескольких лет. Однажды Хааса вызвали в отпуск, когда он работал над незакрепленной песчаной картиной. Когда он вернулся, то обнаружил, что одна из кошек Виндзорского замка свернулась на картине, тем самым повредив ее.
В конце концов Цобель вернулся в Мемминген в Баварии, где он продолжил успешно заниматься своим ремеслом. Некоторые из его работ выставлены в ратуше Меммингена. Хаас был вынужден отказаться от рисования песком, вероятно, из-за продолжающихся катастроф с его картинами. Вместо этого он открыл пекарню в Виндзоре, и глазурь на его тортах, возможно, была украшена картинками из цветного сахара вместо песка. [ необходима цитата ]
С уходом этих георгианских мастеров и избавлением от коллекции герцога Йоркского интерес и навыки, приобретенные в работе с песчаными рисунками, пошли на спад. Единственной королевской особой, которая продолжала интересоваться этим ремеслом, была покойная королева Мария, супруга короля Георга V, которая завещала свои георгианские песчаные рисунки Музею Виктории и Альберта , а свою коллекцию песчаных рисунков острова Уайт — Музею замка Карисбрук на острове Уайт.
В первой половине 20-го века подполковник Райбот был страстным коллекционером картин из песка, которые служили исходным материалом для статей, написанных на эту тему в журналах по искусству и ремеслам того времени. В конечном итоге 37 картин из его коллекции стали главной экспозицией на аукционе, состоявшемся в галерее Sotheby's New Bond Street 15 июня 1956 года.
Существуют тысячи мест, где можно собирать натуральный цветной песок для поделок, с огромным диапазоном цветов, доступных по всему миру, которые варьируются в зависимости от содержания минеральных вод, выщелачиваемых через пески. Для туристов вертикальные песчаные скалы в заливе Алум на острове Уайт образуют центральную часть визуального геологического феномена (лучше всего наблюдаемого после ливня), который заключает в себе меловые шпили Нидлс и Теннисон-Даунс. Хотя туристов больше не поощряют добывать собственный песок со скал, многочисленные компании на острове продают песок для целей песочной живописи.
После замужества с принцем Альбертом и выбора поместья Осборн-хаус недалеко от Кауса в качестве нового семейного убежища королева Виктория стала главным инициатором обустройства этой бывшей захолустной местности. Местные ремесленники извлекли выгоду из притока богатых посетителей, а многие мастера продавали свои неподвижные песчаные картины и незакрепленные песчаные банки с видами острова в качестве уникальных сувениров на память об острове Уайт.
Некоторые из этих песчаных картин были маленькими и грубыми и не подписанными, но Эдвин и Джон Дор из Арретона создали несколько прекрасных работ в 1840-х годах. Картины были размером с открытку и изображали местные виды, такие как замок Карисбрук и другие туристические сюжеты. Эдвин всегда подписывал свои причудливые картины тонким почерком картографическим пером и тушью, одним из его самых успешных серийных сюжетов был «Сбор птичьих яиц на скалах Нидлс». Джон Дор использовал карточку, украшенную напечатанной каймой кружевного узора, на которой он создавал свои песчаные картины, хотя качество его работы уступало работам его брата.
Немногие художники-песочники с острова заполняли небо, придавая этой детали легкую цветовую заливку в качестве завершающего штриха, иногда оставляя двери и окна свободными от песка, который забивался тушью. В 1860-х и 1870-х годах Дж. Саймонс из Коуса создавал местные виды, намного превышающие размер открытки, вставленные в глазурованные дубовые или кленовые рамы и подписанные подписью художника на обороте. Команда отца и сына Нитс из Ньюпорта продавала свои работы с лотка у ворот замка Карисбрук, где посетителям предлагались песчаные картины и банки с песком по цене от 1/- до 2/6 за штуку, а сын отрастил ногти необычайно длинными, чтобы распределить песок по своим картинам. В 1930-х и 1940-х годах Р. Дж. Сноу из Лейка ближе всего подошел к созданию песчаных картин в стиле георгианских мастеров, но размером с открытку, хотя он и создал несколько прекрасных работ на заказ, в частности вид Оддикомба в Девоне, на котором море и небо также были «нарисованы» песком. Однако после войны качество песчаных картин на открытках ухудшилось, и изделия массового производства, лишенные вкуса и мастерства, стали продаваться за несколько шиллингов.
В Сенегале рисунки наклеиваются на доску и обычно представляют собой изображения фигур на фоне пейзажа.
В 1860-1890-х годах Эндрю Клеменс , глухонемой человек, родившийся в Дубьюке, штат Айова, США, прославился своим искусством создания нефиксированных картин с использованием разноцветного песка, спрессованного внутри стеклянных бутылок или богато украшенных аптечных банок. Песок собирался на обрывах, возвышающихся над рекой Миссисипи. Тематика его песочных бутылок включала в себя богато украшенные сентиментальные стихи, парусные корабли, растения, животных и портреты.
Он выставил свои работы на ярмарке в Сент-Луисе и, потратив часы на создание картины в бутылке, демонстрировал недоверчивой публике, что картина внутри была раскреплена, разбив бутылку молотком. Песочные бутылки Клеменса стали музейными экспонатами и высоко ценимыми антиквариатами, которые с тех пор продаются на аукционах за тысячи долларов США.
В провинции Дренте в Нидерландах в конце 19-го, начале 20-го веков существовал обычай использовать жесткую метлу, чтобы вымести узоры на белом песке, чтобы сформировать простые украшения на плиточных полах домов, в основном для особых случаев или праздников. На следующий день его подметали. Этот обычай также практиковался в Северной Бельгии голландскоязычными общинами, в то время как в Хекельгеме 1973 год был годом столетия ремесла «Старый зандтапейт». Отели и кафе нанимали мастеров, чтобы разбрасывать декоративные песчаные картины на незакрепленном цветном песке на плиточных полах своих помещений, чтобы побудить проезжающих туристов остановиться и насладиться местным гостеприимством по пути в Брюссель. Роджер де Бек, родившийся в 1930 году, был уважаемым представителем этого ремесла, который использовал клей, чтобы прикрепить свои песчаные картины к подходящей основе, продавая их посетителям своей мастерской. Помимо библейских сцен, его лучшие работы включают портрет королевы Елизаветы 1953 года и президента США Джона Кеннеди в начале 60-х годов. Это ремесло продолжается, и буклет в честь столетия был опубликован 1 февраля 1973 года. [7]
В наши дни рисование песком чаще всего практикуется во время Dia de los Muertos (Дня мертвых) в Мексике и Соединенных Штатах. Улицы украшаются песчаными рисунками, которые позже смываются, символизируя мимолетность жизни. Следует отметить песчаные рисунки, выполненные во время фестиваля Seattle Dia De Muertos , но самым захватывающим событием стало перформансное искусство песчаной анимации, которое создало новую волну молодых художников, а также возродило интерес ко всем видам песчаной живописи.
Ряд современных художников используют песок способами, которые отходят от конкретных культурных традиций, исследуя техники, сгребая песок, высыпая его, вырезая его, создавая уникальные дизайны. Работы недолговечны и в основном распространяются посредством документации или части живого выступления.
Многие из этих художников были включены в экспозицию в Музее искусств и дизайна в Нью-Йорке под названием «Сметенные: пыль, пепел и грязь в современном искусстве и дизайне», которая была представлена в галереях в 2012 году. [8] [9] Куратор Дэвид Ревир Макфадден объяснил, почему он курировал эту выставку, желанием привлечь внимание к работам современных художников, которые специализируются на том, что он назвал «нетрадиционными, необычными или неожиданными материалами». [10]
Художники, включенные в экспозицию, которые используют песок и методы, связанные с песочной живописью, были: Эльвира Верше, [11] которая собирает песок со всего мира, чтобы создавать геометрические узорчатые картины, только чтобы быть уничтоженной в рамках перформанса. [12] Энди Голдсуорси известен своими эфемерными работами с использованием природы, и начал рисовать и рисовать песком в 1986 году, [13] [14] задокументировал ухудшение состояния гигантского шара из песка на пляже, набитого костями, для выставки. Джим Деневан, известный своими огромными песчаными картинами, выровненными граблями, также поделился документацией своего процесса на пляжах Калифорнии. [15] [16] Игорь Эскинья использовал пыль, чтобы нарисовать архитектурный план этажа в галереях. [17] Цуй Фэй создает каллиграфические работы на песке, используя традицию чак-пур и кисти. [18] Вик Мунис использует пыль, шоколадный сироп, песчинки, сахар, икру, журналы и промышленный мусор таким образом, чтобы это отражало песочную живопись. [19] [20] В сменной экспозиции «Swept Away Projects» были представлены Линда Флоренс и Джо Мангрум, чьи работы были добавлены в галереи после удаления предыдущих работ. [21] Линда Флоренс использовала мел для трафаретного нанесения узоров на пол и часто использовала различные материалы, такие как сахар, для создания инсталляций. [22] Джо Мангрум высыпал цветной песок из своей руки в течение двух последовательных дней 8–9 мая 2012 года, он назвал его «Асинхронная синтропия» и проект на открытом воздухе, который действовал как обход самого музея. Мангрум работал в общей сложности 24 часа в течение двух дней, спонтанно импровизируя свой дизайн песочной картины, только чтобы он быстро исчез под суетой пешеходного движения Columbus Circle . [8] [23]
Другие современные художники, работающие с песком, включают Эндрю ван дер Мерве, проживающего в Кейптауне , который вырезает каллиграфические изображения на песке на пляжах; [24] Андрес Амадор, американский художник, который сгребает рисунки на пляжах; [25] Ахмад Надалян, иранский художник, который использует натуральные пигменты для рисования песком; [26] и Мотои Ямамото, который создает картины, отражающие тайфуны и природные явления, используя соль. [27] [28]
_in_No._10_Downing_Street.jpg/1280px-Prime_Minister_Mrs._Thatcher_(the_Iron_Lady)_in_No._10_Downing_Street.jpg)
Большинство художников используют природные окисленные и минеральные цветные пески, добавляя древесный уголь для расширения палитры, а в некоторых случаях и необычные материалы, такие как железные опилки или пыль каменщиков, выброшенная с церковных площадок. Другие художники используют промышленные тонированные кварцевые пески, обладающие способностью противостоять атмосферным воздействиям, и новое поколение прочных клеев. Работа защищена слоем распыляемого лака. Защитная стеклянная рама для песка и клея не требуется, поскольку картины, как доказано, выдерживают воздействие прямых солнечных лучей без пожелтения лака.
{{cite web}}: |last=имеет общее название ( помощь ){{cite web}}: CS1 maint: архивная копия как заголовок ( ссылка ){{cite web}}: CS1 maint: числовые имена: список авторов ( ссылка )