Фигуративное движение района залива (также известное как фигуративная школа района залива , фигуративное искусство района залива , фигуративное искусство района залива и подобные вариации) — художественное движение середины 20-го века, созданное группой художников из района залива Сан-Франциско. который отказался от работы в преобладающем стиле абстрактного экспрессионизма в пользу возвращения к фигуративности в живописи в 1950-х и в 1960-х годах.
Нью-йоркская школа абстрактного экспрессионизма была первым американским стилем искусства, имевшим международное значение. Район залива Сан-Франциско был центром независимого варианта абстрактного экспрессионизма. Фигуративное движение Bay Area было ответом на оба. [1]
Это художественное движение, охватывающее два десятилетия, часто разбивается на три группы или поколения: первое поколение, поколение мостов и второе поколение.
Многие из художников «первого поколения» этого движения были заядлыми поклонниками абстрактного экспрессионизма и работали в этой манере, пока некоторые из них не отказались от беспредметной живописи в пользу работы с фигурой. Среди художников Фигуративной школы района залива первого поколения были Дэвид Парк , Ричард Дибенкорн , Рекс Эшлок, Элмер Бишофф , Гленн Весселс , Уэйн Тибо , Раймондс Стапранс и Джеймс Уикс .
В «Поколение мостов» вошли художники Генриетта Берк , Натан Оливейра , Теофилус Браун , Пол Воннер , Роланд Петерсен , Джон Хультберг и Фрэнк Лобделл . [2]
Многие художники этого движения «второго поколения» учились у художников первого поколения или начали поздно. Среди этих художников второго поколения были Брюс Макгоу , Генри Вильерме , Джоан Браун , Мануэль Нери и Роберт Квалтерс .
Многие школы и учреждения в районе залива сыграли важную роль в развитии и совершенствовании этого художественного движения, в том числе Художественный институт Сан-Франциско , Калифорнийский колледж искусств и ремесел и Калифорнийский университет в Беркли .
Дэвид Парк (1911–1960), возможно, был самым важным художником фигуративного движения в районе залива. Парк был художником-абстрактным экспрессионистом, жившим в Сан-Франциско, и одним из первых, кто перешел к фигуративному стилю живописи. Весной 1951 года Пак получил приз за фигуративное полотно, которое он представил на конкурсную выставку. Обращение Пака к фигуративному стилю сбило с толку некоторых его коллег, поскольку в то время абстрактная живопись была единственным подходом для прогрессивных художников. Его шаг вызвал рост фигуративного искусства, которое стало одним из самых важных послевоенных событий на Западном побережье.
Считается, что вместо того, чтобы медленно превращаться из абстрактных картин в фигуры, абстракции Пака мгновенно исчезли. В интервью с тетей Пака предполагается, что Пак вывез свои абстрактные картины на свалку и отпустил их или ритуально уничтожил. Его коллеги даже не знали об этой трансформации до следующего года. [3]
В 2004 году в галерее Хакетта Фридмана в Сан-Франциско прошла выставка 35 работ Дэвида Парка с 1953 по 1960 год. Это были работы, ознаменовавшие последние годы его жизни, и выставка была проведена, чтобы отпраздновать его жизнь, а также его возвращение в фигурная живопись в 1950 году, что сыграло важную роль в зарождении движения. Некоторые из ранних работ на выставке предполагают, что Пак откликнулся на искусство Макса Бекмана, и его влияние особенно заметно в «Группе» (1955). С годами палитра Пака обратилась к яркому хроматизму, но его резной подход к работе с красками можно было увидеть в его работах повсюду, пока, наконец, в 1959 году он не решил отказаться от масла.
Некоторые из важных работ Дэвида Парка: «Свекровь» (1954–55), «Скрипка и виолончель» (1939), «Торс» (1959) и «Фигура в стуле » (1960). [4]
Элмер Бишофф (1916–1991), в возрасте от тридцати до сорока лет, пережил обширную фазу того, что он называл « высказываниями Пикассо ». [5] Вернувшись с войны в 1945 году, он почувствовал необходимость бросить вызов всем своим представлениям об искусстве и жизни. Когда его спросили об этом в интервью, он сказал: «До тех пор искусство было внешним приобретением; [но теперь это] стало больше похоже на квест». Примерно в это же время его наняли на временную замену в школу изящных искусств.
Как и его абстрактные работы, Бишофф добился большого успеха в своих ранних фигуративных работах. Бишофф представил свою картину «Фигура и красная стена» на Пятой ежегодной выставке нефти и скульптуры в Ричмондском центре искусств и получил за нее первый приз в размере 200 долларов. [6] Этот подвиг принес ему персональную выставку в галерее Пола Кантора в Лос-Анджелесе. Однако именно персональная выставка картин и рисунков в январе 1956 года в галерее Калифорнийской школы изящных искусств, по мнению Бишоффа, оказала наибольшее влияние на его будущее.
Некоторые из важных работ Бишоффа — «Фигура у окна с лодкой» (1964), «Детская площадка » (1954) и «Река » (1953). [7]
Из всех художников первого поколения именно Ричард Дибенкорн (1922–1993) пошел на самый большой риск, обратившись к фигуративному искусству в 1955 году. Дибенкорн получил национальное признание за свои абстрактные работы. Выставка Джеймса Джонсона Суини «Молодые американские художники» [8] привела к тому, что его работы были широко показаны дилерами в Лос-Анджелесе и Чикаго. Помимо своей национальной репутации благодаря своим абстрактным работам, Дибенкорн также был любимым абстракционистом среди местных жителей Саусалито.
После этого он сосредоточился на фигуративном искусстве, но только в 1956 году он попробовал сложные фигуративные картины. Его ранние фигуративные работы, казалось, во многом основывались на автопортретах. Он вернулся к абстракции в середине 1960-х годов. [9]
Теофил Браун (1919–2012) и Пол Джон Уоннер (1920–2008) чувствовали сильное влияние работ более известных художников. В 1955 году и Браун, и Воннер арендовали студии в том же здании, где работал Дибенкорн. Дибенкорн, Бишофф и Парк присоединились к Брауну и Воннеру, чтобы провести сеансы рисования с натуры. Время от времени к ним присоединялись Джеймс Уикс и Натан Оливьера.
Фигуративные работы Воннера были представлены на выставке, состоявшейся в галерее Калифорнийской школы изящных искусств в конце 1956 года. С самого начала Воннер был привержен условностям изображения и определил линию как твердую описательную границу и край.
Некоторые из работ Брауна — «Сидящий обнаженный мужчина » (1960) и «Солнце и луна» (1960), а работы Воннера — « Сторона дома», «Малибу » (1965) и «Гора возле Тусона » (1963). [10]
В 1960-х годах Роланд Петерсен приступил к созданию серии «Пикник» с их насыщенными цветами, толстыми слоями пигмента и геометрическими композициями. Будучи активным деятелем арт-сцены региона Залива на протяжении более сорока лет, Петерсен обучал поколения художников не только живописи, но также гравюре и фотографии . Он живет в районе залива и продолжает активно рисовать. Работы Петерсена выставлялись в музеях и галереях по всей стране и представлены в крупных музейных коллекциях, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке; Музей американского искусства Уитни , Нью-Йорк; Музей современного искусства Сан-Франциско ; Музей Хиршхорна и сад скульптур , Вашингтон, округ Колумбия; Музеи изящных искусств Сан-Франциско ; и Художественный музей Филадельфии .
Натан Оливейра (1928–2010) с юности проявлял интерес к музыке, который постепенно угас по мере того, как он становился старше. Во время поездки в Мемориальный музей М. Х. де Янга он решил стать художником-портретистом. Позже он пошел служить в армию, где ему удалось не отставать от искусства. Он не считал себя авангардистом или частью определенного движения. [11]
Ранние фигуративные работы Оливейры, как правило, содержат больше деталей и красок, что можно увидеть в его «Сидящем человеке с собакой» . Его работы, завершенные в студии Сан-Леандро в 1959 году, по его собственным словам, «стали основой всей [его] идентичности как художника в [своей] стране».
Некоторые из важных работ Натана — «Сидящий мужчина с собакой» (1957), «Идущий мужчина » (1958) и «Подросток у кровати » (1959).
Генриетта Берк (1919–1990) писала преимущественно маслом. Ее работы отличались яркими цветами и формами. Берк разработала свой собственный уникальный подход к искусству, смело используя цвет и уникальную интерпретацию формы и света. Ее работы замечательны, учитывая трудные времена для женщин-художниц 1960-х годов и стеклянный потолок, который она так старалась сломать. [12] Берк посещала Калифорнийский колледж искусств и ремесел в Окленде с 1955 по 1959 год, [13] [14] где она училась у Ричарда Дибенкорна и Гарри Крелла. [12] Некоторые из наиболее известных работ Берка: «Я, или Фасад» (1960), «Пикник » (1961), «Золотые ворота» (1961), «Три фигуры» (1962), «Гонки» (1964), «Падающая фигура» (1967) и « Дорога в долине лагуны» ( 1968).
Ретроспективная выставка ее работ открылась в Музее Гильберта при Университете Чепмена 13 июня 2020 года вместе с книгой о художнице «В живых цветах, искусство и жизнь Генриетты Берк», под редакцией Синди Джонсон и опубликованной издательством Cool. Титулы.
Брюс Макгоу родился в 1935 году и был единственным художником второго поколения, включенным в выставку современной фигуративной живописи района залива 1957 года. [ нужна цитата ] Он учился в Калифорнийском колледже искусств и ремесел и посещал один из первых классов, которые преподавал Дибенкорн в 1955 году. Макгоу имел тесные отношения с Дибенкорном, [15] который даже встречался с родителями Макгоу, чтобы показать им свою поддержку их работы сына. Макгоу также учился у Леона Голдина, где работал с абстракцией. [ нужна цитата ]
Фигурирование не было для Макгоу тайным процессом. Как и другие художники второго поколения, он не был привязан к какому-то определенному стилю и переходил от одного стиля к другому. В одной из первых зрелых фигуративных картин Макгоу явно прослеживается влияние Дибенкорна, но Макгоу также показал множество собственных новых черт. Ему нравилось работать в очень маленьком масштабе, и он разбивал тело на стандартные виды туловища или на странные синекдохальные части. [ нужна цитата ]
Джоан Браун создала красочные, обширные картины, изображающие свою жизнь и опыт в Сан-Франциско, где она жила и работала почти всю свою жизнь. [16] Ее время как фигуративной художницы было интенсивным и продуктивным, и она создала некоторые из наиболее важных работ Движения. [17] Браун получил степень бакалавра искусств и магистра искусств в Калифорнийской школе изящных искусств (которая стала Художественным институтом Сан-Франциско). Именно там она встретила главного наставника, художника Элмера Бишоффа , и ее картины начали получать признание. В 1960 году она была самой молодой художницей, выставленной в рамках выставки «Молодая Америка 1960» (Тридцать американских художников до тридцати шести лет) в Музее американского искусства Уитни. [16]
Некоторые из работ Джоан Браун — « Женщина и собака в комнате с китайским ковром» (1975) и «Ноэль за столом с большой миской фруктов» (1963). [18]
Мануэль Нери был скульптором. Нери исследовал абстракцию на ранних этапах своей карьеры, как и все более молодые художники-фигуративы в районе залива. [ нужна цитата ] Только после того, как он окончил школу в 1959 году, он занялся фигурацией. Это позволило ему синтезировать свои интересы в цвете и форме и поиграть с двусмысленностью содержания. Именно неспецифичность его фигур и их абстрактные качества делают его скульптуры частью фигуративного движения области залива, а не просто какой-либо современной фигуративной скульптурой в Америке.
У Нери, которая была всего на два года моложе Натана Оливейры, было такое же детство, и, как и у Оливейры, в детстве она не интересовалась искусством. Единственная причина, по которой Нери взял курс керамики в школе, заключалась в том, чтобы облегчить свою ношу. Его учителем керамики был Рой Уокер, который поощрял его продолжать заниматься искусством, посещая продвинутые курсы. Вскоре Нери бросил занятия инженерным делом и в 1951 году начал посещать курсы в Калифорнийском колледже искусств и ремесел , куда официально поступил в 1952 году.
Некоторые из важных работ Нери — «Стоящая фигура без названия» (1956–57) и «Колледжская картина № 1» (1958–59). [19]