Чернофигурная керамическая роспись, также известная как чернофигурный стиль или чернофигурная керамика ( древнегреческий : μελανόμορφα , латинизированный : melanómorpha ), является одним из стилей росписи античных греческих ваз . Это было особенно распространено между VII и V веками до нашей эры, хотя есть экземпляры, датируемые еще II веком до нашей эры. Стилистически его можно отличить от предшествующего периода ориентализации и последующего краснофигурного стиля керамики.
На корпусе сосуда были нарисованы фигуры и орнаменты формами и цветами, напоминающими силуэты . Перед обжигом в краске вырезались изящные контуры, а детали можно было усилить и выделить непрозрачными цветами, обычно белым и красным. Основными центрами этого стиля первоначально были торговый центр Коринф , а затем Афины . Известно, что другие важные производственные площадки находились в Лаконии , Беотии , восточной Греции и Италии. В частности, в Италии развивались отдельные стили, которые, по крайней мере частично, были предназначены для этрусского рынка. Греческие чернофигурные вазы пользовались большой популярностью у этрусков , о чем свидетельствует частый импорт. Греческие художники создавали для этрусского рынка индивидуальные товары, которые по форме и декору отличались от обычных изделий. Этруски также развили собственную чернофигурную керамическую промышленность, ориентированную на греческие модели.
Чернофигурная роспись на вазах была первым художественным стилем, породившим значительное количество известных художников. Некоторые известны под своими настоящими именами, другие — только под прагматическими названиями, данными им в научной литературе. Аттика особенно была домом известных художников. Некоторые гончары привнесли множество новшеств, которые часто влияли на творчество художников; иногда именно художники вдохновляли гончаров на оригинальность. Краснофигурные, а также чернофигурные вазы являются одними из наиболее важных источников мифологии и иконографии , а иногда и для исследования повседневной древнегреческой жизни. Эти вазы стали предметом интенсивных исследований не позднее XIX века нашей эры.
Основой гончарной росписи является ваза, на которой нарисовано изображение. Популярные формы чередовались с мимолетной модой. Хотя многие из них повторялись через определенные промежутки времени, другие со временем заменялись. Все они имели общий метод изготовления: после того, как ваза была изготовлена, ее сначала сушили, а затем красили. Мастерские находились под контролем гончаров, которые как владельцы предприятий имели высокое общественное положение .
Степень идентичности гончаров и художников неясна. Вполне вероятно, что многие мастера-гончары сами внесли свой основной вклад в производственный процесс как художники по вазам, нанимая при этом дополнительных маляров. Однако восстановить связи между гончарами и художниками непросто. Во многих случаях, таких как Тлесон и Тлесонский художник, Амасис и Амасисский художник или даже Никосфен и художник Н, невозможно сделать однозначную атрибуцию, хотя в большей части научной литературы эти художники и гончары считаются одним и тем же человеком. [ нужна цитата ] . Но такую атрибуцию можно сделать с уверенностью только в том случае, если под рукой имеются подписи гончара и художника.
Художники, которые были либо рабами, либо ремесленниками, которым платили гончарным мастерам, работали над необожженными, сухими, кожаными вазами. В случае чернофигурного производства предмет рисовался на вазе с помощью глиняной суспензии (шликера , в старой литературе также обозначаемой как лак), которая после обжига становилась черной и глянцевой. Это не была «краска» в обычном понимании, поскольку эта поверхностная накладка была изготовлена из того же глиняного материала, что и сама ваза, отличаясь лишь размером частиц компонентов, достигнутым при очистке глины перед началом заливки в горшок. Область для фигур сначала была окрашена инструментом, похожим на кисть. Внутренние очертания и детали конструкции были вырезаны на пластинке так, чтобы сквозь царапины можно было увидеть лежащую под ней глину. Два других пигмента на основе земли, дающие красный и белый цвет, использовались для добавления таких деталей, как украшения, одежда или части одежды, волосы, гривы животных, части оружия и другого снаряжения. Белый цвет также часто использовался для обозначения женской кожи.
Об успехе всех этих усилий можно было судить только после сложного трехфазного процесса обжига, в результате которого получился красный цвет основной глины и черный цвет нанесенной шликерной массы. Сосуд был обожжен в печи при температуре около 800 °C, в результате окисления ваза приобрела красновато-оранжевый цвет. Затем температуру подняли примерно до 950 °C, закрыли вентиляционные отверстия печи и добавили зеленую древесину для удаления кислорода. Затем судно стало полностью черным. На заключительном этапе потребовалось повторно открыть вентиляционные отверстия, чтобы в печь попал кислород, и ей дали остыть. Затем сосуд вернулся к своему красновато-оранжевому цвету из-за возобновления окисления, в то время как спеченный окрашенный слой сохранил глянцевый черный цвет, созданный на втором этапе.
Хотя озвучка является одним из основных стилистических показателей, некоторые произведения обходятся без нее. Для них форма технически аналогична ориентализирующему стилю, но репертуар изображений уже не отражает ориентализирующую практику. [1]
Эволюцию чернофигурной керамической живописи традиционно описывают с точки зрения различных региональных стилей и школ. Используя Коринф в качестве центра, существовали принципиальные различия в производстве отдельных регионов, даже если они действительно влияли друг на друга. Особенно в Аттике, хотя и не только там, лучшие и наиболее влиятельные художники своего времени характеризовали классическую греческую керамическую живопись. Дальнейшее развитие и качество судов как носителей имиджа являются темой этого раздела.
.jpg/1280px-Trois_aryballes_(collection_Campana,_le_Louvre,_2007).jpg)
Чернофигурная техника была разработана около 700 г. до н. э. в Коринфе [2] и впервые использована в начале VII века до н. э. протокоринфскими художниками-керамистами, которые еще писали в ориентализирующем стиле . Новая техника напоминала гравированные металлические детали: более дорогую металлическую посуду заменили керамические вазы с нарисованными на них фигурами. Характерный чернофигурный стиль сложился еще до конца века. От большинства ориентализирующих элементов отказались, орнаментов не было, за исключением намазанных розеток (розетки образованы расположением небольших отдельных точек).
Глина, которую использовали в Коринфе, была мягкой, желтого, иногда зеленого оттенка. Неправильная стрельба была обычным явлением и происходила всякий раз, когда сложная процедура стрельбы не работала должным образом. Результатом часто было нежелательное окрашивание всей вазы или ее частей. После обжига глянцевая накладка, нанесенная на вазу, стала матово-черной. Дополнительные красный и белый цвета впервые появились в Коринфе, а затем стали очень распространены. Расписные сосуды обычно небольшого формата, редко выше 30 см. Наиболее распространенными расписными сосудами были масляные колбы ( алебастры , арибаллы ), пиксиды , кратеры , энохоэ и кубки. Широкое распространение получили и скульптурные вазы. В отличие от аттических ваз, надписи редки, а подписи художников тем более. Большинство сохранившихся сосудов, произведенных в Коринфе, были найдены в Этрурии , Нижней Италии и на Сицилии. В VII и первой половине VI веков до нашей эры на средиземноморском рынке керамики доминировала коринфская вазопись. Стилистическую последовательность коринфской вазописи построить сложно. В отличие, например, от аттической живописи, пропорции керамического фундамента не сильно изменились. Также часто бывает трудно датировать коринфские вазы; часто приходится полагаться на второстепенные даты, такие как основание греческих колоний в Италии. На основе такой информации можно составить приблизительную хронологию с помощью стилистических сравнений, но она редко имеет хоть сколько-нибудь близкую к точности датировку аттических ваз.
Часто изображаются мифологические сцены, особенно Геракл и фигуры, относящиеся к Троянской войне . Но образы на коринфских вазах не имеют такого широкого тематического диапазона, как более поздние произведения аттических живописцев. Боги изображаются редко, Дионис – никогда. Но фиванский цикл был более популярен в Коринфе, чем позднее в Афинах. Наиболее распространенными сценами повседневной жизни были прежде всего бои, всадники и пиры, причем последние впервые появились в раннекоринфский период. Спортивные сцены встречаются редко. Сцены с пузатыми танцорами уникальны и их смысл до сих пор оспаривается. Это пьющие, чьи животы и ягодицы обложены подушками, и они могут представлять собой раннюю форму греческой комедии. [3]
Переходный стиль (640-625 гг. до н.э.) соединял ориентализирующий (протокоринфский) стиль с чернофигурным. Старый стиль анималистического фриза протокоринфского периода иссяк, как и интерес художников-вазописцев к мифологическим сценам. В этот период доминировали животные и гибридные существа. Индексной формой того времени были сферические арибаллы, которые производились в больших количествах и украшались фризами с животными или сценами повседневной жизни. Качество изображения ухудшилось по сравнению с периодом ориентализации. Самыми выдающимися художниками того времени были Художник-шаркающий бык , чьей самой известной работой является арибалло со сценой охоты, Художник из Палермо 489 года , и его ученик, Художник-Колумб . Личный стиль последнего легче всего узнать в изображениях могучих львов. Помимо арибаллов, наиболее важными формами ваз являются котил и алебастрон. Края котил были орнаментированы, остальные украшения состояли из животных и скатов. На двух вертикальных поверхностях ваз часто изображены мифологические сцены. Алабастроны обычно расписывались одиночными фигурами.
Художник -дуэльщик был самым выдающимся ранним коринфским художником (625-600 гг. до н.э.) [4] , который изображал боевые сцены на арибаллах . Начиная со среднего коринфского периода (600-575 гг. до н.э.), непрозрачные цвета все чаще использовались для подчеркивания деталей. Фигуры были дополнительно раскрашены серией белых точек. Арибаллы стали крупнее и получили плоское основание.
Художник Фолой хорошо известен, его самая известная работа — скифос с изображением Геракла. Художник Додуэлл продолжал писать фризы с животными, хотя другие художники уже отказались от этой традиции. [5] Его творческий период простирался до позднекоринфского периода (575–550 до н.э.), и его влияние невозможно переоценить на вазописи того времени. Также исключительной репутацией пользовались мастер группы Горгонейон и художник кавалькады , получивший это звание из-за его предпочтения изображать всадников на внутренней стороне чашек; он действовал около 580 г. до н.э. [6] Два его шедевра [7] — это чаша [8] , изображающая самоубийство Аякса , и кратер колонны, изображающий молодоженов в колеснице. Все цифры, изображенные на чаше, имеют маркировку.
Первым художником, известным по имени, является художник по полихромным вазам Тимонидас , подписавший [9] флягу [10] и пинакс . [11] Имя второго художника, Милонидаса, также появляется на пинаксе.
Коринфский винный кувшин ольпе был заменен аттической версией ойнохоэ с губой в виде клеверного листа. В среднекоринфское время изображения людей снова стали более распространенными. Кратер Эврития , датируемый примерно 600 г. до н.э., считается особенно высококачественным; на главном фризе изображен симпозиум с Гераклом, Эвритием и другими мифическими фигурами.
В позднекоринфские времена (иногда называемые Поздним коринфом I, 575–550 гг. до н.э.) коринфские вазы имели красное покрытие, чтобы усилить контраст между большими белыми областями и довольно бледным цветом глиняного сосуда. Это поставило коринфских мастеров в конкуренцию аттическим художникам-керамистам, которые к тому времени взяли на себя ведущую роль в гончарной торговле. Формы аттических ваз также все чаще копировались. Ойнохоэс, форма которых до этого времени оставалась в основном неизменной, стала напоминать аттические формы; Лекитос также начал производиться все чаще. Колонна-кратер, коринфское изобретение, которое по этой причине в остальной Греции называлось коринтиосом, была модифицирована. Укорочение волют над ручками привело к образованию халкидского кратера. Основное поле изображения было украшено различными изображениями повседневной жизни или мифологическими сценами, вторичное поле содержало анималистический фриз. На спине часто изображали двух крупных животных.
Кубки стали глубже уже в среднекоринфские времена, и эта тенденция продолжалась. Они стали такими же популярными, как и котилы. Многие из них имеют мифологические сцены снаружи и гримасу горгоны внутри. Этот тип росписи переняли и аттические художники. Со своей стороны, коринфские художники переняли поля изображений в рамах из Афин. Фризы с животными стали менее важными. В это время работал третий коринфский художник с известным именем Харес. [12] Следует также упомянуть художника Тидея , который около 560 г. до н.э. любил раскрашивать шейные амфоры красным фоном. [13] Вырезанные розетки продолжали ставиться на вазы; им не хватает лишь нескольких кратеров и чашек. Самым выдающимся произведением искусства этого периода является Кратер Амфиарай , колонный кратер, созданный около 560 г. до н.э. как главное произведение художника Амфиараоса. В нем показаны несколько событий из жизни героя Амфиарая .
Около 550 г. до н.э. производство фигурных ваз прекратилось. Для следующего позднекоринфского стиля II характерны вазы только с орнаментом, обычно расписанным силуэтной техникой. На смену ему пришел краснофигурный стиль, который, однако, не достиг особенно высокого качества в Коринфе.
Аттические чернофигурные вазы, насчитывающие более 20 000 сохранившихся экземпляров, составляют самую большую и в то же время самую значительную коллекцию ваз, уступая только аттическим краснофигурным вазам. [14] Аттические гончары извлекли выгоду из превосходной, богатой железом глины, найденной в Аттике. Высококачественные аттические чернофигурные вазы имеют однородное глянцевое угольно-черное покрытие, а основа из терракотовой глины насыщенного цвета тщательно отшлифована. Женская кожа всегда обозначается белым непрозрачным цветом, который также часто используется для таких деталей, как отдельные лошади, одежда или украшения. Наиболее выдающиеся художники Аттики возводили вазопись в графическое искусство, но выпускалось и большое количество изделий среднего качества и массового потребления. Выдающееся значение аттической керамики обусловлено ее почти бесконечным репертуаром сцен, охватывающих широкий спектр тем. Они дают богатые свидетельства, особенно в отношении мифологии, а также повседневной жизни. С другой стороны, изображений, относящихся к современным событиям, практически нет. Такие упоминания лишь изредка проявляются в виде аннотаций, например, когда надписи калос нарисованы на вазе. Вазы производились, с одной стороны, для внутреннего рынка и имели важное значение для торжеств или в связи с ритуальными действиями. С другой стороны, они также были важным экспортным продуктом, продаваемым по всему Средиземноморью. По этой причине большинство сохранившихся ваз происходят из этрусских некрополей . [15]
Чернофигурная техника впервые была применена в середине VII века до нашей эры, в период протоаттической вазописи. Под влиянием коринфской керамики, которая предлагала высочайшее качество в то время, аттические художники по вазам перешли на новую технологию примерно между 635 г. до н. э. и концом века. Сначала они внимательно следовали методам и предметам коринфских моделей. Берлинский художник А 34 начала этого периода является первым идентифицированным индивидуальным художником. Первым художником с уникальным стилем был художник из Несса . Своей амфорой из Несса он создал первое выдающееся произведение в аттическом чернофигурном стиле. [16] В то же время он был одним из первых мастеров стиля аттического анималистического фриза. Одна из его ваз была также первой известной аттической вазой, экспортированной в Этрурию. [17] Он также был ответственным за первые изображения гарпий и сирен в аттическом искусстве. В отличие от коринфских художников, он использовал двойные и даже тройные резные линии, чтобы лучше передать анатомию животных. Двойная линия плеча стала характерной чертой аттических ваз. Возможности, присущие крупным керамическим изделиям, таким как брюшные амфоры, в качестве носителей изображений, также были признаны рано. Другими важными художниками этого пионерского времени были художник Пирей , художник Беллерофонта и художник-лев .
Чернофигурный стиль утвердился в Афинах около 600 г. до н.э. Ранней афинской разработкой была амфора с конской головой, название которой произошло от изображения конских голов в окне изображения. Окна с изображениями часто использовались в последующий период и позже были приняты даже в Коринфе. Художник Керамикус и Художник Горгона связаны с амфорами с конскими головами. Коринфское влияние не только сохранилось, но даже усилилось. Звериный фриз был признан общеобязательным и общепринятым. Это имело как экономические, так и стилистические причины, поскольку Афины конкурировали с Коринфом за рынки сбыта. Аттические вазы продавались в Причерноморье, Ливии, Сирии, Нижней Италии и Испании, а также на родине Греции.
Помимо коринфских моделей, афинские вазы также демонстрировали местные инновации. Таким образом, в начале VI века до нашей эры возник лекитос «деианирского типа» удлиненной овальной формы. [18] Самым важным художником этого раннего времени был Художник Горгона (600–580 до н.э.). Он был очень продуктивным художником, который редко использовал мифологические темы или человеческие фигуры, а когда использовал, всегда сопровождал их животными или фризами с животными. На некоторых других его вазах были только изображения животных, как и на многих коринфских вазах. Помимо Художника-Горгоны , следует упомянуть художников группы Комаста (585–570 гг. до н.э.). Эта группа украшала новые для Афин типы ваз, а именно леканы, котилы и котоны. Однако наиболее важным нововведением было введение чашки комаста , которая наряду с «чашками прекомаста» класса Oxford Palmette стоит в начале развития чашек Attic. Важными художниками в этой группе были старший KX Painter и несколько менее талантливый KY Painter , которые познакомили Афины с колонным кратером. [19] Эти сосуды были предназначены для использования на банкетах и поэтому были украшены соответствующими сценами комоса , такими как сцены комоса исполнителей комоса .
Другими значительными художниками первого поколения были Художник-Пантера , Художник Анагирус , Художник Дрездена Леканис и Художник Полос . Последним значительным представителем первого поколения художников был Софил (580–570 до н. э.), первый аттический художник по вазам, известный по имени. Всего он подписал четыре сохранившиеся вазы: три как художник и одну как гончар, показывая, что в то время гончары также были художниками ваз в чернофигурном стиле. Коренное разделение обоих ремесел, по-видимому, произошло лишь в ходе развития краснофигурного стиля, хотя нельзя исключать и предшествующую специализацию. Софилос широко использует аннотации. Очевидно, он специализировался на больших вазах, поскольку, как известно, его работа особенно связана с динозаврами и амфорами. Гораздо чаще, чем его предшественники, Софил показывает мифологические сцены вроде погребальных игр Патрокла . С него начинается упадок анималистического фриза, а растительные и другие орнаменты также имеют более низкое качество, поскольку считаются менее важными и поэтому получают мало внимания со стороны художника. Но в остальном Софилос показывает, что он был амбициозным художником. На двух динозаврах изображен брак Пелея и Фетиды . Эти вазы были изготовлены примерно в то же время, что и ваза Франсуа , на которой этот предмет изображен в совершенстве. Однако Софил обходится без каких-либо украшений в виде анималистических фризов на одном из двух своих динозавров [20] и не объединяет разные мифы в сценах, распределенных по различным поверхностям ваз. Это первая большая греческая ваза, изображающая один миф в нескольких взаимосвязанных сегментах. Особенностью динозавров является нанесение художником непрозрачной белой краски, обозначающей женщин, непосредственно на глиняную основу, а не, как обычно, на черный глянец. Внутренние детали и контуры фигурки окрашены в матово-красный цвет. Эта конкретная техника редка и встречается только в вазах, расписанных в мастерской Софила, и на деревянных панелях, расписанных в коринфском стиле в VI веке до нашей эры. Софил также расписал одну из редких чаш (разновидность кубка) и создал первую сохранившуюся серию вотивных табличек. Он сам или один из его преемников также украсил первую найденную брачную вазу (известную как lebes gamikos ). [21]
Примерно со второй трети VI века до нашей эры аттические художники стали интересоваться мифологическими сценами и другими изображениями фигур. Фризы с животными стали менее важными. Лишь немногие художники заботились о них, и их обычно перемещали из центра внимания в менее важные области ваз. Этот новый стиль особенно представлен вазой Франсуа, подписанной гончаром Эрготимосом и художником Клейтиасом (570–560 до н.э.). Этот кратер считается самой известной греческой расписной вазой. [22] Это первый известный спиральный кратер, сделанный из глины. Мифологические события изображены на нескольких фризах, а фризы с животными показаны на второстепенных местах. Некоторые иконографические и технические детали появляются на этой вазе впервые. Многие из них уникальны, например, изображение опущенной мачты парусного корабля; другие стали частью стандартного репертуара, например, люди, сидящие, поставив одну ногу за другую, вместо традиционного параллельного положения ног. [23] Четыре других вазы меньшего размера были подписаны Эрготимосом и Клейтиасом, им приписывают дополнительные вазы и фрагменты. Они служат свидетельством других нововведений Клейтия, таких как первое изображение рождения Афины или Танца на Крите.
Неарх (565–555 до н. э.) был назван гончаром и художником. Он отдавал предпочтение крупным фигурам и первым создал изображения, показывающие запряжку колесницы. Еще одним нововведением стало размещение язычка на белом фоне под краем вазы. [24] Другими талантливыми художниками были Художник Акрополя 606 и Художник-Птун , чье самое известное произведение — «Гидрия Херста». Группа Бургона также имеет большое значение, поскольку является источником первой полностью сохранившейся Панафинейской амфоры .
Чаша Сиана произошла от чашки комаста около 575 г. до н.э. В то время как группа Комаст производила формы, отличные от чашек, некоторые мастера специализировались на производстве чашек после того, как появился первый важный образец чашек Сианы, Художник С (575-555 до н. э.). Чашки имеют более высокий обод, чем раньше, и трубчатое основание на относительно короткой полой ножке. Впервые в аттической вазописи внутренняя часть чаши была украшена изображениями в рамах ( тондо ). Было два типа украшения. В стиле «дабл-декер» корпус чашки и выступ имеют отдельные украшения. В стиле «перекрытие» изображение распространяется как на тело, так и на губы. После второй четверти VI в. до н.э. возрос интерес к украшению именно кубков изображениями спортсменов. Другим важным художником по чашкам Сианы был гейдельбергский художник . Он тоже расписывал почти исключительно чашки Сианы. Его любимым предметом был герой Геракл. Гейдельбергский художник — первый аттический художник, показавший его с эримантским вепрем , с Нереем , с Бусирисом и в саду Гесперид . Художник Кассандра , который украшал чашки среднего размера с высокими основаниями и губами, знаменует собой конец развития чашки Сианы. Он прежде всего важен как первый известный художник, принадлежавший к так называемым Маленьким мастерам , большой группе художников, которые создавали один и тот же ассортимент сосудов, известных как чашки Маленьких мастеров . Так называемые чашки Merry Thought производились одновременно с чашками Siana. Их ручки имеют форму двузубой вилки и заканчиваются чем-то вроде кнопки. Эти чашки не имеют очерченного края. У них также более глубокая чаша с более высокой и узкой ножкой.
Последним выдающимся художником доклассического архаического периода был Лидос (560–540 до н.э.), который подписал две из своих сохранившихся картин хо Лидосом (лидийцем). Он или его непосредственные предки, вероятно, были выходцами из Малой Азии, но, несомненно, он получил образование в Афинах. Ему сейчас приписывают более 130 сохранившихся ваз. Одно из его изображений на гидрии — первое известное аттическое изображение битвы Геракла с Герионом . Лидос был первым, кто изобразил Геракла в шкуре льва, что впоследствии стало обычным явлением в аттическом искусстве. Он также изобразил битву богов с гигантами на динозавре, найденном на афинском акрополе, и Геракла с Кикном . Лидос украшал, помимо гидриев и диносов, и другие типы сосудов, такие как тарелки, кубки (перекрывающиеся сиенские чашки), кратеры-колонны и психтеры, а также вотивные таблички. По-прежнему трудно идентифицировать продукцию Лидоса как таковую, поскольку зачастую они лишь незначительно отличаются от продуктов, используемых в его непосредственном окружении. Стиль довольно однороден, но произведения значительно различаются по качеству. Чертежи не всегда выполнены тщательно. Лидос, вероятно, был мастером в очень производительной мастерской в гончарном районе Афин. Вероятно, он был последним аттическим художником-вазописцем, который помещал фризы с животными на большие вазы. Его фигурные рисунки, все еще относящиеся к коринфской традиции, являются звеном в цепи художников-вазописцев, простирающейся от Клейтиаса через Лидос и художников Амасиса до Эксекиаса. Вместе с ними он участвовал в развитии этого искусства в Аттике и оказал неизгладимое влияние. [25]
Особой формой аттических ваз этого периода была Тирренская амфора (550-530 гг. до н.э.). Это были шейные амфоры яйцевидной формы с украшениями, нетипичными для обычного аттического канона того периода. Почти все c. 200 уцелевших ваз были найдены в Этрурии. Тело амфоры обычно подразделяется на несколько параллельных фризов. На верхнем или плечевом фризе обычно изображена популярная сцена из мифологии. Встречаются иногда и менее распространенные сюжеты, например уникальная сцена принесения в жертву Поликсены . Первые известные эротические изображения на аттических вазах также находятся именно здесь. Художники часто наносили на тирренскую амфору аннотации, идентифицирующие изображенных лиц. Остальные два или три фриза были украшены животными; иногда один из них заменялся растительным фризом. Шею обычно украшают крестом или гирляндой из пальметты лотоса. Амфоры довольно красочны и напоминают коринфские изделия. В данном случае коринфская форма, очевидно, была намеренно скопирована, чтобы создать вазу определенного типа для этрусского рынка, где этот стиль был популярен. Возможно, что эта форма была изготовлена не в Афинах, а где-то еще в Аттике или даже за пределами Аттики. Важными художниками были Художник Кастеллани и Художник Голтира .
Период между 560 г. и зарождением краснофигурной керамической росписи около 530/520 г. до н. э. считается абсолютной вершиной чернофигурной вазописи. В этот период лучшие и наиболее известные художники использовали все возможности этого стиля. [26]
Первым крупным художником этого времени был Художник Амасис (560–525 до н. э.), названный в честь знаменитого гончара Амасиса , с которым он в основном работал. Многие исследователи считают их одним и тем же человеком. Он начал свою карьеру художника примерно в то же время, что и Лидос, но проработал почти вдвое дольше. В то время как Лидос демонстрировал больше способностей искусного мастера, художник Амасис был опытным художником. Его образы умны, обаятельны и утончены [27] , а его личное художественное развитие близко отражает общую эволюцию чернофигурной аттической вазописи того времени. Его ранние работы показывают его близость к художникам чашек Сианы. Достижения легче всего узнать по тому, как он рисует складки одежды. Его ранние женские фигуры носят одежду без складок. Позже он рисует плоские угловатые складки и в конце концов ему удается передать впечатление гибкой, струящейся одежды. [28] Рисунки одежды были одной из его главных особенностей; ему нравилось изображать одежду с узорами и бахромой. Группы фигур, которые показывает художник Амасис, были тщательно прорисованы и симметрично составлены. Первоначально они были достаточно статичны, позднее фигуры создают впечатление движения. Хотя художник Амасис часто изображал мифологические события ( например, он известен своими сатирами со свиными лицами), он более известен своими сценами повседневной жизни. Он был первым художником, который изобразил их в значительной степени. Его творчество оказало решающее влияние на творчество последующих краснофигурных живописцев. Возможно, он предвосхитил некоторые из их нововведений или находился под их влиянием к концу своей карьеры живописца: на многих его вазах женщины изображены только в контуре, без черной заливки, и их больше нельзя идентифицировать как женщину с помощью непрозрачного покрытия. белый, как цвет кожи. [29]
Группа E (550–525 v. Chr.) представляла собой большую автономную коллекцию ремесленников и считается самой важной анонимной группой, производящей чернофигурную аттическую керамику. Он решительно порывает со стилистической традицией Лидоса как в образе, так и в сосуде. Полностью отказались от яйцеобразных шейных амфор, почти полностью заброшены колонные кратеры. Вместо этого эта группа представила брюшные амфоры типа А, которые затем стали индексной формой. Шейные амфоры обычно производились только в индивидуальном исполнении. Группу не интересовали малые форматы. Многие сцены, особенно мифические, воспроизводились вновь и вновь. Так, на нескольких амфорах этой группы изображены Геракл с Герионом или Немейским львом , все чаще Тесей и Минотавр , а также рождение Афины. Однако особое значение группы заключается во влиянии, которое она оказала на Эксекиаса. Большинство аттических художников того периода копировали стили Группы Е и Эксекиаса. Напротив, работы Лидоса и художника Амасиса копировались не так часто. Бизли описывает важность группы для Эксекиаса следующим образом: «Группа E — это благодатная почва, из которой прорастает искусство Эксекиаса, традиция, которую он перенимает и превосходит на своем пути от превосходного мастера к настоящему художнику». [30]
Эксекиас (545-520 гг. до н. э.) обычно считается абсолютным мастером чернофигурного стиля, который при нем достигает своего апогея. [31] Его значение связано не только с его мастерской росписью по вазам, но и с его высоким качеством и инновационной керамикой. Он подписал 12 из своих сохранившихся сосудов как гончара, два из которых были одновременно художником и гончаром. Эксекиас, вероятно, сыграл большую роль в разработке чашек Маленького мастера и упомянутой выше брюшной амфоры типа А, и, возможно, он изобрел чашечку- кратер, по крайней мере, самое старое существующее изделие находится в его мастерской. В отличие от многих других сопоставимых мастеров, как художник он придавал большое значение тщательной разработке орнаментов. Детали его изображений — гривы лошадей, оружие, одежда — также выполнены превосходно. Его сцены обычно монументальны, а фигуры излучают достоинство, ранее неизвестное в живописи. Во многих случаях он нарушал аттические условности. Для своего самого знаменитого сосуда, «Чаши Диониса», он первым использовал кораллово-красное внутреннее покрытие вместо привычного красного цвета. Это нововведение, а также размещение двух пар глаз снаружи связывают Exekias с классическими наглазниками. Вероятно, еще более новаторским было использование им всей внутренней части чаши для изображения Диониса, лежащего на корабле, из которого прорастают виноградные лозы. В то время было принято украшать внутреннюю поверхность просто лицом горгоны. Чашка [32] , вероятно, является одним из экспериментов, предпринятых в гончарном районе с целью открыть новые горизонты до того, как был введен краснофигурный стиль. Он был первым, кто нарисовал корабль, плывущий по краю динозавра. Лишь изредка он придерживался традиционных образцов изображения привычных мифологических сюжетов. Его изображение самоубийства Аякса также важно. Эксекиас показывает не само выступление, как это было по традиции, а скорее подготовку «Аякса». [33] Примерно так же известна, как чаша Диониса, и амфора с изображением Аякса и Ахилла, играющих в настольную игру. [34] Эксекиас не только детализирован, но и передает исход игры. Почти в стиле речевого шара он заставляет обоих игроков объявлять числа, которые они выкинули на кубиках: Аякс — тройка, а Ахиллес — четверка. Это старейшее известное изображение этой сцены, о котором нет упоминаний в классической литературе. Не менее 180 других сохранившихся ваз, датируемых версией Эксекиаса примерно до 480 г. до н. э., демонстрируют эту сцену. [35]
Джон Бордман подчеркивает исключительный статус Эксекиаса, который выделяет его среди традиционных художников-вазописцев: «Люди, изображенные более ранним художником, в лучшем случае представляют собой элегантные куклы. Амасис (художник Амасис) умел визуализировать людей как людей. Но Эксекиас мог представлять их как богов и тем самым дать нам предвкушение классического искусства». [36]
Признавая, что художники по вазам в Древней Греции считались мастерами, а не художниками, сегодняшние историки искусства считают Эксекиаса опытным художником, чьи работы можно сравнить с «крупными» картинами ( фресками и панно) того периода. [37] Очевидно, это признавали и его современники. Берлинская коллекция классических древностей в Старом музее содержит остатки серии его вотивных табличек. Полная серия, вероятно, состояла из 16 отдельных панелей. Размещение такого заказа у гончара и вазописца, вероятно, является уникальным для древности и является свидетельством высокой репутации этого мастера. На табличках изображена скорбь по умершей афинянке, а также ее лежащее состояние и транспортировка к могиле. Эксекиас передает как горе, так и достоинство фигур. Особенностью, например, является то, что лидер похоронной процессии поворачивает лицо, так сказать, прямо на зрителя. Изображение лошадей также уникально; они обладают индивидуальным темпераментом и не сводятся к своей функции благородных животных, как это принято на вазах. [38]
В зрелый классический период произошла дальнейшая специализация производителей сосудов и чашек. Крупнообъемные чашки комаста и сианы эволюционировали через чашки Гордиона [39] в изящные варианты, называемые чашками Маленького мастера из-за их тонкой росписи. Гончаров и художников этой формы соответственно называют Маленькими Мастерами . В основном они рисовали чашки для лент и чашки для губ . Губные чашки [40] получили свое название из-за относительно выраженной и очерченной губы. На внешней стороне чашки сохранялась большая часть глиняного фона и обычно было лишь несколько небольших изображений, иногда только надписи, а в некоторых случаях вся чаша была украшена лишь минимально. Также в области ручек редко бывает больше пальметт или надписей возле мест крепления. Эти надписи могут быть подписью гончара, тостом пьющего или просто бессмысленной последовательностью букв. Но интерьер чашек для губ часто также украшают изображениями.
Ленточные чашки [41] имеют более мягкий переход между корпусом и ободком. Украшение представляет собой полосу, опоясывающую внешнюю поверхность чашки, и часто может представлять собой очень сложный фриз. В случае такой формы обод покрыт глянцевой черной накладкой. Интерьер сохраняет цвет глины, за исключением черной точки, нарисованной в центре. Вариации включают чашки Droop и чашки Kassel . Чашечки Droop [42] имеют черные вогнутые губы и высокую ножку. Как и в случае с классическими чашками с лентами, обод остается черным, но область под ним украшена орнаментом в виде листьев, бутонов, пальметт, точек, нимбов или животных на внешней стороне чашки. Кассельские чашки [43] имеют небольшую форму, более приземистые, чем другие чашки Little Masters, и вся внешняя поверхность украшена. Как и в случае с чашками Droop, в первую очередь раскрашиваются орнаменты. Знаменитые Маленькие мастера — гончары Фринос, Сокл , Тлесон и Эрготелес , причем двое последних — сыновья гончара Неарха. Гермоген изобрел разновидность скифоса Little Master [44], теперь известную как скифос Hermogenes. Здесь также следует упомянуть художника Фриноса, художника Талейда, художника Ксенокла и группу Родоса 12264.
До конца века качество изготовления чернофигурных ваз в основном удалось сохранить. Но после разработки краснофигурного стиля около 530 г. до н.э., предположительно художником Андокидом , все больше и больше художников переходили к краснофигурному стилю, который давал гораздо больше возможностей для добавления деталей внутри контуров фигур. Новый стиль также позволил провести множество более многообещающих экспериментов с ракурсами, перспективными видами и новым дизайном аранжировок. Содержание сцен, как всегда, отражало тенденции вкуса и духа времени, но краснофигурный стиль создавал лучшие предпосылки для представления более сложных сцен за счет использования новых возможностей аранжировки.
Но тем временем несколько мастеров-новаторов все же могли дать новый импульс производству чернофигурных ваз. Самым изобретательным гончаром того времени, а также талантливым бизнесменом был Никосфен . Более 120 ваз имеют его подпись, что указывает на то, что они были изготовлены им или в его мастерской. Похоже, он особенно специализировался на производстве ваз для экспорта в Этрурию. В его мастерской производились обычные шейные амфоры, «Маленькие мастера», «Друпы» и наглазники, а также разновидность амфоры, напоминающая этрусскую керамику буккеро , названная никостенской амфорой по имени ее создателя. Эти предметы были найдены, в частности, в Цере , другие типы ваз обычно в Черветери и Вульчи. Многие изобретения в его мастерской не ограничивались формами. В мастерской Никосфена была разработана так называемая техника «шестерки» , при которой фигуры рисовались красновато-коричневыми или белыми красками поверх черной глянцевой накладки. Неясно, рисовал ли Никосфен также вазы, и в этом случае его обычно считают идентичным Художнику Н. [45] Художник BMN и краснофигурный Художник Никосфен также названы в честь Никосфена. В своей мастерской он нанимал многих известных художников-вазописцев, в том числе пожилых Лидоса, Олтоса и Эпиктета . Традицию мастерской продолжил преемник Никосфена Памфай . [46]
Два чернофигурных художника-вазописца считаются маньеристами (540-520 гг. до н. э.). Художник «Локти наружу» украшал в первую очередь чашки Little Masters. Вытянутые локти его фигур бросаются в глаза, что и послужило причиной его прагматичного имени. Он лишь изредка изображал мифологические сцены; эротические сцены встречаются гораздо чаще. Он также украсил вазу редкой формы, известную как лидион . Самым важным из двух художников был Аффектер , чье имя происходит от преувеличенно искусственного впечатления, производимого его фигурами. Эти фигурки с маленькой головой, кажется, не столько разыгрывают, сколько позируют. Его ранние работы показывают сцены повседневной жизни; позже он обратился к декоративным сценам, в которых узнаваемы фигуры и атрибуты, но вряд ли действия. Если его фигуры одеты, они выглядят так, будто их набили на подкладку; если они обнажены, они очень угловаты. Аффектер был одновременно гончаром и художником; сохранилось более 130 его ваз. [47]
Художник Антимен (530–500 до н.э.) любил украшать гидрии фризами с животными в пределле, а в остальном особенно шейные амфоры. Две приписываемые ему гидрии украшены в области шеи в технике белого грунта . Он был первым, кто нарисовал амфоры с ликом Диониса, похожим на маску. Самая известная из более чем 200 сохранившихся ваз изображает на обратной стороне урожай оливок. Его рисунки редко бывают по-настоящему точными, но и не слишком небрежными. [48] Стилистически художник Псиакс тесно связан с художником Антимена, хотя первый также использовал краснофигурную технику. Будучи учителем живописцев Евфрония и Финтия , Псиакс оказал большое влияние на раннее развитие краснофигурного стиля. Он часто показывает сцены с лошадьми и колесницами, а также лучников. [49]
Последней важной группой художников была группа Леагрос (520–500 до н. э.), названная в честь часто используемой ими надписи на калосе — Леагрос. Наиболее часто расписываемыми сосудами являются амфоры и гидрии, последние часто с пальметтами в пределле. Поле изображения обычно заполняется абсолютно под завязку, но качество изображений при этом остается очень высоким. Многие из более чем 200 ваз в этой группе были украшены сценами Троянской войны и жизни Геракла [50]. Такие художники, как остроумный художник Ахелой, традиционный художник Кьюзи и художник рассвета с его точной детализацией, принадлежат к группе Леагрос. . [51]
Другими известными художниками по вазам того времени являются Художник Ватиканского скорбящего , Принстонский художник , Мюнхенский художник 1410 года и Художник-качели (540-520 до н.э.), которому приписывают многие вазы. Его не считают очень хорошим художником, но его фигуры непреднамеренно юмористичны из-за фигур с большими головами, странными носами и часто сжатыми кулаками. [52] Работы художника Райкрофта имеют сходство с краснофигурной вазовой росписью и новыми формами выражения. Ему нравилось изображать дионисийские сцены, лошадей и колесницы, приключения Геракла. Он часто использует контурные рисунки. Около 50 приписываемых ему сосудов, обычно крупных размеров, изящно расписаны. [53] Класс CM 218 в первую очередь украшал вариации никостенских амфор. Класс «Гипобибазон» работал над новым типом брюшной амфоры с закругленными ручками и ножками, для украшения которой характерен ключевой меандр над полями изображения. Уменьшенный вариант шейной амфоры украшала группа «Три линии» . Группа Перизома приняла около 520 г. до н.э. недавно введенную форму стамноса . К концу века высококачественные произведения все еще создавались художником Евфилетом , мадридским художником и творческим художником Приамом .
В частности, художники по чашкам, такие как Олтос, Эпиктет, Фидипп и Скиф, рисовали вазы как в красно-, так и в чернофигурном стиле ( двуязычная керамика ), в первую очередь наглазники. Интерьер обычно был чернофигурный, экстерьер — краснофигурный. Существует несколько случаев амфор, передняя и задняя стороны которых оформлены в двух разных стилях. Наиболее известными являются работы художника Андокида , чьи чернофигурные сцены приписывают художнику Лисиппиду . Ученые расходятся во мнениях относительно того, являются ли эти художники одним и тем же человеком. Лишь немногие художники, например, Художник Никоксенос и Художник Афина , создали большое количество ваз, используя обе техники. Хотя двуязычная керамика была довольно популярна в течение короткого времени, уже к концу века этот стиль вышел из моды. [54]
В начале V века до нашей эры и самое позднее до 480 года до нашей эры все известные художники использовали краснофигурный стиль. Но чернофигурные вазы продолжали производиться еще около 50 лет, причем их качество постепенно снижалось. Последними художниками, создавшими изображения приемлемого качества на больших вазах, были Художник Евхарид и Художник Клеофрад. Только мастерские, производившие меньшие формы, такие как ольпы, энохоэ, скифосы, маленькие шейные амфоры и отдельные лекиты, все чаще использовали старый стиль. Художник Фаниллис, среди других методов, использовал технику Шести, и как Эдинбургский художник, так и художник Гела украсили первые цилиндрические лекифы. Первые в основном создавали непринужденные, ясные и простые сцены, используя чернофигурный стиль на белом фоне. Белый грунт ваз был довольно толстым и больше не рисовался непосредственно на глиняной основе - техника, которая стала стандартом для всех ваз с белым фоном. Художник Сафо специализировался на погребальных лекифах. Особенно плодотворной была мастерская Хаймонского художника ; сохранилось более 600 их ваз. Художник Афина (которая, возможно, идентична краснофигурному художнику-боудуэну) и художник Персей продолжали украшать большие стандартные лекиты. Сцены Афины-художницы до сих пор излучают достоинство, присущее работам группы Леагрос. Марафонский художник прежде всего известен погребальными лекитами, найденными в кургане афинян, погибших в Марафонской битве в 490 г. до н.э. Последний значительный художник-лекифос, художник из Белдама, работал примерно с 470 по 450 год до нашей эры. За исключением Панафинейских призовых амфор, в это время в Аттике чернофигурный стиль пришел к концу. [55]
Среди чернофигурных аттических ваз особую роль играют панафинейские призовые амфоры. После 566 г. до н. э., когда были введены или реорганизованы празднования Панафиней, они стали призом для победителей спортивных соревнований и были наполнены оливковым маслом, одним из основных экспортных товаров города. На лицевой стороне обычно было изображение богини Афины, стоящей между двумя колоннами, на которых сидели петухи ; на спине была спортивная сцена. Форма всегда была одинаковой и лишь незначительно видоизменялась за длительный период ее производства. Брюшная амфора, как следует из названия, изначально была особенно выпуклой, с короткой шеей и длинной узкой ножкой. Около 530 г. до н.э. шеи становятся короче, а тело несколько уже. Около 400 г. до н.э. ширина плеч вазы была значительно уменьшена, а изгиб корпуса вазы выглядел суженным. После 366 г. до н.э. вазы снова стали изящнее и стали еще уже.
Эти вазы в основном производились в ведущих мастерских района Керамейкос. Получать заказ на изготовление ваз, похоже, было почетно или особенно выгодно. Это также объясняет существование множества призовых амфор, созданных выдающимися художниками по вазам. Помимо выдающихся чернофигурных художников, таких как Художник Евфилет, Эксекиас, Гиперид и группа Леагрос, многие краснофигурные мастера известны как создатели призовых амфор. К ним относятся Художник Евхарид, Художник Клеофрад, Берлинский художник, Художник Ахиллеус и Софил, который был единственным, кто подписал одну из сохранившихся ваз. Первая известная ваза была произведена компанией Burgon Group и известна как ваза Бургона. Поскольку имя правящего чиновника ( Архонта ) иногда появляется на вазе после IV века до нашей эры, некоторые вазы можно точно датировать. Поскольку Панафинеи были религиозными праздниками, стиль и тип украшения не изменились ни в краснофигурный период, ни после того, как в Афинах перестали по-настоящему торговать фигурными вазами. Призовые амфоры производились во II веке до нашей эры, и сохранилось около 1000 из них. Поскольку по некоторым датам известно количество амфор, врученных победителю, можно сделать вывод, что сохранилось около одного процента от общего количества афинских ваз. Другие прогнозы позволяют сделать вывод, что всего в Афинах было произведено около семи миллионов ваз с расписными фигурками. [56] В дополнение к призовым амфорам были также изготовлены имитационные формы, известные как псевдопанафинейские призовые амфоры. [57]
Начиная с VII века до нашей эры в Спарте производилась расписная керамика как для местного потребления, так и на экспорт. Первые качественные изделия были изготовлены около 580 г. до н.э. Расцвет чернофигурной керамики был достигнут примерно между 575 и 525 годами до нашей эры. Помимо Спарты, основными местами открытий являются острова Родос и Самос , а также Таранто , этрусские некрополи и Кирена , которая поначалу считалась первоначальным источником керамики. Качество сосудов очень высокое. Глина была хорошо размешана и получила покрытие кремового цвета. Были расписаны амфоры, гидрии, колонные кратеры (в древности называвшиеся кратером лаконикос ), спиральные кратеры, халкидские кратеры, лебесы, арибаллои и спартанская чаша для питья лакаина . Но указательной формой и самой частой находкой является чашка. В Лаконии глубокую чашу обычно ставили на высокую ножку; чашки на низкой ножке встречаются редко. Внешняя часть обычно украшена орнаментом, обычно гирляндами из гранатов, а внутренняя сцена довольно большая и содержит фигуры. В Лаконии раньше, чем в остальной Греции, тондо стало основным каркасом кубковых сцен. Первоначально основное изображение также было разделено на два сегмента: главную сцену и меньшую, нижнюю. Нередко сосуд покрывался лишь глянцевой накладкой или украшался лишь несколькими орнаментами. Надписи встречаются редко, но могут появляться как аннотации к именам. Подписи гончаров и художников неизвестны. Вероятно, лаконские мастера были гончарными художниками периэков . Характерные черты керамики часто соответствуют моде известных художников. Также возможно, что это были гончары-мигранты из восточной Греции, что объясняет сильное восточно-греческое влияние, особенно на художника-бореада.
Между тем можно выделить как минимум восемь художников-вазописцев. Пять художников: художник Аркесилас (565–555), художник Бореадов (575–565), художник-охотник, художник Навкратиса (575–550) и художник-всадник (550–530) считаются наиболее важными представителями. стиля, в то время как другие художники считаются мастерами меньших способностей. Изображения обычно угловатые и жесткие, содержат фризы с животными, сцены повседневной жизни, особенно симпозиумов, и множество мифологических сюжетов. Из последних особенно часто изображаются Посейдон и Зевс, а также Геракл и его двенадцать подвигов , а также циклы фиванских и троянских легенд. Особенно на ранних вазах в чаше тондо помещена гримаса горгоны. Исключительны изображения нимфы Кирены и тондо с всадником, у которого из головы растет завиток усика (именная ваза художника-всадника). [58] Также важна чаша с изображением Аркесилая II . Чашка Арсесиласа дала прагматичное имя художнику Аркесиласу. [59] Это одно из редких изображений на греческой керамике текущих событий или людей. Субъекты предполагают влияние Аттики. Основным непрозрачным цветом был красновато-фиолетовый. В настоящее время известно более 360 лаконских ваз, из которых почти треть, 116 штук, приписывается художнику Навкратису. Упадок около 550 г. до н.э. коринфской чернофигурной росписи ваз, которая оказала важное влияние на лаконскую живопись, привел к массовому сокращению лаконского производства чернофигурных ваз, которое прекратилось около 500 г. до н.э. Керамика была распространена очень широко – от Марселя до Ионической Греции. На Самосе лаконская керамика более распространена, чем коринфская, из-за тесного политического союза со Спартой. [60]
Чернофигурные вазы производились в Беотии с VI по IV век до нашей эры. Еще в начале VI века до нашей эры многие беотийские художники использовали технику ориентализирующего контура. После этого они сосредоточились на аттическом производстве. Различия и принадлежность к одному из двух регионов иногда затруднительны, и вазы также можно спутать с коринфской керамикой. Низкокачественные аттические и коринфские вазы часто называют беотийскими произведениями. Зачастую хорошие беотийские вазы ошибочно принимают за аттические, а плохие — за беотийские. Вероятно, происходил обмен мастерами с Аттикой. По крайней мере, в одном случае достоверно известно, что аттический гончар эмигрировал в Беотию (Художник-конь-птица, а возможно, и художник Токра, а среди гончаров, безусловно, Теисий Афинянин). Важнейшими сюжетами являются фризы с животными, сцены симпозиумов и комосов. Мифологические сцены редки, и, если они присутствуют, обычно изображают Геракла или Тесея. С конца VI по V век преобладал силуэтный стиль. Особенно расписывались кантаросы , леканисы, чашки, тарелки и кувшины. Как и в Афинах, здесь имеются надписи калос. Беотийские гончары особенно любили изготавливать лепные вазы, а также кантаросы со скульптурными дополнениями и треножные пиксиды . Формы леканисов, чаш и шейных амфор также были переняты из Афин. Стиль живописи часто юмористический, предпочтение отдается сценам комоса и сатирам. [61]
Между 425 и 350 гг. до н.э. кабейрские вазы были основным чернофигурным стилем в Беотии. В большинстве случаев это была гибридная форма кантароса и скифоса с глубокой чашей и вертикальными кольцевыми ручками, но встречались также лебесы, чаши и пиксиды. Они названы в честь основного места, где они были найдены, — святилища Кабейрои недалеко от Фив. Сцены, обычно нарисованные только на одной стороне вазы, изображают местный культ. Вазы карикатурно изображают мифологические события в юмористической, утрированной форме. Иногда показаны сцены комоса, предположительно имеющие непосредственное отношение к культу. [62]
Чернофигурная вазопись на Эвбее также находилась под влиянием Коринфа и особенно Аттики. Эти произведения не всегда легко отличить от аттических ваз. Ученые предполагают, что большая часть керамики производилась в Эретрии . Расписывались преимущественно амфоры, лекифы, гидрии и тарелки. Амфоры большого формата обычно украшались мифологическими сценами, например, приключениями Геракла или Судом Париса. Большие амфоры, заимствованные из форм VII века, имеют сужающиеся губы и обычно изображают сцены, связанные со свадьбами. Судя по всему, это погребальные вазы, изготовленные для детей, умерших до того, как они смогли пожениться. Сдержанное применение насечки и регулярное использование непрозрачной белила для растительного орнамента были характерными чертами чернофигурной керамики Эретрии. Помимо сцен, отражающих аттические модели, были и более дикие сцены вроде изнасилования оленя сатиром или Геракла с кентаврами и демонами. Вазы класса «Дельфин» ранее считались аттическими, но теперь считаются эвбейскими. Однако их глина не соответствует ни одному из известных эретрских источников. Возможно, эти изделия были изготовлены в Халкиде . [63]
Происхождение некоторых чернофигурных региональных стилей оспаривается. Например, халкидская керамическая роспись когда-то была связана с Эвбеей; в то же время производство в Италии считается более вероятным.
Практически ни в одном другом регионе Греции границы между ориенталистским и чернофигурным стилями не столь неопределенны, как в случае с вазами из восточной Греции. Примерно до 600 г. до н.э. использовались только контурные рисунки и пустые места. Затем, на поздней стадии восточного стиля, стали появляться резные рисунки — новая техника, пришедшая из северной Ионии. Преобладавший ранее стиль анималистического фриза, безусловно, был декоративным, но предлагал мало возможностей для дальнейшего технического и художественного развития. Возникли региональные стили, особенно в Ионии.
К концу стиля дикой козы художники северной Ионии подражали — довольно плохо — коринфским моделям. Но уже в VII веке в Ионии начали производить вазы высокого качества. Примерно с 600 г. до н. э. чернофигурный стиль полностью или частично использовался для украшения ваз. Помимо региональных стилей, которые развивались в Клазоменаи, Эфесе , Милете , Хиосе и Самосе, существовали особенно стили северной Ионии, которые не могут быть точно локализованы. Масленки лидийского образца (лидионы) были распространены, но большинство из них украшались только полосками. Есть и оригинальные сцены, например скиф с двугорбым верблюдом или сатир и баран. Атрибуция некоторых стилей является спорной. Таким образом, Нортгемптонская группа демонстрирует сильное ионическое влияние, но производство, вероятно, велось в Италии, возможно, иммигрантами из Ионии. [64]
В Клазоменаях в середине VI в. до н. э. расписывали преимущественно амфоры и гидрии ( ок. 550–350 до н. э.), а также глубокие чаши с плоскими, угловатыми на вид фигурами. Сосуды не очень изящны в исполнении. Часто изображались танцующие женщины и животные. Ведущими мастерскими были мастерские Тюбингенского художника, Петри-художника и группы Урла. Большинство ваз было найдено в Наукратисе и Телль-Дефенне, заброшенном в 525 г. до н.э. Первоначально их происхождение было неопределенным, но Роберт Зан определил источник, сравнив его с изображениями на клазоменских саркофагах. Керамику часто украшали скульптурными женскими масками. Мифологические сцены были редкостью; Популярностью пользовались орнаменты из рыбьей чешуи, ряды белых точек и чопорные танцующие женщины. Уникально изображение герольда, стоящего перед королём и царицей. В целом мужчинам были свойственны большие лопатообразные бороды. Начиная с 600 г. до н.э. и примерно до 520 г. до н.э., чаши-розетки, преемники чаш с птицами в Восточной Греции, производились, вероятно, в Клазоменаи. [65]
Самосская керамика впервые появилась около 560/550 г. до н. э., ее формы были заимствованы из Аттики. Это чашки Little Masters и кантаросы с лицевыми формами. Картина точная и декоративная. Самос наряду с Милетом и Родосом был одним из основных центров производства ваз в стиле «Дикая коза». [66]
Родосская вазопись известна прежде всего по родосским пластинам. Они выполнены в полихромной технике, многие детали прорезаны, как в чернофигурной живописи. Примерно с 560 по 530 год до нашей эры были обычным явлением ситулы, вдохновленные египетскими моделями. На них изображены как греческие сюжеты, такие как Тифон , так и древнеегипетские темы, такие как египетские иероглифы и египетские спортивные дисциплины. [67]
«Церетанская гидрия» — название особенно красочного стиля чернофигурной росписи ваз. Происхождение этих ваз оспаривается в литературе. На основании оценки живописи вазы долгое время считались этрусскими или коринфскими, но в последние годы преобладает мнение, что их создателями были два художника-керамиста, эмигрировавшие из восточной Греции в Цере (современный Черветери) в Этрурии. Надписи на ионическом греческом языке подтверждают теорию эмиграции. Мастерская существовала всего одно поколение. Сегодня известно около 40 ваз, выполненных двумя мастерами в этом стиле. Все они гидрии, за исключением одного алебастрона . Ничего не было найдено за пределами Этрурии; большинство из них прибыли из Цере, что и послужило причиной их названия. Вазы датируются примерно 530–510/500 гг. до н.э. Церетанским гидриям стилистически следуют шейные амфоры, украшенные полосками.
Эти технически довольно худшие гидрии имеют высоту 40–45 см. высокий. Тулова этих ваз имеют высокие и очень выступающие горлышки, широкие плечи и низкие кольцевые ножки в виде перевернутых чаш. Многие гидрии деформированы или стреляют неправильно. Расписные изображения разделены на четыре зоны: плечевую зону, брюшную зону с фигурами и одну с орнаментом, а также нижний отдел. Все фигурки, кроме брюшной зоны, украшены орнаментом. Известен только один случай, когда на обоих фризах живота были фигуры. Разнообразие цветов отличает их от всех других чернофигурных стилей. Стиль напоминает ионическую роспись ваз и разноцветные расписные деревянные таблички, найденные в Египте. Мужчины показаны с красной, черной или белой кожей. Женщины почти всегда изображаются непрозрачным белым цветом. Контуры и детали прорезаны, что характерно для чернофигурного стиля. Поверхности черного глянцевого шликера часто покрывают дополнительным цветным шликером, так что черный шликер, который становится видимым там, где есть насечки, снабжает различные формы внутренними деталями. На лицевой стороне изображения всегда насыщены действием, на оборотной стороне распространены геральдические орнаменты. Орнаменты — важная составляющая гидрий; они не являются вспомогательными по отношению к другим мотивам. Для росписи орнаментов использовались трафареты; они не прорезаны.
Художник Бусирис и Художник-Орёл названы живописцами. Последний считается ведущим представителем этого стиля. Их особенно интересовали мифологические темы, в которых обычно обнаруживалось восточное влияние. На именной вазе художника Бусириса Геракл попирает мифического египетского фараона Бусириса . Геракла часто изображают и на других вазах, а также существуют сцены повседневной жизни. Есть также необычные сцены, такие как Цет в сопровождении белого тюленя. [68]
Понтийские вазы также стилистически тесно связаны с росписью ионической керамики. Также в данном случае предполагается, что они были изготовлены в этрусских мастерских мастерами, эмигрировавшими из Ионии. Свое ошибочное название вазы получили из-за изображения на вазе стрельцов, предположительно скифов, живших на Черном море (Понте). Большая часть ваз была найдена в могилах в Вульчи, значительное количество — также в Черветери. Индексная форма представляла собой шейную амфору особенно тонкой формы, очень напоминающую тирренские амфоры. Другими формами были энохои со спиральными ручками, диносы, кьятосы , тарелки, кубки с высокими основаниями, реже кантарос и другие формы. Украшение понтийских ваз всегда одинаково. Обычно имеется орнамент на шее, затем фигурки на плече, за ними следует еще одна полоса орнаментов, фриз с изображением животных и, наконец, кольцо из лучей. Ножка, шейка и ручки черные. Важность орнаментов заметна, хотя зачастую они оформлены довольно небрежно; некоторые вазы украшены только орнаментом. Глина этих ваз желтовато-красная; накладка, покрывающая вазы, черная или коричневато-красная, хорошего качества, с металлическим блеском. Красные и белые непрозрачные цвета щедро используются для фигур и орнаментов. Животные обычно украшены белой полосой на животе. На сегодняшний день ученые определили шесть семинаров. Самой ранней и лучшей считается работа Парижского художника. Он показывает мифологические фигуры, в том числе безбородого Геракла, как это было принято в восточной Греции. Иногда встречаются сцены, не являющиеся частью греческой мифологии, например, битва Геракла с Юноной Соспитой («Спасительницей») парижского художника или демон-волк художника Титиоса. Есть также сцены повседневной жизни, сцены комоса и всадников. Вазы датируются периодом между 550 и 500 годами до нашей эры, всего известно около 200. [69]
Этрусские вазы местного производства, вероятно, датируются VII веком до нашей эры. Поначалу они напоминают чернофигурные модели из Коринфа и восточной Греции. Предполагается, что на раннем этапе производителями были преимущественно греческие иммигранты. Первым важным стилем была роспись понтийской керамики. Затем, в период между 530 и 500 годами до нашей эры, последовал художник Микали и его мастерская. В это время этрусские художники, как правило, следовали аттическим моделям и производили в основном амфоры, гидрии и кувшины. Обычно на них были сцены комоса, симпозиумов и фризы с животными. Мифологические сцены встречаются реже, но они очень тщательно проработаны. Чернофигурный стиль закончился около 480 г. до н.э. К концу развился стиль маньеризм, а иногда и довольно небрежная техника силуэта. [70]
Халкидская вазопись получила свое название от мифологических надписей, которые иногда появлялись халкидийским письмом. По этой причине первоначально предполагалось, что керамика возникла на Эвбее. В настоящее время предполагается, что керамика была произведена в Регионе , возможно, также и в Цере, но окончательно вопрос еще не решен. [71] Халкидская вазопись находилась под влиянием аттической, коринфской и особенно ионической живописи. Вазы были найдены в основном в итальянских местах, таких как Каери, Вульчи и Регион, но также и в других местах западного Средиземноморья.
Производство халкидских ваз началось внезапно около 560 г. до н.э. На сегодняшний день предшественников не обнаружено. Через 50 лет, около 510 г. до н.э., все уже закончилось. Сохранилось около 600 ваз, и на данный момент идентифицировано 15 художников или групп художников. Эти вазы характеризуются высоким качеством керамики. Глянцевая пленка, покрывающая их, после обжига обычно становится черной как смоль. Глина имеет оранжевый цвет. В живописи щедро использовались красные и белые непрозрачные цвета, а также озвучивание деталей интерьера. Индексной формой является шейная амфора, составляющая четверть всех известных ваз, но встречаются также наглазники, ойнохои и гидрии; другие типы судов встречаются реже. Исключение составляют леканис и чашки в этрусском стиле. Вазы экономичны и строги в конструкции. Типичная характеристика – «ножка халкидийской чаши». Иногда его копируют в чернофигурных аттических вазах, реже в краснофигурных.
Самый известный из известных художников старшего поколения — Художник-надписчик, из младших представителей — Художник-Финей. Первый, по-видимому, является создателем стиля; около 170 из сохранившихся ваз относятся к весьма продуктивной мастерской последнего. Вероятно, он также является последним представителем этого стиля. Изображения обычно носят скорее декоративный, чем повествовательный характер. Показаны всадники, фризы животных, геральдические изображения или группы людей. Большой крест из лотоса и пальметты часто является частью изображения. Мифологические сцены встречаются редко, но если и встречаются, то в целом исключительно высокого качества.
Псевдохалкидская вазопись является преемницей халкидийской живописи. Он близок к халкидскому, но также имеет тесные связи с аттической и коринфской вазописью. Таким образом, художники использовали для надписей ионический, а не халкидийский алфавит. Структура глины также различна. Известно около 70 ваз этого типа, которые впервые классифицировал Андреас Румпф. Возможно, что ремесленники были преемниками халкидийских вазописцев и гончаров, эмигрировавших в Этрурию. [72]
Псевдохалкидская вазопись делится на две группы. Старшая из двух — группа Полифема , которая произвела большую часть сохранившихся сосудов, в первую очередь шейные амфоры и ойнохоэ. Обычно изображаются группы животных, реже мифологические сцены. Сосуды были найдены в Этрурии, на Сицилии, в Марселе и Виксе . Более молодая и менее продуктивная группа Мемнона, к которой в настоящее время относят 12 ваз, имела гораздо меньшее географическое распространение, ограничиваясь Этрурией и Сицилией. За исключением одного ойнохоэ, изготавливались только шейные амфоры, которые обычно украшались животными и всадниками. [73]
Все вазы Нортгемптонской группы представляли собой амфоры с небольшим горлышком, за исключением амфоры с одной брюшной амфорой. Они стилистически очень похожи на роспись ваз Северной Ионии, но, вероятно, были созданы в Италии, а не в Ионии, возможно, в Этрурии около 540 г. до н.э. Вазы этой группы очень высокого качества. На них изображены богатые орнаменты и сцены, которые привлекли внимание ученых, например, принц с лошадьми и кто-то верхом на кране. Они подобны работам группы Кампана Диной и так называемой Нортгемптонской амфоре, глина которой похожа на глину Церетанского гидрия. Группа Нортгемптона была названа в честь этой амфоры. Круглые Campana hydriai напоминают беотийские и эвбейские модели. [74]
Алабастроны с цилиндрическими телами с Андроса редки, как и леканисы с Тасоса . Они напоминают беотийские изделия, за исключением того, что имеют два фриза с изображением животных вместо одного, обычного для Беотии. Фасийские плиты скорее следуют аттическим моделям и с их фигурными сценами более масштабны, чем на леканисах. Известны имитации ваз с Хиоса в чернофигурном стиле. Местная чернофигурная керамика из Халая также встречается редко. После того как афиняне заняли Элей на Дарданеллах, там также началось местное производство чернофигурной керамики. Скромная продукция включала простые леканисы с контурными изображениями. Небольшое количество ваз в чернофигурном стиле было произведено в кельтской Франции. Они тоже почти наверняка были вдохновлены греческими вазами. [75]
Научные исследования этих ваз начались особенно в 19 веке. С этого времени усилилось подозрение, что эти вазы имеют греческое, а не этрусское происхождение. Доказательством тому послужила панафинейская призовая амфора, найденная Эдвардом Додвеллом в 1819 году в Афинах. Первым доказательство представил Густав Крамер в своей работе Styl und Herkunft der bemalten griechischen Tongefäße (1837). Однако потребовалось несколько лет, чтобы это мнение стало общепринятым. Эдуард Герхард опубликовал статью под названием Rapporto Volcente в Annali dell'Instituto di Corrispondenza Archeologica, в которой он систематически исследовал вазы; он был первым ученым, сделавшим это. С этой целью в 1830 году он изучал вазы, найденные в Тарквинии , сравнивая их, например, с вазами, найденными в Аттике и на Эгине . В ходе этой работы он идентифицировал 31 подпись художников и гончаров. Раньше был известен только гончар Талеид. [76]
Следующим шагом исследований стала научная каталогизация крупнейших коллекций ваз в музеях. В 1854 году Отто Ян опубликовал вазы в Мюнхенской государственной коллекции древностей. Ранее были изданы каталоги музеев Ватикана (1842 г.) и Британского музея (1851 г.). Особое влияние оказало описание коллекции ваз из Берлинской коллекции классических древностей, собранной в 1885 году Адольфом Фуртвенглером . Фуртвенглер был первым, кто классифицировал сосуды по регионам художественного происхождения, технологии, стилю, форме и способу живописи, что оказало неизгладимое влияние на последующие исследования. В 1893 году Пауль Хартвиг в своей книге «Мейстершален» попытался идентифицировать различных художников на основе надписей калоса, подписей и анализа стиля. Эдмон Потье, куратор Лувра, инициировал в 1919 году Corpus Vasorum Antiquorum . В этой серии издаются все основные сборники мира, которые по состоянию на 2009 год насчитывали более 300 томов. [77]
Научные исследования росписи аттических ваз во многом обязаны Джону Д. Бизли . Он начал изучать эти вазы примерно в 1910 году, используя метод, разработанный искусствоведом Джованни Морелли для изучения картин и усовершенствованный Бернаром Беренсоном . Он предполагал, что каждый художник создает оригинальные произведения, которые всегда можно безошибочно атрибутировать. Он использовал определенные детали, такие как лица, пальцы, руки, ноги, колени и складки одежды. Бизли изучил 65 000 ваз и фрагментов, из них 20 000 были чернофигурными. В ходе своих исследований, длившихся почти шесть десятилетий, он смог приписать 17 000 из них по именам или с помощью системы прагматических названий и классифицировать их по группам художников или мастерских, родству и стилистической близости. Он идентифицировал более 1500 гончаров и художников. Ни один другой археолог не оказал такого решающего влияния на исследования в области археологии, как Бизли, анализы которого в значительной степени остаются актуальными до настоящего времени. После Бизли такие ученые, как Джон Бордман , Эрика Саймон и Дитрих фон Ботмер, исследовали чернофигурные аттические вазы. [78]
Фундаментальные исследования коринфской керамики были выполнены Хамфри Пейном , который в 1930-х годах составил первую стилистическую классификацию, по существу используемую до настоящего времени. Он классифицировал вазы по форме, типу декора и сюжетам изображения и лишь после этого сделал различие по художникам и мастерским. Он следовал методу Бизли, за исключением того, что придавал меньшее значение распределению художников и групп, поскольку для него более важными были хронологические рамки. Джек Л. Бенсон взял на себя эту задачу по распределению в 1953 году и выделил 109 художников и групп. Наконец, Даррел А. Эмикс подытожил исследования, проведенные к этому моменту, в своей книге 1988 года «Коринфская вазопись архаического периода». Однако ученые спорят о том, возможно ли вообще в случае коринфской керамики приписать конкретных художников. [79]
Лаконская керамика была известна с XIX века по значительному количеству ваз из этрусских могил. Сначала их ошибочно приписывали, долгое время считая продуктом Кирены, где также были найдены некоторые из самых ранних произведений. Благодаря британским раскопкам, проведенным в спартанском святилище Артемиды Орфии , их истинное происхождение было быстро установлено. В 1934 году Артур Лейн собрал воедино весь известный материал и стал первым археологом, определившим разных художников. В 1956 году новые открытия изучал Брайан Б. Шефтон . Он сократил количество отдельных художников вдвое. В 1958 и 1959 годах были опубликованы другие новые материалы из Таранто . На Самосе также было найдено значительное количество других ваз. Конрад Майкл Стиббе заново изучил все 360 известных ему ваз и опубликовал свои выводы в 1972 году. Он определил пять крупных и трех второстепенных художников. [80]
Помимо исследований аттической, коринфской и лаконской вазописи, археологи часто особенно интересуются второстепенными итальянскими стилями. Церетанские гидрии были впервые идентифицированы и названы Карлом Хуманном и Отто Пухштейном. Андреас Румпф, Адольф Кирхгоф и другие археологи ошибочно подозревали, что халкидская керамика возникла на Эвбее. Георг Фердинанд Дюммлер несет ответственность за ложное наименование понтийских ваз, которые, по его предположению, происходят из Причерноморья из-за изображения скифа на одной из ваз. [81] Между тем, исследования всех стилей проводятся не отдельными людьми, а большой международной группой ученых.
