Визуальное художественное образование — это область обучения, которая основана на виде искусства, которое можно увидеть, изобразительное искусство — рисунок , живопись , скульптура , гравюра и дизайн в ювелирных изделиях , гончарном деле , ткачестве , тканях и т. д. и дизайн, применяемый к более практическим областям, таким как коммерческая графика и домашняя обстановка. Современные темы включают фотографию , видео , кино , дизайн и компьютерное искусство . Художественное образование может быть сосредоточено на том, чтобы студенты создавали искусство, на том, чтобы научиться критиковать или ценить искусство, или на некоторой комбинации этих двух.
.jpg/1280px-%C3%89cole_des_beaux-arts_(from_the_live).jpg)
Искусство часто преподается через рисунок , живопись, скульптуру, инсталляцию и создание знаков. Рисование рассматривается как эмпирическая деятельность, которая включает в себя видение, интерпретацию и обнаружение соответствующих знаков для воспроизведения наблюдаемого явления. Обучение рисованию было компонентом формального образования на Западе со времен эллинизма . [1] В Восточной Азии художественное образование для непрофессиональных художников обычно было сосредоточено на работе кистью; каллиграфия была причислена к Шести Искусствам Джентльменов в китайской династии Чжоу , а каллиграфия и китайская живопись были причислены к Четырем Искусствам ученых -чиновников в императорском Китае. [2]
Альтернативный подход к художественному образованию предполагает акцент на воображении, как при интерпретации, так и при создании искусства. Многие педагоги спрашивают своих учеников: «Как вы думаете, почему художник сделал этот выбор?», после того как они дают ответ, они дают им контекст произведения, а затем спрашивают их снова. Это делается для того, чтобы заставить учеников задуматься о более глубоком смысле, стоящем за работами, а не просто показывать им красивую картинку. Художественное образование также заключается в экспериментировании и целенаправленной игре и связывании их искусства с концептуальными сообщениями и личным опытом. [3] Позволяя ученикам связывать произведение с эмоциями, мы помогаем им лучше понять, как произведение искусства связано с художником и его предметом, развивая их навыки критического мышления. Альтернативные подходы, такие как визуальная культура и подходы, основанные на проблемах, в которых ученики исследуют общественные и личные проблемы через искусство, также информируют сегодняшнее художественное образование. [4]
Известные модели учебных программ для художественного образования включают в себя:
Кроме того, особенно в высших учебных заведениях в рамках традиции свободных искусств , искусство часто преподается как «оценка искусства», предмет эстетической критики, а не прямого взаимодействия. [9]
Некоторые исследования показывают, что эффективные программы художественного образования продемонстрировали повышение успеваемости учащихся в других академических областях, поскольку художественная деятельность тренирует правое полушарие их мозга и делает мышление более латеральным. [10] См. также работу Бетти Эдвардс « Рисование на правом полушарии мозга» .
Художественное образование не ограничивается формальными образовательными учреждениями. Некоторые профессиональные художники предоставляют частное или получастное обучение в своих собственных студиях. Это может принимать форму ученичества , в котором ученик учится у профессионального художника, помогая ему в его работе. Одной из форм этого стиля обучения является метод ателье , примером которого является Гюстав Моро, который учил Пикассо, Брака и многих других художников. [11]
Исторически искусство преподавалось в Европе через систему ателье-метода [12] , где художники брали учеников, которые обучались своему ремеслу во многом так же, как и в гильдиях, таких как каменщики или ювелиры . В свободное время формальное обучение проходило в художественных мастерских или, чаще всего, дома или в одиночестве на улице. Именно в этих мастерских художники обучались ремеслу через ученичество у мастеров, отношения, которые контролировались уставами гильдии. Флорентийские контракты, датируемые концом 13 века, гласят, что мастер должен был одевать и кормить ученика, который взамен был призван быть верным слугой. Ученик часто платил мастеру в первые годы своего обучения; предполагая, что ученичество было продуктивным, ученик получал компенсацию позже в своем обучении. Североевропейские мастерские имели похожие условия. [13]
Первоначально обучение рисованию было приоритетом в этой системе. Микеланджело рекомендовал молодому художнику потратить год только на рисование, затем шесть лет на растирания красок, подготовку панелей и использование листового золота, в течение которых продолжалось изучение рисунка. Еще шесть лет требовалось для освоения фресковой и темперной живописи. [14]
Исторически дизайн имел некоторый приоритет над изящными искусствами , и школы дизайна были созданы по всей Европе в 18 веке. Эти примеры мастерства и ценностей раннего европейского искусства вдохновляли последующие поколения, включая колонистов ранней Америки.
Люди, которые используют культурную апроприацию, способны создавать работы, имеющие значительную эстетическую ценность. [15] Использование свойств искусства из разных культур, таких как декорирование или подражание творческому процессу, может способствовать более глубокому пониманию и оценке ремесел из разных культур. Этот метод можно использовать в проектах по изготовлению масок африканских или индейских мастеров, где студенты подражают технике и изучают новые методы использования материалов и строительства, которые уважают эти практики разных культур. [16]
Ведущая страна в развитии искусств в Латинской Америке , в 1875 году создала Национальное общество стимулирования искусств, основанное художниками Эдуардо Скьяффино , Эдуардо Сивори и другими художниками. Их гильдия была переименована в Национальную академию изящных искусств в 1905 году, а в 1923 году по инициативе художника и академика Эрнесто де ла Каркова — в отделение Университета Буэнос-Айреса , Высшей школы искусств нации. В настоящее время ведущей образовательной организацией в области искусств в стране является UNA Universidad Nacional de las Artes . [17]
Австралийские университеты, имеющие отделения или курсы визуального/изобразительного искусства в своих учреждениях, перешли от моделей обучения на основе студий, связанных с художественными школами, к более интегрированному теоретико-практическому акценту. Университет Западной Австралии перешел от степени магистра с теоретическим акцентом к теоретической степени бакалавра искусств.
Инициативы по студийному обучению, объединяющие контекстные и медиа-элементы, были реализованы в рамках национального проекта студийного обучения [18], поддерживаемого Австралийским советом по обучению и преподаванию (ALTC) с 2007 года.
Первая школа современного искусства в Египте была открыта в 1908 году как Каирский колледж изящных искусств. [19] Эти ранние художественные школы в основном преподавали западные эстетические традиции. В результате, после обретения независимости была предпринята попытка включить египетские и ближневосточные традиции в курсы по искусству и оценке искусства. [20] Однако процесс был медленным; студенты Каирского колледжа изящных искусств не могли специализироваться на истории неевропейского искусства до 1999 года. [20]
Первая академия, Королевская академия живописи и скульптуры , была основана в 1648 году.
В настоящее время художественное образование, включающее в себя обучение изобразительному искусству, является обязательной частью школьного образования со второго цикла [21] (шесть лет) и продолжается до окончания младшей средней школы ( колледжа ) .
В некоторых школах есть художественные классы ( classs à horaires aménagés ) , которые обеспечивают углубленное художественное образование параллельно с обычным начальным или младшим средним образованием. В старших средних школах можно подготовить бакалавра технологий в области наук и технологий дизайна и прикладного искусства (STD2A, бывший F12).
В сфере высшего образования специализированные школы предлагают диплом национального уровня по специальностям в области искусства и дизайна (DN MADE, национальный диплом по специальностям в области искусства и дизайна) с несколькими дипломами по специальностям в области искусства (DMA, степень бакалавра в области искусств), а затем диплом высшего уровня по прикладным искусствам (DSAA, степень магистра в области прикладных искусств).
Художественные школы появились в Италии еще в XIII веке, начиная со школы живописи в Венеции, основанной греческим художником по имени Феофан около 1200 года. [22]
Голландская ассоциация преподавателей искусств (Nederlandse Vereniging voor Tekenonderwijs) была основана в 1880 году и начала издавать ежемесячный журнал в 1884 году. [23] С конца 20-го века растущее разнообразие голландского общества сделало голландское искусство и художественное образование все более многокультурными . [24]
Формальное художественное образование возникло в Соединенном Королевстве в начале 19 века, отчасти из-за желания соответствовать качеству дизайнерских работ, выполняемых во Франции. [25] Первоначально принятая модель была по образцу немецких коммерческих школ. [25] Принц Альберт оказал особое влияние на создание школ искусств в Великобритании. [26]
В настоящее время в Великобритании учебная программа по искусству предписана Национальной учебной программой правительства, за исключением государственных или платных школ. [27] Принц Чарльз создал Школу рисования принца в Хокстоне, чтобы сохранить преподавание академического рисунка.
Изучение восприятия искусства в Америке началось с движения «Художники сегодняшнего дня» в конце 19 века и начало угасать в конце 1920-х годов. Изучение картин было важной частью учебной программы по художественному образованию. Внимание к эстетике в классах привело к общественному интересу к украшению школы, дома и общества, что было известно как «Искусство в повседневной жизни». Идея состояла в том, чтобы принести культуру ребенку, чтобы изменить родителей. [28] Движение изучения картин угасло в конце 1920-х годов в результате того, что новые идеи относительно обучения восприятию искусства через студийную работу стали более популярными в Соединенных Штатах. [ необходима цитата ]
Американский философ и реформатор школ Джон Дьюи оказал влияние на расширение доступа к художественному образованию в Соединенных Штатах в конце 19-го и начале 20-го века. [ необходима цитата ]
После Второй мировой войны обучение художников переместилось в начальные школы, а современное искусство стало все более академической и интеллектуальной областью. До Второй мировой войны художнику обычно не требовалось высшее образование. С тех пор степень бакалавра изящных искусств , а затем магистра изящных искусств стали рекомендуемыми степенями для того, чтобы стать профессиональным художником, чему способствовало принятие Закона о военнослужащих в 1944 году, который отправил волну ветеранов Второй мировой войны в школу, включая художественную школу. Художественные факультеты университетов быстро расширялись. Американские художники, которые когда-то могли учиться в богемных школах с интенсивным ремеслом, таких как Art Students League , Black Mountain College или Hans Hofmann School of Art в Гринвич-Виллидж , начали вместо этого поступать в университеты. К 60-м годам Школа визуальных искусств , Институт Пратта и Купер-Юнион в Нью-Йорке и другие художественные школы по всей стране, такие как Художественный институт Канзас-Сити , Художественный институт Сан-Франциско , Школа Института искусств Чикаго , Школа Музея изящных искусств, Бостон , Принстон и Йель стали одними из первых художественных академий. [29] Эта тенденция распространилась из Соединенных Штатов по всему миру. [ необходима цитата ]
Зачисление в художественные классы на уровне средней школы достигло пика в конце 1960-х — начале 1970-х годов. [ необходима цитата ] С Ни один ребенок не останется позади (NCLB) [ когда? ] (который сохраняет искусство как часть «повседневной жизни», но не требует отчетных или оценочных данных в этой области) произошло дополнительное снижение художественного образования в американских государственных школах. [ необходима цитата ] Министерство образования США теперь выдает гранты на разработку и распространение модели «Искусства в образовании» для поддержки организаций, обладающих экспертными знаниями в области искусства, в их разработке художественных учебных программ. По оценкам, после 2010 года 25% государственных средних школ страны закроют все художественные программы. [ необходима цитата ] Различные компании «ed-tech», такие как Kadenze и edX, попытались смягчить эту потерю с помощью онлайн-образования в области искусства. [30]
Национальные организации, продвигающие художественное образование, включают Американцы за искусство [31], включая Art. Ask For More. , [32] его национальную кампанию по повышению осведомленности общественности об художественном образовании; Ассоциацию по развитию художественного образования; Партнерство в области художественного образования.; [33]
Профессиональные организации преподавателей искусств включают Национальную ассоциацию художественного образования [34] , которая издает ориентированный на практику журнал Art Education и исследовательский журнал Studies in Art Education ; USSEA ( Общество США по образованию через искусство ) и InSEA (Международное общество по образованию через искусство [35] ).
Образование посредством изобразительного искусства является важным и эффективным фактором, позволяющим учащимся с раннего возраста понимать и реализовывать основополагающий демократический процесс, которому придается особое значение в общественной структуре Соединенных Штатов. [36] В 2008 году Национальная оценка образовательного прогресса (NAEP) изучила 7900 учеников восьмых классов в области искусства и музыки. Результаты исследования показали, что учащиеся женского пола набирали более высокие баллы, чем их сверстники мужского пола, как в музыке, так и в изобразительном искусстве. [37]
Оливия Гуд , обладательница стипендии Lowenfeld Lecture Scholarship Национальной ассоциации художественного образования 2009 года, рассказала о многочисленных способах, которыми художественное образование играет важную роль в формировании информированного гражданина, осознающего себя и окружающий мир. Она утверждает, что:
Благодаря художественному образованию студенты развивают улучшенные навыки понимания смысла, создаваемого другими. Благодаря качественному художественному образованию молодежь развивает способность изучать несколько профессий гораздо легче, чем другие. Самое главное, что занятие искусством учит молодежь воспринимать сложность как удовольствие и возможность, а не как раздражающую неопределенность. Повышенное самосознание распространяется на повышенное осознание других... [36]
Мишель Мардер Камхи , которая писала об художественном образовании , [38] весьма критически относится к последним тенденциям в этой области в Соединенных Штатах и других странах. Она отвергает большую часть современного искусства, представленного в крупных музеях, как политические жесты, которые не являются искусством. [39] В «Переосмыслении художественного образования», главе 8 своей книги « Кто сказал, что это искусство?» , она фокусируется на двух тенденциях в этой области, которые, по ее мнению, «должны вызывать беспокойство у вдумчивых граждан, даже у тех, кто мало интересуется искусством». Например, в своей статье в Wall Street Journal она критиковала Brinco Джуди Вертейн — произведение « перформанса », состоящее в основном из раздачи Вертейн специально оборудованных кроссовок нелегальным иммигрантам, — которое было рекомендовано для изучения известным преподавателем искусств на конференции NAEA. [40]
Художественное образование было объединено со специальным образованием еще до того, как были проведены реформы по созданию специальных условий для детей с особыми потребностями в обычных классах. Когда дело доходит до искусства, арт-терапевты часто используются для связи с учениками с особыми потребностями. Однако некоторые арт-терапевты вытаскивают учеников из класса, заставляя их отставать в других школьных заданиях, таких как математика, английский и естественные науки. Из-за этого арт-терапия предназначена для учеников, у которых нет больших шансов на долгосрочное улучшение, а скорее на краткосрочные навыки развития, или для тех, кто стремится повысить свои всесторонние возможности. [41]
Специальный педагог Джин Локерсон и преподаватель искусств Амелия Джонс написали, что «класс искусства — это место, где трудности в обучении могут превратиться в учебные ресурсы». Учащиеся с особыми потребностями часто выходят из своих раковин и с энтузиазмом относятся к творчеству. Искусство — это также способ, которым специальные педагоги обучают своих учеников основам, которые они, возможно, даже не осознают. [42]
Продолжаются исследования, которые продолжают доказывать, что искусство и специальное образование идут рука об руку. Тестирование продолжает доказывать, что искусство в любом классе, но особенно в классах специального образования, мотивирует учеников, вызывает энтузиазм и в некоторых случаях даже способствует обучению в других предметных областях. [43]
Область художественного образования расширяется, чтобы включить более широкий спектр визуальной и популярной культуры. Современные тенденции в науке используют постмодернистские и визуально-культурные подходы к художественному образованию, [44] [45] рассматривают влияние глобализма на производство и интерпретацию изображений [46] и сосредотачивают возобновленный интерес на вопросах творчества. [47] В рамках NAEA исследования и публикации направлены на вопросы обучения, сообщества, пропаганды, исследований и знаний. [48] С 2016 года Научно-исследовательский институт художественного образования (AERI) проводит ежегодный симпозиум, который поддерживает критические, систематические, эмпирические и теоретические исследования и научные исследования, которые затрагивают ключевые интеллектуальные и практические вопросы в области художественного образования. AERI стремится продвигать широкий спектр строгих исследовательских практик и методологий, взятых из искусств, гуманитарных и социальных наук, для улучшения исследований, связанных с преподаванием и обучением в изобразительном искусстве и посредством него. [49]