Адольф Готлиб (14 марта 1903 — 4 марта 1974) — американский художник -абстракционист , скульптор и гравёр. [1]
Готлиб, один из «первого поколения» абстрактных экспрессионистов , родился в Нью-Йорке в 1903 году в семье евреев. С 1920 по 1921 год он учился в Лиге студентов-художников Нью-Йорка , после чего, решив стать художником, бросил среднюю школу в возрасте 17 лет и отработал свой переход в Европу на торговом корабле. В течение года он путешествовал по Франции и Германии. Он прожил в Париже шесть месяцев, в течение которых каждый день посещал Лувр и посещал занятия в Академии Гранд Шомьер . Следующий год он провел, путешествуя по Германии, Австрии, Чехословакии и другим частям Центральной Европы, посещая музеи и художественные галереи. Когда он вернулся, он был одним из самых путешествующих художников Нью-Йорка. После возвращения в Нью-Йорк он учился в Лиге студентов-художников Нью-Йорка, Школе дизайна Парсонс , Cooper Union и Educational Alliance . [2] [3]
Готлиб провел свою первую персональную выставку в галереях Дуденсинг в Нью-Йорке в 1930 году. В 1920-х и начале 1930-х годов он на протяжении всей жизни дружил с другими художниками, такими как Барнетт Ньюман , Марк Ротко, Дэвид Смит, Милтон Эйвери и Джон Грэм . В 1935 году он и группа художников, в том числе Бен-Цион , Джозеф Солман , Илья Болотовский , Ральф Розенборг , Луи Харрис, Марк Ротко и Луи Шанкер , известные как « Десять », вместе выставляли свои работы до 1940 года.
В этот период Готлиб зарабатывал на жизнь различными подработками и работал над Федеральным художественным проектом в 1936 году . [4] С сентября 1937 года по июнь 1938 года Готлиб жил в пустыне Аризоны , недалеко от Тусона. За эти девять месяцев он радикально изменил свой подход к живописи. Он перешел от экспрессионистско-реалистического стиля к подходу, сочетающему элементы сюрреализма и формалистической абстракции, используя объекты и сцены из местной среды в качестве символов, чтобы удалить временность из своих работ. От этого он перешел к более сюрреалистическим работам, таким как «Морской сундук» , который отображает загадочные несоответствия на обычном пейзаже.
Здесь он передает зрителю ту широту, которую он, должно быть, ощущал, глядя на небо пустыни Аризоны, хотя он переводит эту обширность в более базовую абстрактную форму: «Я думаю, что эмоциональное чувство, которое я испытал, было похоже на то, как будто я нахожусь в море… Затем есть невероятная ясность – в Аризоне невероятная ясность света, а ночью облака кажутся очень близкими». [5] Когда эти работы из Аризоны были выставлены в Нью-Йорке после возвращения Готлиба, они положили начало разрыву с бывшим кругом коллег Готлиба, некоторые из которых осудили его новые работы как «слишком абстрактные». [6]
Готлиб и небольшой круг друзей высоко оценили работы группы сюрреалистов, которые они видели на выставке в Нью-Йорке в 1930-х годах. Они также обменялись экземплярами журнала Cahiers d'art и были хорошо знакомы с современными идеями об автоматическом письме и подсознательных образах. Готлиб написал несколько работ в сюрреалистическом стиле в 1940 и 1941 годах. Результаты его экспериментов проявились в его серии « Пиктограммы », выходившей с 1941 по 1950 год. В своей картине « Вояджер: Возвращение» [1] он сопоставляет эти изображения в разделенных пространствах. . Его изображения похожи на изображения коренного населения Северной Америки и Древнего Ближнего Востока. Если он обнаруживал, что один из его символов не оригинален, он больше его не использовал. Он хотел, чтобы его искусство оказывало одинаковое влияние на всех зрителей, вызывая отклик не потому, что они видели его раньше, а потому, что оно было настолько простым и элементарным, что звучало внутри них.
В 1941 году, разочаровавшись в окружающем его искусстве, он разработал подход, который назвал пиктограммами. Пиктограммы Готлиба, которые он создавал с 1941 по 1954 год, представляют собой первое связное произведение зрелой живописи американца его поколения. Готлиб рассказал о своих опасениях в заявлении 1947 года:
Роль художника всегда была ролью имиджмейкера. Разные времена требуют разных образов. Сегодня, когда наши стремления свелись к отчаянной попытке спастись от зла, а времена разладились, наши навязчивые, подземные и пиктографические образы являются выражением невроза, который является нашей реальностью. На мой взгляд, определенная так называемая абстракция вообще не является абстракцией. Напротив, это реализм нашего времени. [8]
В мае 1942 года его первая «пиктограмма» была показана на второй ежегодной выставке Федерации современных художников и скульпторов, расположенной в галереях Вильденштейна в Нью-Йорке . [9] В своих пиктограммах он представил новый подход к абстракции, который включал образы, взятые из его подсознания, но заметно отличающиеся от идеи повествования. Для достижения этой цели Готлиб представил изображения, вставленные в участки свободно нарисованной сетки. Каждое изображение существовало независимо от других, но их расположение в одной плоскости, соотношение цвета, фактуры и формы заставляют зрителя ассоциировать их. Значение, таким образом, очень личное – еще одно нововведение в картинах Готлиба – сюрреалистический биоморфизм – был одним из источников его пиктограмм. Для него биоморфизм был способом свободного выражения своего бессознательного, которым он увлекся благодаря Джону Грэму, Фрейду и сюрреализму. [10] Готлиб также включил автоматизм – живописную технику фрейдовских свободных ассоциаций – был методом, который Готлиб использовал для создания биоморфных форм, которые были формами, спонтанно задуманными в его бессознательном [2]. Эти биоморфные формы были разделены сплошной сеткой, которая служила общей структурой серии «пиктограмм».
Готлиб однажды сказал: «Если я делал извилистую линию или змеевидную линию, то это потому, что я хотел змеевидную линию. Впоследствии она напоминала змею, но когда я ее делал, она ничего не предполагала. Это была просто форма…» . Эти линии и формы, которые использовал Готлиб, разные люди легко интерпретировали как означающие разные вещи. [4]
К 1950 году Готлиб заметил, что подход « сплошной живописи » стал клише для американской абстрактной живописи. Он начал свою новую серию «Воображаемые пейзажи». Он сохранил использование «псевдоязыка», но добавил новый элемент пространства. Он не писал пейзажи в традиционном смысле этого слова, а скорее модифицировал этот жанр, чтобы он соответствовал его собственному стилю живописи. Воображаемые пейзажи — это горизонтальные полотна, разделенные на два регистра, один очень активный ниже, а более созерцательный верхний, устанавливающий другой подход к абстракции. в середине века. В 1955 году Готлиб заметил: «Я часто слышу вопрос: «Что означают эти изображения?» Это просто неправильный вопрос. Визуальные образы не обязательно должны соответствовать ни вербальному мышлению, ни оптическим фактам. Лучшим вопросом было бы: «Передают ли эти изображения какую-либо эмоциональную правду?» [11]
В конце 1956 года Готлиб сформулировал образ, который стал известен как «Взрыв», и провел большую часть следующих двух лет, работая над этим подходом. Он упрощает свое представление до двух форм дисков и извилистых масс. Его картины представляют собой вариации, в которых эти элементы расположены по-разному. Эта серия, в отличие от серии «Воображаемый пейзаж», предлагает базовый пейзаж с солнцем и землей. На другом уровне формы настолько элементарны; они не ограничиваются этой одной интерпретацией. Он также был искусным колористом, и в серии «Взрыв» его использование цвета особенно важно. Его считают одним из первых художников цветового поля и одним из предшественников лирической абстракции . Карьера Готлиба была отмечена эволюцией пространства и универсальности.
К 1960 году усилия Готлиба над серией «Взрыв» позволили ему значительно упростить использование образов. До конца своей карьеры он создавал картины типа «Взрыв» и «Воображаемый пейзаж», но, в отличие от некоторых своих коллег, не ограничивался одним или двумя изображениями. Обсуждение творчества Готлиба обычно ограничивается упоминаниями о «Всплесках». или «Воображаемые пейзажи», что умаляет широкий спектр идей, которые исследовал этот художник. Готлиб резюмировал свои цели в интервью 1967 года:
Но для меня все является природой, включая любые чувства, которые у меня есть, или мечты. Все является частью природы. Даже живопись стала частью природы. Уточню еще: у меня нет ни идеологического, ни доктринерского подхода к моей работе. Я просто рисую, исходя из своих личных чувств, своих рефлексов и инстинктов. Я должен доверять этим. [12]
Репрезентативная картина этого периода включена в коллекцию произведений искусства губернатора Нельсона А. Рокфеллера Empire State Plaza в Олбани, штат Нью-Йорк. [13]
В 1967 году, готовясь к выставке в Музее Уитни и Гуггенхайма, Готлиб начал делать небольшие модели скульптур из вырезанного и раскрашенного картона, что, по его словам, позволило ему почувствовать себя «молодым скульптором, только начинающим». [14] Эти маленькие скульптуры превратились в более крупные произведения из вырезанной, сваренной и окрашенной стали и алюминия. Его набег на скульптуру длился всего около полутора лет, но за это короткое время он создал массу работ, которые бросили вызов разграничению между живописью и скульптурой. Как и у его друга, скульптора Дэвида Смита, Готлиб как художник не позволял ему визуализировать объекты без цвета. Как только он принял это, он был вынужден использовать все инструменты, которые он разработал за свою долгую карьеру художника – прикосновение, визуальный баланс, качество поверхности и многое другое – чтобы сделать его скульптуры, как и его картины, «средством выражения чувств». … Я чувствую необходимость сделать так, чтобы определенные цвета, которые я использую, или определенные формы, несли на себе бремя всего, что я хочу выразить, и все должно быть сосредоточено в пределах этих нескольких элементов». [5] Всего Готлиб создал 42 скульптуры, в том числе три большие работы на открытом воздухе, которые в настоящее время находятся в коллекциях Национальной галереи искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, Центра искусств Короля Шторма в Нью-Виндзоре, штат Нью-Йорк, и Метрополитен-музея. в Нью-Йорке. [15]
Готлиб оставался активным на протяжении 1960-х годов. В 1963 году он стал первым американским художником, получившим Gran Premio на биеннале в Сан-Паулу в Бразилии. В 1965 году он получил премию «Золотая пластина» Американской академии достижений . [16] В 1968 году Музей Гуггенхайма и Музей Уитни в Нью-Йорке совместно организовали ретроспективную выставку его искусства, которая заполнила оба музея. На сегодняшний день это единственный совместный проект этих двух крупных учреждений.
Готлиб провел 56 персональных выставок и был включен в более чем 200 групповых выставок. Его произведения искусства находятся в коллекциях более чем 140 крупнейших музеев мира. Готлиб проявил себя как живописец, рисовальщик, гравёр и скульптор. Он спроектировал и руководил строительством витражного фасада площадью 1500 квадратных футов для Центра Милтона Стейнберга в Нью-Йорке в 1954 году, а также спроектировал набор из 18 витражей для Еврейского центра Кингсуэй в Бруклине. [17] Он был первым представителем своего поколения, чьи произведения искусства были собраны Музеем современного искусства в Нью-Йорке (1946 г.) и Музеем Гуггенхайма (1948 г.).
Работы Готлиба включены в постоянные фонды многочисленных музейных учреждений США, например, его работа « Алтарь» 1947 года включена в постоянные коллекции Художественного музея Переса в Майами , Флорида. [18]
В результате инсульта в 1970 году Готлиба парализовало, за исключением правой руки и кисти. Он продолжал рисовать и выставлять свое искусство до своей смерти в марте 1974 года. Его отпевание состоялось 6 марта 1974 года в похоронном бюро Фрэнка Э. Кэмпбелла, и он был похоронен на кладбище Маунт-Плезант, Хоторн, штат Нью-Йорк. [19] В 1972 году он был избран членом Американской академии искусств и литературы .
Готлиб всю свою жизнь выступал за профессиональный статус художников. Он помог организовать «Форум 49» и другие мероприятия и симпозиумы под руководством художников в Нью-Йорке и Провинстауне в 1940-х и 1950-х годах. В 1950 году он был основным организатором протеста против Метрополитен-музея, в результате которого он и его коллеги получив признание как « Вспыльчивые ». Следуя указаниям его завещания, в 1976 году был основан Фонд Адольфа и Эстер Готлиб , предлагающий гранты художникам изобразительного искусства.
