Артур Грин (родился 13 мая 1941 года) был одним из первых участников группы Hairy Who из Чикаго, группы студентов Школы института искусств Чикаго , которые выставлялись вместе в 1960-х и 1970-х годах и создавали репрезентативное искусство с легким сюрреалистическим оттенком. [1] Он также был членом факультета Университета Ватерлоо более 30 лет. [2] Его стиль живописи смешивает мотивы поп-арта с сюрреалистическими тенденциями. [3] Его воспитание в Чикаго и его окрестностях могло повлиять на него, от доступности института искусств Чикаго до архитектуры Луиса Салливана , но на него также могла повлиять реклама 1940-х и 1950-х годов, в которой были оттенки сексуальности. [2] Его картины черпали вдохновение из американской популярной образности, но усложняли ее, часто используя полный спектр ярких цветов и сочетая эффекты trompe l'oeil, чтобы играть с чувством равновесия зрителя. [4]
Грин родился во Франкфорте, штат Индиана . Его отец был инженером-строителем , который проектировал мосты; его мать шила одеяла и выращивала цветы. [5] Грин изначально намеревался стать автомобильным дизайнером, хотя он переключился на графический дизайн , когда поступил в Школу института искусств Чикаго . [2] Однако в течение первого года у него возникли проблемы с поиском достаточного количества занятий по графическому дизайну, поэтому он снова переключился на живопись. [2] В 1965 году он получил степень бакалавра изящных искусств .
Грин впервые стал известен в 1966 году, когда он присоединился к пяти другим недавним выпускникам Института искусств для первой из серии групповых выставок под названием The Hairy Who в серии показов в Художественном центре Гайд-парка в Чикаго . [6] Странное название отражало тенденцию в прозвищах рок-групп того времени. Другими членами группы были Джеймс Фалконер , Глэдис Нильссон , Джим Натт , Сьюллен Рокка и Карл Вирсум . [5] Их работы были известны своей грубостью и вульгарностью. Они контрастировали с гладкими и городскими работами художников Манхэттена того времени, а именно Энди Уорхола и Джеймса Розенквиста .
В период с 1966 по 1967 год Грин работал в различных государственных школах Чикаго, преподавая искусство в седьмом классе. В период с 1967 по 1968 год он работал инструктором в Чикагском городском колледже . Грин преподавал основы дизайна, дизайн интерьера и историю искусств. В следующем году он перешел в Колледж искусств и дизайна Кендалла , Эванстон, Иллинойс , чтобы занять должность председателя кафедры изящных искусств. Там он преподавал студийные курсы и курсы истории искусств. В 1969 году Грин женился на Натали Новотны (также выпускнице Чикагского института искусств), чье образование в Институте искусств в области дизайна узоров и тканей оказало сильное влияние на его работу. Он также принял должность преподавателя в Колледже искусств и дизайна Новой Шотландии в качестве доцента.
Наконец, в 1975 году он получил стипендию Совета Канады , которая позволила ему преподавать живопись и рисунок в Университете Британской Колумбии . В 1976 году он переехал в Стратфорд, Онтарио, чтобы преподавать в Университете Ватерлоо . Во время учебы в Вашингтонском университете он два срока занимал должность заведующего кафедрой изящных искусств; 1988–1991 и 2000–2002. С тех пор он живет в Канаде с двумя детьми, Кэтрин и Николасом.
В 2005 году Художественная галерея Китченера-Ватерлоо провела Heavy Weather: Art Green Retrospective в сотрудничестве с Художественной галереей Университета Ватерлоо. [5] Эта выставка объединила 50 работ Грина, предоставленных художником и несколькими частными и государственными коллекционерами в Соединенных Штатах и Канаде, как всеобъемлющий обзор его 40-летней карьеры. Гэри Майкл Доулт создал книгу в мягкой обложке с тем же названием Heavy Weather . [7] Книга содержит фотографии 50 работ, комментарии и ресурсные изображения, которые вдохновили Грина.
В 2006 году Университет Ватерлоо присвоил ему статус почетного профессора .
Стиль Грина находится где-то между сюрреализмом и поп-артом, с намёками на оп-арт. [5] Два из его главных источников вдохновения, оба из которых находятся в коллекции Чикагского института искусств, — это Рене Магритт и Джорджо де Кирико . [8] Он стремился запечатлеть прямолинейность и таинственность, пробуждаемые в картинах этих сюрреалистов. [5] Иногда он даже напрямую цитировал их, используя занавески и многоточечные перспективы для описания архитектурных элементов. [9] Ему также нравились работы Джеймса Розенквиста , чьи работы были больше о поверхности, чем о содержании; однако объекты Грина, по-видимому, имеют психологическое, а не просто визуальное присутствие. [5]
Образы, которые Грин использовал на протяжении всей своей карьеры и продолжает использовать по сей день, взяты из иллюстрированных учебников и рекламы сороковых и пятидесятых годов, которые затрагивают технологическую и придорожную Америку, с явными темами сексуального символизма. [10] Образы включают в себя мороженое в рожках, мосты, незаконченные мосты, зеркала, ножницы, накрашенные ногти женщин, страстные пары, шины, луны, плывущие над водой, части пазла, силуэты самолета, летящего над головой, прожекторы, торнадо, женские ноги в нейлоне, древесное волокно, кожаные шнуры, винты, кабели, узлы, молнии, ленты, стежки, кубики Неккера и другие оптические иллюзии. [2] Картины, как правило, имеют разорванные или сшитые образы, которые вызывают традицию trompe l'oeil; прозрачные и сплошные плоскости также накладываются друг на друга, достигая высокого уровня пространственной сложности. [11] Хотя иллюзорная глубина его картин не так уж велика, зритель все равно обнаруживает себя смотрящим на его картины, вглядывающимся в них и сквозь них.
Работы Грина полны дихотомий. Он живо интересуется изучением наших отношений с реальностью или, точнее, разницей между взглядом и видением и наградами последнего. Он сочетает порядок и хаос, но каждая сила сбалансирована и сдержана. [12] Этот порядок успокаивает хаос со временем; зритель вознаграждается за время, проведенное с его холстами, поскольку скрытые объекты раскрывают себя в бесконечном напряжении между рационализмом и иррационализмом. [3]
Первые попытки Грина заняться искусством были очень похожи на традицию абстрактного экспрессионизма, как и у большинства художников, родившихся в его время. [5] Однако в конце концов он наткнулся на книгу о метафизическом периоде Джорджо де Кирико и быстро изменил свой стиль. [5] Он внезапно заинтересовался абсурдностью повседневной жизни и миром грез, созданным в современной рекламе. [5] Его поворот к сюрреализму на этом этапе имел для него абсолютный смысл. [5]
Арт Грин был одним из шести первоначальных членов Hairy Who. Это была группа художников, которые вместе учились в Школе института искусств Чикаго и позже выставлялись вместе шесть раз в 1960-х годах. Их первая выставка прошла в Hyde Park Art Center в Чикаго в 1966 году; впоследствии они выставлялись еще дважды в Hyde Park Art Center, один раз в San Francisco Art Institute, один раз в Corcoran Art Gallery в Вашингтоне, округ Колумбия, и один раз в Visual Art Gallery в Нью-Йорке. [13] Хотя их основной интерес к совместной выставке проистекает из того факта, что они все были друзьями и коллегами, в их работах есть стилистические сходства. Все работы этих художников имеют тенденцию к стилю мультфильмов или поп-арту; в их рисунках и картинах наблюдается высокая степень визуального разрешения, а их холсты заполняет чувство ужаса вакуума. [13]
К 1970-м годам Грин все больше интересовался эффектами trompe l'oeil на своих холстах. [3] В своих картинах он все чаще использовал мотив ленты, который придавал текстуре поверхности живописное представление; в этих картинах как будто есть картина внутри картины. [11] [12] Эротическая ностальгия пронизывает его смешанные и перекрывающиеся натюрморты, поскольку он объединяет фрагменты современной жизни в высокостилизованные и симметричные узоры. Его картины приобретают вид призмы, поскольку он переосмысливает знакомые образы. Все чаще он отворачивается от фигуры и сосредотачивается только на обрезанных видах ногтей и рук. [4]
В середине 1980-х годов Грин заинтересовался кубом Неккера . [2] Он писал: «Меня заинтриговали возможности одновременного представления всех сторон вращающегося куба. Я включил в свою работу мозаичные узоры развернутых кубов вместе с гиперкубом». Его интерес к иллюзии вышел за пределы холста и фактически начал влиять на форму самого холста к 1980-м годам. [14] Холсты также, казалось, были сделаны из отдельных кусков полированного стекла; его картины стали памятниками светской манерной искусственности. [15] Все было не совсем так, как казалось на этих холстах, где Грин был больше заинтересован в разрушении повествования посредством манипуляции как формой (т. е. он использовал сформированный холст), так и содержанием (т. е. сцены в его картинах кажутся обрезанными, давая только чувственные и мерцающие виды скрытой истории). [15]
О своих последних работах Грин писал: «Я пытался создавать многослойные картины, которые требуют много времени, чтобы «увидеть». Я хочу побудить зрителя осознавать (обычно бессознательный) процесс интерпретации и построения образов в уме». Он продолжал использовать холсты определенной формы и визуальную сложность своей работы с краской, которая очень напоминает калейдоскоп. [2] По сей день он продолжает использовать те же мотивы мерцающего пламени, деревянной обшивки, рожка мороженого, женского ногтя и т. д. [16]
Картины Грина находятся во многих публичных коллекциях, в том числе: