Арт-поп (также наборный арт-поп или артпоп ) — это свободно определяемый стиль поп-музыки [1], на который оказали влияние теории искусства [7], а также идеи из других художественных сред, таких как мода , изобразительное искусство , кино и авангардная литература. [3] [8] Жанр опирается на поп -арт, объединяющий высокую и низкую культуру , и делает акцент на знаках , стиле и жестах, а не на личном выражении. [7] [9] Арт-поп-музыканты могут отклоняться от традиционной поп-аудитории и условностей рок-музыки , [10] вместо этого исследуя постмодернистские подходы и идеи, такие как статус поп-музыки как коммерческого искусства , понятия искусственности и личности , а также вопросы исторической достоверности .
Начиная с середины 1960-х годов британские и американские поп-музыканты, такие как Брайан Уилсон , Фил Спектор и The Beatles , начали включать идеи поп-арт-движения в свои записи. [1] Английские поп-музыканты опирались на свои школьные учёбы, [8] в то время как в Америке стиль развивался под влиянием поп-артиста Энди Уорхола и связанной с ним группы The Velvet Underground . [11] Стиль переживёт свой «золотой век» в 1970-х годах среди глэм-рок -исполнителей, таких как Дэвид Боуи и Roxy Music , которые приняли театральность и одноразовую поп-культуру . [4]
Традиция арт-попа продолжилась в конце 1970-х и 1980-х годах в таких стилях, как пост-панк и синтипоп , а также в британской новой романтической сцене [5] [10], развиваясь далее с артистами, которые отказались от традиционной рок-инструментации и структуры в пользу танцевальных стилей и синтезатора . [10] В 2010-х годах появились новые тенденции арт-попа, такие как хип-хоп- исполнители, опирающиеся на визуальное искусство , и вейпорвейв -исполнители, исследующие чувствительность современного капитализма и Интернета .
Арт-поп опирается на постмодернистское разрушение высокой/низкой культурной границы и исследует концепции искусственности и коммерции. [12] [nb 1] Стиль подчеркивает манипуляцию знаками вместо личного выражения, опираясь на эстетику повседневного и одноразового, в отличие от романтической и автономной традиции, воплощенной в арт-роке или прогрессивном роке . [13] [nb 2] Социомузыколог Саймон Фрит выделил присвоение искусства в поп-музыке как имеющее особую озабоченность стилем , жестом и ироничным использованием исторических эпох и жанров . [16] Центральными для отдельных носителей стиля были представления о себе как о произведении конструкции и искусственности, [10] а также озабоченность изобретением терминов, образов, процессов и аффектов. [17] Ник Коулман из The Independent писал: «Арт-поп отчасти касается отношения и стиля; но по сути это искусство. Это, если хотите, способ сделать чистый формализм социально приемлемым в поп-контексте». [18]
Культуролог Марк Фишер писал, что развитие поп-арта произошло из триангуляции поп-музыки, искусства и моды . [10] Фрит утверждает, что он был «более или менее» напрямую вдохновлён поп-артом . [2] [3] [nb 3] По словам критика Стивена Холдена , поп-арт часто относится к любому поп-стилю, который намеренно стремится к формальным ценностям классической музыки и поэзии, хотя эти работы часто продаются коммерческими интересами, а не уважаемыми культурными учреждениями. [1] Авторы The Independent и Financial Times отметили попытки поп-арта дистанцировать свою аудиторию от широкой публики. [20] [21] Роберт Кристгау писал в The Village Voice в 1987 году, что поп-арт возникает, «когда увлечение ремеслом нарастает и превращается в эстетическую одержимость». [22]
Оглядываясь назад, мы видим более четкое различие между первой волной музыкантов художественной школы, лондонскими провинциальными исполнителями ритм-энд-блюза , которые просто подхватили богемное отношение и перенесли его в прогрессивный рок, и вторым поколением, которое применило теории искусства к созданию поп-музыки.
—Саймон Фрит, «Искусство в поп-музыке» (1988) [23]
Границы между искусством и поп-музыкой становились все более размытыми на протяжении второй половины 20-го века. [24] В 1960-х годах поп-музыканты, такие как Джон Леннон , Сид Барретт , Пит Таунсенд , Брайан Ино и Брайан Ферри , начали черпать вдохновение из своих предыдущих занятий в художественных школах . [3] Фрит утверждает, что в Британии художественная школа представляла собой «традиционный путь к спасению для ярких детей рабочего класса и питательную среду для молодых групп, таких как Beatles и далее». [12] В Северной Америке арт-поп находился под влиянием Боба Дилана и поколения битников и стал более литературным благодаря движению авторов-исполнителей фолк-музыки . [1] До того, как прогрессивный/арт-рок стал самым коммерчески успешным британским звучанием начала 1970-х годов, психоделическое движение 1960-х годов объединило искусство и коммерциализм, затронув вопрос о том, что значит быть «артистом» в средствах массовой информации. [25] Прогрессивные музыканты считали, что артистический статус зависит от личной автономии, и поэтому стратегия «прогрессивных» рок-групп заключалась в том, чтобы представить себя как исполнителей и композиторов «выше» обычной поп-практики. [26]
Другим главным влиянием на развитие поп-арта было движение поп-арта. [1] Термин «поп-арт», впервые придуманный для описания эстетической ценности товаров массового производства, был напрямую применим к современному явлению рок-н-ролла (включая Элвиса Пресли , раннюю икону поп-арта). [27] По словам Фрита: «[Поп-арт] оказался сигналом конца романтизма, искусством без художников. Прогрессивный рок был последней ставкой богемы [...] В этом контексте ключевым теоретиком поп-арта был не [Ричард] Гамильтон или любой другой британский художник, которые, несмотря на весь свой интерес к массовому рынку, оставались его академическими поклонниками, а Энди Уорхол . Для Уорхола значимым вопросом были не относительные достоинства «высокого» и «низкого» искусства, а отношения между всем искусством и «коммерцией»». [28] Фабричная группа Уорхола The Velvet Underground была американской группой, которая подражала синтезу искусства и поп-музыки Уорхола, повторяя его акцент на простоте и являясь пионерами модернистского авангардного подхода к арт-року, который игнорировал общепринятые иерархии художественного представления. [29] [nb 4]
Холден прослеживает истоки арт-попа до середины 1960-х годов, когда продюсеры, такие как Фил Спектор , и музыканты, такие как Брайан Уилсон из Beach Boys, начали включать псевдосимфонические текстуры в свои поп-записи, а также в первые записи Beatles со струнным квартетом. [1] [nb 5] По словам автора Мэтью Баннистера, Уилсон и Спектор были известны как «отшельники, одержимые студиями [...] [которые] обычно отсутствовали в своей собственной работе», и, как и Уорхол, Спектор существовал «не как присутствие, а как контролирующий или организующий принцип за и под поверхностью медиа. Оба были чрезвычайно успешными коммерческими художниками, и оба одновременно отсутствовали и присутствовали в своих собственных творениях». [35]
Писатель Эрик Дэвис назвал арт-поп Уилсона «уникальным в истории музыки» [36], в то время как его соавтор Ван Дайк Паркс сравнил его с современными работами Уорхола и художника Роя Лихтенштейна , отметив его способность поднимать обычный или избитый материал до уровня «высокого искусства» [37] [nb 6] В своей книге 2004 года Sonic Alchemy: Visionary Music Producers and Their Maverick Recordings Дэвид Ховард приписывает синглу Beach Boys 1966 года « Good Vibrations » начало «краткого, яркого момента, [когда] поп и искусство объединились как маловероятные коммерческие партнёры» [41]
В движении, которое было обозначено Beatles, Beach Boys, Филом Спектором и Фрэнком Заппой , [42] доминирующий формат поп-музыки перешел от синглов к альбомам , и многие рок-группы создали произведения, которые стремились сделать грандиозные художественные заявления, где арт-рок будет процветать. [1] Музыковед Ян Инглис пишет, что обложка альбома Beatles 1967 года Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band была «воспринята как в значительной степени ответственная за то, чтобы связи между искусством и поп-музыкой стали явными». [43] Хотя альбому Sgt. Pepper's предшествовало несколько альбомов, которые начали стирать грань между «одноразовой» поп-музыкой и «серьёзным» роком, он успешно дал устоявшийся «коммерческий» голос альтернативной молодёжной культуре. [44] Автор Майкл Джонсон писал, что арт-поп-музыка продолжит существовать и после Beatles, но так и не достигнет их уровня популярности. [33] [nb 7]
The Who были названы «первой поп-арт группой» их менеджером, в то время как участник Пит Таунсенд объясняет: «Мы выступаем за поп-арт одежду, поп-арт музыку и поп-арт поведение [...] мы не меняемся за сценой; мы живем поп-артом». [46] Фрит считает их альбом The Who Sell Out (декабрь 1967) «возможно, шедевром поп-арта», The Who использовали «жизненную силу» самой коммерции, тактику, перенятую группой The Move Роя Вуда и , позже, Кевином Годли и Лол Крим из 10cc . [46] Идеи Таунсенда были примечательны своим акцентом на коммерциализации: «[Его] использование риторики поп-арта [...] относилось не к созданию музыки как таковой — к вопросу самовыражения — а к коммерческому созданию музыки, к вопросам упаковки, продажи и рекламы, к проблемам популярности и звездности». [46] В интервью в мае 1967 года Таунсенд ввел термин « power pop » для описания музыки The Who, The Small Faces и The Beach Boys. Позже power pop развился как жанр, известный своей переделкой тропов 1960-х годов. Музыкальный журналист Пол Лестер утверждал, что этот компонент может ратифицировать power pop как один из первых постмодернистских музыкальных жанров. [47]
Музыкальный журналист Пол Лестер относит «золотой век искусного, интеллектуального арт-попа» к тому времени, когда группы 10cc , Roxy Music и Sparks «смешивали и сопоставляли разные жанры и эпохи, задолго до того, как термин «постмодерн» появился в поп-индустрии». [4] Влияние Velvet Underground дало рок-музыкантам, таким как Игги Поп из The Stooges, самосознание относительно их работы. Игги был вдохновлен на то, чтобы превратить свою личность в арт-объект, что, в свою очередь, повлияло на певца Дэвида Боуи и привело к роли The Stooges как группы, связавшей хард-рок 1960-х с панком 1970-х . [11] В 1970-х годах в Центре искусств Мерсера в Нью-Йорке начало формироваться похожее самосознающее арт/поп-сообщество (которое Фрит называет «самым значительным» того периода) . Школа поощряла продолжение сотрудничества между высоким и низким искусством, примером которого когда-то была группа Factory, как объяснил барабанщик Джерри Харрисон (позже Talking Heads ): «все началось с Velvet Underground и всего того, что ассоциировалось с Энди Уорхолом». [11] [nb 8]
Глэм -рок- сцена начала 1970-х годов снова широко опиралась на художественные школы. [12] Вдохновленный отчасти использованием Beatles альтер-эго в Sgt. Pepper's , [48] глэм подчеркивал диковинные костюмы, театральные представления и намеки на одноразовые явления поп-культуры , став одним из наиболее намеренно визуальных явлений, появившихся в рок-музыке. [49] Некоторые из его артистов, такие как Боуи, Roxy Music и бывший участник Velvet Underground Лу Рид , продолжили практику, связанную с модернистской авангардной ветвью арт-рока. [14] [nb 9]
Боуи, бывший студент художественной школы и художник, [12] сделал визуальное представление центральным аспектом своей работы, [52] выводя свою концепцию поп-арта из работ и взглядов Уорхола и Velvet Underground. [53] Roxy Music описывается Фритом как «архетипическая поп-группа». [12] Фронтмен Брайан Ферри включил в себя влияние своего наставника, пионера поп-арта Ричарда Гамильтона [49] [54], в то время как игрок на синтезаторе Брайан Ино опирался на свое изучение кибернетики и искусства у теоретика Роя Эскотта . [55] [nb 10] Фрит утверждает, что Ферри и Боуи остаются «наиболее значительными влияниями на британскую поп-музыку», написав, что они оба были озабочены «поп-музыкой как коммерческим искусством», и вместе превратили глэм-рок в форму искусства, к которой нужно относиться серьезно, в отличие от других «кэмповых» исполнителей, таких как Гэри Глиттер . Это переопределило прогрессивный рок и возродило идею романтического художника с точки зрения известности в СМИ. [57] По словам Армонда Уайта, взаимодействие Roxy Music с практиками поп-арта эффективно «показало, что поверхностное легкомыслие поп-музыки и глубокое удовольствие были законными и главенствующими занятиями». [17] После ухода из Roxy Music в 1973 году Ино продолжил исследовать стили арт-попа в серии экспериментальных сольных альбомов. [58] [nb 11] Оставшуюся часть десятилетия он развивал аргументы Уорхола в ином направлении, чем его современники, и сотрудничал с широким кругом популярных музыкантов той эпохи. [57]
Культуролог Марк Фишер охарактеризовал различные музыкальные направления конца 1970-х годов, включая пост-панк, синтипоп и, в частности, творчество немецкой электронной группы Kraftwerk [60] , как находящиеся в рамках традиций арт-попа. [5] Он утверждает, что английский стиль арт-попа Боуи и Roxy Music «достиг кульминации» в музыке британской группы Japan [ 8] Quietus охарактеризовали альбом Japan 1979 года Quiet Life как определяющий «очень европейскую форму отстраненного, сексуально-двойственного и вдумчивого арт-попа», похожую на ту, которую Боуи исследовал на альбоме Low 1977 года [61] Брайан Ино и Джон Кейл сыграли решающую роль в карьере Боуи, Talking Heads и многих ключевых панк- и пост-панк -записях. [57] Вслед за дилетантизмом панк-движения , эпоха пост-панка вернулась к традиции художественной школы, ранее воплощенной в работах Боуи и Roxy Music, [62] [5] с художниками, черпающими идеи из литературы , искусства , кино и критической теории в музыкальных и поп-культурных контекстах, отказываясь при этом от общепринятого различия между высоким искусством и низкой культурой. [63] [64] [nb 12] Акцент на мультимедийном перформансе и визуальном искусстве стал обычным явлением. [64]
Фишер охарактеризовал последующих артистов, таких как Грейс Джонс , группы New Romantic 1980-х годов и Ройшин Мерфи, как часть линии арт-попа. [10] Он отметил, что развитие арт-попа включало отказ от традиционной рок -инструментации и структуры в пользу танцевальных стилей и синтезатора . [10] Quietus называет английскую группу New Romantic Duran Duran , на которую оказали влияние работы Japan, Kraftwerk и Дэвида Боуи, «пионером арт-попа на уровне заполнения арен», развив стиль в «барочный, романтический побег». [61] Критик Саймон Рейнольдс окрестил английскую певицу Кейт Буш «королевой арт-попа», сославшись на ее слияние гламура, концептуализма и инноваций, не отказываясь от коммерческого успеха поп-музыки в конце 1970-х и 1980-х годах. [68]
Исландская певица Бьорк была выдающимся поставщиком арт-попа [69] благодаря ее широкомасштабной интеграции разрозненных форм искусства и популярной культуры. [70] В 1990-х годах она стала самым коммерчески успешным артистом арт-попа. [71] Обсуждая Бьорк в 2015 году, Джейсон Фараго из The Guardian написал: «Последние 30 лет в истории искусства в значительной степени являются историей совместных предприятий, краха границ между высоким и низким искусством и конца разделений между медиа. Немногие деятели культуры сделали различия такими бессмысленными, как исландская певица, которая объединила трип-хоп с 12-тоновым и которая принесла авангард на MTV как раз перед тем, как обе эти вещи исчезли». [72]
По словам Барри Уолтерса из NPR , рэп-группа PM Dawn 1990-х годов разработала стиль «калейдоскопического арт-попа», который изначально был отвергнут поклонниками хип-хопа как «слишком мягкий, задумчивый и далеко идущий», но в конечном итоге проложил путь для творчества таких артистов, как Дрейк и Канье Уэст . [74] В 2013 году Spin отметил «новую эру арт-попа» в современной музыке, возглавляемую Уэстом, в которой музыканты обращаются к визуальному искусству как к символу богатства и экстравагантности, а также творческого поиска. [75] Fact называет альбом Уэста 2008 года 808s & Heartbreak «шедевром арт-попа», который оказал существенное влияние на последующую хип-хоп музыку, расширив стиль за пределы его современного акцента на самовозвеличивании и браваде. [76] Джон Караманика из New York Times описал «заставляющие задуматься и масштабные» работы Уэста как «расширившие ворота [хип-хопа] как для ценностей среднего класса , так и для мечтаний о высокой моде и высоком искусстве». [77]
Современные художницы, которые «сочетают в себе гламур, концептуализм, инновации и независимость», такие как Граймс , Джулия Холтер , Лана Дель Рей и FKA twigs , часто описываются как работающие в традициях Кейт Буш. [68] Газета Montreal Gazette описывает Граймс как «феномен арт-попа» и часть «давней традиции увлечения поп-звездой как произведением искусства в процессе разработки», при этом особое внимание уделяется роли Интернета и цифровых платформ в ее успехе. [78]
В статье 2012 года для Dummy критик Адам Харпер описал акселерационистский дух времени в современном арт-попе, характеризующийся неоднозначным взаимодействием с элементами современного капитализма. [6] Он упоминает интернет-жанр vaporwave как состоящий из андеграундных арт-поп-музыкантов, таких как Джеймс Ферраро и Дэниел Лопатин, «исследующих технологические и коммерческие границы самых мрачных художественных чувств гиперкапитализма 21-го века». [6] Артисты, связанные со сценой, могут выпускать музыку через онлайн-псевдонимы, опираясь на идеи виртуальности и синтетические источники 1990-х годов, такие как корпоративная музыка настроения , лаунж-музыка и мьюзак . [6]
