Джозеф Стелла (урожденный Джузеппе Микеле Стелла , 13 июня 1877 — 5 ноября 1946) — американский художник- футурист итальянского происхождения, наиболее известный своими изображениями индустриальной Америки, особенно изображениями Бруклинского моста . Он также связан с американским движением прецизионистов 1910–1940-х годов.
Стелла родилась в семье среднего достатка в Италии, в Муро-Лукано , деревне в провинции Потенца . Его дед Антонио и отец Микеле были адвокатами, [1] но он приехал в Нью-Йорк в 1896 году, чтобы изучать медицину, следуя по стопам своего старшего брата доктора Антонио Стеллы. [2] В то время Джузеппе изменил свое имя на Джозеф. [3] Однако он быстро отказался от медицинского образования и вместо этого обратился к искусству, обучаясь в Лиге студентов-художников и Нью-Йоркской школе искусств под руководством Уильяма Мерритта Чейза .
,_gelatin_silver_print,_20.7_x_15.7_cm,_Museum_of_Modern_Art.jpg/1280px-Man_Ray,_1920,_Three_Heads_(Joseph_Stella_and_Marcel_Duchamp),_gelatin_silver_print,_20.7_x_15.7_cm,_Museum_of_Modern_Art.jpg)
Первыми картинами Стеллы были изображения жизни городских трущоб в стиле Рембрандта . Выдающийся рисовальщик, он делал рисунки на различных этапах своей карьеры, начиная с академического реалиста с особым интересом к иммигрантской и этнической жизни. С 1905 по 1909 год работал иллюстратором, публикуя в журналах свои реалистические рисунки. «Он бродил по улицам с альбомом для рисования и карандашом в руке, стараясь уловить позу момента, детали костюма или манеры, рассказывающие историю его жизни». [4] В 1908 году ему было поручено написать серию о промышленном Питтсбурге , позже опубликованную в The Pittsburgh Survey .
Стелла вернулась в Италию в 1909 году. Он был недоволен в США, написав, что жаждет вернуться на родину после «вынужденного пребывания среди врагов, в черной похоронной земле, над которой тяготело... проклятие беспощадного климат». [5] Его возвращение в Европу привело к его первому обширному контакту с модернизмом , который в конечном итоге сформировал его особый личный стиль, отличающийся ярким цветом, широкими и динамичными линиями. К 1911 году он покинул Италию, где вездесущность эпохи Возрождения представляла собой своего рода препятствие для современных художников, и переехал в Париж. Когда он прибыл, « фовизм , кубизм и футуризм были в полном разгаре», писал он, и «[там] в воздухе витало очарование битвы». [6] Это было подходящее место и в нужное время для человека с таким же любопытством, как Стелла, открытым к новым тенденциям и амбициями.
В Париже Стелла посетила салон Гертруды Стайн , где познакомилась со многими другими художниками. «[Штайн] нашла большого и шумного художника очень похожим на [ее друга, поэта] Аполлинера; у них обоих был запас саркастического остроумия, которое часто обращалось против их хозяев». Взгляд Стеллы на его хозяйку был действительно саркастичным: она сидела, писал он, «на троне на диване посреди комнаты», окруженная своими Сезаннами и Пикассо , «с напористой торжественностью пифонки или сивиллы... высокая и далекая поза». [7]
Встретившись с Умберто Боччони и подружившись с Джино Северини в Европе, он стал сотрудничать с итальянскими футуристами и начал включать футуристические принципы в свое искусство, хотя его также интересовали структурные эксперименты кубистов и динамичный цвет фовистов. [8]
Вернувшись в Нью-Йорк в 1913 году, Стелла хотела дать Соединенным Штатам вторую попытку. Об этом решении он не пожалел, хотя, как отметила историк искусства Ванда Корн, «его культурный шок никогда не утихал». [9] Он стал членом кружков Альфреда Штиглица и Уолтера Аренсберга на Манхэттене и поддерживал тесные отношения с другими эмигрантами Альбертом Глейзом и лидером нью-йоркского движения Дада Марселем Дюшаном (Стелла и Аренсберг сопровождали Дюшана в магазин сантехнических товаров в 1917 году). купить печально известный писсуар. [10] ). В результате этих ассоциаций у него было почти столько же возможностей, сколько он знал в Европе, побыть среди родственных душ и увидеть новое передовое искусство. В 1913–1914 годах он написал «Битву огней, Кони-Айленд», одну из самых ранних и величайших работ американских футуристов. Легендарная Оружейная выставка 1913 года, в которой он участвовал, дала ему еще больший стимул для экспериментов с модернистскими стилями. «Кавалер розы» (1914) и «Весна (Шествие – хроматическое ощущение)» (1914–16) представляют собой энергичные цветовые абстракции.
После Armory Show Стелла также стала широко обсуждаемой фигурой в мире искусства Нью-Йорка, объектом яростных нападок со стороны консервативных критиков, которые считали модернизм угрожающим и необъяснимым, а также объектом восхищения для более молодых и предприимчивых художников. По мнению историка искусства Сэма Хантера , «среди современных картин, представленных на Оружейной выставке, « Обнаженной , спускающейся по лестнице» Дюшана , « Шествия Пикабиа в Севилье » и футуристической «Битвы огней» Стеллы , Кони-Айленд оказал наибольшее влияние. об американских художниках». [11] Друг отметил, что картина «вызвала всеобщую сенсацию, художественный переворот, столь же внезапный и неожиданный, сколь и универсальный [в авангардных кругах]». [12] Коллекционер и педагог по искусству Кэтрин Драйер включила Стеллу в число тех художников, чьи работы она стремилась продвигать под эгидой своего Societe Anonyme , первого нью-йоркского музея, посвященного исключительно передовому современному искусству, который открыл свои двери в 1920 году.
В Нью-Йорке в 1920-е годы Стелла была очарована геометрическим качеством архитектуры Нижнего Манхэттена . В этих работах он еще больше усвоил элементы кубизма и футуризма. В Бруклинском мосту (1919–1920 гг.) он демонстрирует свое восхищение плавными линиями моста Роблингов - мотивом, который он использовал за несколько лет до того, как поэт Харт Крейн обратился к этому сооружению как к символу современности. На изображениях моста Стеллы изображены диагональные тросы, которые с силой спускаются вниз, обеспечивая направленную энергию. Хотя эти динамичные изображения передают волнение и движение современной жизни, в руках Стеллы образ моста также становится мощным символом стабильности и солидарности. Среди других его известных картин — « Интерпретация Нью-Йорка» («Голос города») (1922), пятипанельная работа (почти двадцать три фута в длину и более восьми футов в высоту), созданная по образцу религиозного алтаря , но изображающая мосты и небоскребы вместо святых. Эта работа отражает распространенное в то время убеждение, что промышленность вытесняет религию как центр современной жизни. Картина находится в коллекции Ньюаркского музея в Ньюарке, штат Нью-Джерси . «В то время, когда практически все модернисты пробовали свои силы в изображении города, — писала Ванда Корн, — картина Стеллы — это сумма». [13]
В 1930-х годах Стелла работал над Федеральным художественным проектом , а затем путешествовал по Европе, Северной Африке и Вест-Индии , местам, которые вдохновили его на работу в различных режимах. Он беспокойно переходил от одного стиля к другому, от реализма к абстракции и к сюрреализму . Он создавал абстрактные городские темы, религиозные образы, ботанические и природные исследования, эротические и душные карибские пейзажи, а также красочные натюрморты из овощей, фруктов и цветов.
Однако работы Стеллы, созданные в период после Оружейной выставки, были проблематичными для построения устойчивой карьеры. После того, как он перестал рисовать в футуристическом или квазикубистском стиле и закончил период прецизионистских фабричных изображений (около 1920 г.), он перестал быть приверженцем какого-либо конкретного движения. Его заботы, а также его подход к живописи стали менее своевременными, более личными и своеобразными. «Древо моей жизни » (1919), как и многие более поздние работы Стеллы, «барочное и оперное», [14] садовая сцена из Босха, а его фигурные этюды (обычно женские, часто в стиле Мадонны) декоративно и экстравагантно украшены. Его многочисленные цветочные работы граничат с сюрреализмом, но по своей пышности и избытку их нельзя точно охарактеризовать как часть сюрреалистического движения. Критик Льюис Мамфорд тогда назвал его «загадочным художником», комментируя: «Я видел, как трещина между его реализмом и его фантазией превратилась в пропасть». [15]
Сильное мастерство Стеллы проявляется во множестве различных изображений, которые он создавал на протяжении своей жизни. Сегодня его особенно уважают за его портреты на бумаге, нарисованные серебряной иглой или серебряной иглой и маслом, большинство из которых относятся к 1920-м годам. Его изображения Уолта Уитмена , Марселя Дюшана, художника Луи Эйлшемиуса и его друга, композитора Эдгара Варезе , представляют собой произведения исключительной чувствительности к линиям, деталям лица и интеллектуальной ауре натурщика.
Менее известный аспект творчества Стеллы — это коллажи, которые он делал в 1920-х годах, состоящие из обрывков выброшенной бумаги, оберток (на некоторых из которых все еще виден коммерческий логотип или этикетка) и других кусочков городского мусора, часто разрезанных мазками кисти. краска. Хотя Стеллу «привлекали грандиозные, механизированные аспекты города, [его] также привлекали его анонимные, незамеченные отбросы… обломки человеческого существования». [16] Это работы в духе немецкого художника-коллажа Курта Швиттерса и анти-"высокого искусства" духа движения Дада, которое всегда интересовало Стеллу.
К концу 1930-х годов работы Стеллы привлекли значительно меньше внимания, чем в предыдущие десятилетия. Его агрессивный характер оттолкнул многих старых друзей, а его стиль больше не соответствовал времени. [17] «Здоровье и критическое состояние Стеллы ухудшились [за годы, предшествовавшие Второй мировой войне]. Эмоционально отрезанный от мира искусства Нью-Йорка, даже его ретроспектива в Ньюаркском музее в 1939 году не смогла восстановить его. Хотя презентация была успешной. , шоу было встречено с меньшим энтузиазмом, чем ожидала Стелла, и позже он жаловался, что не смог убедить кого-либо, живущего в Нью-Йорке, посмотреть его». [18]
В начале 1940-х годов у Стеллы диагностировали сердечно-сосудистое заболевание , и она стала подвержена нарастающим периодам болезненной тревоги . 5 ноября 1946 года он умер от сердечной недостаточности в возрасте 69 лет. Он похоронен в мавзолее на кладбище Вудлон в Бронксе , Нью-Йорк.
13 ноября 2018 года картина Стеллы под названием «Древо моей жизни » (1919) была продана на аукционе Christie's в Нью-Йорке за 5 937 500 долларов США; мировой рекорд для работы Стеллы на открытом аукционе. [33] [34]
_-_1941.692_-_Yale_University_Art_Gallery.jpg/1280px-Joseph_Stella_-_Spring_(The_Procession)_-_1941.692_-_Yale_University_Art_Gallery.jpg)
