Ли Уфан ( корейский : 이우환, ханджа : 李禹煥, корейское произношение: [iːuhwan] , родился в 1936 году в округе Хаман , в провинции Южный Кёнсан в Корее) — корейский художник-минималист, скульптор и академик , [1] известный своими новаторскими творческими работами. работа, в которой особое внимание уделяется процессу, материалам и экспериментальному участию зрителя и места, а также критике европейской феноменологии. [2]
Прожив и проработав большую часть своей профессиональной жизни в Японии, Ли был удостоен награды японского правительства за «вклад в развитие современного искусства в Японии». [3] Его эссе « Сондзай то му во коэте Сэкине Нобуо рон (За пределами бытия и небытия – диссертация о Сэкине Нобуо)» во многом считается родоначальником мысли послевоенного японского художественного движения Моно-ха («Школа искусства»). Вещи») в конце 1960-х — начале 1970-х годов. [4] Его работы, быстро публиковавшиеся с 1969 года, стремились выявить связь между идеями и чувствами Запада, а именно Западной Европы и США, и идей и чувств, возникших в Восточной Азии. Многие комментаторы подчеркивают, например, заявленное Ли желание избежать или опровергнуть западные идеи значения. [5]
Будучи главным теоретиком движения Моно-ха в Японии, Ли получил философское образование. [6] Как художник, Ли внес свой вклад в «Корейское монотонное искусство» (Dansaekjo Yesul, 單色調 藝術), [7] первое художественное движение в Корее 20-го века, получившее распространение в Японии. Его работы в основном пропагандируют методологию девестернизации и демодернизации как в теории, так и на практике как противоядие евроцентристской мысли послевоенного японского общества 1960-х годов. Самопровозглашенный странник и всю жизнь пересекавший культурные границы, Ли делит свое время между Камакурой, Япония , и Парижем, Франция . [8]
Ли Уфан родился в 1936 году в Хаман-гуне , Кёнсан-Намдо, и вырос в период японской колонизации Кореи. [9] Воспитанный родителями и дедушкой-конфуцианцем, Ли впервые познакомился с изобразительным искусством через рисование тушью, чему он обучался в детстве, а позже, будучи учеником средней школы в Сеуле. [10] В интервью 2015 года он заявляет: «В то время в Корее, а также в Японии существовала традиция, особенно в старомодных семьях, в которой мальчики получали личное образование дома. Это включало рисование, каллиграфию и чтение китайской классики. Но это было частью общей культуры цивилизованного человека. Занимаясь каллиграфией, мы учились писать, рисуя и читая литературу, мы приобретали нашу культуру». [8]
Ли утверждает, что он всегда предпочитал литературу живописи и был по натуре книжным червем, много читая в самых разных областях, включая философию, культуру и искусство. [11] Тем не менее, в 1956 году Ли начал изучать живопись в Колледже изящных искусств Сеульского национального университета , одном из самых престижных высших учебных заведений Кореи. [12] Вскоре после зачисления отец Ли попросил его поехать в Японию, чтобы отвезти лекарство дяде, который был нездоров. Оказавшись там, дядя Ли предложил ему остаться и изучать литературу и философию в японском университете. [8] Проучившись всего два месяца в Сеульском национальном университете, Ли ушел и переехал в Иокогаму , Япония, в 1956 году, где он получил степень по философии с особым интересом к работам Мартина Хайдеггера в 1961 году в Университете Нихон в Токио. [13] После окончания Университета Нихон Ли бросился против движения за объединение Юга и Севера и военного режима. В 1964 году Ли был арестован и подвергнут пыткам Центральным разведывательным управлением Кореи (ЦРУ). [14]
Первые годы своей работы Ли провел карьеру искусствоведа, философа и художника. [15] [16] Его первая персональная выставка состоялась в галерее Сато в Токио в марте 1967 года, а в следующем году — масштабная выставка современной корейской живописи в Национальном музее современного искусства в Токио. [12] В 1969 году Ли написал эссе «От объекта к бытию», применив свои философские принципы к эстетическим проблемам, которое тогда считалось одним из крупнейших критических исследований, открывающих международный диалог японского современного искусства . [11] В нем он впервые написал о своем желании представить «мир ( секай ) таким, какой он есть». [17] С этой идеей тесно связана идея «встречи» ( deai ), или точки, в которой люди начинают отношения с материальным миром. Перенесенный на опыт показа и просмотра искусства, акцент Ли на встрече потребовал перераспределения свободы действий между художником и зрителем. Вместо схемы, согласно которой произведение искусства пассивно передает намерение художника столь же пассивному зрителю, произведение искусства активируется только при устойчивом взаимодействии зрителя с условиями его материального и физического присутствия. [5]
Через год после «От объекта к бытию» Ли опубликовал сборник критических произведений в виде антологии, похожей на манифест «В поисках встречи», который был опубликован в художественном журнале Bijutsu techō ( Art Notebook ) вместе с плодотворным моно-ха. за круглым столом [18] и был горячо принят молодыми японскими художниками, вызвав «лихорадку Ли Уфана» в Корее. [11] Хотя он получил признание за большие критические эссе, другие более мелкие работы включают «Змею» и «Акрополь и камешек», появившиеся в его сборнике эссе « Быстрое течение времени», в которых небрежно развиваются случайные мысли и идеи, почерпнутые из повседневной жизни. жизнь. Эти тексты часто преподаются в учебниках японской средней школы. [11]
Значительное значение для размышлений Ли о столкновении и системах власти имели труды Мишеля Фуко , популярные среди японских интеллектуалов в конце 1960-х годов и позже. [5] В марте 1969 года Ли выиграл писательский конкурс, организованный крупным японским художественным издательством Bijutsu Shuppansha для новых критиков. Затем, во время Девятой выставки современного искусства Японии, проходившей в Токийском Метрополитен-арт-музее в мае того же года, он получил приз за свою работу «Слова и вещи» . Название работы, состоящей из трех огромных листов бумаги, лежащих на выставочной поверхности, было прямым намеком на « Les mots et les Chooses» Мишеля Фуко («Порядок вещей» ). [12] Изучая философию, Ли начал рисовать в сдержанном традиционном японском стиле, избегая выразительной абстракции современного японского движения Гутай . Элементы этого подхода, особенно внимание к поверхности и инвестиции Ли в корейский Дансэхва , позже сыграли решающую роль в формировании идей Моно-ха в конце 1960-х - начале 1970-х годов. [19]
В 1960-х годах Ли начал преподавать в независимой художественной школе под названием «B-Semi» (Базовый семинар по современному искусству), которой руководил художник-абстракционист Кобаяши Акио. В это время Ли в первую очередь интересовался телесным восприятием и этапами, ведущими к созданию произведения искусства. Осторожно делая акцент на «вещах», а не на «концепциях», он заставлял своих учеников размышлять над движением руки, возможностями жестов или восприятием явлений, когда они держат карандаш, мнут бумагу или скручивают глину, как а также динамику отношения к пространству (внешнее/внутреннее, общественное/жилое). [20] Собственные теории Ли также основывались на понимании работ бельгийского математика и философа Жана Ладриера , чей явно феноменологический уклон хорошо сочетался с другими философскими симпатиями Ли, которые включают теории басё (места) и му (ничто) Нисиды Китаро. и акцент на восприятии, поддерживаемый Мерло-Понти . [21]
Должность Ли на философском факультете Университета Нихон в Токио принесла ему выдающуюся роль представителя движения. В 1973 году он был назначен профессором Университета искусств Тама в Токио и оставался там до 2007 года. [22] С тех пор Ли является почетным профессором Университета искусств Тама . Японский художник и фотограф Ёсио Итагаки был одним из его учеников с 1989 по 1991 год. Ли не только благодаря своей художественной практике, но и благодаря переводу своих произведений на французский язык, сохранил высокий авторитет, особенно во Франции и Германии. где он проводил половину своего времени с 1980-х годов.
Находясь в Японии, Уфан стал активным участником контркультурных потрясений вокруг движения Анпо 1960-х годов. [23] Ли также начал впервые выставлять произведения искусства в Японии в конце 1960-х годов, за это время он стал известен как один из основателей и теоретических лидеров авангардной группы Моно-ха. [24] Профессиональный успех Ли в Японии, кроме того, совпал с периодом 1970-х годов, ретроспективно описанным как fukakujitsusei no jidai , или «эпоха неопределенности», термин, заимствованный из одноименной книги экономиста Кеннета Гэлбрейта . [25] Ли описывает период сверхускоренной индустриализации в Европе и Японии во второй половине 1960-х годов, студенческие протесты в Париже в мае 1968 года и контркультурное движение в Нью-Йорке примерно в 1967 и 1968 годах как катализаторы дискуссий по поводу художественное производство и акт создания. [26] В интервью 2014 года он заявляет: «Мы считали, что нужно представлять несотворенное, а не то, что было сделано. Приведу пример: камень, натуральный камень, не создается, но может быть таким же старым. Поэтому, стремясь оторваться от традиционного образа мышления, сосредоточенного исключительно на создании вещей и взглянуть на них по-новому, мы спросили: как привлечение несотворенного открывает новое измерение выражения и меняет как созданное, так и новое. несотворенное? Это движение стало Моно-ха». [27] Это движение совпало с Arte Povera в Европе и минимализмом в США, и поэтому Уфан рассматривает Моно-ха как японскую версию международного движения современного искусства. [27]
В 1970 году Ли модерировал плодотворную дискуссию за круглым столом с художником Секинэ Нобуо и коллегами из Университета искусств Тама Кошимидзу Сусуму, Наритой Кацухико, Сугой Кишио и Ёсидой Кацуро под названием « Моно открывает новый мир». Этот круглый стол сопровождал публикацию книги Сэкине Нобуо «Фаза — Мать-Земля» (1868), считающейся первым произведением искусства Моно-ха, в бидзюцу-техо , в разделе под названием «Голоса новых художников: из сферы неискусства». [28] В статье также содержался основополагающий текст Ли «В поисках встречи». [29] В своих теоретических принципах школа мысли Моно-ха отвергла западные представления о репрезентации, предпочитая сосредоточиться на отношениях материалов и восприятий, а не на выражении или вмешательстве. Целью движения было охватить мир в целом и способствовать плавному сосуществованию множества существ, концепций и опыта. Эти многочисленные сочинения Ли воспринимаются как теоретическая суть Моно-ха, которая затем приобрела известность после выставки « Аспекты нового японского искусства», состоявшейся в Национальном музее современного искусства в Токио в 1970 году . Импульс Моно-ха застыл при участии учеников скульптора Ёсишигэ Сайто , который в то время преподавал в Университете искусств Тама. [30] В это время галерея Tamura, галерея, сдаваемая в аренду, где демонстрировались экспериментальные работы Моно-ха, демонстрировала «Систему А» и «Систему Б» Ли, две работы, в которых хлопок сочетался с камнями или нержавеющей сталью, вырывающейся из куба, наряду с работами Моно. Коллеги-ха, такие как Суга Кишио и Харагути Нориюки. [20] Благодаря своей педагогике и экспериментам Ли и его коллеги-художники Моно-ха разделяли отношение к явлениям, которое проверялось посредством серийной композиции, подчеркивая развитие произведений с течением времени.
Ранние работы Ли касались фундаментальных вопросов живописи и скульптуры, а именно материальности, нанесения знаков и роли рамы. Часто они сосредотачиваются на произведениях искусства без художника, в которых приоритет имеет зрительская встреча, а не предыстория или намерения художника. Метод Ли часто предполагает рисование холстом на земле, чтобы избежать непреднамеренных капель, в то же время усложняя процесс создания произведений искусства. [31] Ли часто также смешивает молотый камень со своими красками, чтобы придать им больше объема и градаций. [32] Считается, что картины Ли вызывают, но в то же время отказываются от спонтанности жестов абстрактного экспрессионизма , а также напоминают корейский мунчжадо , форму каллиграфии, в которой жест и материальность линий противоречат требованиям репрезентации. [33]
Хотя изначально Ли учился как художник, в 1967 году Ли временно отказался от рисования, чтобы создать серию работ, основанных на времени, которым он первоначально дал название « Феноменология и восприятие» , что является прямой ссылкой на «Феноменологию восприятия » Мориса Мерло-Понти . Позже эти работы были переименованы в Relatum . [34] Подчеркивая взаимосвязь между объектами, эти работы состояли из различных комбинаций материалов, включая камни, металлические листы, стеклянные пластины и хлопок. [35] Например, в работе под названием «Relatum», впервые выпущенной в 1968 году и воспроизведенной в 2010 году, Ли бросил камень с небольшой высоты на квадратное зеркало, положенное на стальную пластину. Позволив силе гравитации стать частью творческого процесса, результат был открыт для случая, а субъективность художника затмилась, а трещины в зеркале стали напоминать форму автоматического рисунка. [33] В другой работе, ранее озаглавленной «Вещи и слова» (1969), три больших листа чистой бумаги были оставлены на общественной площади, чтобы развеваться на ветру, приглашая силы природы стать соавторами инсталляции в диалоге человеческое и нечеловеческое. [24]
Однако некоторые из наиболее представительных работ Ли начались с ранней серии картин « От точки и от линии» (1972–84), впервые выставленной в 1973 году в Токийской галерее под руководством Ямамото Такаси, который был известен продвижением новейших работ японского, европейского и японского искусства. Американское современное искусство. Эти работы были выставлены на обозрение вместе с более ранней серией Ли « Из Нотча» , публичный дебют которой состоялся в галерее Сирота в Токио в ноябре 1971 года. [25] В этих ранних картинах Ли сочетает молотый минеральный пигмент с клеем из кожи животных, характерным для живопись нихонга, которой он обучался. Каждый мазок наносится медленно и состоит из нескольких слоев. Там, где кисть впервые соприкасается с холстом, краска густеет, образуя «гребень», который постепенно становится светлее. [36] Художник называет это угасание йохаку, или искусством пустоты. [37] В картинах «От линии» этот процесс выполнялся с использованием упорядоченной серии каскадных линий, при этом кисть проводилась вниз по холсту до тех пор, пока краска не израсходовалась, тогда как в работах «От точки» он применил аналогичный метод, чтобы создать серию затухания. маленьких дискретных прямоугольных мазков. [27] Эти работы, каждый мазок которых уникален и неидентичен другим, концентрируют внимание на нестабильности тела в отличие от машины в эпоху механического воспроизводства. [24] Один из первых обзоров выставки 1973 года был написан критиком Фудзиэдой Теруо для Bijutsu techō . В своем обзоре Фудзиеда утверждал, что единственное реальное значение этих работ заключается в том, что они вызывают «действие и процесс». [38] Он читал «Из линии» как изображение линий на вертикальной опоре с «желтоватым» полотном, которое эффективно помогает художнику в выбранной им задаче по изображению изображения, которое будет видеть столь же вертикальный зритель. [39] Альтернативную интерпретацию работы предложил японский искусствовед Минемура Тошиаки, который утверждал, что картины нужно рассматривать продолжительно, как изображение времени, а не как записи пространственного размещения. [40] Хотя он никогда на самом деле не использовал этот термин, интерпретация Минемуры явно подразумевала, что серии From Line и From Point больше похожи на видеоработы, чем на живопись. Используя слово «поток», Минемура читает линии и точки работ Ли как виртуальное изображение воды, где не столько важны образы, сколько их движение. По мнению Минемуры, это движение сделало течение времени совершенно прозрачным. [41]
В скульптуре Ли исследовал схожие формальные интересы, используя минимальные средства: обычно он отдавал предпочтение камню и листам железа, хотя в период Моно-ха он использовал хлопок, стекло и дерево. Начиная с 1972 года Ли переименовывал все свои скульптурные работы в канкейко или «релатум», сигнализируя о продолжающемся стремлении активизировать связь между видимыми и невидимыми структурами. [42] Название серии инсталляций «Relatum» отсылает к визуальной и чувственной концепции взаимоотношений между, казалось бы, противоположными материалами, сочетающими плоские вертикальные железные экраны или стеклянные панели с набором плоских горизонтальных камней. Эта концепция типична для многих более поздних произведений. [24] Например, «Relatum – The Shadow of the Stars» (2014) представляет собой композицию из семи камней на открытом воздухе на круглом слое белого гравия, в которой Ли философски экспериментирует с тенью как художественным средством. [43] Скульптуры Ли, представляющие рассредоточенные композиции камней вместе с промышленными материалами, преобразуют дискретный объект в сеть отношений, основанную на равенстве между зрителем, материалами и местом. [44]
В середине 1970-х годов Ли познакомил Японию с пятью корейскими художниками, которые позже назвали школу Дансаэкзо Вехва (Монотонная живопись) [45] , которые предложили новый подход к абстракции, представляя повторяющиеся жестовые знаки как телесные записи вечного течения времени. [13] В 1991 году Ли начал свою серию картин по переписке , которые состоят всего из одного или двух серо-синих мазков, выполненных из смеси масла и пигмента из щебня для усиления цвета, нанесенных на большую белую поверхность. В среднем Ли утверждает, что на создание его картин уходит месяц, на холстах размером примерно 60 на 90 дюймов, хотя они могут варьироваться по размеру от нескольких дюймов до 10 футов с каждой стороны. Таким образом, он выполняет не более 25 работ в год. [15] Эти работы отражают концепцию Ли «искусства встречи», которая разыгрывается в переговорах между формальным контролем и непредсказуемой природой минералов, и драматизируется акцентом художника на жесте и его самоугасании. [46]
В серии «Диалоги» Ли, находящейся примерно с 2006 года по настоящее время, он использует очень большие кисти с плоским концом и смешивает минеральный пигмент со своей краской, чтобы создавать уникальные, часто квадратные мазки на больших холстах. Хотя то, что на этих работах кажется единичными следами кисти, является результатом многократного наслоения краски. [47] Эти работы отходят от привычных «норм» западной живописи в «фигуре» мазка, изолированной на большом пустом фоне холста. [9]
Ли продолжает писать на современные темы. Его последний текст под названием «Послание нового коронавируса» был написан в апреле 2020 года, вскоре после начала пандемии. В нем Ли использует размышления о живых существах и их взаимоотношениях, чтобы рассматривать вирус как союзник и нечеловеческое послание. [43]
Со своей первой персональной выставки в Японии в 1967 году Ли Уфан был приглашен Манфредом Шнекенбургером для участия в Documenta VI (1977) в Касселе, Германия , а в 1969 и 1973 годах он представлял Корею на биеннале в Сан-Паулу . [48] В 1971 году Ли был выбран одним из представителей Кореи на Парижской биеннале. [12] Его вклад в биеннале 1971 года состоял из произведения Relatum , в котором резиновый коврик удерживался и растягивался тремя стратегически расположенными камнями. [47] Первый научный обзор Моно-ха был написан в 1978 году критиком Минемурой Тошиаки для тридцатого юбилейного выпуска журнала Bijutsu techō . После публикации Минемура начал подготовку первой официальной выставки Моно-ха как исторического художественного движения в 1986 году в галерее Камакура в префектуре Канагава . Выставка под названием «Моно-ха» была разделена на три части, и в ней приняли участие Ли, а также девять других коллег. [49] Работы Ли были включены в выставку Тейт Ливерпуль 1992 года «Работа с природой: традиционная мысль в современном искусстве Кореи», первое крупное исследование корейского искусства, показанное в Великобритании . [50] В 1997 году Ли провел персональную выставку в Jeu de Paume в Париже, а в 2001 году Художественный музей Бонна провел крупную ретроспективу его работ. Крупные выставки живописи и скульптуры Ли позже прошли в Художественном музее Иокогамы в 2005 году и в Музее современного искусства Сент-Этьена во Франции в декабре 2005 года. Situation Kunst (für Max Imdahl), музей, связанный с Рурским университетом в Бохуме. в Германии, открыт в 2006 году с галереей, посвященной постоянной экспозиции картин Ли Уфана, и садом его скульптур. Однако именно выставка Ли « Резонанс» в Палаццо Палумбо Фоссати во время Венецианской биеннале 2007 года принесла ему признание критиков и более широкую аудиторию. [15]
В 2011 году работа «Ли Уфан: Маркировка бесконечности» была выставлена в Музее Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке , организованная куратором Александрой Манро , с более чем 90 работами, начиная с 1960-х годов по настоящее время. [51] Это ознаменовало его первую крупную ретроспективу в Соединенных Штатах. [29] Для выставки Ли воссоздал «Феномены и восприятие Б» (1969/2011), перформанс, в котором он роняет большой камень на стеклянные пластины, разбивая их. Работа была включена в групповую выставку « Японское искусство после 1945 года: Крик против неба» , также организованную Манро в 1995 году в недолговечном филиале Музея Гуггенхайма в Сохо. Это было первое шоу в Северной Америке, посвященное Моно-ха. На выставке Marking Infinity в Гуггенхайме также были представлены работы Ли по эстетике и современному искусству в виде настенных текстов, объясняющих философию его работ. [52] Искусствовед Роберт С. Морган написал в книге «Маркировка бесконечности» для The Brooklyn Rail , заявив: «Что делает работу Ли Уфана волнующей, так это структура – не в прагматическом смысле, а в виртуальном/тактильном смысле; то есть способ, в котором «вес» сводится к серьезности видения: мы видим и осязаем произведение не столько реально, сколько концептуально». [53] В 2011 году выставка «Янг Сук Пак и Ли Уфан: Чистая глина» в галерее TH в Нью-Йорке была посвящена сотрудничеству Ли и керамиста Янг Сук Пак .
В 2014 году Ли стал седьмым приглашенным художником, выбранным для участия в программе современного искусства Версальского дворца , [ 54] после Джеффа Кунса в 2008 году, Ксавье Вейлана в 2009 году, Такаши Мураками в 2010 году, Бернара Венета в 2011 году, Джоаны Васконселос в 2012 году. и Джузеппе Пеноне в 2013 году. В 2019 году Ли стал первым художником-одиночкой, занявшим всю площадь музея и сада скульптур Хиршхорна за 44 года существования музея. [55] Выставка под названием « Ли Уфан: Открытое измерение » сформировала около 10 скульптур из серии Relatum , отражающих бруталистический цилиндрический дизайн музея и отношение человека к природе. [56] Также в 2019 году компания Dia Beacon организовала крупную демонстрацию приобретенных в 2017 году трех скульптурных работ Ли: Relatum (ранее System , 1969), Relatum (ранее Language , 1971) и Relatum (1974). [43] Эта презентация работы Ли в Dia , помещенная в контекст его коллег, которые одновременно разрабатывали минимал- , постминималистские и лэнд-арт -практики, таких как Майкл Хейзер , Дональд Джадд , Роберт Смитсон и Мишель Стюарт , была направлена на исследование формального, материальные и концептуальные отношения между этими художниками. [57] В 2020 году работы Ли будут представлены на выставке STARS: Six Contemporary Artists from Japan to the World в Художественном музее Мори в Токио, Япония. На выставке была представлена одна из ранних работ Ли « Релатум» , а также скульптурная инсталляция «Релатум - Диссонанс» и две более поздние крупномасштабные картины «Диалог» . [58]
Скульптуры Ли выставлены в саду Рейксмузеум, Амстердам, Нидерланды https://www.rijksmuseum.nl/en/whats-on/exhibitions/lee-ufan 28 мая – 27 октября 2024 г. Вход свободный.
Ли представлен в крупнейших музейных коллекциях, включая МоМА в Нью-Йорке; Музей Гуггенхайма , Нью-Йорк; Центр Жоржа Помпиду , Париж; Галерея Тейт , Лондон; Музей Крёллер-Мюллера , Оттерло, Голландия; Национальные музеи современного искусства в Токио, Киото и Осаке; Иокогамский художественный музей и Национальный музей современного искусства в Сеуле . Его работы также хранятся в постоянной коллекции Городского музея современного искусства Хиросимы [59] и Садов и парка скульптур Фредерика Мейера .
В 1997 году Ли был приглашен приглашенным профессором в Высшую национальную школу изящных искусств в Париже. Он получил премию ЮНЕСКО на Шанхайской биеннале в 2000 году; премия Хо-Ам фонда Samsung в Корее в 2001 году; и 13-я премия Praemium Imperiale за живопись в 2001 году. Другие награды включают Орден Восходящего Солнца , Золотые лучи с розеткой в 2009 году, [3] Почетного легиона , 2007 год, а также премию Кымгвана (Золотая корона) Орден за культурные заслуги (Южная Корея). ) , 2013. [60] В 2010 году на острове Наосима в Японии открылся Музей Ли Уфана, здание, спроектированное архитектором Тадао Андо и управляемое компанией Benesse . [61] В 2022 году Ли открыл музей в Арле, Франция , в отеле Vernon XVI века, также отремонтированном Тадао Андо . Он занимает площадь 1347 квадратных метров и включает в себя три уровня, посвященные работе Ли, и один этаж многофункционального пространства. [62]
Основные дилеры Ли — галерея Pace в Нью-Йорке и Сеуле; Баня Скай в Токио; и Lisson Gallery в Лондоне, Нью-Йорке и Шанхае.
Самые дорогие работы художника, проданные на аукционе: [63]