Ксилография — техника высокой печати в гравюре . Художник вырезает изображение на поверхности деревянного куска — обычно с помощью борозд , — оставляя печатные части на одном уровне с поверхностью и удаляя непечатаемые части. Области, которые вырезает художник, не содержат чернил, в то время как символы или изображения на уровне поверхности несут чернила для создания отпечатка. Блок разрезается вдоль волокон древесины (в отличие от гравюры по дереву , где блок разрезается по торцу). Поверхность покрывается чернилами путем прокатывания по поверхности покрытым чернилами валика ( брайера ), оставляя чернила на плоской поверхности, но не на непечатаемых участках.
Можно напечатать несколько цветов, приклеив бумагу к рамке вокруг деревянных блоков (используя разные блоки для каждого цвета). Искусство резьбы по дереву можно назвать «ксилографией», но это редко используется в английском языке только для изображений, хотя это слово и «ксилография» используются в связи с блок-книгами , которые представляют собой небольшие книги, содержащие текст и изображения в одном блоке. . Они стали популярны в Европе во второй половине 15 века. Гравюра на дереве на одном листе — это гравюра на дереве, представленная в виде одного изображения или отпечатка , а не книжной иллюстрации.
С момента своего зарождения в Китае практика резьбы по дереву распространилась по всему миру от Европы до других частей Азии и Латинской Америки. [1]
И в Европе, и в Восточной Азии художник традиционно создавал только гравюру на дереве, а резьба по блоку оставлялась специалистам, называемым формшнайдерами или резчиками по блокам , некоторые из которых стали хорошо известны сами по себе. Среди них наиболее известными являются Иероним Андреаэ XVI века (который также использовал «Формшнайдер» в качестве своей фамилии), Ганс Лютцельбургер и Йост де Негкер , все из которых руководили мастерскими, а также работали типографами и издателями. Форшнайдер , в свою очередь, передал блок специализированным типографиям. Были и другие специалисты, которые изготавливали заготовки.
Вот почему гравюры на дереве иногда описываются в музеях или книгах как «созданные», а не «созданные» художником; но большинство авторитетов не используют это различие. Разделение труда имело то преимущество, что обученный художник мог относительно легко адаптироваться к этой среде без необходимости учиться пользоваться инструментами для обработки дерева .
Существовали различные способы переноса нарисованного художником рисунка на блок, чтобы резак мог следовать за ним. Либо рисунок делался прямо на блоке (часто сначала отбеливался), либо к блоку приклеивался рисунок на бумаге. Так или иначе, рисунок художника был уничтожен в процессе резки. Использовались и другие методы, в том числе отслеживание.
И в Европе, и в Восточной Азии в начале 20 века некоторые художники начали выполнять весь процесс самостоятельно. В Японии это движение называлось сосаку-ханга (創作版画, креативные гравюры ) , в отличие от син-ханги (新版画, новые гравюры ) , движения, сохранившего традиционные методы. На Западе многие художники вместо этого использовали более простую технику линогравюры .
По сравнению с такими методами глубокой печати , как травление и гравировка , для печати требуется лишь низкое давление. В качестве рельефного метода необходимо только нанести краску на блок и привести его в плотный и равномерный контакт с бумагой или тканью, чтобы получить приемлемый отпечаток. В Европе обычно использовались различные породы древесины, включая самшит , а также некоторые ореховые и фруктовые породы, такие как груша или вишня; [2] в Японии предпочтение отдавалось древесине вида вишни Prunus serrulata . [ нужна цитата ]
Стоит рассмотреть три метода печати:
Основные статьи Старая мастерская печать для Европы, Ксилография в Японии для Японии и Лубок для России.
Ксилография зародилась в Китае в древности как метод печати на ткани, а затем и на бумаге. Самые ранние сохранившиеся фрагменты гравюр на дереве происходят из Китая, времен династии Хань (до 220 г.), и сделаны из шелка с напечатанными цветами в трех цветах. [4] «В 13 веке китайская техника гравюры была передана в Европу». [5] Бумага прибыла в Европу, также из Китая через Аль-Андалус , немного позже, и производилась в Италии к концу тринадцатого века, а также в Бургундии и Германии к концу четырнадцатого века.
В Европе гравюра на дереве — старейшая техника, используемая для гравюр старых мастеров , разработанная около 1400 года с использованием на бумаге существующих техник печати. Одна из самых древних гравюр на бумаге, которую можно увидеть сегодня, — это «Огненная Мадонна» ( Madonna del Fuoco на итальянском языке) в соборе Форли в Италии.
Взрыв продаж дешевых гравюр на дереве в середине века привел к падению стандартов, и многие лубочные изображения были очень грубыми. Развитие штриховки последовало несколько позже, чем гравюры . Михаэль Вольгемут сыграл важную роль в создании более сложных немецких гравюр на дереве примерно с 1475 года, а Эрхард Ройвич был первым, кто использовал перекрестную штриховку (гораздо сложнее, чем гравировка или травление ). Оба они создавали в основном книжные иллюстрации, как и различные итальянские художники, которые в тот же период также поднимали там стандарты. В конце века Альбрехт Дюрер довел западную гравюру на дереве до уровня, который, возможно, никогда не был превзойден, и значительно повысил статус «однолистной» гравюры на дереве (то есть изображения, продаваемого отдельно).
Поскольку гравюры на дереве и подвижный шрифт напечатаны методом высокой печати, их можно легко печатать вместе. Следовательно, гравюра на дереве была основным средством книжной иллюстрации до конца шестнадцатого века. Первая книжная иллюстрация, гравюра на дереве, датируется примерно 1461 годом, всего через несколько лет после начала печати подвижным шрифтом, напечатанной Альбрехтом Пфистером в Бамберге . Гравюра на дереве реже использовалась для отдельных («однолистных») репродукций изобразительного искусства примерно с 1550 года до конца девятнадцатого века, когда интерес возродился. Он оставался важным для лубков до девятнадцатого века в большей части Европы, а затем и в некоторых местах.
Высокого уровня технического и художественного развития искусство достигло в Восточной Азии и Иране . Печать на дереве в Японии называется моку-ханга и была введена в семнадцатом веке как для книг, так и для произведений искусства. Популярный жанр укиё-э «плавающего мира» зародился во второй половине семнадцатого века с монохромными или двухцветными принтами. Иногда их раскрашивали вручную после печати. Позже были разработаны многоцветные принты. Японская гравюра на дереве стала основным видом искусства, хотя в то время ей был присвоен гораздо более низкий статус, чем живописи. Оно продолжало развиваться вплоть до двадцатого века.
Эта техника просто вырезает изображение тонкими линиями, похожее на довольно грубую гравюру. Блок печатается обычным способом, так что большая часть отпечатка черная, а изображение создается белыми линиями. Этот процесс был изобретен швейцарским художником шестнадцатого века Урсом Графом , но стал наиболее популярным в девятнадцатом и двадцатом веках, часто в измененной форме, когда в изображениях использовались большие области белой линии, контрастирующие с областями в обычном стиле черной линии. Впервые это сделал Феликс Валлоттон .
В 1860-х годах, когда сами японцы начали узнавать о западном искусстве в целом, японские гравюры в значительных количествах начали достигать Европы и стали очень модными, особенно во Франции. Они оказали большое влияние на многих художников, в частности на Эдуарда Мане , Пьера Боннара , Анри де Тулуз-Лотрека , Эдгара Дега , Поля Гогена , Винсента Ван Гога , Феликса Валлоттона и Мэри Кассат . В 1872 году Жюль Кларети назвал это направление «Японизмом». [6]
Хотя японское влияние отразилось во многих художественных средствах, включая живопись, оно привело к возрождению гравюры на дереве в Европе, которая находилась под угрозой исчезновения как серьезное художественное средство. Большинство вышеперечисленных художников, за исключением Феликса Валлоттона и Поля Гогена, на самом деле использовали литографию , особенно для цветных отпечатков. Ниже показано влияние Японии на иллюстрации к детским книгам.
Художники, особенно Эдвард Мунк и Франц Мазерель , продолжали использовать эту среду, которая в модернизме стала привлекательной, поскольку было относительно легко завершить весь процесс, включая печать, в студии с небольшим специальным оборудованием. Немецкие экспрессионисты широко использовали гравюру на дереве.
Цветные гравюры на дереве впервые появились в древнем Китае. Самыми старыми из известных являются три буддийских изображения, датируемые 10 веком. Европейские гравюры на дереве с цветными блоками были изобретены в Германии в 1508 году и известны как гравюры на дереве со светотенью (см. Ниже). Однако цвет не стал нормой, как это произошло в Японии в укиё-э и других формах.
В Европе и Японии цветные гравюры на дереве обычно использовались только для гравюр, а не для книжных иллюстраций. В Китае, где индивидуальная печать не развивалась до девятнадцатого века, верно обратное: ранние цветные гравюры на дереве в основном встречаются в роскошных книгах об искусстве, особенно о более престижном виде живописи. Первым известным примером является книга о чернильных лепешках, напечатанная в 1606 году, а своего расцвета техника цвета достигла в книгах по живописи, изданных в семнадцатом веке. Яркими примерами являются « Трактат о картинах и сочинениях студии десяти бамбуков» Ху Чжэнъяня 1633 года [7] и « Руководство по рисованию сада семян горчицы», опубликованное в 1679 и 1701 годах. [8]
В Японии цветовая техника, называемая нисики-э в ее полностью развитом виде, получила более широкое распространение и использовалась для гравюр с 1760-х годов. Текст почти всегда был монохромным, как и изображения в книгах, но рост популярности укиё-э повлек за собой спрос на постоянно увеличивающееся количество цветов и сложность техник. К девятнадцатому веку большинство художников работали в цвете. Этапами этого развития были:
В 19 веке в Европе был разработан ряд различных методов цветной печати с использованием гравюры на дереве (технически хромоксилография ). В 1835 году Джордж Бакстер запатентовал метод, использующий линейную пластину глубокой печати (или иногда литографию ), напечатанную черным или темным цветом, а затем напечатанную до двадцати различных цветов с деревянных блоков. Эдмунд Эванс повсюду использовал рельеф и дерево, используя до одиннадцати различных цветов, а в последнее время специализировался на иллюстрациях для детских книг, используя меньше блоков, но накладывая печать на несплошные области цвета для достижения смешанных цветов. Такие художники, как Рэндольф Калдекотт , Уолтер Крейн и Кейт Гринуэй, находились под влиянием японских гравюр, которые сейчас доступны и модны в Европе, чтобы создать подходящий стиль с плоскими цветными участками.
В 20-м веке Эрнст Людвиг Кирхнер из группы Die Brücke разработал процесс изготовления цветных гравюр на дереве с использованием одного блока, нанося на него разные цвета кистью а-ля пупе и затем печатая (на полпути между гравюрой на дереве и монотипией ). [9] Замечательным примером этой техники является гравюра на дереве «Портрет Отто Мюллера» 1915 года из коллекции Британского музея . [10]
Гравюры светотени — это гравюры старых мастеров , выполненные с использованием двух или более блоков, напечатанных разными цветами; они не обязательно характеризуются сильными контрастами света и тьмы. Впервые они были созданы для достижения эффектов, аналогичных рисункам светотени. После некоторых ранних экспериментов в книгопечатании настоящая светотеневая гравюра на дереве, задуманная для двух блоков, вероятно, была впервые изобретена Лукасом Кранахом Старшим в Германии в 1508 или 1509 году, хотя он датировал некоторые из своих первых гравюр задним числом и добавлял тоновые блоки к некоторым впервые созданным гравюрам. для монохромной печати, за которым быстро последовал Ханс Бургкмайр . [11] Несмотря на заявление Джорджо Вазари об итальянском превосходстве в Уго да Карпи , очевидно, что его первые итальянские образцы датируются примерно 1516 годом. [12] [13]
Среди других гравёров , использующих эту технику, — Ганс Бальдунг и Пармиджанино . В немецких государствах эта техника использовалась в основном в течение первых десятилетий шестнадцатого века, но итальянцы продолжали использовать ее на протяжении всего столетия, а более поздние художники, такие как Хендрик Гольциус, иногда использовали ее. В немецком стиле один блок обычно имел только линии и назывался «линейным блоком», в то время как другой блок или блоки имели плоские цветные области и назывались «тоновыми блоками». Итальянцы обычно использовали только тональные блоки для совершенно другого эффекта, гораздо ближе к рисункам светотени, для которых первоначально использовался этот термин, или к акварельным картинам . [14]
Шведский гравер Торстен Биллман (1909–1989) в 1930-х и 1940-х годах разработал вариант техники светотени с использованием нескольких серых тонов из обычной печатной краски. Историк искусства Гуннар Юнгмаркер (1902–1983) из Национального музея Стокгольма назвал эту технику «гравюрой по дереву гризайль». Это трудоемкий процесс печати, предназначенный исключительно для ручной печати, с использованием нескольких блоков из серого дерева, помимо черно-белого блока клавиш. [15]
Гравюра на дереве стала популярным видом искусства в Мексике с начала до середины 20 века. [1] Средство массовой информации в Мексике использовалось для передачи политических волнений и было формой политического активизма, особенно после Мексиканской революции (1910–1920). В Европе, России и Китае в это время искусство гравюры на дереве также использовалось для распространения левой политики, такой как социализм, коммунизм и антифашизм. [16] В Мексике этот художественный стиль стал популярен благодаря Хосе Гуадалупе Посада , который был известен как отец графического искусства и гравюры в Мексике и считается первым мексиканским современным художником. [17] [18] Он был сатирическим карикатуристом и гравером до и во время Мексиканской революции, а также популяризировал мексиканское народное и коренное искусство. Он создал гравюры на дереве знаковых фигур скелетов ( калаверас ), которые сегодня занимают видное место в мексиканском искусстве и культуре (например, в фильме « Коко » Disney Pixar ). [19] Дополнительную информацию о калаверах Посады см. в La Calavera Catrina .
В 1921 году Жан Шарло , французский гравер, переехал в Мехико . Признавая важность гравюр Посады, он начал преподавать технику гравюры по дереву в художественных школах Койоакана под открытым небом. Эти уроки посещали многие молодые мексиканские художники, в том числе Фернандо Леал . [17] [18] [20]
После Мексиканской революции страна переживала политические и социальные потрясения – были забастовки рабочих, протесты и марши. Для этих мероприятий требовались дешевые массовые визуальные репродукции, которые можно было бы расклеивать на стенах или раздавать во время протестов. [17] Информацию необходимо было быстро и недорого распространить среди широкой публики. [17] Многие люди в то время все еще были неграмотными, и после революции был толчок к всеобщему образованию. В 1910 году, когда началась революция, только 20% мексиканцев умели читать. [21] Искусство считалось очень важным в этом деле, и политические художники использовали журналы и газеты, чтобы передавать свои идеи посредством иллюстраций. [18] «Эль Мачете» (1924–29) был популярным коммунистическим журналом, в котором использовались гравюры на дереве. [18] Гравюра на дереве пригодилась, потому что это был популярный стиль, который многие могли понять.
Художники и активисты создали такие коллективы, как Taller de Gráfica Popular (TGP) (1937 – настоящее время) и The Treintatreintistas (1928–1930), для создания гравюр (многие из которых были гравюрами на дереве), отражающих их социалистические и коммунистические ценности. [22] [20] TGP привлекла художников со всего мира, в том числе афроамериканского гравера Элизабет Кэтлетт , чьи гравюры на дереве позже повлияли на искусство социальных движений в США в 1960-х и 1970-х годах. [1] Treintatreintistas даже обучали рабочих и детей. Инструменты для резьбы по дереву легко доступны, а методы просты в освоении. Это считалось искусством для людей. [20]
Мексика в это время пыталась раскрыть свою идентичность и развиваться как единая нация. Форма и стиль эстетики гравюры на дереве позволили разнообразным темам и визуальной культуре выглядеть едиными. Традиционные народные изображения и авангардные современные изображения имели схожую эстетику, когда были выгравированы на дереве. Образ деревни и традиционного фермера оказался схожим с образом города. [20] Эта символика была выгодна политикам, которые хотели единой нации. Физические действия по резьбе и печати гравюр на дереве также поддерживали многие ценности ручного труда и защиты прав рабочих. [20]
Сегодня в Мексике традиция активистской гравюры на дереве все еще жива. В Оахаке во время протестов 2006 года в Оахаке был сформирован коллектив под названием Asamblea De Artistas Revolucionarios De Oaxaca (ASARO) . Они привержены социальным изменениям посредством гравюры на дереве. [23] Их отпечатки превращаются в плакаты из пшеничной пасты, которые тайно развешиваются по всему городу. [24] Артермио Родригес — еще один художник, живущий в Такамбаро, штат Мичоакан, который делает политически окрашенные гравюры на дереве, посвященные современным проблемам. [1]
Европа
Япония ( Укиё-э )
В некоторых частях мира (например, в Арктике ), где древесина редка и дорога, в технике гравюры используется камень в качестве основы для гравированного изображения. [25]
,_Malo-Renault_(1870-1938).jpg/1280px-Bois-grav%C3%A9s,_Menu_des_Cent_Bibliophiles_(1922),_Malo-Renault_(1870-1938).jpg)
![Современная [когда?] гравюра на дереве «Картина карпа», живопись Донг Хо, Вьетнам.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/68/Tranh_%C4%90%C3%B4ng_H%E1%BB%93_-_C%C3%A1_ch%C3%A9p.jpg/1280px-Tranh_%C4%90%C3%B4ng_H%E1%BB%93_-_C%C3%A1_ch%C3%A9p.jpg)