.jpg/1280px-Macbeth_(32280144787).jpg)
Пьеса — это форма драмы , которая в основном состоит из диалога между персонажами и предназначена для театрального представления, а не просто для чтения . Создатель пьесы называется драматургом .
Пьесы ставятся на разных уровнях: от лондонского Вест-Энда и нью-йоркского Бродвея — высших эшелонов коммерческого театра в англоязычном мире — до региональных театров , общественных театров и академических постановок в университетах и школах.
Сценическая пьеса специально создана для исполнения на сцене, в отличие от произведений, предназначенных для трансляции или кинематографической адаптации. Они представляются на сцене перед живой аудиторией. Некоторые драматурги, в частности Джордж Бернард Шоу , не проявляли особого предпочтения в отношении того, исполняются ли их пьесы или читаются. Термин «пьеса» охватывает письменные тексты драматургов и их полные театральные интерпретации. [1]
Комедии — это пьесы, призванные вызывать юмор, и часто содержат остроумные диалоги, эксцентричных персонажей и необычные ситуации. Комедии рассчитаны на разные возрастные группы. Комедии были одним из двух первоначальных жанров древнегреческой драмы, второй — трагедии. Примерами комедий являются «Сон в летнюю ночь » Уильяма Шекспира , а в наши дни — «Книга Мормона» . [2] [3]
Фарсы представляют собой бессмысленный поджанр комедии, который часто включает юмор. Они часто опираются на преувеличенные ситуации и фарс. Примером фарса является пьеса Уильяма Шекспира «Комедия ошибок » или работа Марка Твена «Он мертв?» .
Сатирические пьесы представляют собой комическую перспективу современных событий, а также содержат политические или социальные комментарии, часто освещая такие вопросы, как коррупция. Примерами сатирических пьес являются «Ревизор » Николая Гоголя и «Лисистрата » Аристофана . Сатирические пьесы являются особой и популярной формой комедии, часто рассматриваемой как отдельный жанр.
Реставрационная комедия — жанр, исследующий отношения между мужчинами и женщинами, часто углубляясь в пикантные для своего времени темы. [4] Персонажи в реставрационных комедиях часто воплощают различные стереотипы, способствуя последовательным темам жанра. Это сходство также привело к однородности сообщения и содержания в большинстве пьес этого жанра. Несмотря на это, исследование реставрационной комедией невысказанных аспектов отношений способствовало более тесной связи между аудиторией и представлением.
Истоки комедии реставрации уходят корнями в теории комедии Мольера , хотя они отличаются по тону и намерениям. [5] Несоответствие между моралью жанра и преобладающей этикой его эпохи является интересным моментом при изучении комедии реставрации. Этот диссонанс может объяснить, почему, несмотря на свой первоначальный успех, комедия реставрации не просуществовала до XVII века. Тем не менее, современные теоретики театра все больше интересуются комедией реставрации, поскольку они исследуют стили исполнения с уникальными условностями. [6]
Трагедии углубляются в более темные темы, такие как смерть и катастрофа. Центральный персонаж, или протагонист , часто обладает трагическим недостатком , который приводит к его падению. Трагические пьесы охватывают широкий спектр эмоций и подчеркивают интенсивные конфликты. Трагедия была другим оригинальным жанром древнегреческой драмы наряду с комедией. Примерами трагедий являются «Гамлет» Уильяма Шекспира и пьеса Джона Уэбстера «Герцогиня Мальфи» . [2]
Исторические пьесы основаны на реальных исторических событиях. Они могут быть трагедиями или комедиями, хотя часто они не поддаются этим классификациям. История возникла как отдельный жанр во многом благодаря влиянию Уильяма Шекспира. Примерами исторических пьес являются «Деметрий » Фридриха Шиллера и «Король Иоанн» Шекспира . [7]
Опера-баллада, популярный театральный стиль своего времени, ознаменовала собой самую раннюю форму мюзиклов, исполнявшихся в американских колониях. Первый мюзикл коренных американцев, премьера которого состоялась в Филадельфии в 1767 году, назывался «Разочарование», и так и не продвинулся дальше своих начальных стадий.
Современный западный музыкальный театр приобрел известность в викторианскую эпоху, с ключевыми структурными элементами, установленными работами Гилберта и Салливана в Британии и Харригана и Харта в Америке. К 1920-м годам театральные стили начали кристаллизоваться, предоставляя композиторам автономию в создании каждой песни в пьесе. Эти новые мюзиклы придерживались определенных условностей, часто включающих тридцать двухтактовые песни. Великая депрессия побудила многих артистов перейти с Бродвея в Голливуд, преобразовав суть бродвейских мюзиклов. Похожий сдвиг произошел в 1960-х годах, характеризовавшийся нехваткой композиторов и снижением яркости и развлекательной ценности мюзиклов.
В 1990-х годах количество оригинальных бродвейских мюзиклов сократилось, и многие постановки адаптировали фильмы или романы. В мюзиклах используются песни для развития повествования и передачи тем пьесы, обычно в сопровождении хореографии. Музыкальные постановки могут быть визуально сложными, демонстрируя сложные декорации и актерскую игру. Примерами музыкальных постановок являются Wicked и Fiddler on the Roof .
Этот театральный стиль возник в 1940-х годах, когда Антонен Арто выдвинул гипотезу о влиянии выражения посредством тела, а не «социально обусловленной мысли». В 1946 году он написал предисловие к своим работам, в котором объяснил, как он пришел к тому, как он писал.
Прежде всего, Арто не доверял языку как эффективному средству общения. Пьесы в жанре театра жестокости демонстрируют абстрактные условности и содержание. Арто хотел, чтобы его пьесы оказывали влияние и достигали цели. Его целью было символизировать подсознание посредством телесных представлений, поскольку он считал, что язык недостаточен. Арто считал свои пьесы скорее инсценировками, чем реконструкциями, что указывает на то, что он верил, что его актеры воплощают реальность, а не воспроизводят ее.
Его пьесы затрагивали такие важные темы, как пациенты психиатрических лечебниц и нацистская Германия. С помощью этих постановок он стремился «сделать причины страданий слышимыми». Зрители, которые были ошеломлены увиденным, поначалу отреагировали отрицательно. Многие из его работ даже были запрещены во Франции в то время.
Арто отверг идею о том, что традиционный театр его эпохи мог предоставить зрителям катарсический опыт, который помог бы процессу исцеления после Второй мировой войны. По этой причине он тяготел к радиотеатру, где зрители могли лично связывать услышанные ими слова со своими собственными телами. Такой подход сделал его работу более интимной и индивидуальной, что, по его мнению, повысит ее эффективность в передаче опыта страдания. [8]
Этот жанр обычно представляет метафизические изображения экзистенциальных вопросов и дилемм. Театр абсурда отвергает рациональность, принимая неизбежность погружения в глубины человеческого состояния. Вместо того чтобы открыто обсуждать эти вопросы, театр абсурда воплощает их. Это оставляет зрителям возможность участвовать в личном обсуждении и размышлении над содержанием пьесы.
Центральным аспектом театра абсурда является преднамеренное противоречие между языком и действием. Часто диалог между персонажами резко контрастирует с их действиями.
Известные драматурги этого жанра включают Сэмюэля Беккета , Жана-Поля Сартра , Эжена Ионеско , Артура Адамова и Жана Жене . [9]
Термин «пьеса» может охватывать как общую концепцию, так и конкретно обозначать немузыкальную пьесу. В отличие от « мюзикла », который включает музыку , танцы и песни , исполняемые персонажами, может использоваться термин «прямая пьеса». Для короткой пьесы иногда используется термин «плейлет».
Термин «сценарий» относится к письменному тексту пьесы. После вводной части , которая включает название и автора, обычно начинается с dramatis personae : списка, представляющего главных героев пьесы по именам, сопровождаемого краткими описаниями персонажей (например, « Стефано , пьяный дворецкий»).
В контексте музыкальной пьесы ( оперы , оперетты или мюзикла ) термин « либретто » обычно используется вместо термина «сценарий».
Пьеса обычно делится на акты , подобно главам в романе. Краткая пьеса может состоять только из одного акта, известного как «одноактная». Акты далее делятся на сцены . Акты и сцены нумеруются, причем нумерация сцен сбрасывается на 1 в начале каждого последующего акта (например, за Актом 4, Сценой 3 может следовать Акт 5, Сцена 1 ). Каждая сцена происходит в определенном месте, указанном в начале сцены в сценарии (например, « Сцена 1. Перед клеткой Просперо ».) Изменение мест обычно требует корректировки декораций , что занимает время — даже если это просто нарисованный фон — и может происходить только между сценами.
Помимо текста, произносимого актерами, сценарий включает в себя «сценические указания» (в отличие от использования этого термина в blocking , который подразумевает расстановку актеров на сцене). Обычные сценические указания включают в себя входы и выходы актеров, например, «[ Exeunt Caliban, Stephano , and Trinculo .]» ( Exeunt — это латинское множественное число от exit, означающее «[они] уходят»). Дополнительные сценические указания могут определять, как должны быть произнесены строки, например, «[Aside]» или «[Sings]», или указывать звуки, которые должны быть воспроизведены за сценой, например, «[Thunder]».
Учебные материалы по теме Collaborative_play_writing в Викиверситете
